2018: Disco del Año, del Mes y "del Año"

The Brian Setzer Orchestra - Boogie Woogie Christmas

¡Qué carrera la de este hombre! Y siempre haciendo más o menos lo mismo, con todo lo bueno y malo que eso implica. Con los Stray Cats fue cabeza visible del movimiento de revival del rockabilly y el rock de los 50s, que surgió a principios de la década del ochenta, justo cuando el punk se empezaba a quedar sin nafta… y sin ideas. Estos pibes eran punks que sabían que había que moverse, un poco aunque sea, tampoco era cuestión de traicionar el espíritu.

Sin separar al trío, en el ’85, saca su primer disco como solista, The Knife Feels Like Justice, en donde daba rienda suelta al power pop, a las canciones de estribillos poderosos y a las guitarras de doce cuerdas al estilo The Byrds. Siempre con su sello, sus solos de guitarra patentados y una voz con presencia y fuerza.

A mediados de los noventa da un giro a lo que venía haciendo; se separan los Stray Cats y arma la Brian Setzer Orchestra, una big band como las de las grandes orquestas de la era del swing, un Duke Ellington con guitarras gordas de caja. Acertó otra vez. En el ’98 sale The Dirty Boogie, un disco que le gustó a todos, metaleros, punks, amas de casa, etcétera. Setzer de repente tenía más éxito que nunca, más que el que había tenido con los Stray Cats, la banda por la que será eternamente recordado. Podía hacer lo que se le cantaba, dicho sea de paso.

¿Qué onda con la navidad? ¿Por qué le dan tanta importancia en Estados Unidos? Todos sabemos más o menos o tenemos una explicación al respecto. Lo que nos importa acá es que nos ha dado canciones, miles de ellas, muchísimas. Varios discos navideños también, con mayor o menor nivel de oportunismo lo han hecho los Beach Boys, Elvis, Flaming Lips, Cheap Trick y hasta Mercedes Sosa, sin ir más lejos. Este es el primero de la Brian Setzer Orchestra -hay otro que viene después- y fue una pegada importante cuando salió, a principios de este siglo. Tiene el polémico “Baby, It’s Cold Outside” y lo canta con Ann Margret, está el que hacía El Rey en uno de sus propios Christmas Album, “Blue Christmas”, que roquea duro y parejo y hasta mete un original, de la mano de “So They Say It's Christmas”, al mejor estilo Sinatra.

El cuestionamiento de lo que significa o deja de ser la navidad, con discos como este, divertidos, fiesteros, sin más pretensión que la de pasar un rato bailando, riéndose o con la música de fondo, puede esperar al año que viene. ¡Mazel tov!






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Patti Smith - Trampin'

Convicción. Si hay que utilizar una palabra para describirla, tranquilamente podría ser esa. Fé ciega, también. Una humanidad asombrosa, en el más amplio sentido de la palabra. Y una verdadera rocker, por definición; alguien que usa sus limitaciones, sabe esconderlas y explotar al máximo sus virtudes.

Patti Smith hace poco sacó dos libros, el primero más bien autobiográfico y el segundo más abarcativo, menos acotado. Dos demostraciónes claras de su candidez, sus creencias, su fuerza espiritual. Si uno los lee, puede llegar a desconfiar y pensar que no es posible que alguien tenga tantos intereses, que se conmueva ante semejante cantidad de cosas. Pero Patti Smith no es cualquier persona y eso también se nota en seguida. En su música inmediatamente, pero también en sus escritos, su poesía y sus fotos. Son canales para probar su inquebrantable fé en el ser humano, en la trascendencia del hombre como género y especie. A priori alguien podría tratarla de ingenua, cualquiera que conozca aunque sea un poco su obra, sabe que no es así. Lo suyo es más bien mantener intacta la capacidad de sorpresa y el niño que uno lleva adentro, no por nada tiene más de setenta años y, mientras muchos a esa edad ya dan lástima de varias formas diferentes, ella todavía sigue dando batalla y haciendo que la vida sea algo que vale la pena.

Es humana en todo sentido, cuando tenía treinta años tenía pinta de que se comía el mundo, parecía un poco arrogante, muy pagada de sí misma, pero respondía con música, huevos y actitud. Vale recordar que la pegó con su primer disco, con Horses, no vamos a exaltar sus virtudes a nadie que esté leyendo estas líneas porque no hace falta. Después, a mediados de los ochenta hizo un parate para criar a sus hijos y ocuparse de su marido enfermo. A partir de ahí sus apariciones se fueron haciendo espóradicas y su música y su persona (o “personaje”) ganó en peso, sabiduría y aplomo. Puede que haya perdido en fuego o en agresividad, pero escuchen “Radio Baghdad” en este disco y verán a alguien que todavía tiene mucho por probar.

Dicen que sobre gustos no hay nada escrito, pero todos sabemos que el noventa por ciento de lo que se escribe ES -precisamente- sobre gustos y para mí, cuando Patti Smith arde de verdad, es cuando deja un poco de lado sus pretensiones literarias y se acuerda de aquello que la volvió loca cuando era una niña. Es a lo que le cantaba en aquel histórico primer LP: “En las sábanas había un hombre, bailando al compás de una simple canción de rock and roll”.







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Video de la Semana: The Builders and the Butchers - Golden and Green

¡Qué buena banda esta! Tuvieron un momento en que se los nombraba con frecuencia, a fines de la década anterior, pensé que habían desaparecido y resulta que el año pasado sacaron disco nuevo.
Esta es de Salvation Is a Deep Dark Well, del 2009.

The Smiths - Panic

No soy fan de Smiths y menos de Morrissey, a quien igualmente seguí hasta el disco Years of Refusal. Puedo ver que los tipos son buenos, aprecio las cualidades y cuando escuchás una buena compilación de singles te das cuenta, entendés a esa gente que se rasga las vestiduras por ellos o él como solista. Los discos siempre fueron relativamente fáciles de conseguir.

¿Quién no quiso ahorcar al DJ? ¿Quién no se siente conmovido por eso de "la música que ponen no significada nada para mí"? Si sos adolescente y te agarra con la guardia baja te creés que esto es un manifiesto. Y la música ayuda, mucho, según dicen Johnny Marr quería componer un himno. Vaya si lo logró





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La primer aparición de "Panic" es en un single con "Vicar In a Tutu" en la cara B. Podés encontrarlo por todos lados y de manera menos trabajosa -y onerosa- en estos días privativos; está en los compilados Louder Than Bombs y también en The World Won't Listen, ambos clásicos absolutos, a la par de la discografía oficial de la banda.
Panic [single de 7 y 12"] (1985)

The Devil Makes Three - Chains Are Broken

“Veo la tormenta tomando fuerza y el viento que va aumentando, puedo ver el agua abriéndose, su boca tan grande, como para que te trague entero” cantan al principio de “All Is Quiet”, al final del lado A. Uno de los grandes temas del disco, una balada a medio tiempo, oscura, como si Johnny Cash se diera una vuelta por el barrio de The Coral, al otro lado del Atlántico.

La canción, la vieja y querida canción, la que se arma con un par de estrofas, algún que otro solo del instrumento que se tenga a mano y un par de estribillos, parece estar más vigente que nunca. Está bien; nadie hoy en día te va a poner una doble página con la foto super-producida en el diario matutino, obligándote -metafórica y literalmente- a escuchar a la supuesta banda del momento, pero vos la podés encontrar, con un poco de criterio y separación de paja y trigo, está ahí, sigue vigente y ardiendo. The Devil Makes Three lo sabe y muy bien, siguien rezando en el altar de los cuatro acordes bien puestos, un corazón roto y un poco de participación y complicidad por parte del que se ubica al otro lado del parlante.

En la página de Internet se declaran seguidores de la literatura de Baldwing, la desilusión de Hemingway y los nubarrones gótico / sureños de Flannery O’Connor. Si le pegás una mirada a la lista de temas del disco de covers que sacaron hace un par de años (el anterior a este) podés entender de dónde vienen musicalmente hablando; Muddy Waters convive alegremente con Tom Waits y Robert Johnson se da la mano con Hank Williams, Willie Nelson y Kris Kristofferson. A priori puede sonar a viejazo pero no, nada de eso.

Chains Are Broken es el sexto y último disco de estudio a la fecha y es otro golazo. Ya me habían llamado la atención con I'm a Stranger Here, del ’14 y la cosa sigue por buen camino. Como novedad salta en seguida la presencia de un baterista en todas las canciones, dejando un poco atrás el formato de trío de dos guitarras y contrabajo con el que venían trabajando. Para hacer un resumen concreto se trata de un disco de guitarras y canciones, afirmado en cierta tradición milenaria pero con un pié firme en el presente, esto nunca suena a herrumbre y no necesitás de ningún bagaje para disfrutarlo. ¿Alguien dijo moderno al fin y al cabo? Puede ser… ¿Por qué no?







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5 Tapas 5: Mariposón

Con: Mercury Rev, The 5^th Dimension, A Passing Fancy, Eloy y The Mission [UK]

5 Canciones 5: Funkadelic, Last Shadow Puppets, Bowie, Peter Case y The Flirtations

Standing On the Verge of Getting It On
Funkadelic

Muchos conocen el tema en que Clinton le dijo a Eddie Hazel que toque como si su madre hubiese muerto, de Maggot Brain. Acá también, el guitarrista descolla, la pisa y la amasa. En uno de los discos más roqueros de P-Funk (otro podría ser One Nation Under a Groove, se me ocurre) y de la época en que George Clinton era el Rey de Midas; todo lo que tocaba -o casi- se convertía en oro. La traducción podría ser algo como "parado al borde de empezar a coger".

Aparece originalmente en: Standing On the Verge of Getting It On (1974)

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My Mistakes Were Made for You
The Last Shadow Puppets

Se puede decir que Alex Turner -de Arctic Monkeys- es la última gran estrella de rock de la era moderna, justo antes de la nebulosa extraña en que vivimos hoy en día, en que nadie compra un disco y nadie se gastaría -ni invertiría- la plata que hace falta para grabar un disco como el primero de su banda paralela, con Miles Kane. Cuando aflojan el nervio y el vértigo de ser Scott Walker por un instante es cuando el disco brilla de manera incandescente, como en este temazo. Brillante.

Aparece originalmente en: The Age of the Understatement (2008)

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The Secret Life of Arabia
David Bowie

¿Qué decir del Duque Blanco? Medir el peso de su gigantesca obra es imposible. Su influencia, sobre todo en músicas "subterráneas", su buen gusto, sus exploraciones... no hay mucho para aportar al respecto. Este temazo cierra el segundo disco de su famosa Trilogía de Berlín y es Bowie en su máximo estado de gracia y pureza. Una melodía marciana y una armonía más rara todavía. A pesar de eso el tema es perfectamente escuchable y hasta se podría decir que es pegadizo. La magia se hace presente.

Aparece originalmente en: "Heroes" (1977)

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Lost In Your Eyes
Peter Case

Siempre lo van a recordar por haber sido parte -y líder- de los Plimsouls, una de las grandes bandas de la era de oro del power-pop, pero como solista tiene un catálogo inmenso en donde da rienda suelta a su enciclopédico conocimiento de la música popular moderna. Bluegrass, rockabilly, baladas soul... todo le sale bien y con sello propio a Peter Case. Hasta algo bastante parecido a un tango, como este temazo de su séptimo disco de estudio como solista.

Aparece originalmente en: Flying Saucer Blues (2000)

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South Carolina
The Flirtations

El éxito de las Supremes, con Diana Ross a la cabeza, las Marvelettes, Vandellas, Gladys Knight y demás grupos de chicas con gusto a soul orquestado trajo un millar de imitadores. Algunos de cuestionable calidad y otros como las Flirtations, que tienen un disco debut buenísimo. La mayoría de las canciones del LP las escribe el dúo inglés Waddington / Bickerton. Éste no fue el single pero podría haber sido, con esa línea de bajo, las estrofas melancólicas y el estribillo emotivo. Temazo.

Aparece originalmente en: Sounds Like the Flirtations [también editado como Nothing But a Heartache] (1969)

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Video de la Semana: Crippled Black Phoenix - Scared and Alone

De Bronze, del 2016.

Disco del Mes: The Staple Singers - Be What You Are

The Staple Singers
Be What You Are
1973










Stax

The Beatles - ídem [El Álbum Blanco]

Hablar objetivamente de los Beatles es imposible, no tiene mucho sentido; ya se ha dicho todo. La gente tiene una relación personal con ellos, hablamos de los integrantes sin el apellido, como si fuera un amigo cercano o el vecino. ¿Por dónde empezar a hablar a la hora de escribir sobre la banda más grande de todos los tiempos? Del impacto sísmico que tuvieron en la vida moderna ya se ha dicho mucho, de la calidad de las canciones también. No queda otra que hacerla personal, contar una vivencia propia, individual, al menos eso es lo que se me ocurre ahora.

Se cumplen cincuenta años de la aparición de The Beatles, el único doble de los Beatles, conocido por todos como El Álbum Blanco. Por supuesto que Paul está dispuesto a seguir sacándole rédito a su gallina de los huevos de oro y ahora sale una nueva edición con demos, material inédito, sonido mejorado y vaya uno a saber qué otra mentira. No lo necesitamos, no necesitamos más nada, con lo que tenemos está perfecto. El fondo de la olla se terminó de rascar con los Anthology, hace ya… ¡más de veinte años! Ahí terminó de salir todo lo que hacía falta, en realidad era para fanáticos, de lo contrario, con lo que ya existía estaba más que bien.

El Álbum Blanco es el primer disco importante de mi vida, el primero que me costó dilucidar, el que tuve que desentrañar con no poca inversión de tiempo y neuronas. Primero no me gustaba, lo odié, prefería las primeras canciones, tenía algún que otro compilado (¿se acuerdan de aquel 20 éxitos de oro?) y esto era un mundo nuevo. Como casi cualquiera sabe -o debería- en esta época eran cuatro solistas grabando juntos, ya no eran los Beatles de A Hard Day's Night, que corrían de un lado para el otro y andaban siempre juntos. Por primera vez, en varios temas hay otros miembros ausentes en la grabación, cambios de instrumentos y roles, McCartney toca la batería en varios, hay muchos en los que Lennon ni aparece, otros en los que sólo está Harrison y demás combinaciones que me partieron el alma al enterarme. De hecho, nunca quise saber del todo, no quiero que me digan que mi Papá Noel ya no existe. 

Con un amigo tocábamos con raquetas de tenis mientras lo escuchábamos, teníamos nuestros favoritos, con menos de quince años uno puede imaginarse cuáles eran. Salteábamos siempre “Revolution 9” porque nos daba miedo, mucho tiempo después supimos que George Martin, el único e indiscutible quinto Beatle, luchó hasta último momento para dejar afuera el experimento drogón de John y Yoko y que también discutió para que el disco no sea doble, que hagan una edición, un recorte. Menos mal que no le dieron bola. El Álbum Blanco es perfecto con sus falencias, o mejor dicho gracias a ellas, es así como está y a mi me costaría mucho sacar cualquiera de los temas. Incluso los que tienen olorcito a relleno salen adelante, por lo buenos que eran los tipos, siempre tenés algo para admirar en una grabación de ellos; “Piggies”, de George, excelente, resentido y anti-todo, “Wild Honey Pie”… qué bien tocado y cantado, "Ob-La-Di, Ob-La-Da"... la letra es buenísima ¡y tocan ska! El tema del final que canta Ringo… hoy lo uso para dormir a mis hijos… los Beatles siguen afectando el curso de mi vida. Lo mismo debe pasar con una importante cantidad de la población mundial, para hablar un poco de nivel de influencia cultural.

Siempre me sorprendo cuando escucho a algún músico jactarse de que no le gustan los Beatles, me imagino un albañil al que no le gustan los andamios o un camionero con alergia al volante. ¿De dónde sacan todo lo que te enseñan los cuatro de Liverpool? Creo tener la respuesta para esa última pregunta; no lo tienen, se lo pierden. Cuando uno escucha la música que hacen, se nota en seguida. Una lástima.







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Paul McCartney - Ram
Todd Rundgren - Something / Anything
The Posies - Frosting On the Beater

Video de la Semana: Papas Fritas - Way You Walk

¿Se acuerdan cuando los Papas Fritas eran algo así como la banda favorita de cierto sector muy snob de la prensa musical? No pasaron del tercer disco, que tenía este tema, Buildings and Grounds, del '00.

Mark Lanegan - Whiskey for the Holy Ghost

Un silbido arriba de una música de circo, de cajita musical, es lo primero que se escucha. De esas que tanto hemos visto en películas, en escenas en donde pronto va a pasar algo malo, esas películas que podrían considerarse góticas, del costado del camino. Un pueblito semi abandonado, gente que fuma y toma mucho, un crimen o varios, religión, pecado, redención y herejías. Introducción perfecta para Whiskey for the Holy Ghost, el segundo disco como solista de Mark Lanegan, cuando todavía estaba al frente de los Screaming Trees, a mediados de la década del noventa.

En el segundo tema entona la frase que dá título, en “Borracho” (sí, en español el título) canta, con la voz atiborrada de tabaco, algo así como “ahí viene el diablo, arrastrándose, un whiski para cada fantasma y me arrepiento de lo que hice, porque soy quien sabe lo que ha costado”. Sustancias, espíritus, culpa, los temas que obsesionan a Lanegan desde siempre. ¿Y la música? Inmejorable. Un tornado de guitarras y un baterista a punto de enloquecer, compenetrados en hacer la música perfecta para retratar la historia sórdida. Por supuesto que no todo es sangre y barro en Lanegan, cuando canta una balada te desarma y te saca hasta lo que no tenés. Es lo que pasa inmediatamente después, en “House a Home”, que fue el single del disco en su momento y que tenía un video digno de volver a ver. Un temazo, la elección como corte de difusión es tan obvia como acertada.

Para esta época todavía le quedaba un disco por hacer con sus compañeros de Seattle, Dust, del ’96, pero lo que hacía y mas o menos sigue haciendo como solista es otra historia, con puntos en común y diferencias, hay continuidad y consistencia pero también evolución, ganas de ir a explorar otros terrenos. Esto sería antes de las mil colaboraciones de Lanegan, con Queens of the Stone Age, con Greg Dulli de los Afghan Whigs, con Isobell Campbell y la lista podría seguir un buen rato.

Hay un nivel de credibilidad que inquieta en los discos de Lanegan como solista, sobre todo en los dos primeros (éste y The Winding Sheet) una sensación de que algo está muy mal. El tipo está sufriendo y la música lo transmite de inmediato, podés no tener la menor idea de lo que está hablando pero la atmósfera y el clima de opresión te lo dicen todo, escuchás “Riding the Nightingale” y queda clarísimo; es una balada, pero no es lo mismo que la anterior, acá no hay comodidad, acá hay un ruego, un pedido de salvación. Algo que claramente consiguió, porque si bien sigue haciendo música y de la mejor, con discos enormes como el reciente Blues Funeral o el flamante With Animals, con Duke Garwood, el nivel de tristeza y desolación de Whiskey for the Holy Ghost no iba a reaparecer.

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Screaming Trees - Anthology: SST Years, 1985 - 1989
Mark Lanegan - I'll Take Care of You
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5 Tapas 5: auto-referencia

Con: The Damned, Boudewijn de Groot, Guru Guru, Pink Floyd y Utopia (la banda de Todd Rundgren)

5 Canciones 5: American Music Club, Fairport Convention, Beck, Anna Ternheim y Carole King

California Dreamin'
American Music Club

Esperás un poco cuando termina San Francisco, séptimo disco de estudio de la banda de Mark Eitzel y cia., y aparece la versión del super clásico de The Mamas & the Papas. Tema gastadísimo, aparece en cualquier compilación de segunda categoría... ¿habrá alguna manera de encontrarle alguna vuelta? Por lo visto -y oído- sí. Vieniendo de una banda como esta puede pensarse que la elección es un poco irónica, además no aparece en la lista de temas (un track oculto en el CD... ¡que antigüedad!) pero lo cierto es que funciona y perfectamente.

Aparece originalmente en: San Francisco (1994)

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Poor Willy & the Jolly Hangman Fairport Convention

Full House es un disco importante en la carrera de los pioneros del folk inglés, es el primero sin la gran Sandy Denny, que se fue para formar Fotheringay. Ashley Hutchings, otro miembro fundador, se había ido a Steeleye Span y sería el último con Richard Thompson. Si querés saber por qué este último es un verdadero héroe de la guitarra, para ubicar al lado de todos los próceres ya bañados en bronce, no tenés que hacer más que someterte a los cinco minutos de duración de este temazo.

Aparece originalmente en: Full House (1970)

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Lord Only Knows
Beck

El disco más famoso y reconocido de Beck es el que tiene este tema, Odelay, aullando "década del noventa" a los cuatro vientos. ¿Merece la fama que tiene? Sí. Es innovador, tiene de todo y para todos, usa bien los samplers y hasta tiene hip-hop mezclado con country. Hay chistes sutiles por todos lados, como cuando corta y aparece un solo de guitarra con pretensiones de guitar-hero muy mal tocado, a propósito, claramente. Beck canta con los ojos rojos, si se puede decir que eso que hace es cantar...

Aparece originalmente en: Odelay (1996)

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Bow Your Head
Anna Ternheim

Nacida en Estocolmo, Suecia, tiene menos de cuarenta años y siete discos en su haber. Una de las cantautoras más consistentes y creíbles de los últimos años, música sin fecha de vencimiento, con raíz en el pasado pero sin fruncir el ceño a la actualidad ni al futuro. Son canciones que podrían haber sido hechas hace cuarenta años y "Bow Your Head" es un punto altísimo. Instrumentación escasa pero precisa, un cuarteto de cuerdas y no mucho más, todo en su punto justo, balanceado.

Aparece originalmente en: The Night Visitor (2011)

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Haywood
Carole King

Otra prueba de que Curtis Mayfield y Superfly, Shaft y todo el R&B de principios de los setenta influenciaron a todo el mundo, incluso a Carole King, la autora de Tapestry, uno de los discos más vendidos de todos los tiempos. "Ese tipo no es tu amigo... ¿acaso no tuviste demasiado de eso?" le pregunta al protagonista de la canción. Es poco probable que haya pasado demasiado tiempo en los barrios pobres, pero la canción le sale bien, está impecablemente arreglada y tocada como los dioses. Las líneas de bajo destacan y los bronces son una delicia auditiva.

Aparece originalmente en: Fantasy (1973)

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Thin Lizzy - Having a Good Time

¡Qué banda... qué temas... que actitud! Y... ¡qué voz!. Phil Lynott, el último superheroe del rock and roll. Música heróica hecha por héroes. Hoy en día no quedaría bien, el mundo cambió, para bien o para mal.

Podría haber elegido al menos treinta temas de la banda más grande de Irlanda pero elijo este porque está en un disco que no es tan clásico, no es tan conocido y porque debe ser el tema de ellos que más escuché en mi vida.

Otra vez, es todo; la intro con guitarras acústicas, el arreglo con el que entra toda la banda, la batería del gran Brian Downey... Pero sobre todo el climo festivo que transmite el tema, en la parte antes del solo, cuando Lynott le grita al guitarrista algo como "Snowy... golpeame lo más duro que puedas" o algo por el estilo. Rock and roll. Puro y duro.





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Encontrala originalmente en:
Disco número diez de Thin Lizzy, el que viene después del enorme Black Rose: A Rock Legend. No es considerado un clásico pero, como todos los discos de la banda, tiene al menos cuatro o cinco temazos. Snowy White entra en la guitarra para reemplazar a Gary Moore.
Chinatown (1977)

Video de la Semana: Spoon - Sister Jack

Del sexto disco de estudio de Spoon, Gimme Fiction, del '04. Como dato al pedo se puede agregar que el tema aparece en la película Los Rompebodas, con Owen Wilson y Vince Vaughn.

Oasis - Dig Out Your Soul

‘Mejor arder que desvanecerse’ escribió Neil Young, allá lejos y hace tiempo. ¿Habrá escuchado la frase Noel Gallagher o habrá sido mera coincidencia? Cuando eran la banda más grande del mundo (te guste o no, en un momento lo fueron) tenía canciones de sobra, sacaban singles y EPs con temas que no estaban en los discos de estudio y todo era de bueno a brillante. A partir del tercer disco, Be Here Now, la cosa se fue a pique… en público. Siempre fueron una banda “pública”, para bien y para mal. Supieron bien aquello de que la mala publicidad no deja de ser publicidad y lo usaron. Y hartaron. Para cuando salió Dig Out Your Soul ya no le importaban a nadie y, si uno lo ve a la distancia, es lógico y entendible.

En Dig Out Your Soul parecen decir algo como “ya no nos importa más nada, el barco se viene abajo, hagamos lo que se nos canta” y eso es lo que hicieron. Nunca se entendió del todo la comparación de Oasis con los Beatles, por ahí el link viene por el lado de que las dos bandas son de clase trabajadora, pero las similitudes terminan ahí. Oasis siempre fue una banda con serias limitaciones, aunque lo que hacían, cuando lo hacían bien, era infalible. Eran una máquina de tirar hits. Esos dos primeros discos de estudio son una manual de rock de estadios, con los dardos apuntados a las masas, al coro de borrachos, al karaoke más ordinario y fiestero. Si tenés algún problema con ese tipo de canciones, ya podés ir dejando de perder tiempo en esta reseña.

Habían salido de gira con los suecos The Soundtrack of Our Lives y en “Bag It Up”, la bestia de guitarras en once que arranca el LP, parecen hacer un guiño a la banda de Ebbott Lundberg y compañía. Es todo a lo bestia, sacrificando gancho por fuerza, por polenta guitarrera, con su correspondiente crescendo, psicodélico carente de cualquier tipo de sutileza. En “The Turning” hasta Liam Gallagher, uno de los personajillos más cuestionables de esta historia, hace lo que tiene que hacer y se deja de joder, le pone su voz de Johnny Rotten moderno a un estribillo ideal para ir a agarrarse a trompadas con quien se ponga enfrente. El resto es más o menos lo mismo, en el buen sentido de la palabra. Esto es música de guerra, directa, palo y a la bolsa, fuerte, todo lo fuerte que puede ser una banda de pop británico de Manchester, por supuesto, no estamos hablando de esos otros géneros que sin distorsión dejan de existir.

Dig Out Your Soul no le cambió la vida a nadie, no tuvo esa intención. Roqueó fuerte y se dejó atrás ciertas mañas que venían molestando. Si había que dejar un epitafio para una banda como fue Oasis, era este disco. Ni más ni menos.







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Mando Diao - Give Me Fire

Disco del Mes: The Jayhawks - Back Roads and Abandoned Motels

The Jayhawks
Back Roads and Abandoned Motels
2018










Legacy

Grant-Lee Phillips - Widdershins

¿Se puede hacer música, cine, literatura -o lo que sea- ignorando la realidad? ¿Dejando pasar los avatares de la sociedad y el mundo que nos rodea? Muchos lo hacen y habrá quien diga o piense que no tiene menos validez que aquel que tiene empatía por la humanidad como especie. No falta tampoco el otro extremo; la protesta sin demasiada reflexión, sin metáfora, evitando cualquier tipo de resignificación y cayendo, de manera inevitable, en el panfletarismo más raso y el trazo grueso. Para hacerlo hay que hacerlo bien y es lo que hace Grant-Lee Phillips en su disco de estudio número nueve como solista.

Un brevísimo repaso a su carrera no viene mal. Empezó en la segunda mitad de los ochenta con Shiva Burlesque, una agrupación difícil de definir, a contramano de todo. Siguió con Grant Lee Buffalo, una de las grandes bandas olvidadas de los noventa, con quienes hizo cuatro discos de estudio excelentes, que tuvieron no poca repercusión en su momento. Como solista hizo un poco de todo, siempre se animó a probar, a experimentar, siempre con la canción como punto de referencia y objetivo final.

Widdershins es un disco que retrata con amargura los tiempos que vivimos, con sorpresa, viendo cómo el mundo gira a la derecha irremediablemente, con Trump a la cabeza de una corte de asesinos iletrados sin escrúpulos, cuando el Dinero es el único Dios que importa. El título del disco podría traducirse como “el que va en contra de la dirección del sol”, una buena forma de dar una idea general. El mayor hallazgo y triunfo definitivo del disco es cómo se las arregla para decir verdades de manera oblicua, en ningún momento vas a escuchar la palabra “sociedad” o “sistema”, el error más común cuando hablamos de protesta. En cambio, lo que hace Grant-Lee Phillips, es apostar a la cita poética, a la referencia y al guiño, así aparece Casandra, la profeta griega que disparaba sentencias y nadie la creía o “The King of Catastrophes”. Lo más cerca que llega al palazo directo es “Totally You Gunslinger”, que podría traducirse como “bien a tu manera, pistolero”. Un disco como Widdershins tiene que tener un himno triunfal, uno de esos para cantar a grito pelado y hacerle frente a todo y ese tema es “Liberation”, uno de esos estribillos emotivos e inolvidables... que probablemente pase sin pena ni gloria en esta era de desinterés generalizado.

Valentía es la palabra que podría definir a Grant-Lee Phillips, en un momento en que muchos optan por hacer la vista gorda o, en el peor de los casos, ponerse del lado de los oscurantistas. Valentía y canciones, claro.







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Woody Guthrie - Dust Bowl Ballads
Grant Lee Buffalo - Storm Hymnal: Gems from the Vault of Grant Lee Buffalo
Kristin Hersh - Hips and Makers

Video de la Semana: Doves - Kingdom of Rust

El tema que da título al cuarto y último (hasta la fecha) disco de Doves, Kingdom of Rust, del 2009.

5 Canciones 5: The Devil Makes Three, Fats Domino, Chango Spasiuk, My Morning Jacket y The Lonely Boys

Waiting Around to Die
The Devil Makes Three

Estos son de Santa Cruz, California y ya llevan hechos seis discos de estudio, el último editado este año, hace unos meses. Este es el anterior y es de versiones. Con un concepto atrás; la noche y sus pecados y el día después, la resaca, la culpa... redención y ruina, como su título bien lo indica. Acá hacen un excelente cover de una de las canciones inmortales de Townes Van Zandt, con una vuelta de tuerca, una apropiación, una versión con todas las letras.

Aparece originalmente en: Redemption & Ruin (2016)

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Nazareno
Chango Spasiuk

El último disco de estudio a la fecha del Chango Spasiuk es una demostración cabal de dos de sus grandes virtudes. Por un lado su impresionante humildad y ausencia de ego (o aires de divo) y su eterna búsqueda de cruzar límites y borrar fronteras. La música es una sola, lo demás es secundario parece decir en cada uno de los compases. Esto es música popular en el buen sentido de la palabra, sin ser demagogo ni ordinario. Nunca va a ser masivo con esto pero su aporte es estético, moral y justiciero.

Aparece originalmente en: Otras músicas (2016)

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Apple In the Mud
The Lonely Boys

El sueco Per Gessle siempre tuvo olfato para el hit radial, para esos temas que con una sola escucha se te imprimen para siempre. ¿Alguien se acuerda de Roxette hoy en día? Forma los Lonely Boys a mediados de la década del noventa para hacer la música de una película y de acá viene este disco de power pop y rock de garage guitarrero, una pequeña maravilla de canciones brillantes. Suenen guitarras al viento... como cantaba El Gitano. Atención también a su disco doble del '05, Son of a Plumber.

Aparece originalmente en: The Lonely Boys (1994)

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I'm Gonna Be a Wheel Someday
Fats Domino

Capo absoluto, inventó el rock 'n' roll, debería ser recordado a la altura de Little Richard, Chuck Berry, Bo Diddley o cualquiera de los pioneros del género, de la música del diablo. Pero claro, Fats Domino era gordito, bonachón y de Nueva Orleans. Adentro de su bolsa cabían una buena cantidad de géneros y tocaba el piano como Jerry Lee Lewis. Agarrá cualquiera de sus grandes temas y calculá la influencia y vigencia de su música. Como este, por ejemplo.

Aparece originalmente en: Let's Play Fats Domino (1960)

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Big Decisions
My Morning Jacket

Uno de los grandes discos en lo que va de la década. The Waterfall, disco de estudio número siete de los oriundos de Louisville, Kentucky, tiene esta joya del gran rock de la era moderna, actual o como te guste llamarla. Guitarras fuertes, personalidad, riff que se repite, estribillo circular, la voz super aguda y las letras místicas de Jim James... todos los ingredientes necesarios para hacer algo trascendente, memorable.

Aparece originalmente en: The Waterfall (2015)

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Jethro Tull - Ring Out, Solstice Bells

Este fue mi primer contacto con lo que se podría llamar música rock con influencias de folk inglés. De la época que te llevabas un disco de Tower Records, lo grababas en cassette (sí señor, en un pedorrísimo cassette) y lo devolvías para llevarte el CD que finalmente te quedabas. Un pequeño curro que, en la era pre-internet, ayudaba mucho a los oyentes voraces sin dividendos.

Qué banda Jethro Tull, qué nivel de originalidad, no se parecen a nadie, ni siquiera a sus compañeros de generación. ¿Qué tiene que ver esto con ELP o Yes? Absolutamente nada. "Ring Out..." te transporta a una época, a una era que ya no existe y que, en realidad, nunca existió. La voz de Ian Anderson es rarísima pero la sabe usar, la letra... nunca le presté atención pero el título me deja hacer mi propia película. Como toda la gran música.





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Encontrala originalmente en:
En plena fiebre de punk rock sale este discazo, dando por tierra aquello de que el punk mató al rock progresivo. El otro día leía que en realidad lo que mató al dinosaurio fue la música disco, mucho más popular que las crestas y el cuero negro. A pesar de que no es considerado imprescindible, es un disco apreciado y querido por los fanáticos de Jethro Tull.
Songs from the Wood (1977)

The Eric Burdon Band - Sun Secrets

Horacio "Bombacha" Embón, el cronista exaltado

NOTA: los datos que aqui se pueden obtener sobre la obra y vida de Eric Burdon, no sólo no están chequeados sino que han sido pasados por el tamiz de un cronista en completo estado de exaltación. Dicho y aclarado esto, prosigo:

Dentre las bateas del flaco Acosta asomó y a precio regalado.

Uno de esos que sabes, no pueden fallar, la talla es grande y el año: 1974.

No solo eso, los ecos de WAR y cantar (muchas veces gilada) arriba de una base tocada por los afroamericanos mas negros y mejores músicos de su tan querida California, se hacen presentes en un nuevo formato, dejando atrás la golosina funky, optando por un terreno más bien muy rockeado y tocado con solvencia por unos negros menos negros que se juntaron con el petiso, grabaron esta obra maestra y se vieron destinados a perecer en el más puro e indiferente anonimato debido a la negativa del enano a lanzar Sun Secrets al mercado discográfico del momento.

Salió a posteriori en el '75, año en el que es sabido Eric Burdon abandonó sus intentos en solitario para años luego volver a robar con The Animals, antes de que sean tan malvadamente interrumpidos en el '77. Durante esos dos años, Eric Burdon se dedicó al fly-fishing por un tiempo instalándose en San Miguel del Monte para luego hacer definitivo su destino en Bahía Blanca, lugar en el que luego bautizó un Ford Falcon de un militar muy jodido de la época. Luego regresó a L.A. y "nunca más volvió" comenta Matildo, un lugarteniente de la zona de Pergamino.

Para empezar, voy a decirles que el lado A de esta reliquia no tiene parangón alguno en relación a las canciones que compone, ya que si bien son clásicos de la era de The Animals junto a Mickie Most, aqui suenan versionadas, sólamente cayendo en algunos clichés básicos de las composiciones originales. Todo el alegrón adolescente británico que acaecía por esos primitivos años de comienzo de la década de los '60, aqui se enroca por el más podrido conjunto típico de componentes de rock valvular, algún que otro eco de ácido lisérgico de la era solista junto a The New Animals y con el foco absoluto puesto en distorsión, delay, feedback y un sinfín de yobur roñoso que hacen que las canciones sean prácticamente maltratadas (para bien) de forma que Eric pueda chillar como una oveja toda empapada de Fritolín. Vamos a los bifes: la placa arranca con el clásico inoxidable: "It's My Life". En ella Eric canta la posta de que va hacer lo que se le venga en absoluta gana y ya de por si nos da un indicio de las intenciones de este árgun. Una versión muy rockeada de entrada, en la que podemos notar una banda totalmente ajustada a los caprichos del susodicho.

El segundo track, un tema del disco Love Is: "Ring of Fire" (traducido como anillo de cuero en algunos países), se caga tremendamente en su formato original, para resultar en un chicle nuevo que nunca, pero nunca dejará de tener gusto. Un verdadero highlight en la discografía integra del petiso. Para el tercer tema, la cosa se va bien pero bien a la mierda: un medley de esos a los que nos acostumbró Burdon en los discos con WAR que consta de 2 temas, uno medio tapado de The Animals: "When I Was Young" para terminar con "War Child", canción que funciona como coda resultando en un experimento de puro ruido, chillidos, gritos alucinantes y locura infernal. Luego, el 4to y último tema de la cara A: "The Real Me". Un tema nuevo que rockea derecho y parejo, y del cual saco algunas similitudes con The Who de la era Quadrophenia (y no solo por el tema de igual nombre que contiene dicha placa). Un tema para montar en pelo a sol y sombra, con un Eric Burdon que da cuenta de su enojo cuando tuvo que disfrazarse de la pantera rosa en el trencito de la alegría y no lo dejaron hacer su famosa doble mortal por temor a que rompa la parte superior del traje, que ya bastante descocida estaba.

Lado B:

Como era de esperarse al tema: "Don't Let Me Be Misunderstood" se le ha faltado el respeto de forma cruel: básicamente solo el icónico riff queda de su versión original y la melodía del estribillo está cambiada de forma tal que si quisiéramos cantarla vamos a quedar con los dientes desparramados por el piso. De todas formas, amé con toda mi bombacha este intento irrespetuoso de cambiar un viejo clásico en favor de rockearlo y hacerlo más misterioso. Podemos decir que hasta acá llegamos, pero nos quedan dos temas que tranquilamente podrían haber sido editados en discos como Every One of Us o Winds of Change. "Letter from the County Farm" resulta en un relato de trece minutos en el que el enano tira absolutamente cualquiera, fiel a su estilo, con su vozarrón del cual él mismo se nota enamorado, y que funciona como un canto apaciguado en cuatro secciones, que cae en mismas cantidades, y de forma intempestiva, en un estribillo tremendamente inesperado y memorable. Para cerrar la obra maestra: "Sun Secrets", tema que da nombre al disco: el único que podríamos fácilmente ignorar dentro de este maremagnum de intensidades, se trata de una rola instrumental cálida y que sirve para cerrar un disco realmente fenomenal y poco conocido de nuestro héroe.

Eric Burdon, petiso bravo y caprichoso que nos ha regalado una obra musical inconmensurable y que será recordado como una de las voces fundamentales del rock y que ha inspirado a miles, hoy vive una vida tranquila en Balcarce, provincia de Buenos Aires y es acérrimo seguidor del TC 2000 teniendo entre sus laureles obtenidos por su carrera musical, una pequeña malaquita que perteneciera a Don Juan Manuel Fangio.

Sin otro cantar, aqui se despide:

Horacio "Bombacha" Embón.

Escuchar en YouTube o en Spotify.







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