miércoles, 22 de febrero de 2017

Grant McLennan - Horsebreaker Star


A veces uno tiende a minimizar la importancia de los sellos discográficos pero dando vuelta este disco ves claritos dos logos; Beggars Banquet y Atlantic, uno de los sellos independientes que son garantía de calidad y el que quizás sea el sello “grande” más importante de todos los tiempos, respectivamente. Claro, ahí entendés todo, por ahí Grant McLennan no sea un tipo demasiado conocido, su banda histórica, los Go-Betweens, fueron y serán una banda de culto, cultores de un pop cerebral y a la vez no pretencioso (sí, ellos hicieron ese antagonismo posible) y apreciados sólo por quienes realmente nos interesamos por esto y él, como solista, hizo cuatro discos antes de una muerte prematura.

A esta época -primer mitad de los noventa- de la música del siglo veinte todavía no le llegó el revival, recién ahora se están reeditando tímidamente discos como Green o Out of Time de R.E.M. Discos de pop elegante, entendido desde el punto de vista de los Beatles o el XTC tardío, ese que prioriza la canción ante todo y no le importa no ser rockero ni caer en ningún tipo de impostura. El revival de la psicodelia sixtie llegó, el hard rock de los setenta ni hablar y hasta la famosa C86 británica pero esto no, todavía no.

Horsebreaker Star es el tercer disco como solista de Grant McLennan, su primer doble y está absolutamente plagado de canciones perfectas, como prácticamente el noventa y cinco por ciento de los discos dobles resulta levemente excesivo y podría haberse beneficiado con un poco de auto-edición pero esa es una cuestión que tiene más que ver con nosotros y nuestro despreciable nivel de concentración que con el disco en sí. Encontrar una canción que no brille por el nivel de su factura o artesanía es un verdadero desafío acá, el nivel es admirable, muy sólido. Para los que estamos quemadísimos quizás sea preferible escuchar la edición yanqui que tiene seis canciones menos, a pesar de que una de las que quedaron afuera es un cover de los Byrds.
Grant McLennan, uno de los dos compositores de los finísimos Go-Betweens, de Australia hacia el mundo, disco grabado en Athens, Georgia… Los desafío a convertirlo en un disco que NO sea doble.




Escuchar en YouTube o en Spotify.




Chequear también:
Grant McLennan - Fireboy
Jack Frost - Snow Job
Robert Forster - Danger In the Past

lunes, 20 de febrero de 2017

Video de la Semana: Dead Weather - Impossible Winner


Con Dodge and Burn me terminé de convencer... Jack White la tiene clara. Va una teoría; dejó a los White Stripes porque es muy tacaño, ya hizo plata y le puede pagar a más músicos.





jueves, 16 de febrero de 2017

5 Canciones 5: Camera, Dion, Amadou & Mariam, Miles y Caetano


2AM
Camera
Si a las dos de la mañana te ponen esta música y tenés el consumo adecuado encima podés ir a visitar otras galaxias planeando a toda velocidad. ¿Surf intergaláctico? ¿Krautrock tocado por los cuernos de Belcebú? ¿Neu! y Harmonia después de haber tomado hongos alucinógenos? Buena música, simplemente. Gran uso de sintetizadores varios, batería firme e insistente y los controles seteados para el corazón del sol.

Aparece originalmente en: Remember I Was Carbon Dioxide (2014)

Ver / oir en YouTube


He Looks a Lot Like Me
Dion
¿Se acuerdan de Dion & the Belmonts y sus hits inocentones como "The Wanderer" o "Runaround Sue" (¡TEMAZO!)? Bueno... pintó la psicodelia, como les pasó a tantos otros caretones convertidos (Bobby Darin, Johnny Rivers). Esto es pop de cámara del mejor, a la altura de cualquiera de los grandes discos del género, Pet Sounds, Mellow Yellow, etc, con un precioso comienzo de guitarra española y unos arreglos de cuerdas impecables. Dion también es autor del himno drogón "Your Own Backyard", versionado por Mott the Hoople en Brain Capers y más tarde hizo una catedral barroca junto a Phil Spector en el disco Born to Be With You, del '75.

Aparece originalmente en: Dion (1968)


Ver / oir en YouTube


Oh Amadou
Amadou & Mariam
El tema generó cierta controversia porque el invitado, que también aparece en el video -excelente- manejando el auto, el francés Bertrand Cantat, se vió envuelto en un escándalo de violencia doméstica. Estrellas en Mali hace rato y por derecho propio, Amadou & Mariam, que son ciegos y marido y mujer, han contribuido de forma decisiva a popularizar mundialmente la música de un país con una riqueza cultural asombrosa.


Aparece originalmente en: Folila (2012)


Ver / oir en YouTube


Honky Tonk
Miles Davis
En este monumento doble, justo antes de su breve retiro (volvería totalmente reconfigurado unos años más tarde) aparece esta zapada rockera con cierto gusto a Santana y Hendrix, con el wah-wah controladísimo de John McLaughlin. Billy Cobham en la batería, Airto Moreira en percusión e incluso el tándem de teclados de Herbie Hancock y Keith Jarret. Toda esa gente subordinada a los caprichos de Miles. ¡Agarrate fuerte antes del despegue!

Aparece originalmente en: Get Up With It (1974)


Ver / oir en YouTube


Rocks
Caetano Veloso
Este disco, el que le sigue, Zii e zie, del 2009 y Abraçaço del 2012 conforman una trilogía de discos de rock/pop del superastro bahiense. Es su particular interpretación de los géneros, por supuesto, en realidad se puede decir que tiene una formación de rock pero el género, la música en realidad, siempre será y sonará a Caetano. "Rocks" es lo más parecido a un tema convencional que se puede llegar a encontrar en esos discos y un buen punto de ingreso a su obra más actual.

Aparece originalmente en: Cê (2006)


Ver / oir en YouTube




martes, 14 de febrero de 2017

The Sadies - Anna Leigh


A los Sadies los siento como si fuesen MI banda, son mis amigos, los descubrí yo a principios de la década anterior y, como siempre, hice correr la bola. Una bola que no corrió muy lejos pero eso jamás me importó. Sobre todo a la hora de decidir que son una de las cinco o diez mejores bandas de los últimos años. Más tarde me dí cuenta de que les gustaban a varios, músicos sobre todo, a pesar de que jamás van a dejar de ser una banda chica, de culto.

Aparecieron en la época en que ya nadie te decía quiénes eran los mejores, en que tenías que decidirlo vos mismo. Son feos, no son pibes y no tienen ningún argumento de venta extra-musical, de esos que hacen que una banda salte a la fama. Escuchan música vieja (mucha) pero no suenan anticuados. Tienen todo lo que hay que tener. ¡Ah! Y "Anna Leigh" es perfección sin pretensiones.






Ver video en YouTube.




Encontrala originalmente en:
Para mi gusto desde Stories Often Told en adelante, todos los discos son imprescindibles, incluyendo el doble en vivo In Concert, Vol. 1, en donde tienen una verdadera galería de invitados. Acá produce Gary Louris de los Jayhawks.
New Seasons (2007)





domingo, 12 de febrero de 2017

Joan Manuel Serrat - Dedicado a Antonio Machado, poeta


Escucho el bajo de “Cantares”, antes de que el tema explote con esos extraordinarios arreglos orquestales de su socio Ricardo Miralles y se me va poniendo la piel de gallina. Escuché este tema un millón de veces y aun así me sigue provocando la mejor de las sensaciones que puede llegar a producir la música que uno ama; emoción. Emoción pura y sin adulterar. Nunca entendí del todo las letras, todas de Machado, como el título bien lo indica pero… ¿hace falta “entender” la poesía?

Todo el mundo conoce a Serrat, al menos en Argentina, quien no escuchó al menos diez de sus temas vive en otro planeta y, quizás por eso mismo, muchos lo odian. Porque suele ser música “que escuchan tus viejos” y un millar de descalificaciones que ni hace falta repetir. Pero llega un momento de la vida en donde, afortunadamente, uno deja de pensar en ese tipo de cuestiones y lo único que te importa a la hora de escuchar un disco es si te gusta o no. Te interesa o no. Todo lo demás, las connotaciones, el género al que pertenece, esas pavadas, pierden relevancia.

Es genial cómo este LP está secuenciado y pensado como disco, después del gran “Guitarra del mesón” viene el ligero y jocoso “Las moscas” (“Yo sé que os habeís posado sobre la carta de amor, sobre los párpados yertos de los muertos”) que de todas maneras tiene unos arreglos preciosos. Siempre me parecieron impresionantes los colores que aporta Miralles en las canciones, el pianito que suena muy de fondo en “Llanto y coplas” es de una delicadeza impecable, al mejor estilo de los arreglos de Nicky Hopkins en los discos de pop piscodélico inglés. Después viene un tema que merece un párrafo aparte y es el sobrecogedor “La saeta”, un tema por el que eternos sórdidos como Nico o Scott Walker hubieran estado más que orgullosos. Serrat lo canta en un tono altísimo, los arreglos exagerados pero pefectamente adecuados y la letra anticlerical e iconoclasta… no por nada tuvo más de un problema con el gobierno de facto de Franco, en una España que todavía era considerada parte de África por aquel entonces. En el mismo orden se puede ubicar a “Españolito”, que dice todo lo que tiene que decir en apenas dos estrofas. Para el final queda una joya absoluta;  “Parábola”, una de las grandes canciones olvidadas del cantautor ibérico.

Sin contar los discos en catalán -que son unos cuantos- este sería el segundo disco en castellano de Joan Manuel Serrat, cerrando una década turbulenta y al borde de otra muy interesante en su carrera, la del éxito internacional y de discos fundamentales como Mediterráneo. Queda para el siguiente capítulo…




Escuchar en YouTube o en Spotify.





Chequear también:
Joan Manuel Serrat - Miguel Hernández
Silvio Rodríguez - Al final de este viaje

Joan Manuel Serrat - El sur también existe

jueves, 2 de febrero de 2017

DM3 - Garage Sale


Para hablar de DM3 hay que empezar por contar un poco sobre el prócer del rock de guitarras australiano Dom Mariani. Con veintipico de años ya estaba agitando las antípodas de la mano de The Stems, quienes dejaron un puñado de singles imprescindibles y un LP fundamental. Después armó The Someloves quienes repitieron los logros de la banda anterior; singles a rolete y Something or Other, un disco que, si te gusta el power pop, tenés que tener sí o sí.

DM3
puede que sea la sigla de Dom Mariani 3, en un exceso de astucia e inspiración. Dom Mariani no es un artista, no es Peter Hammill, no es Bowie, el tipo solo quiere rockear y de pasada hacer que su estribillo te quede adosado al balero por el resto de tu mísera existencia… con guitarras fuertes y gordas, eso sí. Comparado con las otras dos bandas anteriores con DM3 hizo más discos, tampoco son muchos pero entre ellos también hay uno imprescindible y es el magnífico Road to Rome, del ’96. En la tapa de Garage Sale está todo más o menos dicho: “Una compilación de caras B, descartes y remezclas” y en la contratapa se remata el concepto: “Una grabación descaradamente pop”. Cero pretensiones.

Las tres versiones que tiene valen la pena, por un lado “Sweet Hitch-Hicker” de Creedence (por supuesto) parece un tema de ellos, apropiación total, rutero al máximo, en eso coincide con el original. “Making Time” de The Move (una banda totalmente sobrevalorada) en donde pasa prácticamente lo mismo que con la versión anterior y el magnífico “Zero Hour” de The Plimsouls que sale levemente perjudicado en la comparación, más lento, un poco perezoso se podría decir. Pero los temas propios son una bomba, el principio con esa guitarra slide impecable de “Far from Here”, puro gancho, pura perfección pop, hermosos acordes de guitarra acústica en el estribillo, coros ultra-pegadizos… todo lo que tiene que tener esta música. “Hold On” para empezar el disco, el impresionante “One Time, Two Times Devastated” en una versión muy parecida a la original y, como si fuera poco, una relectura de “Little Town Crier” de aquel disco de los Someloves. Incluso hay unos temas de surf instrumental buenísimos al final del disco, otro de los vicios musicales de Mr. Mariani.

La gran virtud de esta música es su completa falta de pretensiones, nunca esta gente va a hablar de arte, de grandes asuntos cósmicos pero sí te van a dejar pegado a una estrofa y a un estribillo y vas a bailar como un poseso. Sólo de eso se trata el asunto.




Escuchar en Spotify.




Chequear también:
The Stems - At First Sight Violets Are Blue
Dom Mariani & The Majestic Kelp - Music to Chase Cars By
Datura4 - Hairy Mountain

miércoles, 1 de febrero de 2017

jueves, 26 de enero de 2017

lunes, 23 de enero de 2017

Rancid - Life Won't Wait


¿Veinte años no es nada? Veinte años es muchísimo. El que escribió la letra de aquel tango o estaba completamente en pedo o los tiempos cambiaron salvajemente (probablemente las dos cosas sean ciertas). En veinte años te podés enamorar, desenamorar varias veces, podés cambiar de opiniones y hasta ver morir seres queridos. Lo más importante en mi caso fue saber que me podía equivocar, que podía no tener razón y, entre otras iluminaciones Zen menores, que a nadie en el puto universo le importa que es lo que a vos te gusta y lo que te deja de gustar.

Hace veinte años el mundo (o uno, o nosotros, o todos) era más prejuicioso y una opinión “fuera de la lugar” te podía ridiculizar fiero. Me acuerdo que los discos de Rancid no te lo podías comprar en las disquerías “inteligentes” del centro, ahí conocían a Sham 69 y a los Damned y esto era la copia barata para los pibes a los que les faltaba escuchar la cosa real. Nunca lo entendí pero sí sabía lo que implicaba ser “tachado”, de manera que los admiraba y escuchaba en una relativa soledad, sin ponderarlos públicamente. Hoy me río de estas cosas pero en aquel entonces me cuidaba mucho de estas cuestiones ridículas. Todavía hoy sigo sin entender el link con The Clash. ¿En qué se parecen a The Clash? Seguramente los Rancid los tenían en alta estima y los escucharon con fanatismo pero nunca pude encontrar demasiada relación. ¿En el eclecticismo musical? Puede ser, ahí puede ser. Si Let’s Go era The Clash y And Out Come the Wolves era Give ‘em Enough Rope entonces se puede decir que Life Won’t Wait era Sandinista. Con una diferencia clave; el cuarto LP (¡triple!) de The Clash rara vez rockeaba y si lo hacía era con cierta moderación, atrás había quedado el fuego sagrado, el trueno de “Garageland” o “English Civil War”. Este disco en cambio rockea y ferozmente. “The Wolf” podría estar en alguno de los discos de la etapa intermedia de Motörhead y los mismo pasa con “Cash, Culture and Violence” o el hiperquinético “Bloodclot”, cantado a pura garra. A veces pienso que los que les bajaban el pulgar en realidad no habían pasado del ocasional tema que sonaba en la radio o en el video de turno (era la época en que todavía podías conocer música a través de un video en la TV) porque si escuchás el tema que dá título, el ska perfecto de “Hooligans” o el gancho al mentón de “Leicester Square” es muy raro que esto no te guste si te gusta el rock and roll. Este es un disco de rock and roll no es un disco de punk. ¿En qué disco de punk va a haber un tema como “Who Would’ve Thought”? ¿Cómo podés escuchar “Corazón de Oro” y que no se te caiga una sonrisa?

Desempolvé el disco hace poco pensando cómo pudo haber sido posible que esto me haya gustado tanto en algún momento de mi vida. Me encontré con que no perdió ni un poco del efecto que solía provocar. ¿A alguien le importa? Sí, a mí.




Escucha entero en YouTube o en Spotify.




Chequear también:
NOFX - Punk In Drublic
Sublime - What I Got: The 7 Song EP
Operation Ivy - idem


martes, 17 de enero de 2017

Dr. John - In the Right Place


Si Lou Reed es Nueva York, Caetano es Bahía y Ray Davies Londres entonces Mac Rebennack, más conocido como Dr. John es Nueva Orleans. En ese punto del universo en donde la música es un cóctel explosivo de soul, música de África, blues, voodoo, música criolla y todo lo que se te venga a la mente, alguien supo entender y mezclar todo los géneros y supo hacerlo con categoría y mucho conocimiento de causa.

Habían pasado varios años desde Gris Gris, aquel bombazo de rock pantanoso del infierno con el que pateó el tablero y se ganó la inmortalidad definitiva, no era un disco para intentarlo en casa, te podía explotar en la cara y quizás por eso debe haber evitado hacer lo mismo, auto-plagiarse. Estaba bien así. The Sun, Moon & Herbs y Babylon tienen un poco de esa magia negra pero ya se veía venir por donde iba a venir el trabajo musical de Dr. John en la década del setenta. Alguien tuvo la gran idea de juntarlo con The Meters y de esas sesiones surge su sexto LP de estudio, In the Right Place, el disco más exitoso comercialmente de su carrera.

Ayuda el hecho que de que para este disco había preparado un set de canciones impecable (“Qualified”, “Such a Night”), si a las composiciones se les suma el valioso aporte de los Meters, Allen Toussaint y demás luminarias que anduvieron dando vueltas a la hora de las sesiones, el resultado es prácticamente inapelable. Seguramente no somos pocos los que conocimos “Right Place Wrong Time” por el disco Acme de Jon Spencer Blues Explosion, pero escuchar el original, encargado de abrir el disco, es otra historia, muy diferente, esto es la “cosa real”, el meollo de la cuestión. "I Been Hoodood", casi al final, es uno de los momentos cumbre; lento, demoníaco, con coros femeninos que ayudan a enrarecer la atmósfera y con el maestro rompiéndola en las teclas, siempre priorizando el clima y el trabajo en pos de la canción.

Puede que In the Right Time no sea el disco más importante o influyente de Dr. John, es un asunto para el debate eterno y son demasiados los candidatos, pero si vas a tener cuatro o cinco discos de un tipo fundamental en la historia y el desarrollo de la música del siglo veinte, a este lo vas a tener que escuchar.




Escuchar entero en Spotify o en YouTube.





Chequear también:

Dr. John - Goin' Back to New Orleans
The Meters - Cabbage Alley
Dr. John - Locked Down

lunes, 16 de enero de 2017

Video de la Semana: Graham Parker - Protection



Uno de los dos videos que se hicieron para el disco Squeezing Out Sparks (el otro era "Local Girls").





jueves, 12 de enero de 2017

Tom Petty and the Heartbreakers - Free Girl Now


Como casi cualquier habitante de este planeta conocía a Tom Petty antes de escuchar sus discos, por los Traveling Wilburys, por sus temas omnipresentes en ciertas radios y porque el tipo es sencillamente muy famoso. Me acuerdo que en una disquería en que yo trabajaba había escuchado un comentario muy peyorativo (cuando todavía me importaban este tipo de cosas) de alguien que respetaba y por eso tardé y me resistí a escuchar sus discos. Mas vale tarde...

Este es un temazo, no tiene miedo de pecar de cuadrado repitiendo la misma secuencia de acordes a lo largo de casi todo el tema, creo que ese miedo existe acá solamente. Cuando la base rítmica es sólida como una roca y te dan ganas de bailar... ¿por qué resistir el impulso? Como cualquier compositor inteligente sabe que esa monotonía necesita un cambio de idea y cuando finalmente llega te descoloca, te hace feliz, te da motivos para volver a escuchar.






Este tiene video oficial en YouTube.




Encontrala originalmente en:
No son muchos pero este es uno de esos discos que pedí prestados y sabía inmediatamente que jamás lo iba a devolver. Ya en su momento no era fácil de conseguir. El damnificado fue un ex-compañero de trabajo fanático de The Cult. Se lo merecía. Este es para mi gusto el último gran disco de Tom Petty.
Echo (1999)





martes, 10 de enero de 2017

The Costello Show - King of America


Es raro, ves la tapa de Punch the Clock del ’84 y después la de King of America, aparecido apenas dos años después, y la diferencia es abismal. En el primero parece un pibe de unos veinticinco años como mucho y para el segundo luce como un tipo de al menos cuarenta años, con la barba y la corona horrible esa. ¿Qué paso en el medio? Bastante, el matrimonio de Costello venía barraca abajo y en la gira anterior había conocido al gran T-Bone Walker, otro “tradicionalista moderno” si es que tal término existe. Hicieron buenas migas y armaron una banda (The Confederates) con lo que Costello llamó “mis viejos héroes del jazz y el R&B”, entre ellos podían contarse al bajista Jerry Scheff (el que grabó en todo el disco L.A. Woman, de los Doors), al baterista Ronnie Tutt e incluso al gran James Burton, todos ellos habían tocado en la banda del otro Elvis en Las Vegas, a principios de la década anterior.

Pero lo que hace de King of America un gran disco son sus canciones, no su interminable galería de invitados, acá Costello tiene el corazón roto, está sufriendo y se para desnudo frente a quien quiera oírlo, aun así conserva el ojo clínico y el insulto mordaz intactos, listos para salir de su filosa lengua. Este es el disco que tiene “Indoor Fireworks”, una de sus canciones más honestas y descarnadas, la producción es exactamente lo que tiene que ser y su interpretación vocal tiene lo que no tienen las incontables versiones que se han hecho, incluyendo una muy notable de Robert Wyatt. Los Attractions aparecen solamente en “Lovable”, el segundo tema, en donde también hay un cameo de David Hidalgo de Los Lobos en coros, pero no hay -a decir verdad- nada que lo distinga demasiado del resto de las canciones, nada que diga “acá estamos”. Igual está lejos de ser un disco chato o uniforme, inmediatamente después aparece “Little Palaces” que tranquilamente podría ser un tema de folclore andino. ¿Otras joyas de la pluma de Declan MacManus? “Jack of All Parades”, “Our Little Angel” sin dudas y por supuesto la impecable “American Without Tears” en donde muestra su relación de amor / odio con el país arriba del Río Grande.

Columbia no supo bien qué hacer con King of America y cortó como single la versión imposiblemente afónica de “Don’t Let Me Be Misunderstood” y en menos de un año estaban los Attractions otra vez juntos para el disco de retorno a las raíces Blood & Chocolate. Otra historia que queda pendiente y van…




Escuchar online en YouTube o en Spotify.




Chequear también:
Gram Parsons & the Fallen Angels - Live 1973
Emmylou Harris - Luxury Liner
Elvis Costello & the Attractions - Almost Blue

LinkWithin

Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...