sábado, 25 de junio de 2016

Disco del Mes: Björk - Vulnicura


Björk
Vulnicura
2015










One Little Indian Records










jueves, 23 de junio de 2016

Kendra Smith - Five Ways of Disappearing


En Opal estaba subordinada a los caprichos de Dave Roback y en The Dream Syndicate tenía a Steve Wynn y a Karl Precoda al lado, dos tipos con carácter y personalidades fuertes. Pero era claro que Kendra Smith tenía sus propias ideas e intenciones a juzgar por lo que suena en Five Ways of Disappearing, su segundo LP como solista.

Desde el principio las intenciones musicales y conceptuales del disco están puestas sobre la mesa. Nada es real, fabriquemos nuestro propio mundo, un mundo en que no todo tiene que ser color de rosa, habrá sobresaltos pero también herramientas para salir adelante. Eso queda claro desde “Aurelia”, en donde el clima enrarecido suena a manifiesto; afuera los que no estén listos, afuera desde el principio mismo, si me vas a seguir tengo que saber que vas a ser fiel y que estás de mi lado

Verdaderamente está concebido como un disco, para disfrutar de la experiencia de escucharlo por completo, después de esos paseos por el lado salvaje, levanta la pata del acelerador y aparece “Maggots”, una cancioncilla de aparente y engañosa sencillez, que sirve para hacer un poco más digerible el mal trago. Eso es claro sobre todo cuando la cosa sigue con “Drunken Boat”, ideal para marearse sin necesidad de estar en alta mar, gran línea de bajo, si la seguís con atención podés confesar tus secretos más recónditos bajo un estado semi-hipótico y narcotizado. Otro de los puntos altos de esta obra de significativa coherencia conceptual es “Valley of the Morning Sun”. Finalmente llegamos a donde nos estaban preparando al principio del disco -en
Bohemian Zebulon, el segundo tema- y acá es donde ‘volaremos más livianos que el aire, sin preocupaciones, deslizándonos encima de la luna plateada’. Acá la voz de Smith parece ponerse especialmente evocativa, es uno de los temas clave del disco y por supuesto nos lo hace saber. De más está decir que en ningún momento abandona el estado de languidez narcótica en el que canta todas y cada una de las canciones. Uno la imagina con los párpados caídos, balanceándose lentamente a los lados, en una suerte de baile pagano, sin prestar atención a absolutamente nada alrededor. En “Get There” es donde más se evidencia el parentesco de Five Ways of Disappearing con las fábulas medievales, las religiones politeístas y los rituales en donde hay fuego... y música, por supuesto. Es la banda sonora ideal de la película The Wicker Man. El tiempo es lento y sugerente, acordes menores, repetición que induce al trance… uno de los puntos altos definitivos del disco.

Lo más probable es que no le haya vendido un disco a nadie, aunque escuchando una obra como esta es claro que esa jamás fue la intención. De hecho, es el último disco de estudio que hizo Kendra Smith como solista. ¿Habrá ascendido a un plano de realidad superior a esta altura? Es muy probable.





Escuchar en YouTube o en Spotify.




Chequear también:
The Druids - Burnt Offering
Kendra Smith - The Guild of Temporal Adventures
Mazzy Star - Among My Swan


miércoles, 15 de junio de 2016

Video de la Semana: The Walkabouts - Drown



De uno de los últimos discos de estudio de los Walkabouts de Chris Eckman y Carla Togerson, Trail of Stars, del 2009.





lunes, 13 de junio de 2016

Lucio Battisti - Emozioni


Cuando se enteró que la compañía discográfica iba a editar este disco, una suerte de rejunte de simples con sus respectivas caras “B”, en lugar de lo que él tenía bajo el brazo, se volvió completamente loco, iniciando así una relación tormentosa con todo lo que rodea a la música y que no tiene nada de musical (los contratos, las entrevistas, etc.). Lucio Battisti, uno de los cantantes más famosos y exitosos de Italia, acababa de grabar Amore e non amore, un disco conceptual y ambicioso que iba a ser la continuación natural de su primer LP homónimo del ‘69, pero en su lugar apareció Emozioni, el que todo el mundo recuerda como su segundo álbum de estudio y en el que aparecen varias de sus canciones más recordadas.

Battisti ya había andado por todo el mundo, era un lector ávido y había entendido -y digerido- perfectamente la música popular que valía la pena al final de la década. Había escuchado a los Animals, a los Rolling Stones y era fanático de Dylan, de hecho muchos lo apodan ‘El Dylan italiano’, comparación completamente injusta porque es dueño de su propio estilo tanto a nivel cantante como desde el punto de vista compositivo. “Fiori rosa, fiori di pesco”… ¿cómo se podría describir? Como una mezcla entre Badfinger y los temas más melodramáticos de los primeros Bee Gees, con la pompa y el bombardeo sentimental clásico de los italianos. Los arreglos barrocos y recargados le quedan como anillo al dedo y en todo momento está al borde de la sensiblería, sin cruzar nunca la frontera. Como cantante tiene personalidad, sin tener un registro privilegiado ni nada de eso, es expresivo y cuando está al borde de sus posibilidades quiebra la voz como ciertos cantantes de blues y soul. En “Il tempo di moriré” usa la clásica metáfora de hacer el amor y tocarle la puerta a la parca, la petite mort, un recurso un tanto gastado se podría decir, pero como la música es interesante uno puede dejar de lado esas cuestiones, es un blues lento, con un tempo extraño y una guitarra ahí, al borde del descontrol, del desbarranco. En este disco te podés encontrar también con “Acqua azzurra, acqua chiara”, “Non è Francesca” y “Anna”, temas que tocó hasta el final de su carrera.

Emozioni fue apenas el principio de la meteórica vida musical de Battisti, que siempre fue reacio a las entrevistas y cualquier tipo de invasión a su privacidad, incluso más tarde se retiró completamente de las presentaciones en vivo para concentrarse sólo en sus discos y el trabajo en el estudio. Cuando tenés éxito… podés darte ese lujo.




Escuchar entero en YouTube o en Spotify.




Chequear también:
Lucio Battisti - Umanamente uomo: il sogno
Scott Walker - Scott 2
Mina - Todavía

miércoles, 8 de junio de 2016

Donovan - Tangier


Al maestro lo conocí por el clásico compilado que ahora ni me acuerdo como se llama, en la tapa está él con unas letras art-decó rosas y violetas. Al principio no me interesó mucho, me gustaban "Sunshine Superman", "Atlantis" y alguna que otra más.
Para mi gusto en los album tracks está la papa con Donovan, me parece que siempre elegía los singles mas boludos, o se los elegía alguien. En esta verdadera joya hay que sacarse el sombrero por lo que hace Mickie Most en la producción, se podría decir que "Tangier" es una de las primeras canciones de rock occidental que usa elementos de la música de oriente.

Pero en realidad lo que sí es indiscutiblemente este temazo... es psicodelia de la más pura. Música para levitar.








Escuchalo en YouTube.




Encontrala originalmente en:
Este sale el mismo año que el Album Blanco de los Beatles, habían compartido viaje a la India, en donde supuestamente Donovan les enseñó el estilo de guitarra fingerpicking, gracias al que salieron temas como "Blackbird" o "Julia". Este es uno de los cinco o seis discos imprescindibles del escocés.
Hurdy Gurdy Man (1968)





lunes, 6 de junio de 2016

5 Canciones 5: Howe Gelb / Giant Sand


Uneven Light of Day
Giant Sand
Primer canción del tercer LP de estudio y acá la cosa ya se empieza a definir, se puede adivinar lo que sería la carrera de Giant Sand de Storm en adelante. Temas rockeros rápidos y desprolijos intercalados con baladas de corazones rotos, teñidas de cierta pátina de ironía y sarcasmo. "Uneven..." es un medio tiempo, destartalado, con un uso -y abuso- de tecladitos de esos que se compran usados por dos mangos. Incluye letra con declaración de principios, que, como dijo Groucho Marx, si no te gustan... pueden ser otros.

Aparece originalmente en: Storm (1987)

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Live to Tell
Giant Sand
Esta canción de Center of the Universe bien podría ser una definición perfecta de lo que hoy en día varios llaman americana; hay una fuerte raíz de country y música tradicional de Estados Unidos pero está hecha por y para gente que no tiene nada que ver con el dominio tiránico de Nashville. A miles de millas de lo que hoy se vende como country en ciertas radios y en Spotify. Tiene bastante que ver con lo hecho está aquel entonces por Green On Red o Steve Earle, también pioneros del género.

Aparece originalmente en: Center of the Universe (1992)


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Low Spark of High Heeled Boys
Arizona Amp and Alternator
Otro de los vicios de Howe Gelb es agarrar temas clásicos -y no tan clásicos- y destrozarlos en versiones tan raras como caprichosas. Arizona Amp and Alternator es otra de esas tantas bandas paralelas con las que se dá el gusto de seguir sacado discos a lo loco sin que ningún sello discográfico ponga el grito en el cielo. Otra muestra de que una gran canción soporta cualquier tratamiento -o maltrato- porque lo que hacen con el tema de Traffic es realmente admirable.

Aparece originalmente en: Arizona Amp and Alternator (2005)


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Painted Bird
Giant Sand
Super rockero, podrido y reventado y con un guiño a Tom Waits (de quien Gelb es un fanático confeso) en la voz y la producción. "Painted Bird" es uno de los grandes temas de Glum, el primer disco en que realmente disponían de un dinerillo a modo de adelanto de parte del sello discográfico. La parte instrumental es espectacular, con un solo de guitarra bien indisciplinado, al mejor estilo Neil Young & Crazy Horse, pero en ningún momento deja de ser Giant Sand.

Aparece originalmente en: Glum (1995)


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Halifax in a Hurricane
Howe Gelb
Batería que parece que se va a llevar todo por delante, clima amenazador, piano disonante, ruidos de fondo... uno de los mejores temas de Hisser, grabado en una porta-estudio de cuatro canales... prestada!!! Costumbre más que habitual de Gelb y no sólo en sus discos como solista. Primera, toma, se graba en donde se puede, espontaneidad, los errores quedan, la canción es lo que importa y capturar ese momento que salió así; único.

Aparece originalmente en: Hisser (1998)


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jueves, 2 de junio de 2016

John Cale - Vintage Violence


Si lo conocés a John Cale por su trabajo con Velvet Underground, por ser el tipo que hacía que la banda fuese prácticamente un emblema de experimentación, te vas a llevar una sorpresa con Vintage Violence, su primer LP como solista. Un poco de recapitulación viene bien. Cale era el que tocaba la viola (la verdadera viola, no el estúpido sinónimo que se suele usar para referirse a la ‘guitarra’), el que había estudiado con el compositor de vanguardia LaMonte Young, el que grabó el disco de la banana y el deforme White Light / White Heat (los únicos discos verdaderamente revolucionarios de los neoyorquinos) y quien fue expulsado por Lou Reed en una lucha de egos, para tener finalmente el control de la banda. El galés estaba sin saber bien qué hacer de su vida, se mudó a un departamento que estaba prácticamente vacío y en donde, según él mismo cuenta, sólo había discos de los Bee Gees en un estado de semiabandono. Vale recordar que los hermanos, por aquel entonces, andaban por el disco doble Odessa, nada que ver con la fiebre de sábado por la que todo el mundo los conoce. El galés aparentemente se enamoró de las voces dobladas, las orquestaciones suntuosas y las canciones accesibles y sencillas.

Así fue como Vintage Violence terminó siendo un disco completamente inesperado para propios y extraños, prácticamente un ejercicio de estilo, él mismo declaró que intentó hacer un álbum así para aprender a hacer lo que no sabía. También puede pensarse que lo hizo para poder llevar el pan a su mesa pero sí esa era la idea... no lo logró. La verdad es que le salió bien el asunto, está repleto de canciones preciosas, el country rock melancólico de “Gideon’s Bible”, que bien podría haber estado en cualquiera de los dos primeros de The Band, la balada lacrimógena “Amsterdam”, una de las más despojadas en lo que arreglos se refiere y una obra maestra como “Big White Cloud”, recientemente versionada por el gran Mark Lanegan. La banda que lo acompaña es la de Garland Jeffreys, quien incluso se da el gusto de firmar una de las composiciones, la encargada del cierre, “Fairweather Friend”, una de las canciones más grancheras y accesibles de la placa.

Este el primero de una serie verdaderamente brillante, en donde John Cale realmente le toma el gusto al tema de escribir canciones de tres minutos y fracción, es la etapa en el sello Island, en donde brilló como nunca pudo volver a hacerlo. En la tapa aparecía con una especie de máscara, declaró que se trataba de un intento por esconder su verdadera personalidad musical. Escuchando las canciones de Vintage Violence, cuesta creerle.




Escuchar entero en YouTube o en Spotify.




Chequear también:
John Cale - Fear
John Cale & Terry Riley - Church of Anthrax

John Cale - Hobo Sapiens

miércoles, 1 de junio de 2016

Video de la Semana: Giant Sand - Forever and a Day



No hay muchos videos promocionales de Giant Sand pero este es del doble del '12, Tucson: A Contry Rock Opera, un discazo.





lunes, 30 de mayo de 2016

Disco del Mes: Jorge Ben - Força Bruta


Jorge Ben
Força Bruta
1970









Phillips Records










sábado, 28 de mayo de 2016

Oingo Boingo - Dead Man's Party


Una vez me contaron una anécdota curiosa; era una de esas fiestas de película que se hacen en casas en Los Angeles, Danny Elfman, quien había estado postrado por tener polio cuando era chico, estaba presente pero no hablaba con nadie, no se relacionaba para nada. En lugar de eso el tipo estaba pintando una puerta. Hasta ahí todo bien pero aparentemente lo que estaban haciendo en la puerta era una verdadera obra de arte, un dibujo rarísimo, surrealista. Era apenas un adolescente. Es raro pero hace unos cuatro o cinco años, cuando absolutamente cualquier porquería hecha en la década del ochenta era revalorizada ridículamente, cuando de repente escuchar Duran Duran era cool (esos discos se guardaron bajo llave durante años) nadie volvió a mencionar a Oingo Boingo cuando era el momento ideal para el revival.

No es tan extraño en realidad, la banda de Danny Elfman, incluso en este disco, quizás el más inmediatamente accesible de todos los que hicieron, siempre fue demasiado retorcida e idiosincrática para que la pasen en esas radios de gente que no investiga más allá de la superficie. Dead Man’s Party es el quinto LP de estudio, aparecido en el ’85 y tiene dos o tres temas que podrían considerarse hits y sonar en cualquier fiesta temática. Acá aparece el ultra pop (pero con su ineludible pátina de oscuridad) “Stay”, con tiempo firme pero no tan rápido como la mayoría del resto de los temas, su ganchos irresistibles y esos bronces tan de la época. Después terminó apareciendo en la película de culto Donnie Darko, una de esas que tienen una banda sonora mejor que el guíon… y todo el resto del film. “Dead Man’s Party”, el tema que dá título era otro de esos temas clave, con esa mezcla de nervio a lo Talking Heads y funk blanco anfetamínico. Tenía un video de animación cuadro a cuadro buenísimo que anticipaba en diez a años -por lo menos- al mejor Tim Burton. También el encargado de cerrar el álbum, “Weird Science”, que bien podría formar parte de Let’s Dance de Bowie, fue el tema de una serie que también tomó su nombre de este funk medio freak de Elfman y cia.

Puede que Dead Man’s Party no sea el disco definitivo de Oingo Boingo pero sin dudas ayudó a hacer del tipo una especie de mega estrella del cine y la música de TV de Estados Unidos, se llenó de oro con la música de los Simpsons y su nombre figura en los créditos de super éxitos como Batman, Dick Tracy, Hombres de Negro y hasta Spider-Man. El tipo la tenía (y la tiene) bastante clara.




Escuchar entero en YouTube o Spotify.




Chequear también:
Danny Elfman - So-Lo
Oingo Boingo - Good for Your Soul
Danny Elfman and the Mystic Knights of the Oingo - Forbidden Zone [banda sonora original]


sábado, 21 de mayo de 2016

5 Canciones 5: Joe Gibbs, Macca, Gábor Szabó, Heartless Bastards y Lisa Germano


Peeping Tom
Joe Gibbs & the Professionals
En el período que comprende la última década de los sesenta hasta principios de los ochenta se hizo música en cantidades industriales en Jamaica. Hasta cuesta creer el nivel de calidad alcanzado en relación a las condiciones en que se hacían los discos. Al parecer Joe Gibbs, otro de los grandes productores de la isla se llevó el crédito por estos cuatro primeros volúmenes de dub pero los músicos eran los miembros de Soul Syndicate y los de We the People. Un dato al pedo para el olvido.

Aparece originalmente en: African Dub Chapter Two (1977)

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Spin It On
Wings
¿Dónde estaba Macca a fines de los setenta en medio del estallido del punk, la new wave y el guillotinamiento masivo de "dinosaurios"? Medio perdido al parecer, como la mayoría de sus compañeros de generación, Back to the Egg es un disco que no sabe muy bien a qué apuntar pero, como cualquier disco de Paul McCartney, por más malo que sea, tiene al menos tres o cuatro temazos. Acá rockea con un desenfreno envidiable, totalmente al día con sus tiempos.

Aparece originalmente en: Back to the Egg (1979)


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Some Velvet Morning
Gábor Szabó
El guitarrista húngaro fué uno de los primeros en ponerse al día con respecto a lo que pasaba al otro lado de la ex "Cortina de Hierro", fusionando jazz, pop y música gitana. En Bacchanal, de fines de los sesenta, mezcla a Donovan (gran versión de "Three King Fishers" de Mellow Yellow) con temas propios y Bacharach / David (el inmortal "The Look of Love"). Por supuesto que íbamos a elegir su versión del más grande, del maestro, el magnánimo Barton Lee Hazlewood.

Aparece originalmente en: Bacchanal (1968)


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The Arrow Killed the Beast
Heartless Bastards
Oriundos de Hartford, Cincinnati, los Heartless Bastards tienen cinco discos de estudio al día de la fecha. Podríamos haber elegido cualquiera de las canciones de Arrow, el cuarto LP, un disco excelente por donde se lo mire -y oiga, sobre todo-. Pero en esta joya aflojan la velocidad, se ponen sórdidos y densos y le guiñan un ojo a Ennio Morricone. La cantante podría ser una de las grandes divas de soul de los setenta, sin problemas.

Aparece originalmente en: Arrow (2012)


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Everyone's Victim
Lisa Germano
Lisa Germano toca diez mil instrumentos, ha participado en sesiones con Iggy, Bowie, U2, Simple Minds. (y la lista podría seguir un largo raro) y compone sus propias canciones. Canciones con una identidad fuertísima, con muchísima onda y unas letras que te dejan con la boca abierta. Este es sin dudas uno de los grandes temas de Happiness, su segundo álbum de estudio.

Aparece originalmente en: Happiness (1993)


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miércoles, 18 de mayo de 2016

The Everly Brothers - The Collector


Otra de esas bandas que todo el mundo conoce, que están en esos compilados truchos de estación de servicio. "Bye Bye Love", "Claudette", "All I Have to Do Is Dream"... son canciones que suenan todavía por ahí en alguna que otra radio de las que NO son una mierda.

Tardé muchísimo en enterarme que eran mucho más que eso, que los hits, que la cosa estaba en los discos de estudio, repletos de canciones que jamás sonarían en ningún lado que no sea en tu casa, por elección propia, como esta verdadera joya oscura y amenazante.

Los Everly te pegan cuando querés aprender a cantar armonías, te das cuenta lo difícil que es hacerlo bien y que ellos son los verdaderos maestros y que de acá descienden muchas cosas de mayor fama y reconocimiento.






Video promocional del tema en YouTube.




Encontrala originalmente en:
El disco inglés de los Everly Brothers tiene "Pretty Flamingo" e incluso "Fifi the Flea" que también hacían los Hollies -otra banda heredera- en esta época. De una década en que se la pasaron haciendo obras maestras... para nadie, lamentablemente.
Two Yanks In England (1966)





lunes, 16 de mayo de 2016

jueves, 12 de mayo de 2016

Nick Cave & the Bad Seeds - Abattoir Blues / The Lyre of Orpheus


Nick Cave es un tipo polémico, alguien que divide aguas, que tiene fanáticos acérrimos e incondicionales y detractores imposibles de convencer. Como todo gran artista, lo peor que le podría pasar es generar indiferencia y eso, queridos amigos, con Nick Cave, jamás va a pasar. Tiene la habilidad de ponerse a prueba a sí mismo, de tratar de no repetirse sin abandonar su esencia, de ser muy crítico de su propia obra y de plantearse desafíos musicales. Y hay que decir que el tipo es realmente muy productivo, incluso en sus etapas más tóxicas se las ingenió para hacer discos como Tender Prey o Murder Ballads. Te puede gustar o no pero en su extensa carrera nunca hizo un disco malo (Nocturama no es tan malo como dicen) y lo que le pasa hoy en día, en su madurez, es algo a todas luces infrecuente. La mayoría de los grandes autores y sobre todo los compositores de canciones -que es en lo que Cave se convirtió con los años- tienen una especie de pico creativo de cuatro o cinco años y después se mantienen regurgitando lo que les salió más o menos bien o lo que a los críticos les gustó. También tiene una banda que le salva las papas cuando las canciones desnudas probablemente no dirían demasiado y él se apoya mucho, muchísimo en los magníficos Bad Seeds, una banda de acompañamiento que es más que eso, es una entidad en sí misma. Casi todos los miembros tienen carreras paralelas, currículums abultados y varios son compositores por derecho propio.

¿De dónde sale Abattoir Blues / The Lyre of Orpheus? De un concepto muy fuerte, como la inmensa mayoría de los grandes discos. Del para nada despreciable bagaje literario que tiene Nick Cave, en donde la mitología griega convive sin problemas con la narrativa gótica de William Faulkner y el reviente de Borroughs. El disco es doble y cuando salió el argumento de venta era que Abattoir Blues era el disco fuerte, poderoso, podrido, lleno de coros, en donde tiraba toda la carne al asador y The Lyre of Orpheus era más reposado, más blusero y baladístico. No es tan así la cosa, hay un poco de todo en los dos y es notable la unidad conceptual que hay entre ellos, con un nivel compositivo altísimo, en donde casi no hay pasos en falso, algo bastante infrecuente en los discos dobles. Algunos fanáticos pusieron el grito en el cielo cuando vieron a su héroe con conejitos de dibujos animados en el video de “Breathless”, pero quienes no esperamos más que grandes canciones aplaudimos la variedad estilística inédita del disco.

Con Abattoir Blues / The Lyre of Orpheus se cansó de recibir elogios, premios a disco del año y de llenar conciertos a lo largo y ancho del planeta, sin por eso convertirse en un artista masivo, algo que jamás sucederá por obvias razones. Pocas veces los laureles fueron tan merecidos.





Escuchar en YouTube o en Spotify.





Chequear tambien:
The Boys Next Door - Door, Door
Nick Cave & the Bad Seeds - The Boatman's Call
Grinderman - Grinderman 2

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