martes, 19 de julio de 2016

5 Canciones 5: Madness


My Girl

Cuesta creer que la banda ya tenía todo para ganar tan temprano. En uno de los primeros singles que sacaron estaba todo; la onda medio ska pero con un talento impresionante para las melodías y los ganchos pop. Si a eso le sumás una observación social microscópica en la mejor tradicion Ray Davies tenés a Madness en su mejor estado. El solo de piano después del segundo estribillo también deja claro que había músicos y que eran bastante más que una "banda en joda".

Aparece originalmente en:
My Girl / Stepping Into the Line [single de 7''] (1979)

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Crying Shame

En la cara B de uno de los temas más famosos y celebrados de Madness aparecía "Crying Shame" que es un tema clásico de la primer etapa de los ingleses. Tiene un solo de guitarra medio calipso, al mejor estilo Harry Belafonte, otra de las tantes influencias incorporadas de manera sutil. Vendría a ser una sacada de sombrero sin llegar a ser nunca una chupada de medias.

Aparece originalmente en: Embarrassment / Crying Shame
[single de 7''] (1980)

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Our House

Para muchos The Rise and Fall es el mejor disco de Madness y la afirmación tiene su lógica. Ya desde el título hay un guiño evidente a la obra conceptual de los Kinks (Arthur or the Rise and Fall...) y se puede decir que este es el disco que actualiza esa obra maestra para la década de los yuppies y el individualismo, afinando la pluma para volverse verdaderos sociólogos, sin dejar de lado uno de los rasgos fundamentales; el sentido del humor.

Aparece originalmente en: Our House / Walking with Mr. Wheeze [single de 7''] (1982)


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I Pronounce You

Incluída dentro del que quizás sea el disco menos querido de todos los que han hecho, en la infaltable "etapa tormentosa" de la banda, con cambios de formación, peleas, drogas... lo de siempre. Pero "I Pronounce You" es un momento de alivio, una brisa de pop perfecto, con un estribillo que bien podría ser de los mejores XTC, de la epoca de Skylarking o el gran English Settlement. Nunca un disco de Madness va a ser malo del todo, por más que se esfuercen.

Aparece originalmente en:
I Pronounce You / 4BF / Patience / 11th Hour [EP] (1988)


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Dust Devil

Fines de la década del 00's (¿cómo hay que decirle a esa década?) la banda estaba en una especie de nebulosa, casi en la categoría de banda que vive de tocar sus viejos hits en pubs de mala muerte, cuando reaparecen con todo con el disco conceptual The Liberty of Norton Folgate. Éxito de críticas, buenas ventas y resurrección al estilo de los documentales de VH1. "Dust Devil" fué uno de los simples del disco, con el sonido bien clásico de Madness, reflotado y revisitado.

Aparece originalmente en: 
[single de 7''] (2009)


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domingo, 17 de julio de 2016

Gentle Giant - In a Glass House


“No critiques lo que no podés entender”
Bob Dylan, 1964



Si todos no guiásemos por este precepto que suena casi como una sentencia no habría que defender a un grupo como Gentle Giant hoy en día, bien inmersos en siglo veintiuno. Pero como la inmensa mayoría de los periodistas y formadores de opinión que tienen que ver con el rock se guían por una especie de manual al que hay que responder como si de leyes se tratase, la mayoría de los oyentes y aficionados a la música sufre las consecuencias de los estereotipos y las generalizaciones adolescentes.

Una máxima casi incuestionable para los hijos de la generación Pitchfork es que el rock progresivo / sinfónico es rídiculo, inválido, risible y el millar de adjetivos descalificadores que se te puedan llegar a ocurrir. Claro, eso conviene a los reyes en el arte de elevar cualquier bandita de mierda a la categoría de semidioses. Deidades que serán guillotinadas tan pronto aparezcan otros chicos que salgan bien en las fotos. Y si la cosa viene con rap mejor todavía.

Hacer lo que hace Gentle Giant requiere de mucho. Mucho esfuerzo, habilidad, creatividad, vuelo mental, técnica, locura… es música que tiene muchos méritos, es entendible que pueda ser ridiculizada pero acá va una teoría; es pura envidia. Incluso desde el punto del oyente requiere de no poco esfuerzo y concentración, hay que meterse en un mundo, hay que dejarse llevar, la satisfacción no va a ser inmediata, el enorme cáncer del entretenimiento en días de 'no sé lo que quiero, pero lo quiero ya'. In a Glass House es distinto también a otros discos de Gentle Giant, no tiene que ver ni con Octopus (para muchos la obra maestra de los hermanos Shulman) ni con otros discos de rock progresivo / sinfónico de la primera mitad de la década del setenta. “Way of Life” que podría ser un tema del mejor Yes, está perfectamente integrado al concepto sonoro del disco y, a pesar de que puede ser escuchado y disfrutado aparte, es dentro de la totalidad cuando mejor se lo aprecia. Puede hacerle honor al título a la hora de describir la música (traducido sería “en una casa de vidrio"), todo es frágil, hay que andar en puntas de pie para no romper nada y prestar mucha atención a los detalles porque esto no lo vas a volver a ver con frecuencia. Es lo que parece decir “The Runaway”, el primer tema del disco y el que establece las pautas de lo que va a pasar de ahí en más.

Ya está, la defensa está hecha. Escuchando un monstruo imposible de comparar -la gente suele desesperarse cuando no puede comparar con lo que ya conoce- como In a Glass House es lógico decir que los Sex Pistols fueron una revolución. Conservadora, pero revolución al fin.




Escuchalo entero en YouTube o en Spotify.




Chequear también:
Gentle Giant - Acquiring the Taste
King Crimson - Larks' Tongues In Aspic
Emerson, Lake & Palmer - Tarkus

jueves, 14 de julio de 2016

Video de la Semana: The Celibate Rifles - Tick Tock



Un no video de los Celibate Rifles (hay que saltear la introducción pedorra).





lunes, 11 de julio de 2016

David Bowie - Ashes to Ashes


A esta obra maestra la conocí en la época en que todavía se usaba bajarse temas sueltos en vez de discos completos y, la verdad, no lo podía creer.

Uno de los temas enormes de Bowie tanto desde el punto de vista musical como desde el estrictamente lírico, desde el principio con el bajo ese medio pedorro pero que en la canción queda diez mil puntos, la estrofa, el cambio que hace antes de ir a parar al estribillo, el puente y, finalmente el esperadísimo estribillo, ese que te eleva a diez mil metros sobre el nivel del mar.

Por supuesto que el estribillo no "resuelve" de manera convencional y este es el gran chiste de Bowie para mi gusto, sus grandes canciones son pop, pop perfecto, sofisticado, pero van a parar a lugares que nosotros, los mortales jamás podríamos imaginar. Pero sí que lo disfrutamos... y mucho.







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Encontrala originalmente en:
Aparece en un disco clave en la carrera del Duque Blanco, justo antes de otro cambio de piel, antes del yuppie de Let's Dance y el descenso de Tonight y Never Let Me Down. Para algunos extremistas el último disco relevante que hizo. Eso podría tener sentido si no hubieran existido los dos últimos -enormes- discos de estudio que hizo antes de partir hacia la inmortalidad absoluta.
Scary Monsters (And Super Creeps) [1980]





lunes, 4 de julio de 2016

Neil Young - Silver & Gold


El rey de los golpes bruscos de timón, un tipo que siempre hace lo que no se espera de él, aunque se podría decir que a esta altura, eso mismo que siempre lo caracterizó ya se volvió previsible, pero esa es otra discusión que dejaremos para otro momento. Nadie en su sano juicio puede discutir que hace lo que se le viene en gana y que, con todos sus méritos al día de la fecha, no se le puede ir con reproches. Lo tomás o lo dejás, así de simple.

Silver & Gold, el primer disco de este milenio, se inscribe en la categoría “disco folkie acústico” al estilo de Comes a Time, Harvest Moon o el criticado -un poco injustamente- Old Ways. En su momento recibió críticas más bien adversas, incluso en una era en que no son muchos los que se animan a hacer comentarios negativos sobre un artista de su estatura, sobre todo en los medios “oficiales”, que todos sabemos cuáles son. Los palos venían por el lado de que las canciones no estaban a la altura del inmenso legado de Neil Young, que no “rockeaba” lo suficiente, que la instrumentación era demasiado simplona y que las letras eran pedestres y hablaban de una idea de felicidad doméstica, algo que suele irritar a ciertos escribas de nariz parada. Como suele suceder, lo que a muchos molesta para otros son grandes virtudes y en esta última postura estamos, por supuesto. Hay que ser valiente para hacer un disco como Silver & Gold, carente de cualquier tipo de pretensión artística, de concepto grandilocuente o ínfulas de innovación. Hay que bancársela para hacer una letra como “Good to See You” o “Daddy Went Walkin’”, en donde la idea es festejar esos pequeños momentos que tiene la vida y que suelen pasar desapercibidos. En “Buffalo Springfield Again” canta que añora juntarse a tocar con sus viejos compañeros de andazas de la década del sesenta y, a pesar de que en realidad fue el propio Neil quien boicoteó más de un intento de reunión, uno no puede menos que creerle cuando la música es un delicia auditiva y crea una verdadera atmósfera de calidez y arropamiento. Eso es lo que consigue este disco y lo hace sin el menor esfuerzo, algo que hemos visto fracasar irremediablemente en manos de otros artistas. Encima tiene grandes joyas como “Distant Camera”, el enorme “Razor Love”, el tema que da título, la extremadamente dulce (aunque jamás empalagosa) “Horseshoe Man”, una balada de piano preciosa o el encargado del cierre; “Without Rings”.

Silver & Gold salió un poco después del malogrado disco reunión Looking Forward, con sus viejos colegas Crosby, Stills y Nash, donde otra vez lo acusaron de guardarse sus mejores canciones y sabotear el proyecto pero como bien dijimos, a esta altura del partido, con todo lo que nos ha dado, Neil Young es completamente inimputable.




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Chequear también:
Neil Young - Harvest
Bob Dylan - New Morning
Neil Young - Prairie Wind

viernes, 1 de julio de 2016

Video de la Semana: Mojave 3 - Breaking the Ice



Prefiero las canciones más... narcóticas de Mojave 3 (sobre todo las del gran Excuses for Travellers) pero de esta me gusta mucho el video.





sábado, 25 de junio de 2016

Disco del Mes: Björk - Vulnicura


Björk
Vulnicura
2015










One Little Indian Records










jueves, 23 de junio de 2016

Kendra Smith - Five Ways of Disappearing


En Opal estaba subordinada a los caprichos de Dave Roback y en The Dream Syndicate tenía a Steve Wynn y a Karl Precoda al lado, dos tipos con carácter y personalidades fuertes. Pero era claro que Kendra Smith tenía sus propias ideas e intenciones a juzgar por lo que suena en Five Ways of Disappearing, su segundo LP como solista.

Desde el principio las intenciones musicales y conceptuales del disco están puestas sobre la mesa. Nada es real, fabriquemos nuestro propio mundo, un mundo en que no todo tiene que ser color de rosa, habrá sobresaltos pero también herramientas para salir adelante. Eso queda claro desde “Aurelia”, en donde el clima enrarecido suena a manifiesto; afuera los que no estén listos, afuera desde el principio mismo, si me vas a seguir tengo que saber que vas a ser fiel y que estás de mi lado

Verdaderamente está concebido como un disco, para disfrutar de la experiencia de escucharlo por completo, después de esos paseos por el lado salvaje, levanta la pata del acelerador y aparece “Maggots”, una cancioncilla de aparente y engañosa sencillez, que sirve para hacer un poco más digerible el mal trago. Eso es claro sobre todo cuando la cosa sigue con “Drunken Boat”, ideal para marearse sin necesidad de estar en alta mar, gran línea de bajo, si la seguís con atención podés confesar tus secretos más recónditos bajo un estado semi-hipótico y narcotizado. Otro de los puntos altos de esta obra de significativa coherencia conceptual es “Valley of the Morning Sun”. Finalmente llegamos a donde nos estaban preparando al principio del disco -en
Bohemian Zebulon, el segundo tema- y acá es donde ‘volaremos más livianos que el aire, sin preocupaciones, deslizándonos encima de la luna plateada’. Acá la voz de Smith parece ponerse especialmente evocativa, es uno de los temas clave del disco y por supuesto nos lo hace saber. De más está decir que en ningún momento abandona el estado de languidez narcótica en el que canta todas y cada una de las canciones. Uno la imagina con los párpados caídos, balanceándose lentamente a los lados, en una suerte de baile pagano, sin prestar atención a absolutamente nada alrededor. En “Get There” es donde más se evidencia el parentesco de Five Ways of Disappearing con las fábulas medievales, las religiones politeístas y los rituales en donde hay fuego... y música, por supuesto. Es la banda sonora ideal de la película The Wicker Man. El tiempo es lento y sugerente, acordes menores, repetición que induce al trance… uno de los puntos altos definitivos del disco.

Lo más probable es que no le haya vendido un disco a nadie, aunque escuchando una obra como esta es claro que esa jamás fue la intención. De hecho, es el último disco de estudio que hizo Kendra Smith como solista. ¿Habrá ascendido a un plano de realidad superior a esta altura? Es muy probable.





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Chequear también:
The Druids - Burnt Offering
Kendra Smith - The Guild of Temporal Adventures
Mazzy Star - Among My Swan


miércoles, 15 de junio de 2016

Video de la Semana: The Walkabouts - Drown



De uno de los últimos discos de estudio de los Walkabouts de Chris Eckman y Carla Togerson, Trail of Stars, del 2009.





lunes, 13 de junio de 2016

Lucio Battisti - Emozioni


Cuando se enteró que la compañía discográfica iba a editar este disco, una suerte de rejunte de simples con sus respectivas caras “B”, en lugar de lo que él tenía bajo el brazo, se volvió completamente loco, iniciando así una relación tormentosa con todo lo que rodea a la música y que no tiene nada de musical (los contratos, las entrevistas, etc.). Lucio Battisti, uno de los cantantes más famosos y exitosos de Italia, acababa de grabar Amore e non amore, un disco conceptual y ambicioso que iba a ser la continuación natural de su primer LP homónimo del ‘69, pero en su lugar apareció Emozioni, el que todo el mundo recuerda como su segundo álbum de estudio y en el que aparecen varias de sus canciones más recordadas.

Battisti ya había andado por todo el mundo, era un lector ávido y había entendido -y digerido- perfectamente la música popular que valía la pena al final de la década. Había escuchado a los Animals, a los Rolling Stones y era fanático de Dylan, de hecho muchos lo apodan ‘El Dylan italiano’, comparación completamente injusta porque es dueño de su propio estilo tanto a nivel cantante como desde el punto de vista compositivo. “Fiori rosa, fiori di pesco”… ¿cómo se podría describir? Como una mezcla entre Badfinger y los temas más melodramáticos de los primeros Bee Gees, con la pompa y el bombardeo sentimental clásico de los italianos. Los arreglos barrocos y recargados le quedan como anillo al dedo y en todo momento está al borde de la sensiblería, sin cruzar nunca la frontera. Como cantante tiene personalidad, sin tener un registro privilegiado ni nada de eso, es expresivo y cuando está al borde de sus posibilidades quiebra la voz como ciertos cantantes de blues y soul. En “Il tempo di moriré” usa la clásica metáfora de hacer el amor y tocarle la puerta a la parca, la petite mort, un recurso un tanto gastado se podría decir, pero como la música es interesante uno puede dejar de lado esas cuestiones, es un blues lento, con un tempo extraño y una guitarra ahí, al borde del descontrol, del desbarranco. En este disco te podés encontrar también con “Acqua azzurra, acqua chiara”, “Non è Francesca” y “Anna”, temas que tocó hasta el final de su carrera.

Emozioni fue apenas el principio de la meteórica vida musical de Battisti, que siempre fue reacio a las entrevistas y cualquier tipo de invasión a su privacidad, incluso más tarde se retiró completamente de las presentaciones en vivo para concentrarse sólo en sus discos y el trabajo en el estudio. Cuando tenés éxito… podés darte ese lujo.




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Chequear también:
Lucio Battisti - Umanamente uomo: il sogno
Scott Walker - Scott 2
Mina - Todavía

miércoles, 8 de junio de 2016

Donovan - Tangier


Al maestro lo conocí por el clásico compilado que ahora ni me acuerdo como se llama, en la tapa está él con unas letras art-decó rosas y violetas. Al principio no me interesó mucho, me gustaban "Sunshine Superman", "Atlantis" y alguna que otra más.
Para mi gusto en los album tracks está la papa con Donovan, me parece que siempre elegía los singles mas boludos, o se los elegía alguien. En esta verdadera joya hay que sacarse el sombrero por lo que hace Mickie Most en la producción, se podría decir que "Tangier" es una de las primeras canciones de rock occidental que usa elementos de la música de oriente.

Pero en realidad lo que sí es indiscutiblemente este temazo... es psicodelia de la más pura. Música para levitar.








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Este sale el mismo año que el Album Blanco de los Beatles, habían compartido viaje a la India, en donde supuestamente Donovan les enseñó el estilo de guitarra fingerpicking, gracias al que salieron temas como "Blackbird" o "Julia". Este es uno de los cinco o seis discos imprescindibles del escocés.
Hurdy Gurdy Man (1968)





lunes, 6 de junio de 2016

5 Canciones 5: Howe Gelb / Giant Sand


Uneven Light of Day
Giant Sand
Primer canción del tercer LP de estudio y acá la cosa ya se empieza a definir, se puede adivinar lo que sería la carrera de Giant Sand de Storm en adelante. Temas rockeros rápidos y desprolijos intercalados con baladas de corazones rotos, teñidas de cierta pátina de ironía y sarcasmo. "Uneven..." es un medio tiempo, destartalado, con un uso -y abuso- de tecladitos de esos que se compran usados por dos mangos. Incluye letra con declaración de principios, que, como dijo Groucho Marx, si no te gustan... pueden ser otros.

Aparece originalmente en: Storm (1987)

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Live to Tell
Giant Sand
Esta canción de Center of the Universe bien podría ser una definición perfecta de lo que hoy en día varios llaman americana; hay una fuerte raíz de country y música tradicional de Estados Unidos pero está hecha por y para gente que no tiene nada que ver con el dominio tiránico de Nashville. A miles de millas de lo que hoy se vende como country en ciertas radios y en Spotify. Tiene bastante que ver con lo hecho está aquel entonces por Green On Red o Steve Earle, también pioneros del género.

Aparece originalmente en: Center of the Universe (1992)


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Low Spark of High Heeled Boys
Arizona Amp and Alternator
Otro de los vicios de Howe Gelb es agarrar temas clásicos -y no tan clásicos- y destrozarlos en versiones tan raras como caprichosas. Arizona Amp and Alternator es otra de esas tantas bandas paralelas con las que se dá el gusto de seguir sacado discos a lo loco sin que ningún sello discográfico ponga el grito en el cielo. Otra muestra de que una gran canción soporta cualquier tratamiento -o maltrato- porque lo que hacen con el tema de Traffic es realmente admirable.

Aparece originalmente en: Arizona Amp and Alternator (2005)


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Painted Bird
Giant Sand
Super rockero, podrido y reventado y con un guiño a Tom Waits (de quien Gelb es un fanático confeso) en la voz y la producción. "Painted Bird" es uno de los grandes temas de Glum, el primer disco en que realmente disponían de un dinerillo a modo de adelanto de parte del sello discográfico. La parte instrumental es espectacular, con un solo de guitarra bien indisciplinado, al mejor estilo Neil Young & Crazy Horse, pero en ningún momento deja de ser Giant Sand.

Aparece originalmente en: Glum (1995)


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Halifax in a Hurricane
Howe Gelb
Batería que parece que se va a llevar todo por delante, clima amenazador, piano disonante, ruidos de fondo... uno de los mejores temas de Hisser, grabado en una porta-estudio de cuatro canales... prestada!!! Costumbre más que habitual de Gelb y no sólo en sus discos como solista. Primera, toma, se graba en donde se puede, espontaneidad, los errores quedan, la canción es lo que importa y capturar ese momento que salió así; único.

Aparece originalmente en: Hisser (1998)


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jueves, 2 de junio de 2016

John Cale - Vintage Violence


Si lo conocés a John Cale por su trabajo con Velvet Underground, por ser el tipo que hacía que la banda fuese prácticamente un emblema de experimentación, te vas a llevar una sorpresa con Vintage Violence, su primer LP como solista. Un poco de recapitulación viene bien. Cale era el que tocaba la viola (la verdadera viola, no el estúpido sinónimo que se suele usar para referirse a la ‘guitarra’), el que había estudiado con el compositor de vanguardia LaMonte Young, el que grabó el disco de la banana y el deforme White Light / White Heat (los únicos discos verdaderamente revolucionarios de los neoyorquinos) y quien fue expulsado por Lou Reed en una lucha de egos, para tener finalmente el control de la banda. El galés estaba sin saber bien qué hacer de su vida, se mudó a un departamento que estaba prácticamente vacío y en donde, según él mismo cuenta, sólo había discos de los Bee Gees en un estado de semiabandono. Vale recordar que los hermanos, por aquel entonces, andaban por el disco doble Odessa, nada que ver con la fiebre de sábado por la que todo el mundo los conoce. El galés aparentemente se enamoró de las voces dobladas, las orquestaciones suntuosas y las canciones accesibles y sencillas.

Así fue como Vintage Violence terminó siendo un disco completamente inesperado para propios y extraños, prácticamente un ejercicio de estilo, él mismo declaró que intentó hacer un álbum así para aprender a hacer lo que no sabía. También puede pensarse que lo hizo para poder llevar el pan a su mesa pero sí esa era la idea... no lo logró. La verdad es que le salió bien el asunto, está repleto de canciones preciosas, el country rock melancólico de “Gideon’s Bible”, que bien podría haber estado en cualquiera de los dos primeros de The Band, la balada lacrimógena “Amsterdam”, una de las más despojadas en lo que arreglos se refiere y una obra maestra como “Big White Cloud”, recientemente versionada por el gran Mark Lanegan. La banda que lo acompaña es la de Garland Jeffreys, quien incluso se da el gusto de firmar una de las composiciones, la encargada del cierre, “Fairweather Friend”, una de las canciones más grancheras y accesibles de la placa.

Este el primero de una serie verdaderamente brillante, en donde John Cale realmente le toma el gusto al tema de escribir canciones de tres minutos y fracción, es la etapa en el sello Island, en donde brilló como nunca pudo volver a hacerlo. En la tapa aparecía con una especie de máscara, declaró que se trataba de un intento por esconder su verdadera personalidad musical. Escuchando las canciones de Vintage Violence, cuesta creerle.




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Chequear también:
John Cale - Fear
John Cale & Terry Riley - Church of Anthrax

John Cale - Hobo Sapiens

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