jueves, 21 de septiembre de 2017

Grant Hart - Intolerance


Un ruido seco, raro y distorsionado que dura unos veinte segundos da paso a una batería y un riff sórdido, medio bailable, medio Depeche Mode. Casi en seguida entra la voz, gastada, cansada, prácticamente recitando la letra y otra voz atrás en la mezcla, armonizado: “dijiste que eras sensible, bueno, advierto, esa es la forma en que quiero que vivas, estoy usando todos mis sentidos”. Así arranca “All of My Senses”, la primer canción de Intolerance, el primer LP como solista de Grant Hart, ex-baterista y mitad compositiva de una de las bandas más importantes e influyentes de la década del ochenta: Hüsker Dü.

Con Bob Mould, su anterior socio, habían redefinido para siempre la escena de Minneapolis, con Replacements y Soul Asylum a la cabeza, usaban las guitarras en once como escudo contra el mundo. Lo que muy poco después cosechó Nirvana y todos los que vinieron atrás, cuando el underground se fue para arriba de una vez y para siempre. Grant Hart era experto en convertir el sufrimiento en grandes canciones, era gay en un momento en que todavía estaba casi prohibido y era tan pobre de chico que solamente tenía plata para comprarse discos simples, de hecho con Mould se conocieron en una disquería y no se separarían en los siguientes diez años. Pero volvamos a Intolerance que es lo que hoy nos atañe.

El temazo “Fanfare in D Major (Come, Come)”, los ganchos en “Now That You Know Me”, los silbidos en "You're the Victim"… los famosos instintos pop de Hart, que antes eran -más de una vez- reprimidos por sus ex compañeros de banda, están a flor de piel en este disco. Son canciones pop perfectas, lo que siempre buscó. Ya lo tenía claro en “Pink Turns to Blue”, de la ópera rock punk por excelencia Zen Arcade, lo que volvería a intentar en “Books About UFOs”, debajo de todo el ruido y la mugre de New Day Rising o en la hermosa y clásica “Don’t Want to Know If You Are Lonely” de Candy Apple Grey. Se puede decir que Hart siempre fue el Paul McCartney de Hüsker Dü y que Intolerance es su Ram, en donde finalmente puede hacer todo lo que se le da la gana.

No es el único gran disco de Grant Hart, por supuesto, a pesar de no ser tan prolífico como Mould ha hecho cosas fundamentales como el primer disco de Nova Mob o el ambicioso The Argument, su último trabajo de estudio. Bienvenido a la verdadera inmortalidad absoluta.




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Chequear también:
Hüsker Dü - Warehouse: Songs and Stories
Grant Hart - Good News for Modern Man
Nova Mob - The Last Days of Pompeii



lunes, 18 de septiembre de 2017

5 Canciones 5: Grant Hart, Fred McDowell, Concrete Blonde, Mojave 3, Pinetop Seven


Shine, Shine, Shine
Grant Hart
The Argument es el canto de cisne, el Ulises de alguien que difilmente sea olvidado, Grant Hart. Además de componer practicamente la mitad de las canciones de Hüsker Dü con Bob Mould, claro. The Argument es su versión rockera de El Paraíso Perdido de John Milton pero no se asusten que los instintos pop de Hart están intactos, sobre todo en esta canción perfecta y melancólica. Lo despedimos cantando a coro: "y brillarás, brillarás, brillarás como una estrella arriba". Amén.

Aparece originalmente en: The Argument (2013)

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Jesus Is on the Mainline
Mississippi Fred McDowell
Cuando el blues volvió a tener el reconocimiento que nunca debió haber perdido, a fines de la década del sesenta, muchos músicos históricos del delta del Mississippi tuvieron la oportunidad de volver a grabar y algunos hicieron sus primeros LP recien en esta segunda oleada. Este es un ejemplo perfecto de blues de raíces puro y auténtico, al mejor estilo Son House o Skip James, un clásico que más tarde versionaría Ry Cooder.

Aparece originalmente en: I Do Not Play No Rock 'n' Roll (1969)


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Everybody Knows
Concrete Blonde
Uno de los grandes temas de Leonard Cohen fue versionado por Concrete Blonde para la serie Dirty Sexy Money, con Donald Sutherland. El cover, hay que decirlo, la rompe, más allá de que te guste o no Johnette Napolitano, la cantante con una voz (y una personalidad) muy particular. El video muestra que esta época envejeció bastante mal, los peinados de los personajes de la serie, los de la banda mejor ni hablar... pero la música; impecable.

Aparece originalmente en: Ghost of a Texas Ladies' Man [single, 7"] (1992)


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Got My Sunshine
Mojave 3
Gran demostración de cómo hacer un tema de folk engañosamente sencillo que va creciendo y desarrollándose lenta y perezosamente hasta convertirse casi en una pieza a toda orquesta a la manera del Phil Spector más barroco. Este temazo brillante, cristalino y luminoso aparece cerrando el tercer disco de estudio de los ingleses Mojave 3, la banda de Neil Halstead, también conocido como el alma máter de los fundamentales Slowdive. TEMAZO.

Aparece originalmente en: Excuses for Travellers (2000)


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Empty Hands and the Long Walk Home
Pinetop Seven
En este momento se me ocurren solamente dos bandas-ejemplo de temas instrumentales que valgan la pena; Calexico y los Sadies. Por lo visto habrá que agregar a Pinetop Seven a la lista. Esto es una mezcla de Morricone, cine negro, western y música clásica de fines del siglo XIX. Es una de las pocas canciones sin voces del segundo -gran- disco de estudio de esta banda de Chicago, Illinois.

Aparece originalmente en: Rigging the Toplights (1998)


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jueves, 14 de septiembre de 2017

Video de la Semana: The Sadies - Through Strange Eyes



Los hermanos Travis y Dallas Good, Mike Belitsky y Sean Dean tienen disco nuevo (salió a principios de año) se llama Northern Passages y tiene el nivel de siempre, es decir; impecable.





martes, 12 de septiembre de 2017

Mellow Drunk - Always Be Drunk


Todas las grandes bandas están sobrevaloradas. Todas, sin excepción. Beatles, Stones, Led Zeppelin, Blur, Nirvana, Sex Pistols, etc. Todas tienen muchísima prensa, se ha escrito muchísimo de ellos y, esencialmente, el fan promedio es el primero en valorar en demasía al endiosar una banda y creer que todo lo que hacen es sublime. En realidad, si agarramos cualquiera de estas bandas podemos ver que lo que hicieron y es extraordinario en general es bastante poco y el resto es más o menos cumplir, o zafar.

Del otro lado están las bandas chicas, las que no salen en ningún lado y son eternamente subvaloradas. De estas está lleno y muchas veces entran en esta categoría… merecidamente. Pero otras, como Mellow Drunk no lo merecen. Son muy pocos los que logran un disco completamente sólido, atemporal, repleto de buenas canciones y Always Be Drunk es uno de esos. Lo de “siempre hay que estar borracho” viene de Baudelaire, Leigh Gregory es uno de esos tipos que han leído mucho y eso se nota en las canciones que, rara vez, suelen ser personales. El tipo proyecta y estudia personajes y se ha encargado de afirmar que “es muy difícil encontrarme en las canciones, la auto-referencia no es lo mío”.

El primer temazo del disco aparece de la mano de “Everybody Knows You’re a Star”, un medio tiempo muy al estilo de Crazy Horse, con guitarras podridas al punto justo, con una voz susurrada como la de Steve Kilbey de The Church o cualquiera de los dos cantantes de Suede. En la sección anterior al estribillo hay un cambio de acorde que te descoloca y te hace desear que llegue el alivio. Está repleto de solos de guitarra bien mugrientos, sin virtuosismo pero muy musicales, líricos, dura cinco minutos y pico pero podría seguir un buen rato. El resto de las canciones se mueve -de manera muy cómoda, hay que decirlo- en esa línea; canciones. Canciones redondas, sin fisuras, con una pátina evidente de melancolía, como la foto de tapa, que refleja perfectamente lo que contiene. Tiene también el ineludible cover fino de la mano de “Long Drawn Sunday Night” de los escoceses The Orchids, una suerte de Belle & Sebastian no tan amables.

Lo de Mellow Drunk pegó bastante por el lado de los músicos, como suele pasar en estos casos, con Marty Willson-Piper invitándolos a tocar cuando su banda fue a San Francisco o Dean Wareham de Luna declarándose fan y tocando con The Jazz Butcher y Johnny Thunders. Mellow Drunk; un “tapado” de los buenos.




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Chequear también:
The Walkabouts - Ended Up a Stranger
Mellow Drunk - Never Sleep at Night
The Jayhawks - Sound of Lies


jueves, 7 de septiembre de 2017

Willie Dixon - I Am the Blues


Pocos han hecho tanto para el desarrollo de la música moderna como este hombre. Como parte del equipo estable del sello Chess de Chicago, produjo, compuso, arregló y tocó en más canciones que las que se han podido documentar, una buena porción fueron temas compuestos por él mismo y se cree que es autor de unas quinientas piezas, aproximadamente.

A pesar de que venía trabajando activamente y a esta altura era sinónimo de calidad, I Am the Blues, aparecido en 1970, es recién el sexto disco de estudio de Willie Dixon como solista, con su nombre en la tapa, por extraño que parezca. Es que lo suyo no era el estrellato, de hecho llegó a la gran ciudad para triunfar como boxeador, en donde no le fue del todo mal, pero lo suyo, claramente, estaba en otro lado. A fines de la década del sesenta debe haber sentido la necesidad de reclamar lo que era suyo, el blues que ya tenía unos cuantos años, estaba otra vez de moda. Se habían grabado infinidad de versiones de sus temas y era el momento perfecto para mostrar cómo era que se hacían las cosas.

Un vistazo a la contratapa de I Am the Blues, a la lista de temas, sobra para ver que estos son los temas que forman parte del canon imprescindible del género, varios fueron grabados por primera vez por el gigante Howlin’ Wolf (en este disco toca su fiel guitarrista, Hubert Sumlin), otros tantos por Muddy Waters y no faltan las versiones de bandas más actuales, como The Doors, Rolling Stones y Led Zeppelin. La banda de Page, Plant y compañía incluso tuvo un pequeño desliz al no darle el crédito correspondiente al bluesman por “You Shook Me”, del primer LP homónimo de los ingleses, cosa que se corrigió con los años después de no pocos litigios legales. El disco abre con una poderosa versión de “Back Door Man”, uno de sus grandes temas, con un sonido moderno, adaptado a la época y con un Dixon en muy buena forma como cantante. ¿Por qué será que una música en apariencia sencilla y sin demasiados rebusques suena tan bien en manos de sus intérpretes originales y no tan bien (por no decir pésimo) en manos de gente que se acerca al género de manera irrespetuosa o despreocupada? Están quienes creen que esta música es puro sentimiento, que se lleva en la sangre y demás explicaciones de tipo metafísico y a la hora de escuchar y hacer comparaciones puede ser que algo de eso haya.

En vez de preocuparnos y hacernos preguntas sin respuesta mejor escuchar el solo de piano de “I Ain’t Superstitious”, uno de los temas enormes de la música popular del siglo veinte. También de la pluma de Willie Dixon, por supuesto.




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Chequear también:
Willie Dixon - Catalyst
Magic Sam Blues Band - West Side Soul
Muddy Waters - After the Rain

lunes, 4 de septiembre de 2017

Eels - Hey Man (Now You're Really Living)


Captás un pedacito de la letra y de repente, ESO, convierte a la canción en algo completamente nuevo. Tenés un hijo y tu vida cambia completamente, para siempre y de manera indefectible.

No se puede describir con palabras aunque se puede intentarlo, como siempre... ¿por qué no?
Querés que tu hijo esté protegido, que tenga un escudo contra la mierda que nos rodea, querés que sea felíz y que sepa disfrutar de los sagrados momentos de soledad y cuando vislumbrás que eso puede llegar a suceder te parte la cabeza, el alma y el corazón. El pedacito de letra que llegué a captar es cuando dice "te hace darte cuenta de que no es un mundo tan malo".

Más que suficiente. ¡Ah! Y el título, claro, sería algo así como "ey viejo (ahora estás viviendo de verdad)".






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Encontrala originalmente en:
¿Por qué todo el mundo quería hacer discos dobles en esta epoca? ¿Sabían que estaba todo al borde de terminarse? A lo mejor suponían que en unos pocos años los discos iban a ser algo para nostálgicos. Y de los discos dobles, largos, llenos de temas... mejor ni hablemos.
Blinking Lights and Other Revelations (2005)





viernes, 1 de septiembre de 2017

Video de la Semana: The Decemberists - Calamity Song



Los videos de Decemberists suelen ser historias cortas, con una buena dosis de sentido del humor y en este tema de Her Majesty... una influencia muy clara de early R.E.M.





martes, 29 de agosto de 2017

Disco del Mes: The Electric Prunes - Mass in F minor


The Electric Prunes
Mass in F minor
1968










Reprise Records










lunes, 28 de agosto de 2017

You Am I - Hi Fi Way


¿Se puede hacer una generalización de trazo grueso y decir que la música de un país es de una u otra forma? Se podría decir que no, que no es posible semejante agrupación pero hagamosló igual que ningún censor va a venir a amonestarnos. Los australianos, el gran rock australiano para acotar un poco el asunto, tiene la gran virtud de ser honesto, a más no poder. Los tipos no se preocupan por ser artistas, por dejar grandes obras conceptuales, pero sí se preocupan y mucho por rockear, por sonar duros y puros. La lista es larga; The Hitmen, Hoodoo Gurus, The Cruel Sea, Beasts of Bourbon y podríamos seguir un buen rato con la enumeración innecesaria.

You Am I fueron grandes estrellas en las antípodas en la década del noventa y gran parte de ese éxito se debe a este, Hi Fi Way, segundo LP de estudio de la banda de Sydney, aparecido originalmente en el año 1994. A la hora de la grabación eligieron a Lee Ranaldo, de Sonic Youth, para la producción, a pesar de no ser una banda del todo emparentada con los neoyorquinos, sí es un grupo de guitarras fuertes y el trabajo se nota en los surcos. A la hora de describir el sonido de You Am I se puede emparentarlos con mucha música de los sesenta pero también con varios de sus congéneres, de hecho el primer LP era medio grunge. Una especie de Kinks de los noventa, se podría decir. Por la manera de cantar de Tim Rogers, un tipo con un carisma considerable, por las composiciones y el tipo de canciones y por la variedad musical que hay en los discos. Son una de esas bandas que pueden rockear muy fuerte, basar los temas en riffs de guitarra e inmediatamente después hacer una balada con todas las letras como “Handwasher”, que en Hi Fi Way viene antes de “Punkarella”, como para ilustrar la idea.

A lo último, para cerrar, está el primer single; “How Much Is Enough?”, ganchera y melancólica en partes iguales. Fue seguido por “Cathy’s Clown”, otro gran hit que casi comparte nombre con el super clásico de los Everly Brothers… si querés saber cómo sonaba el rock australiano de mediados de los noventa, no harías mal en elegir este tema como ejemplo. Nunca pudieron despegar del todo del país continente pero siempre que va una banda grande (The Who, Stones, Oasis) son ellos los elegidos para actuar como teloneros.




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Chequear también:
You Am I - Deliverance
You Am I - Dress Me Slowly
You Am I - Cream & The Crock: The Best of You Am I

viernes, 25 de agosto de 2017

5 Canciones 5: The Bevis Frond, Egberto Gismonti, Wilco, Wilson Pickett y Lou Christie


Splendid Isolation
The Bevis Frond
Perfecto título -'soledad espléndida' sería- para describir la forma en que Nick Saloman grabó el primer LP de The Bevis Frond. Solo, en su cuarto, tocando todos los instrumentos en una porta-estudio de cuatro canales. Según cuenta el librito de la reedición del sello Cherry Red, estaba a punto de darse por vencido con la música cuando empezaron a llamarlo por teléfono y pedirle copias. El sonido es crudo, logicamente, pero canciones como ésta, a prueba de herrumbre, hacen que Miasma sea fundamental. Nacía una leyenda.

Aparece originalmente en: Misma (1986)

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Cego Aderaldo
Egberto Gismonti
Una sorpresa; todavía se puede revolver en las disquerías porteñas y encontrar tesoros sin que te cobren el equivalente a un órgano del cuerpo humano. En este disco conceptual está este homenaje al Ciego Aderaldo, que fue -supuestamente- uno de los primeros en hacer rimas e improvisaciones. La música es un viaje a la India, de hecho, como invitado está Lakshminarayana Shankar. No hay muchos como Egberto Gismonti en el mundo, con su nivel de vuelo e inventiva.

Aparece originalmente en: Circense (1980)


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Common Sense
Wilco
En medio de un disco tranquilo y reposado aparece este manojo de nervios. En el momento de su aparición, los comentarios sobre Schmilco hablaban de un disco parecido a Sky Blue Sky pero... no es tan así, uno se pregunta si se toman el trabajo de escuchar más de dos o tres canciones. En este disco no falta la experimentación, los temas raros y relativamente perturbadores. Este es, sin duda alguna, uno de esos.

Aparece originalmente en: Schmilco (2016)


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You Can't Stand Alone
Wilson Pickett
Incluído en el quinto LP de estudio del gran Wilson Pickett, cuarto para el sello Atlantic. Se podría pensar que lo que no eran singles en este tipo de discos eran rellenos. Nada más alejado de la realidad, estos son discos disfrutables al cien por ciento. Acá hay una línea de bajo que es una víbora fuera de control, velocidad, sudor y la garganta rasposa de uno de los más grandes cantantes de soul y R&B de todos los tiempos. TEMAZO.

Aparece originalmente en: The Sound of Wilson Pickett (1967)


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Look Out the Window
Lou Christie Sacco
Este disco corresponde a una especie de sub-género; rocker exitoso de los sesenta, cansado de su imagen de ídolo adolescente, decide hacer disco orquestal con canciones introspectivas. Sobran ejemplos: Johnny Rivers, Rick Nelson, Dion, Del Shannon, etc. El de Lou Christie es uno de los buenos en serio y al final se pone más ambicioso todavía, con los tres últimos temas. Acá los arreglos son un verdadero lujo, a toda orquesta y el falsetto se eleva por encima de una maraña de cuerdas y bronces.

Aparece originalmente en: Paint America Love (1971)


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jueves, 24 de agosto de 2017

Video de la Semana: Portugal. The Man - Feel It Still



Tienen flamante disco nuevo, se llama Woodstock y salió hace poco más de un mes. Este es el hit.





martes, 22 de agosto de 2017

KISS - Unmasked


La banda más “perdonada” de la historia del rock ‘n’ roll. ¿Qué sería esto? Muy simple; KISS es la banda que incurrió en todos y cada uno de los pecados que harían que una banda desaparezca del mapa y pase a ser odiada por su público. Reuniones y separaciones de todo tipo, noticias extra musicales de las más repugnantes, declaraciones dudosas de todos los colores, líderes absolutos en eso de sacarle plata al fan medio tontuelo con productos que nada tienen que ver con la música y podríamos seguir un buen rato enumerando… de la rivalidad local con Queen mejor ni hablemos. Se podría decir que en todo lo que NO ES música estrictamente, hacen agua por todos lados. Por suerte, también hacen discos y hay varios que tienen muy buenas canciones.

Después de la conquista mundial, de lograr todo lo que se habían propuesto, a fines de los setenta eran una de las bandas más exitosas comercialmente hablando. Hasta llegaron a sacar cuatro discos solistas simultáneos que se cansaron de vender, en una movida marquetinera sin precendentes. Para la altura de este, Unmasked, las grietas empezaban a asomar.

Es el primer disco sin el baterista original, sin Peter “El Gato” Criss, quien aparece en el video de “Shandy” -omnipresente en las radios todavía hoy- pero no grabó en ninguno de los temas. Es el primer LP en donde hay muchas contribuciones externas en las composiciones, esto ya había pasado anteriormente pero acá la cosa está llevada casi al extremo. Para muchos esto fue sacrilegio pero a nivel musical es un disco inédito para la carrera de KISS. Hay más melodías, giros inteligentes en los estribillos, puentes que antes no habrían aparecido y aquí va una teoría; sin los compositores que metieron mano todo esto no había pasado. Como toda banda ávida de ventas (quizás la banda MÁS ávida de ventas que existe) en Unmasked hay una cierta tendencia hacia el powerpop que tan de moda estaba por aquel entonces con The Knack, Romantics, 20/20 y etc. “Is That You?”, “Talk to Me”, de Ace Frehley, quien siempre metía sus perlitas y pronto recibiría también la patada en el culo y, sobre todo, el enorme “Tomorrow”, en donde Paul Stanley demuestra una vez más quién es el verdadero portador de la llama en KISS. Hay algún que otro relleno, eso no falta en ningún disco de KISS, pero no es de ninguna manera el disco que muchos se han encargado de vilipendiar a lo largo de los años. Dale una oportunidad a Desenmascarados, a lo mejor vos también… comprás.




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Chequear también:
KISS - Music from "The Elder"
KISS - Killers
KISS - Creatures of the Night



jueves, 17 de agosto de 2017

lunes, 14 de agosto de 2017

Mark Knopfler - Boom, Like That



¿Quien no conoce a Dire Straits? Yo los conocí de muy chico, sonaban por todos lados y tenía el compilado Money for Nothing -todavía lo conservo- que lo debo haber gastado. Pero después me hice el punk y los desprecié, disfrutándolos sin admitirlo del todo.

Por eso mismo Knopfler como solista me llegó muchísimo más tarde y el primer disco que tuve fue Get Lucky, cuando salió, a fines de la década pasada. Sus últimos cinco o seis discos (sobre todo el doble Privateering) me gustan más que su banda anterior, los disfruto más, me parecen más sinceros y menos atados a una época y además no cansaron a nadie con la sobreexposición. En mi etapa de DJ ponía mucho este tema, que te atrapa desde su arpegio introductorio, cancherísimo, con groove, onda, buena letra, Knopfler "cantando" casi sin abrir la boca y los licks desparramados de mi guitarrista favoritor de todos los tiempos. Sí, Mark Knopfler.






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Encontrala originalmente en:
Este es el tercero de la etapa inaugurada por el excelente Sailing to Philadelphia (muy celebrado -me acuerdo- cuando apareció) y es otro gran disco. Muchos temas, varios colores musicales y el estilo completamente consolidado. Un Lou Reed para las masas (¡JA!).
Shangri-La (2004)





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