Al Green - I'm Still in Love with You

¿Cuántos niños que hoy son adultos habrán sido concebidos al compás de la música de Al Green? Seguramente miles. Es que el soul sugerente y arropador de El Reverendo era extremadamente popular en la primera mitad de la década del 70.

Nacido en el seno de una familia humilde y muy religiosa, tuvo que dejar su hogar cuando todavía era un niño luego de ser sorprendido por su padre escuchando música “pagana”, non-sancta. Se las arregló como pudo, lidiando con mujeres de vida licenciosa y llegando incluso a ser una especie de tratante de blancas, un proxeneta.
Luego de varios intentos infructuosos en la música, su suerte cambiaría al conocer a Willie Mitchell, dueño, productor, arreglador y compositor de Hi Records. Ahí fue cuando los éxitos empezaron a sucederse.

I'm Still in Love with You forma parte de una sucesión de discos francamente envidiable, hay quienes lo señalan como su pico creativo, otros se quedan con Call Me, el disco siguiente y están los que optan por Let's Stay Together, pero nadie en su sano juicio discutiría que este es un trabajo clave, definitivo.
La clave está en la síntesis hallada por Green y Mitchell; al encanto sureño del sello Stax se le suma la fuerza y la energía de Motown y si a eso le agregamos la pizca de agresividad de la música urbana de aquel entonces… bueno, el cóctel es irresistible. Por eso el tema que da título a la placa fue un super-hit a nivel ventas, es que la sección rítmica trabaja con precisión y buen gusto, con dos baterías sincopadas y por encima de todo, la voz de Green susurrando, gimiendo y pasando del falsetto al barítono sin el menor esfuerzo aparente.
Más adelante aparece también "Love and Happiness", sin duda alguna una de las canciones más memorables de todas las que compuso, en este caso de la mano de Mabon “Teenie” Hodges, el guitarrista de su banda de acompañamiento. Extrañamente no fue un disco simple hasta pasados unos cuantos años de la aparición de I'm Still in Love with You. Al parecer la compañía disquera no quería desviar la atención del primer simple extraído del álbum (el tema que da título al LP) y así fue como una de sus más reconocidas composiciones quedo algo opacada en su momento.
Un momento de transición en la placa, pero que fluye extraordinariamente, es el que aporta "Simply Beautiful", lentísimo y aletargado, con unos arreglos al borde de lo imperceptible, pero en donde Green puede permitirse el lujo de lucirse con su sutileza a la hora de sugerir en vez de mostrar.
La calidad de intérprete queda en evidencia ante la original relectura que hace de "Oh, Pretty Woman" del gran Roy Orbison, casi irreconocible, pero también es una muestra evidente de que las canciones gigantes (como en este caso) son elásticas, flexibles y permiten acercamientos diferentes conservando intacta su eficacia primeriza.
También están presentes las versiones de temas country que no pueden faltar en los discos clásicos de Al Green, en este caso el tema es "For the Good Times" de Kris Kristofferson. Recibe un tratamiento similar al de "I'm So Lonesome I Could Cry" de Hank Williams y "Funny How Time Slips Away" de Willie Nelson de Call Me. Lo de siempre, si algo sale bien, sigamos haciéndolo.

Casi inmediatamente después de la aparición en el mercado de I'm Still in Love with You (dos años despúes para ser precisos) sucedió el episodio que hizo que Al Green abrazara la religión, se comprara una iglesia y se dedique a los sermones dominicales. De todas maneras su carrera estaba lejos de finalizar, luego de algunos coqueteos con el góspel -logicamente- volvería a la música “profana”, se harían muchas versiones de sus temas más famosos y se canonizaría su imagen para siempre. Merecidamente, claro está.



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Desde Escocia y en plena gira por Estados Unidos, graban este video de su canción/manifiesto. Enjoy the Melodic Sunshine estaba lleno de viñetas optimistas y pequeños himnos en clave existencial. Obtuvieron un reconocimiento considerable a principios de la década anterior.

5 Canciones 5: Waterboys, 20/20, Aquelarre, Elvis Brothers, Flaming Lips

The Waterboys - How Long Will I Love You?
Alejándose bastante de la megalomanía del período de This Is the Sea y muy cerca de la cultura celta y el rock de raíces. Mike Scott y compañía aprendieron que la sutileza muchas veces puede ser una aliada. Los instrumentos son muchos pero todos contribuyen a crear un clima, apacible en este caso.
Aparece originalmente en: Room to Roam (1990)

20/20 - Alien
Pop perfecto y cierto aire disco en esta joya de una de las bandas insignia del power-pop de fines de la década del 70 / principios de los 80's. Imposible no sentirse atrído por los coros y las líneas de bajo, precisas y casi bailables.
Aparece originalmente en: Look Out! (1982)

Aquelarre - Silencio Marginal
"Si las luces se cruzan al azar / es mentira el silencio marginal / de tu seguridad / el miedo de una noche / que la naturaleza tiene en vos" decía el segundo tema del tercer disco de Aquelarre, pintando con una poesía hermética el convusionado momento socio/político de aquellos años. La música es todo lo contrario; mostrando la destreza acústica de un grupo que no conocía límites en cuanto a ejecución y originalidad compositiva.
Aparece originalmente en: Brumas (1973)

The Elvis Brothers - It's So Hard
En esta canción se acercan más a Buddy Holly que a Mr. Elvis Aaron pero en el resto del disco los "falsos hermanos" (a la manera de los Ramones, portaban el mismo apellido) se pasean por varios estilos pero siempre fieles a la idea de diversión, de fiesta. Una banda que merece más reconocimiento del que tiene.
Aparece originalmente en: Movin' Up (1983)

The Flaming Lips - Mountain Side
Una obra maestra dentro de un disco del que algún día se escribirán páginas enteras. Las lecciones de Jesus & Mary Chain con la distorsión guitarrera más sucia, más la batería en el estilo de Bonham y un cantante alla Neil Young / Jon Anderson son una muestra de cómo exceder las influencias, como apoderarse de un legado y cómo ser completamente originales sin perder un ápice de fuerza.
Aparece originalmente en: In a Priest Driven Ambulance (1990)

The Cramps - Psychedelic Jungle

Todo lo que rodea a los Cramps está teñido de cierto halo de misterio, muchas veces alimentado por los mismos integrantes de la banda. Según esta mitología, Lux Interior, cantante y líder y Poison Ivy, guitarrista cavernícola de atrapante presencia escénica, se conocieron en un viaje a dedo. Pero no hubo interés mutuo hasta que supieron que ambos estaban envueltos en cursos de ocultismo en San Francisco. Este tipo de detalles pintorescos juegan un poco en contra de lo que The Cramps verdaderamente es; una gran banda de rock en todo sentido. Supieron crear un estilo, tomando elementos del pasado, licuándolos y apropiándose de ellos con pasión, inteligencia y dedicación.

Alguien que en los momentos formativos de la banda andaba cerca en lo que a intenciones se refiere y que les dio un empujón cuando más lo necesitaban fue, nada más y nada menos, Alex Chilton.
El ex Box Tops y Big Star, niño prodigio, guitarrista y gran compositor, estaba haciendo todo lo posible por destruir su imagen pública con presentaciones en vivo caóticas y discos de estudio difíciles, poniendo a prueba la paciencia de su público (que en aquel entonces no era tan grande como el actual) y del ambiente musical en general. Cuando vio a los Cramps en vivo no lo dudó; fue amor a primera vista.

Más allá de la fuerte impronta visual de las actuaciones en directo, Chilton quedó atrapado por el acercamiento primal y salvaje al rockabilly más ignoto, la original relectura del rock de los 50's y las perlas extraídas del arcón de los recuerdos. Vale decir que a fines de los 70's, la “arqueología rockera” no era lo mismo que hoy; era más difícil surfear el pasado y ni siquiera era algo que las bandas acostumbraban a hacer con la frecuencia de nuestros días.
Así es como Chilton se ofreció para producir los dos primeros trabajos de estudio, Gravest Hits, el primer EP, una galería de rockabilly sucio a diferentes velocidades, y Songs the Lorg Taught Us, el primer larga duración y piedra Rosetta de lo que luego se llamó Psycobilly; los tres acordes del rock más básico pero bañados en capas de guitarras distorsionadas hasta extremos inimaginables.

Psychedelic Jungle es eso y un poco más. No hace falta arreglar algo que no está roto, entonces los Cramps graban la continuación natural de aquel brillante primer disco. Producido esta vez por ellos mismos.
"Green Fuzz", proveniente de la afamada compilación Pebbles, es el encargado de abrir el fuego, ahí está la voz de Elvis de ultratumba de Lux Interior, la guitarra de Poison Ivy que se parece más al zumbido de un moscardón que una seis cuerdas habitual y los ritmos monótonos, lentos, viscosos.
Para el rescate emotivo están "Goo Goo Muck", "Rockin' Bones", "The Crusher" y "Jungle Hop", provenientes de vaya-uno-a-saber que recóndita tienda de usados, esos discos de 45 RPM que nadie quiere pero que con el paso de los años se vuelven incunables para los que saber afinar el oído.
Uno de los mejores originales es "The Natives Are Restless", que podría traducirse como “Los nativos están incansables”, con ese ritmo insistente, las guitarras con slide, y la letra tan típica del estilo de los Cramps, con mucho sentido del humor pero guiñando un ojo a la cultura chatarra yanqui, las películas de zombis de cuarta categoría, los coches “modificados” y los afiches psicodélicos y estrambóticos.
Y es ese un buen resumen del gran hallazgo -y mayor acierto- de los Cramps, ese revolver en la pestilencia para poder hallar la aguja en el pajar, es la aceptación de vivir en una cultura enferma pero sabiendo que incluso en sus regurgitaciones se pueden encontrar cosas valiosas. Fueron muchos los que entendieron el mensaje.



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La banda de Syd Griffin dijo adiós a lo grande; Two Fisted Tales, del año 1987 empezaba con esta pequeña maravilla de tres minutos en donde confluyen la mayoría de las influencias principales de los Long Ryders.

Slade - Slade Alive!

No se puede tomar demasiado en serio a Slade, eso hay que aclararlo de entrada. Algo que en cualquier otro grupo podría ser un defecto en Slade se convierte automáticamente en una de sus más inmediatas virtudes. Claro, es rock 'n' roll sin compromisos y sin entuertos pero con diversión. Es que Slade representa la quintaescencia del rock entendido como un motivo de reunión, de festejo, de baile… y a otra cosa, mañana, al otro día, de vuelta al trabajo y a esperar otra vez el fin de semana.

Ellos sabían lo que sus fans querían y los satisfacían sin hacerse rogar ni un segundo.

Formados en la segunda mitad de los 60's, tardaron bastante en encontrar el rumbo o la personalidad, primero se llamaron Ambrose Slade, pero el nombre fue acortado luego de aceptar la sugerencia de Chas Chandler, ex-Animals y más conocido como manager y “descubridor” de Jimmy Hendrix. Él también fue quien los aconsejó para seguir el camino del movimiento que se estaba gestando a principios de la década siguiente; el glam rock. A pesar de que Slade tenía bastante poco que ver con T-Rex, Bowie y demás patriarcas del género, fue dentro de esa etiqueta cuando los hits empezaron a sucederse. Y fueron varios, muchos a decir verdad.

Antes de la andanada de éxitos mal escritos (uno de los chistes característicos del primer período) como "Gudbuy t'Jane" o "Mama Weer All Crazee Now" salió Slade Alive!, este verdadero mastodonte sonoro, una descarga de altísimo voltaje eléctrico en donde los siempre confiables pulmones de Noddy Holder están más inflados que nunca, al borde del cataclismo pero siempre al servicio de otra noche de fiesta, de la algarabía del respetable.

Según comentarios “extra-oficiales” (logicamente) Slade Alive! recibió no pocas ayudas en el momento de la posproducción, aumentando y sincronizando el volumen del público y corrigiendo algún que otro defectillo en las interpretaciones de los músicos. Pero lo cierto es que Slade Alive! impacta, da en el blanco y con mucha fuerza. El pre-punk rock / proto metal y el ruido blanco que por momentos se escucha no se había oído anteriormente, y -a decir verdad- pocas veces se ha vuelto a oír.

El repertorio elegido se apoya bastante en las versiones, así es como el puntapié inicial está dado por "Hear Me Calling" de la pluma de Alvin Lee de Ten Years After. Completamente irreconocible es "Darling Be Home Soon" de John Sebastian, otrora líder de los memorables Lovin' Spooful, en donde Holder se da el gusto de despacharse con un sonoro eructo que es celebrado sin disimulo por la audiencia.
Mención aparte para la versión que cierra la placa; "Born to Be Wild" de Steppenwolf, extendida a casi diez minutos y donde Slade demuestra que para el ataque sónico brutal y ensordecedor son mandados a hacer.

En fin, después vendría Slayed? que quizás sea el mejor disco de estudio de la banda inglesa, el típico ascenso y caída, la remontada vertiginosa de la mano de las versiones de Quiet Riot (muy exitosas al otro lado del atlántico) y los vaivenes típicos de cualquier banda histórica. Pero Slade Alive! es el testimonio clave de cuando empezaban a torcer su propia historia, a encontrar el rumbo que los haría inolvidables.



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The Dictators - Bloodbrothers

5 Canciones 5: Rose Tattoo, The Coral, Hoodoo Gurus, Beasts of Bourbon y 999

Rose Tattoo - Nice Boys
Evitando cualquier tipo de sutileza y a velocidades vedadas por la ley, la sentencia es clara y contundente; "los muchachos buenos... no tocan rock and roll". Un disco debut para agitar puños en alto.
Aparece originalmente en: Rose Tattoo (1978)

The Coral - Jacqueline
Los muchachitos de Liverpool finalmente crecieron y abrazaron con ganas los preceptos de "La Canción Perfecta". Arreglos sutiles, varias guitarras y la voz de de James Skelly alcanzando un grado de madurez que no tenía anteriormente.
Aparece originalmente en: Roots & Echoes (2007)


Hoodoo Gurus - What's My Scene
Desde Australia con amor, aunque a esta altura apuntando al resto del mundo, con una producción más pulida pero el talento para el gancho pop completamente intacto.
Aparece originalmente en: Blow Your Cool! (1987)


The Beasts of Bourbon - Ride On
Siempre fue uno de esos temas distintos de AC/DC, jamás lo tocaron en vivo. Sin duda alguna merecía una versión (no es la única) y el tratamiento al que la someten los Beasts... merece un momento de atención.
Aparece originalmente en: The Low Road (1991)


999 - High Energy Plan
Como el título bien lo indica, esta perlita de los punks ingleses es un subidón repentino de adrenalina difícil de comparar. En Estados Unidos, Separates se llamó como esta joyita, demostrando que tenía su valor ya en aquel entonces.
Aparece originalmente en: Separates (1978)