Disco del Mes: Alejandro Escovedo - Burn Something Beautiful

Alejandro Escovedo
Burn Something Beautiful
2016










Fantasy

Old Crow Medicine Show - 50 Years of Blonde On Blonde

¿Cuál es el verdadero valor de los discos de versiones o discos tributo? Depende el punto de vista, como siempre. A lo mejor desde lo estrictamente artístico el valor es nulo o ínfimo. Pero como souvenir para el fan son magníficos. Siempre es disfrutable ver desde qué ángulo se los encara, si es desde la reverencia, la desfachatez o incluso desde lo meramente cómico. En el caso de este, es un caso aparte porque se trata de un disco entero versionado, Blonde On Blonde, el super clásico de Dylan, encarado de punta a punta -en vivo- por Old Crow Medicine Show.

Muchas de las canciones de Blonde On Blonde han sido versionadas más de una vez y algunas hasta el hartazgo (“Just Like a Woman” o “Visions of Johanna”, por ejemplo) pero estos tipos se encargan de imprimirle un matiz fresco y novedoso a unas canciones que, por increíble que parezca, ya tienen cincuenta años. La fiesta empieza desde temprano, con una versión fiestera al máximo de “Rainy Day Women #12 & 35”, un tema que en el original era poco más que un chiste que no hacía falta escuchar dos veces. En “Pledging My Time” la parranda sigue, con una versión a toda velocidad al mejor estilo The Pogues. Con el tercero, de la mano del mencionado “Visions…” ya te das cuenta de que la cosa va en serio y de que funciona. En vez de arrodillarse de manera obediente, le ponen pimienta a uno de los grandes temas de Bob Dylan, dándole un nuevo enfoque, demostrando que entienden la canción, se la apropian por completo y la hacen saltar en el aire. El mismo Dylan puede llegar a aprobar este gesto de caradurez, posiblemente.

“One of Us Must Know (Sooner or Later)” está cantada como los dioses, demostrando una vez más la admirable elasticidad de las canciones de Mr. Zimmerman y “Leopard-Skin Pill-Box Hat”, que en el original era un blues no del todo convincente, pasa a ser un temazo de country-rock con sus violines para la ocasión. “Most Likely You Go Your Way and I'll Go Mine” tambien está punkeada, tiene mucha fuerza, la batería empuja y las voces responden como debe ser y lo mismo pasa con “Absolutely Sweet Marie” que ya tenía grandes versiones, sobre todo la de los Flamin’ Groovies y la impecable interpretación de Jason & the Scorchers. Y la pregunta es… ¿Qué va a pasar con la épica “Sad Eyed Lady of the Lowlands”, el tema que en el disco doble original ocupaba una cara entera y al que Dylan le dedicó una noche entera (algo muy poco habitual en él) para la letra? Otro acierto, en vez del sopor narcotizado de la original hay una vuelta de tuerca que vale la pena escuchar y repetir.

Así es como se hace un verdadero tributo, evitando la genuflexión innecesaria pero demostrando claramente que las canciones se entendieron y que se las puede modificar sin caer en el chiste para entendidos, el que deja afuera a todos menos a los que lo hacen, como las carreras de autos, digamos.




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Varios - UNCUT: Hard Rain Vols. 1 & 2 (A Tribute to Bob Dylan)

Video de la Semana: James Levy & the Blood Red Rose - Give Me Happiness

¿Cuantos émulos de Nancy y Lee han aparecido en los últimos años? A estos les sale bastante bien, del único disco de estudio que hicieron, Pray to Be Free, del 2012.

5 Tapas 5: Comiquísimo (pt. 2)

NRBQ - Tapdancin' Bats

Uno de mis chistes favoritos es el título y la tapa de uno de los tantos discos en vivo que tienen; Live at the Yanquee Stadium. Si prestás atención, en el estadio vacío, en la tribuna, están ellos sentados, sabiendo muy bien que jamás llenarían ningún estadio del mundo. El que se sabe loser y sabe reírse de sí mismo tiene todo por y para ganar. ¿Qué otra banda se te ocurre que puede tocar versiones de Sun Ra, después un rockabilly impecable y seguir con un temazo power-pop de esos que parecen simples pero que no lo son? Ellos son una de esas bandas, NRBQ, sigla que significa “nuevo cuarteto de rhythm and blues” y están juntos desde que el rock es rock, desde fines de los sesenta, con discos tan depurados y redondos como Scraps o Workshop (’72 y ’73, respectivamente).

Para fines de la década siguiente, grabando para Bearsville, el sello del infame Albert Grossman, le debían un disco para liberarse del contrato y como tenían toneladas de material amasado en más de una década armaron este LP, Tapdancin’ Bats, que sale en el ’83. Sería la clásica compilación de rarezas y descartes pero funciona y perfectamente porque NRBQ no es cualquier banda, tienen varios compositores y haciendo versiones son impecalbles.

Te compran con gestos, dedicarle una canción a un héroe de la lucha libre y que sea un temazo como “Captain Lou”, que termine con esos arreglos delicadísimos de piano y con esos gritos enloquecidos de domador de circo -en un momento se escucha clarito “esto es un pandemonio psicodélico”- hacen que uno se sienta cómplice del chiste y que tenga ganas de repetirlo. O el excelente solo de saxo en el break instrumental de “You Got It”, cover del clásico de Don Covay. La variedad estilística de NRBQ nunca es tan evidente como en Tapdancin’ Bats, es cierto que se trata de un disco armado con retazos, pero en lo que a apertura musical se refiere, sale beneficiado claramente. Parecen una banda en joda, “Rats In My Room”, “Trouble at the Henhouse”... en cierto modo lo son, pero no es el chiste interno para pocos, es sentido del humor inclusivo, te sentís parte del asunto y si prestás atención (no hace falta mucha) te das cuenta que son unos músicos buenísimos. ¿Un ejemplo? El puente, estribillo o sección B de “Big Goodbyes”. En un tema cansado y medio folkie de Terry Adams y de repente aparece esa pequeña gran idea nueva que lleva a la canción a otro lado, sorprende y enamora.

Es muy probable que Tapdancin’ Bats no sea el disco ideal para acercarse a la frondosa discografía de NRBQ, la banda sigue en actividad y con un nivel de decencia envidiable, pero sí sirve para darte cuenta de que acá hay madera y de la buena.




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NRBQ - Kick Me Hard
NRBQ - Grooves In Orbit
NRBQ - High Noon: A 50-Year Retrospective

Tom Waits - Jockey Full of Bourbon

Tom Waits me llegó de niño, junto con Creedence, Elvis y otras cosas que se escuchaban en mi casa, con un cassette que trajo el amigo arty de mi viejo, que viajaba en una moto grande y tenía el pelo largo. Lo escuché y lo odié, tardé veinte años en aceptarlo y que me gustara, como mínimo.

La famosa segunda oportunidad: nunca voy a olvidar la escena inicial de Bajo el peso de la ley de Jim Jarmusch, con ese travelling que va mostrando la casas de Nueva Orleans (¿era en esa ciudad?) al ritmo podrido y voodoo de este temazo. El estribillo... "ey piba, andá para tu casa, se te prende fuego y los chicos están solos" se te mete en la memoria de una vez y para siempre. El riff de guitarra inicial saturado, a medio camino entre Link Wray y los Shadows es otro de los grandes ganchos de un tema enorme.






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El segundo LP de la "etapa Beefheart" de Tom Waits que empezó con el trabajo anterior, Swordfishtrombones. En realidad fue este disco el que lo ayudó a pegarla por estos lares, con edición nacional. Al menos el cassette que me llegó a mi, si mal no recuerdo, era made in Argentina.
Rain Dogs (1985)

Forest - Full Circle

Hubo un tiempo en Inglaterra, a fines de los sesenta y principios de la década siguiente, en que todos creían ser caballeros de las cruzadas, pajes de alguna corte medieval y juglares que se sentaban en la mesa redonda del Rey Arturo. Visto de manera retrospectiva suena ridículo y puede ironizarse al respecto pero la época de oro del folk inglés dejó un verdadero tendal de discos valiosos. De Forest no es mucho lo que se puede decir desde el punto de vista histórico, eran dos hermanos, Adrian y Martin Welham más Derek “Dez” Allenby en mandolina, armónica y percusión. Grabaron dos discos para el mítico sello Harvest, compartiendo grabadora con Deep Purple, Kevin Ayers y Pretty Things, para no hacerla demasiado larga con los nombres.

Los dos discos de Forest tienen algo, un cierto halo de misterio que los eleva de sus contemporáneos, que los diferencia claramente. ¿Será la tan mentada “magia”? ¿Por qué no? Estos tipos creían en duendes, en elfos y faunos y si no creían te lo hacen creer porque lo transmiten y a la perfección. No fueron los inventores del género, quizás esa etiqueta le quede como anillo al dedo a Incredible String Band o a algún otro, pero sin duda alguna ayudaron a definir el sub-género, estaban creciendo en público junto con el resto de sus compañeros y compartían cartel, público y escenarios.

Full Circle, el segundo LP de estudio, tiene una variedad estilística inédita para un género más bien cerrado, poco tiene que ver “Hawk the Hawker”, el primer tema y una de las grandes canciones de la historia del folk inglés, con “Do Not Walk In the Rain”, otro de los grandes momentos del álbum, más cantado, con deliciosas armonías vocales, hermoso acompañamiento de piano y unas guitarras extraordinarias. “Much Ado About Nothing” comparte título con la obra de Shakespeare y deja entrever cuáles eran los intereses temáticos de los miembros de Forest. “Nada es revelado. Incluso las preguntas se ignoran. No esperes respuestas de mí”. Definitivo. “Graveyard”, de cinco minutos y medio, uno de los temas más largos, es un resumen perfecto de lo que podían lograr en sus mejores momentos, con cambios de ritmo, un buen puñado de ideas y buenos arreglos instrumentales.

Es uno de esos discos que cierran por todos lados, incluso la tapa da una idea muy aproximada del contenido de Full Circle. Si te gusta el también llamado acid folk lo vas a considerar imprescindible, si no te gusta dejalo pasar tranquilo y seguí viendo tele y si no lo conocés, bueno… nunca es tarde.




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Mushroom - Early One Morning
Lindisfarne - Dingly Dell
Circulus - The Lick On the Tip of an Envelope Yet to Be Sent

Video de la Semana: of Montreal - Famine Affair

False Priest es el décimo disco de estudio de of Montreal, la banda de Kevin Barnes y compañía, sale en el 2010 y contiene este tema. El video es una película corta.

5 Canciones 5: The Kinks

Artificial Man

De principios a mediados de los setenta es la etapa "conceptual" de los Kinks, Soap Opera, Schoolboys In Disgrace (que por suerte fue el último) y los dos Preservation Act. En el segundo, uno de los discos menos queridos por la considerable base de fanáticos que tienen hoy, está esta belleza de mas de cinco minutos, con unos cuantos cambios de dirección y la teatralidad y el aire épico que tanto obsesionaba a Ray Davies en aquellos años. Como toda gran banda, en cualquier disco que agarres vas a encontrar temas valiosos, en Preservation Act 2 no es fácil, pero los tiene, por supuesto.

Aparece originalmente en: Preservation Act 2 (1974)

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So Long

El segundo LP de estudio se grabó a las apuradas, para tratar de cosechar el éxito de "You Really Got Me", con Ray componiendo muchas veces en el estudio, antes de ponerse a grabar. A pesar de eso tiene evidentes muestras de talento y ya es claro que Ray Davies se perfilaba para ser uno de los grandes escritores de canciones del siglo veinte. ¿Qué es "So Long"? ¿Una especie de bossa nova pop? ¿Una balada contemplativa y melancólica? Es un tema diferente, de alguien que estaba tanteando el agua antes de zambullirse, claramente.

Aparece originalmente en: Kinda Kinks (1965)

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Prince of the Punks

Tom Robison, el de "Glad to Be Gay" había tenido algo que ver con Ray y la grabación de un disco que fracasó estrepitosamente. Robinson lo quiso joder en un concierto y Mr. Davies no lo perdonó, decapitándolo violentamente en este lado B de otro gran tema olvidado de los Kinks, el excelente "Father Christmas". De más está decir que no hay nombres propios, conviertiendo a la canción en una observación más generalizada del movimiento punk, los falsos acentos de clase trabajadora y los que suben sin dudar al transporte que mejor los deja.

Aparece originalmente en: Cara B de Father Christmas [single de 7"] (1977)

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Susannah's Still Alive

Dave Davies quiso ser solista desde el principio, en plena era psicodélica era una fija en los clubes londinenses en donde se juntaba la crema del pop británico, mientras Ray cambiaba pañales (el muy turro le escribió "Two Sisters" al respecto). "Susannah's..." fué su primer single por fuera -relativamente hablando- de los Kinks y es un temazo. La cara B era "Funny Face" y ese sí que aparecía en Something Else By the Kinks, casi al final de uno de los LP más queridos de la banda.

Aparece originalmente en: single de 7" (1967)

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Young Conservatives

Se puede decir que todos los que escuchan Kinks y no escucharon, no conocen o no les gustan los discos de la etapa New Wave no son fans verdaderos. O se los podría llamar "fans clase B". Estos discos están llenos de grandes canciones. El primero de esos sería Sleepwalker del '77, aparecido en plena efervescencia del punk. En esta joya olvidada el sonido es otro, acorde a los tiempos y puede espantar a los obsesivos de la etapa clásica pero no hay que perderse los dardos afilados de Ray para la nueva clase emergente: los yuppies, los nuevos jóvenes conservadores.

Aparece originalmente en: State of Confusion (1983)

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Disco del Mes: Ennio Morricone - Questa specie d'amore

Ennio Morricone
Questa specie d'amore
1972










General Music

J Mascis - Several Shades of Why

Por un lado, si te decían hace diez o quince años que uno de los tipos más emblemáticos de la generación alternativa iba a hacer un disco como este no te lo ibas a creer. Sin embargo, para cualquiera que lo haya visto tocando con los pelos tapándole la cara, escondido atrás de media docena de pedales de guitarra de todo tipo, estaba claro que ese pibe un día iba a decir algo como “estos son mis problemas, esto es lo que me pasa, ahora quiero que me escuchen”. Cualquiera que sepa más o menos como era la historia en Dinosaur Jr. sabe que Mascis y Lou Barlow nunca se llevaron bien, el primero era más bien el abusador, el tipo incapaz de comunicarse normalmente y el segundo el encargado de recibir las cargadas e insultos, el que pedía explicaciones y jamás las encontraba. Hay una historia de esas que forman parte de la mitología del rock, que importan más por su construcción y significado que por su veracidad o falta de ella. Según cuenta la leyenda, en el primer ensayo de lo que después iba a ser Dinosaur Jr., Mascis se la pasó de espaldas al resto, tocando la guitarra a un volumen ensordecedor y viendo un televisor con rayas, con el clásico “ruido blanco” en la pantalla.

Hay un trabajo anterior a este, Sing + Chant for AMMA, un disco medio místico y que uno no sabe si tomarlo del todo en serio pero es uno que salió con un perfil bajísimo, este, Several Shades of Why, salió después de Farm, el segundo disco después de la improbable reunión de los miembros originales de Dinosaur Jr., un disco espectacular, lleno de grandes canciones, ruidoso, con unos solos de guitarra al borde del desbarranco… lo que se espera de un disco de ellos, para ser sintéticos. En Several… es J Mascis con su guitarra acústica, su voz y poco más. Algún amigote de perfil bajo haciendo coros, otro de perfil no tan bajo aportando aquí y allá algún instrumento de color, alguna segunda guitarra distorsionada casi sepultada en la mezcla. Es encontrarse con uno de los frontman más esquivos y taciturnos de frente, cara a cara, desnudo, hablando a través de unas canciones sentidas, con no poco tufillo a exorcismo de demonios.

¿Podrían haber estado en cualquier disco de su banda? Seguro, sin dudas, los temas de Dinosaur Jr. no son mucho más que esto, a nivel esqueleto sobre todo, muchos de esos clásicos se pueden tocar con una guitarra acústica y de hecho ha pasado en sus giras como solista. Entre los puntos altos está el tema que da título, “Is It Done”, una de las grandes canciones de la década y “What Happened”, al final, con Kurt Vile como invitado. La tapa dice mucho; un bichito que está acompañado por su hijo o algo parecido, solos en una isla que parece ser también una criatura. Cualquier parecido con la realidad, en este caso, no es casual.




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J Mascis - Tied to a Star
Neil Young - Comes a Time
Dinosaur Jr. - Green Mind

Video de la Semana: Dinosaur Jr. - Feel the Pain

Clásico muy 90s, de un disco relativamente flojo, Without a Sound, el video es buenísimo y hasta el tímido crónico J Mascis se toma el trabajo de hacer algo bastante parecido a actuar.

Miles Davis - On the Corner

¿Por dónde empezar a la hora de hablar de Miles Davis? Algo que a él le hubiese gustado sería empezar por NO hablar de Miles Davis y limitarse a escuchar la música, su música. Opción que no vamos a tomar pero sí vamos a hablar directamente de lo que nos atañe y es su disco On the Corner, de Columbia Records, aparecido a mediados de 1972.

Como siempre que se habla de alguien que genera devociones y fanatismos extraordinarios, hay que andar en puntas de pié para no ofender a los verdaderos conocedores, quienes, al menor dato erróneo o apreciación discutible, te saltarán al cuello como vampiro en huelga de hambre. Para muchos esta etapa de Miles Davis, que empieza alrededor de Bitches Brew, uno de los discos más aventureros y revolucionarios de todos los tiempos, es el período más interesante de su carrera. Puede que eso también sea discutible pero lo que es seguro es que en estos años gozó de una popularidad que antes no tenía, amplió su público y se acercó definitivamente al rock, compartiendo festivales con varias de las bandas del momento, haciendo amistades y dejándose influenciar por la revolución socio-cultural que sacudía al mundo en aquellos años iniciáticos.

“Black Satin” podría haber sido una zapada psicodélica de un buen grupo californiano de la época, el principio al menos, cuando entra toda la banda, al minuto más o menos, bien podría tener que ver con lo que hacían Curtis Mayfield o Isaac Hayes en la famosas películas blaxploitation. Otras influencias claras, no tan fáciles de detectar, son las de Stockhausen y otro gran revolucionario; Ornette Coleman. Pero en On the Corner se puede decir que el acercamiento a Santana (en una época en que el guitarrista no daba un paso en falso) y al gigante George Clinton es muy evidente. Cabe recordar que Clinton en esta época tenía dos bandas, sacaba a veces hasta tres discos por año y se cansaba de vender. Sí señores, esto es funk del infierno pero en ningún momento deja de ser jazz, o en ningún momento deja de ser Miles Davis mejor dicho.

Los críticos de miras estrechas y algunos obtusos del mundillo del jazz no paraban de defenestrarlo y acusarlo, con los epítetos que se suelen emplear cuando alguien hace un gran corte de manga para hacer su propio camino. El resto del mundo salió ganando.




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Miles Davis - Live-Evil
Miles Davis - In Concert: Live at Philharmonic Hall
Miles Davis - Agartha

Mott the Hoople - All the Way from Memphis

Otra de las bandas que aparecieron en mi vida con las primeras bajadas de internet, cuando todavía te bajabas temas sueltos con poca o ninguna lógica.

Este lo gasté, mucho antes de tener el disco que lo contiene, que lo veía en la disquería que compraba habitualmente a un precio exorbitante. Los arreglos de guitarra y el pianito del principio, cuando todavía no entró todo el resto de la banda ya te atrapan y te agarran de la solapa, para ya no soltarte. La voz de Ian Hunter, un Dylan inglés más rockero... con eso ya me alcanzaba para "comprar" definitivamente.

La letra es auto referencial y habla de lo que significa ir a USA para una banda de clase trabajadora. Insuperable.






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Este el primer LP post-éxito de la mano de Bowie, cuando les cedió "All the Young Dudes" y nunca nada volvió a ser igual. Un trabajo conceptual, lleno de canciones inolvidables. Mi favorito de Mott the Hoople y en esta banda todos los discos son buenos (los que está Ian Hunter, por supuesto).
Mott (1973)

5 Tapas 5: Morricone - Giù la testa