Disco del Mes: Atahualpa Yupanqui - El aromo

Atahualpa Yupanqui
El aromo
1972










EMI / Odeon

Todd Rundgren - A Wizard, A True Star

Hace poco circuló un video en donde Todd Rundgren se encargó de subir al estrado y dar un discurso para los egresados de la prestigiosa escuela de Berkeley. Entre las cosas que dijo, destacando que todavía hoy no sabía leer música y mechando unos chistes buenísimos, hizo hincapié en el momento en que la pegó en grande con el disco anterior a este, el doble Something/Anything?, uno de esos que todavía suenan en las radios, con por lo menos cinco clásicos de todos los tiempos. Contó que para ese entonces ya era un productor exitoso, podía darse el lujo de hacer lo que se le cantaba y ahí fue cuando craneó y pergeñó A Wizard, A True Star.

Es un disco que desafía cualquier tipo de convención, repleto de ruiditos extraños, efectos de estudio de todo tipo y atiborrado de referencias nerds para marcianos de las grabaciones… un disco hecho pura y exclusivamente para él mismo. Si a alguien le gustaba o no era otro asunto. No le gustó a nadie y más de un crítico lo atacó despiadadamente por no seguir el camino trazado. Por supuesto que el tiempo pasa, da su veredicto y hoy en día A Wizard… es uno de los discos más queridos de Rundgren, uno de esos que te ponen a prueba, que llevan un trabajo prudencial para desentrañarlos pero que, una vez que lo lograste, agradecés haber invertido el tiempo necesario. Rundgren es un tipo que tiene un instinto pop fuera de serie y en varias de las canciones muestra ideas que harían la envidia de cualquier compositor con aspiraciones masivas, para segundos después deformarlas, atravesarlas y llevarlas a extremos insospechados.

La primer parte, empezando con “International Feel”, uno de sus temas enormes, está compuesta por pequeñas viñetas de minuto y fracción en donde despliega más recursos que en carreras completas de algunos de sus colegas. Cuando llega a la parte de las canciones, de la mano de “Flamingo” y el extraordinario “Zen Archer”, una especie de tango cósmico que anticipa en diez años por lo menos al Tom Waits post-Swordfishtrombones, son cinco minutos de demencia absoluta y hechicería técnica. Tiene un medley de música Motown que le sirve de vehículo para explorar el lado oscuro de su cerebro (y del tuyo, a la pasada) y, como si fuera poco, está “Sometimes I Don’t Know What to Feel”. También rockea con abandono y desesperación cerca del final, con “Is It My Name?”.

“Querés lo obvio, tendrás lo obvio” dice en otra de las piezas mágicas del disco, en “Just Another Onionhead/Da Da Dali” (¡qué título!) en otra de las muestras de su retorcidísimo sentido del humor. Si querés lo obvio, en realidad, vas a tener que ir a buscar en otro lado.




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X - See How We Are

¡Cómo canta Exene en “You”! y casi inmediatamente… ¡Cómo canta John en “4th of July"! Admirable. Cuesta creer que esta es la misma banda que grabó Los Angeles y Wild Gift. Acá hay un aprendizaje que sumó y mucho, se escucha una banda con aplomo y no una que parecía un tren a punto de descarrilarse en cualquier momento, más bien un autito Scalextric que se iba de la pista en la primer curva. Inlcuso en temas como “Anyone Can Fill Your Shoes” o en “In the Time It Takes”, en donde el sonido y la onda general tiene más que ver con aquellos primeros trabajos, la banda suena como esforzándose por ser ellos mismos, cuando en realidad ya habían pasado casi diez años y no hacía falta para nada.

See How We Are es el sexto LP de estudio de X, ya no está el guitarrista fundador Billy Zoom y para reemplazarlo en la grabación está Dave Alvin de los Blasters, otra banda de Los Angeles de rock de raíces, quien se iría casi en seguida, después de hacer algunos shows para presentar esta placa. Otro cambio muy evidente son los coros, las armonías patentadas tan particulares que siempre hicieron ahora suenan mejor, más afianzadas, más prolijas podría decirse. Es lo que suele pasar con una banda que se mantiene unida a lo largo de los años; se pierde algo del fuego juvenil y el desparpajo inicial y se gana en otros apartados, la composición, el aplomo para tocar y cantar y la forma de escribir letras. La madurez rockera, digamos. Un ejemplo claro es el tema que da título, nunca podría haber aparecido en los primeros tres o cuatro discos de estudio, una canción medio tiempo, repleta de guitarras acústicas y con un John Doe inspiradísimo, haciendo observaciones sociológicas agudas y cantando como nunca. “Ahora hay siete tipos de Coca-Cola, quinientos tipos de cigarrillos, la libertad de elección en Estados Unidos vuelve locos a todos”. Definitivo. “Left & Right” es un rockazo de esos que para esta época eran poco menos que un milagro, cuando todos estaban con los sintetizadores y el pelito arreglado minuciosamente, estos tipos estaban transpirando en un estudio de grabación, dándole la enésima vuelta de tuerca a la música que tanto amamos.

Después de este disco apareció el parate habitual para criar chicos, proyectos solistas y todo lo que viene después de haber gastado las rutas, pisoteado mil escenarios y alcanzar cierta edad. Volverían después de unos años con el disco acústico del ’95. Historia que queda para la próxima.




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John Doe - A Year In the Wilderness
The Blasters - Hard Line

Video de la Semana: Sundowners - Great Beauty

Del flamante disco nuevo de Sundowners, como para confirmar (en que caso de que hiciera falta) las promesas de aquel disco debut de hace tres años. Cut the Master, uno de los discos del año..

5 Tapas 5: Dinosaur Jr.

5 Canciones 5: Paul Weller

Here's a New Thing

Weller nunca dudó a la hora de poner cara de piedra para auto-venderse y acá anunciaba desde el título que se venía "una cosa nueva y que hay que cambiar por un nuevo lugar". Siempre se la bancó musicalmente, convirtiéndose en baluarte de una especie de "vanguardia retro" inventada practicamente por él mismo. Estilo de canción y onda soul / motown / R&B pero con una producción y una forma de grabar muy a la orden del día. Este tema sólo aparecía en su single debut, bajo el mote de The Paul Weller Movement, que nunca volvió a usar.

Aparece originalmente en: Into Tomorrow [single de 12 y 7"] (1991)

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When Your Garden's Overgrown

Sonik Kicks es un disco que parece medio al pedo, como que salió porque tenía que haber un disco nuevo de Paul Weller. Como todo gran artista, nunca puede ser del todo malo y detrás de las capas de maquillaje y la producción un tanto forzada (y forzosa) hay un buen puñado de grandes canciones. Esta es una que podría haber estado en cualquiera de los tres o cuatro primeros discos como solista, la considerada "etapa clásica" de Weller.

Aparece originalmente en: Sonik Kicks (2011)

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Clues

Fuera The Style Council, adentro carrera solista de la mano de su primer LP, homónimo, del '92. Todo un cambio de piel, al mejor estilo Bowie en los 70's, una reinvención del personaje, y, lo que es más importante, una propuesta musical diferente. "Clues" es un tema extraño, suena como los primeros Traffic (de quienes Weller es fan confeso) pero sólo podría haberse hecho en los noventa. Hay flautas, un ritmo contenido que amaga a explotar continuamente y la voz sonando como un Van Morrison de la generación X. TEMAZO.

Aparece originalmente en: Paul Weller (1992)

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Peacock Suite

Clásico inoxidable de su cuarto LP como solista. Guitarras, onda, actitud, el espíritu de sus amadísimos Small Faces, en un disco que podría verse como un retroceso desde cierta óptica pero que más allá de eso le gustó a un montón de gente. Este fue el corte de difusión y todavía hoy lo toca en vivo con cierta frecuencia y tiene lógica; hay riff, huevos, pasión, gancho... todo lo que tiene que tener una gran canción.

Aparece originalmente en: Heavy Soul (1997)

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Sunflower (Lynch Mob Dub)

Del super exitoso Stanely Road salieron cuatro singles y este remix electro-dub fumón y oscuro de uno de los grandes temas de Wild Wood aparecía solamente acá, como cara B. La voz vuela de la mezcla para usar solamente el riff, que aparece y desaparece de manera amenazante como unos Primal Scream de película de suspenso y persecuciones. Sólo en los noventa podría haber pasado -y sonado- algo como esto.

Aparece originalmente en: Out of the Sinking [single de 12 y 7"] (1994)

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Paul Weller - Brand New Start

Tenía un amigo de Holanda que había llegado con un montón de música nueva. Le gustaban un montón de cosas blandas horribles pero como siempre digo; en cualquier persona que conozca muchos discos... ALGO vas a encontrar. Tenía un montón de discos de Weller (sin escuchar, vale decir) y entre ellos estaba el en vivo Days of Speed, un acústico con temas de todas las épocas y ahí conocí esta perla.

A Weller lo tenía de The Jam, como todo adolescente punkito, pero de su etapa solista ni papa. Casi en seguida llegué a Stanley Road y Wild Wood, eran paradas obligatorias.

"Es momento para un nuevo comienzo" dice la letra, y sí, es algo con lo que uno se puede relacionar y más en aquel momento de confusión total. Pero como la idea principal del tema es una verdad inapelable, viene bien para el resto de la vida.






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Encontrala originalmente en:
Weller le debía un disco a la compañía y tomó el atajo; les armó un grandes éxitos en donde el único tema nuevo era precisamente este, "Brand New Start". El compilado es bueno, sirve como introducción, igual después vas a necesitar los discos de estudio.
Modern Classics - The Greatest Hits (1998)

Paul Weller - As Is Now

La gente adora el chisme y los argumentos de venta extra-musicales. Y los críticos también, tienen algo de qué escribir y no les hace falta tomarse el trabajo de escuchar el disco en cuestión. De ahí el super éxito de críticas de 22 Dreams y su sucesor, Wake Up the Nation, en esos dos discos había un montón de cuestiones que no tenían nada que ver con la música; los invitados, las eternas cuestiones personales como divorcios, rupturas, etc., el dibujo de la tapa y hasta el origen de las letras. Paul Weller quizás lo sepa porque este disco, que viene antes de esos dos que mencionamos, no tenía ninguno, ninguna “mentirilla caza-bobos”. ¿Resultado? No llamó demasiado la atención.

Y As Is Now es sin duda uno de los cinco o seis grandes discos de Paul Weller, a la altura de cualquiera de The Jam, de su carrera solista anterior y ni hablar de The Style Council. Suena fresco, tiene garra, tiene hambre de gloria, muchísima onda, Weller lo canta bárbaro y lo mejor de todo, como debe ser, son sus canciones, con un tipo de casi cincuenta años sonando como alguien de la mitad de su edad. ¿El truco? Quizás tenga que ver con que Weller es un melómano empedernido, nunca deja de ir a su disquería favorita y preguntar qué hay de nuevo. Uno puede pensar “y… claro, vive de eso” pero… ¿Cuántos colegas hay que se vuelven conservadores a los treinta años o que en realidad siempre lo fueron? Siempre que esto sucede se transmite en la música de manera inmediata y nunca mejor que en As Is Now. A pesar de que nunca suena tan moderno y arriesgado como los discos que vendrían después, se puede decir que en los temas de este octavo LP de estudio, hay más Weller que lo que se ha oído en años, con su eterna combinación de pibito punk y vejete soulman, de nervio rocker y sangre R&B. Puede pasar de un tema medio jocoso y divertido (“Here’s the Good News”) a una balada sin fecha de vencimiento como la preciosa “The Start of Forever”. En este disco aparecen también algunos de eficacia probada en vivo como “Come On/Let’s Go”, el primero, “Blink and You’ll Miss It” y el hiperquinético “From the Floor Boards Up”, uno que bien podría haber estado en los dos primeros de Arctic Monkeys, con la flema inglesa a flor de piel.

Ya pasaron más de diez años desde la aparición de As Is Now, un disco que salió en un momento en el que Weller todavía no estaba tan recubierto de bronce como hoy en día. A lo mejor es un buen momento para darle una segunda oportunidad a un disco que la merece. Sin dudas.





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The Style Council - Our Favourite Shop
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Original de Between Dog and Wolf, uno de los grandes discos recientes de New Model Army, quienes parecen no tener ningún interés en vivir de glorias pasadas.

Disco del Mes: Dorival Caymmi - Caymmi

Dorival Caymmi
Caymmi
1972










Odeon

The Moon - Without Earth

La figura del “Tapado sixtie” ya casi no existe hoy en día o, se podría decir, que lo que significa e implica en realidad ha cambiado. Hoy cualquier pelotudo te puede hablar descaradamente de The Id o The Insect Trust, del amor que siente por el único disco de The Merry-Go-Round o lo que “flasheó” de la mano de los Red Krayola. Eso sí, te ponés a indagar un poco y puede que te encuentres con que esa misma persona no tiene la menor idea de la existencia de Donovan, Jefferson Airplane y hasta puede llegar a desconocer la mayoría de la obra de los cuatro de Liverpool o las Majestades Satánicas. Son los delirios de esta nueva era, de Internet, tan curiosa como ridícula, interesante y a la vez tan difícil de entender o explicar.

Pero algunos discos todavía no han sido descubiertos del todo, a menos que seas un obsesivo de las rarezas hechas en la década del sesenta, es muy poco probable que hayas escuchado hablar de The Moon, una banda de estudio con dos LP en el sello Imperial; éste, Without Earth del ’68 y un segundo disco homónimo del año siguiente. En estos discos participa David Marks, guitarrista relativamente intrascendente de la primera formación de los Beach Boys, alguien que -según dicen- todavía hoy cobra no pocos dinerillos por haber aparecido en esos créditos y que, en los últimos años, obtuvo cierto renombre al ser invitado a otra de las infinitas reuniones geriátricas de los californianos.

Without Earth es un disco que podría haber logrado un poco más, es un exponente perfecto de la psicodelia pop aniñada tan frecuente por aquellos años, con no pocas similitudes con discos como Butterfly o Evolution de The Hollies, muchos trucos de estudio, voces agudísimas armonizando infinitamente, líneas de bajo al estilo McCartney y arreglos orquestales barrocos de primerísimo nivel. El primer gran tema del disco aparece de la mano de “Brother Lou’s Love Colony” en donde desde el título mismo se percibe la intención lírica de las canciones (vendría a ser “La Colonia del amor del hermano Lou”), intentando dar en la tecla de lo que se consumía en aquel entonces. Otro gran exponente es “Give Me More”, casi al final del disco, uno de esos temas de pop de cámara a la manera de “Eleanor Rigby” o “She’s a Rainbow”, no debe haber sido fácil grabar, arreglar y producir esto pero hay que decir que el disco suena muy bien y ha envejecido mejor todavía. Amigos, pongansé los cascos y… ¡vamos todos a la luna!





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Video de la Semana: The New Pornographers - Moves

El video con más vistas de los New Pornographers es este, por amplio margen. Una película corta, hilarante, un Spinal Tap en apenas cuatro minutos y fracción. Del quinto LP de estudio, Together, del 2010.

Tom Petty and the Heartbreakers - Long After Dark

Otra gran diferencia entre la música y el deporte, para seguir aportando a una causa que viene dejando muertos a lo loco y que, mientras la frontera siga siendo borrosa, seguirá dejando víctimas; en la música no existe eso de peores y mejores. En el fútbol sí, el que mete muchos goles es mejor que un tronco que no sabe cuál es su pierna hábil y en una carrera el que llega antes es mejor, no hay vuelta que darle. En la música habría que evitar esos parámetros de medición a toda costa. No es mejor María Callas que Britney Spears, en todo caso podrá una ser más dotada técnicamente que la otra pero nadie dice que eso sitúe a una por encima, como si de un podio se tratase.

¿A qué viene todo esto? No tiene mucho que ver con Long After Dark pero alguna relación hay porque este siempre fue un disco maldito, incluso su autor lo ha vapuleado en más de una oportunidad. Según él y muchos acólitos “hay discos mejores”. ¿Mejores que qué? ¿Qué otros discos de Tom Petty? ¡Si son todos más o menos iguales! No quiero decir con esto que haya algo malo en eso, siempre me gustaron los tipos que hacen algo bien y que ahí le dan así como también me parece muy valioso que el que quiere cambiar, le da la cabeza y sabe hacerlo lo haga. Al fin y al cabo todo termina reduciendo al clásico me gusta vs. no me gusta o no me interesa. Todo lo que hace Tom Petty está más o menos bien, jamás arriesga demasiado, no inventa absolutamente nada pero su convicción es tan fuerte y su tozudez / idiotez rockera termina contagiando. Sus discos siempre fueron y serán sobre rockear, la temática de él es esa; rockear, lo que implica ser rockero, la chica baila rock, en el auto, en la ruta se escucha rock a todo volumen en la radio, esa negación necia de lo que lo rodea lo convierte en algo digno de admiración… su fé ciega.

Si alguien se acuerda de su programa de radio, que no sé si todavía sigue saliendo (no creo) estaba claro que Tom Petty había dejado de escuchar música más o menos por el año ’71, es decir que de ahí en más, todo lo que pasó en la música moderna le fue completamente ajeno. Algo que en otros sería irritante o jugaría en contra, en su caso termina jugando a favor. Lo único que lo hace sonar moderno son los productores que contrata para cada disco y en Long After Dark es Jimmy Iovine que cumple su función sin salirse un milímetro de lo pactado. Lo que quizás no tiene es un tema como “American Girl” o “Refugee” pero el disco hace lo que tiene que hacer un disco de Tom Petty and the Heartbreakers y lo hace muy por encima del promedio; rockear. 





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Sufjan Stevens - Carrie & Lowell

Sufjan Stevens nunca fue un tipo sin ambiciones. ¿Se acuerdan de cuando quería hacer un disco para cada uno de los estados de Estados Unidos? Esa sí que era una idea difícil de llevar a cabo pero por suerte nuestro protagonista de hoy se contentó con tener en su haber por lo menos tres o cuatro discos clásicos; Illinois o el más reciente The Age of Adz, entre otros. A esta altura de su carrera no es poco, teniendo en cuenta que se trata de un tipo relativamente joven todavía.

Pero Carrie & Lowell es diferente a los anteriores, es uno de esos discos que sirven para exorcizar demonios interiores pero tampoco se parece mucho a esos trabajos que han servido para el mismo menester. Pensemos por ejemplo en Plastic Ono Band, el grito primal de Lennon y puntapié inicial de su carrera como solista. Lo que hace Stevens es menos directo, un poco más poético, menos auto-condescendiente, según como se lo mire, bastante más inteligente y, sobre todo, muchísimo menos egocéntrico. A pesar de que las canciones son extremadamente personales, se las arregla para no hacer de esto un diario íntimo que de repente decide mostrarle al mundo.

La cosa es más o menos así: los nombres del título son sus padres, la madre de Stevens se fue cuando era apenas un niño y él quedó con su padre y su hermano, ella era adicta a las drogas de mierda esas que te dan para combatir la depresión y enfermedades mentales que no hacen otra cosa que llenarte de agujeros por otro lado. En su contra se puede decir que hay historias mucho más dramáticas o descarnadas pero a su favor hay que insistir en que Carrie & Lowell nunca se trata de drama, de auto-flagelo y a pesar de estar teñido de un velo de melancolía, ésta nunca pasa a ser protagonista absoluta, ese balance está muy bien manejado. Cuando en “Should Have Known Better” cuenta que la madre los abandonó en un negocio de alquiler de videos, ese hecho ni siquiera es lo más importante de la canción, se encarga de hacer que el resto tenga el mismo nivel de intensidad. Musicalmente las decisiones parecen haber sido tomadas para reforzar lo mencionado anteriormente; no transmitir un clima de opresión sino más bien dejar en claro que de la tristeza y los reveses se puede salir bien parado y, sobre todo, no caer en la obviedad del refugio ilusorio de la ironía y el descreimiento.

Esto último parece ser una constante a lo largo de la carrera de Sufjan Stevens, quien a veces parece un tanto ingenuo o inoncentón. Siempre es mejor eso que un cínico.





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