miércoles, 24 de diciembre de 2014

martes, 23 de diciembre de 2014

5 Canciones 5: música de películas


Happy for the Poor
James Brown
El Padrino del Soul no se iba a quedar sin su propia banda sonora para película blaxploitation (drogas, putas, drogas, mafia y más drogas) a la manera de Shaft o Super Fly y eso es exactamente lo que hace, pasando por el "filtro James Brown", obviamente. "Happy for the Poor" es una versión aggiornada de un simple de principios de la década. Pero funciona y lo hace a la perfección. Como casi todo lo que hacía JB en esta época.
Aparece originalmente en: Slaughter's Big Rip-Off (1973)


The Look of Love
Dusty Springfield
Clásica película de James Bond con todos los lugares comunes del género. Pero con Peter Sellers y Ursula Andress. La música corrió por cuenta de la brillante dupla Hal David / Burt Bacharach. La versión de "The Look of Love" a cargo de la super diva soul inglesa Dusty Springfield es motivo más que suficiente para pasar una hora y media frente a la pantalla.
Aparece originalmente en: Casino Royale (1966)


Witch
Goblin
La mayoría de las grabaciones de los prog-rockers italianos Goblin fueron para musicalizar películas de terror y esta joya de Suspiria no fué la excepción. En uno de los grandes clásicos de Darío Argento, alguien ingresa a una escuela de ballet para darse cuenta de a poco que detrás de la fachada se oculta algo siniestro. "Witch" es la banda sonora perfecta del infierno, con aullidos de ultratumba y sintetizadores malévolos ad hoc.
Aparece originalmente en: Suspiria (1977)


Nobody But Me
Naz Nomad & the Nightmares
Acá hay trampa; la película que inventaron los Damned para hacer su disco de versiones nunca existió y durante un tiempo nadie supo que Naz Nomad & the Nightmares eran Vanian, Captain Sensible y compañía. ¿El contenido? Tremendas versiones de clásicos Nuggets de rock de garage de los sesenta. La versión del clásico de los Human Beinz abre el LP a pura fiesta, a toda velocidad, como para ir preparando el terreno para lo que se viene.
Aparece originalmente en: Give Daddy the Knife, Cindy (1985)


That Woman's Got Me Drinking
Shane MacGowan & the Popes
Dirigida y protagonizada por un Steve Buscemi todavía no tan famoso, Trees Lounge tiene una banda sonora completamente acorde a su respectiva película; se trata mayoritariamente de standards de jazz y oldies de rock de la época pre-Beatles. Pero en el medio aparece este arrebato de furia confesional en clave punk rock a cargo del ex-Pogues y su banda de forajidos. Para sacudir un poco el tedio (muy bien logrado, por cierto) del film.
Aparece originalmente en: Trees Lounge (1996)




lunes, 22 de diciembre de 2014

Los Gatos - Esperando a Dios



Esta la conozco de cuando tenia menos de quince años. Tarde, mucho más tarde me enteré quiénes eran Los Gatos, qué habían hecho, qué temas había en los discos, etc.

Pero esta es una canción perfecta desde cualquier óptica, es cuando el rock intenta ser religioso, metafísico o como quieran llamarle... y lo logra, con creces.

Qué quiere decir Nebbia en la letra no es muy claro, de hecho la letra me parece bastante... dudosa, pero la melodía y la forma en que la canta es la clave acá; todas las dudas existenciales y la búsqueda de respuestas que tiene que tener una canción se transmiten gracias a eso. El órgano (de dos mangos seguro) los coros, los redobles a lo Keith Moon en el estribillo.

Tiene TODO lo que tiene que tener y todo puesto en el lugar exacto.




Escuchala en YouTube.



Encontrala originalmente en:
Para mi gusto en los discos de Los Gatos hay tantos aciertos como errores, temas enormes al lado de temas completamente olvidables. "Esperando a Dios" aparece en el segundo LP de estudio de la banda.
Seremos amigos  (1968)





sábado, 20 de diciembre de 2014

Video de la Semana: Lumerians - Life without Skin



Evidente mal viaje de ácido en este video del cuarto disco de Lumerians, The High Frontier.







martes, 16 de diciembre de 2014

Harry Nilsson - The Point! [banda sonora oficial]


Si a los niños de las escuelas primarias les hicieran ver The Point! probablemente el mundo empezaría lentamente a ser un lugar menos inhóspito. ¿De qué va el asunto? Muy simple, en un país en donde todas las personas, los edificios y hasta los objetos terminan en una especie de flecha puntiaguda, nace un niño llamado Oblio que tiene la cabeza redonda, en nuestro lenguaje; sería “normal”. Por supuesto que los pequeños burgueses asustados lo toman como una amenaza y nuestro protagonista es desterrado y obligado a marcharse al bosque Pointless (“sin punta” o también “sin sentido”) acompañado de su fiel ladero, el perrito Arrow (“flecha”, por supuesto). Después de pasar por un buen puñado de desventuras y de conocer a unos personajes tan extraños como tiernos, Oblio se da cuenta de que no hace falta ser igual a todos para poder formar parte de un grupo, sociedad o como se le quiera llamar. Algo así como un The Wall sin anti-depresivos.

La banda sonora corrió por cuenta de un inspiradísimo Harry Nilsson, quien escribió todas las canciones (y también la música incidental del film) para la ocasión. Nilsson estaba en el pico de su popularidad y en su mejor nivel artístico, bastante lejos del reviente al que sometería su maltrecho cuerpo y que lo llevaría en unos pocos años a perder su voz, su fortuna y su talento.

El disco empieza, lógicamente con “Everything’s Got ‘em”, en donde Nilsson introduce el conflicto, como te enseñaban en el colegio; la introducción. Se funde en seguida con una narración (“The Town”) en donde se cuenta lo que pasa con el pequeño Oblio y de cómo la madre le hizo un sombrerito con punta para que nadie se dé cuenta de su “defecto”. Las narraciones están intercaladas con canciones y acá hay varias de las mejores de la pluma de Mr. Nilsson, como “Me and My Arrow”, “Poli High”, la super clásica “Think About Your Troubles”, de la que se han hecho varias versiones, “Life Line” y “Are You Sleeping?”, esta última una de las canciones más hermosas y recordadas de este compositor, hoy en día relativamente olvidado, a pesar de su amistad con los Beatles, su status de celebridad fiestera y sus legendarios “reventones” con Alice Cooper, Keith Moon, Lennon y toda la mafia que iba a Los Angeles sin saber cuántos días iban a pasar sin dormir.

Quizás la música de Nilsson en general y la de The Point! en particular sea demasiado tierna, naïf y edulcorada para los tiempos que corren, en donde tenemos el metal más extremo y los cantautores más descarnados que sí tienen más que ver con la miseria y decadencia que vivimos a diario. Será cuestión de cada uno decidir que lugar le otorga a Harry Nilsson. Acá lo tenemos bien alto en el pedestal de héroes.





Escharlo entero en YouTube o en Grooveshark.

LINK A LA PELÍCULA ENTERA.





Chequear también:

Harry Nilsson - Skidoo
Harry Nilsson - Son of Schmilsson
Van Dyke Parks - Songs Cycled

miércoles, 10 de diciembre de 2014

The Beatles - Yellow Submarine


¿Qué se puede decir de estos pibes que no se haya dicho ya? No mucho en realidad, la impresionante cantidad de tinta, horas-hombre, cintas de video y cualquier cosa que sirva para registrar este fenómeno son sencillamente incontables. Es que lo que pasó con los Beatles y la revolución socio-cultural que encabezaron va a quedar para siempre en la historia de la humanidad, del mismo modo que Gandhi, Hitler y -como bien dijo Lennon- Jesucristo.

Vamos a intentar un “rescate” del que quizás sea (junto con Beatles for Sale) el disco menos valorado de los cuatro de Liverpool. Corresponde a la banda sonora de la cuarta película que hicieron, después del rotundo fracaso que significó Magical Mystery Tour, en Yellow Submarine los Beatles prácticamente no participaron, no escribieron canciones para la ocasión y apenas salen en los créditos finales haciendo caras y algún que otro chistecillo. Ni siquiera se molestaron en grabar sus propias voces, para las que se utilizaron imitadores, muy buenos, hay que decirlo.

El disco que se editó en su momento, con sólo algunas de las canciones que aparecían en la película, es otra demostración de que, incluso a media máquina, los tipos eran simplemente impresionantes. “Yellow Submarine” ya había aparecido en Revolver y “All You Need Is Love” era el single que ya todos conocemos, que también aparecía en Magical… De los temas “nuevos” hay uno solo que tiene olorcito a descarte y es el tema de Paul “All Together Now”, una cancioncita infantil que parece anticipar el encanto de sus dos primeros LPs como solista. Los dos temas de George son inmensos. Por un lado “Only a Northern Song”, hasta el título tiene pinta de descarte pero es Harrison en plan Confucio, disparando máximas a los cuatro vientos. Su otro tema, ya que siempre le dejaban meter dos por disco (por eso en el Album Blanco hay cuatro… ¡turros!) es “It’s All Too Much”, un supuesto comentario sobre el disgusto que le provocaban las rispideces en el seno del grupo. Musicalmente es un mantra psicodélico enorme, prácticamente inventa un género (¿alguien dijo shoegazer?) y con uno o dos acordes se anota el mejor tema del disco por afano, completamente hipnótico. Y después está “Hey Bulldog”, por supuesto. Roquero al máximo, con esa voz bien mala onda de Lennon que tan espontáneamente le salía, un riff infalible, temazo por donde se lo mire. De este solo tema salen veinte bandas, por lo menos.

Después está lo que en el vinilo original era la cara “B”, temas orquestales de música incidental compuestos por el único e indiscutible quinto Beatle; George Martin, claro está. Clasifican posiblemente como los temas menos escuchados de cualquier disco de los Beatles, pero si te gusta la música clásica… ahí están. Si te gustan los Beatles, Yellow Submarine… también es un disco indispensable. Como todos los otros.




Escuchar completo en YouTube o en Grooveshark.




Chequear también:

The Beatles - Let It Be
George Harrison - Wonderwall
The Beatles - Love

viernes, 5 de diciembre de 2014

Neko Case - Blacklisted


Una de las personalidades más fuertes de los últimos diez o quince años, Neko Case ha hecho mucho para quedar para siempre en la historia de la música popular de los últimos años, sin embargo su nombre sigue sin despertar demasiado interés, al menos en lo que a América Latina respecta.

Siempre dispuesta a castigar a cantantes como Celine Dion o Alicia Keys (por usar -y abusar- del auto-tune) se hizo relativamente famosa por colaborar con el colectivo creativo que es New Pornographers y sobre todo a partir del brillante Mass Romantic, el disco de la banda de AC Newman y compañía que hizo que varios parasen la oreja. Colaboró con los Sadies, Caléxico, Howie Gelb de Giant Sand y hasta con Mark Arm de Mudhoney. Pero lo que no se ve del iceberg es su carrera como solista, ya lleva diez discos en donde compone, toca y canta… ¡y cómo canta! Puede sonar como una sirena por momentos y pasar a un tono grave y enojado incluso en la misma canción.

Blacklisted es el tercer LP de estudio, aparecido originalmente en el 2002 y es, en cierto modo, su primer disco con la personalidad completamente formada, sin desmerecer los dos primeros trabajos, acá encuentra su voz tanto a nivel cantante como compositora de canciones. El nivel de eclecticismo es sorprendente, pasando por temas de tinte jazzero a un country psicodélico sin que apenas se note, el disco fluye perfectamente y hasta se las arregla para hacer un versión relativamente respestuosa de Aretha Franklin (“Runnin’ Out of Fools”) y lograr que no se despegue en lo más mínimo del resto. Los arreglos son de un nivel admirable y si se le presta atención a las letras es claro que Neko Case tiene las cosas bastante claras, invitando a reflexionar sin pontificar, a mirar para adentro y para afuera con otra óptica, más apta, más… abierta, como su música se podría decir.

Después de este disco hay otros que son tan o más buenos que este, como Fox Confessor Brings The Flood o el en vivo The Tigers Have Spoken (con los Sadies, viejos favoritos de la casa) e incluso el último de estudio a la fecha, el magnífico The Worse Things Get, The Harder I Fight, The Harder I Fight, The More I Love You. Pero Blacklisted marca un claro punto de inflexión en la carrera de esta canadiense. Un disco importante que merece un poco más de reconocimiento.




Escuchalo entero en Grooveshark o en YouTube.




Chequear también:
Neko Case - Furnace Room Lullaby
Laura Cantrell - Kitty Wells Dresses: Songs of the Queen of Country Music
The New Pornographers - Bill Bruisers




martes, 2 de diciembre de 2014

Video de la Semana: High on Fire - Fertile Green



Del séptimo disco de High on Fire, el conceptual De Vermis Mysteriis, del 2012. Último LP de estudio al día de la fecha.







lunes, 1 de diciembre de 2014

Disco del Mes: Julian Cope - Autogeddon


Julian Cope
Autogeddon
1994










Echo / American Recordings






viernes, 28 de noviembre de 2014

Fuera de la Nada, hoy Viernes a las 22hs.


Una de las grandes bandas inglesas de la década del 90, tuvieron un lustro tan inspirado que podían darse el lujo de destinar canciones enormes a los lados B de los simples y los EPs que sacaban continuamente. Suede, la banda de Brett Anderson y Bernard Butler (los dos guitarristas y compositores principales) fue puntal de lo que se conoció como brit-pop. Pero como toda banda grande, excedían ampliamente el género. De hecho Sci-Fi Lullabies, la compilación -¡doble!- de caras B del '96 es considerado un disco tan o más indispensable que el debut homónimo o Dog Man Star, el otro gran clásico. Esta noche, en "Cara y Cruz" hacemos un repaso por esos singles, algunos definitivos e inolvidables y algún que otro temazo perdido.

Vuelve "El Tapado..." con  un poco de metal para revolear melenas, "De la Misma Pluma" y "El Disco Completo". En "Ultra Vigente" recordamos un hito del soul y el R&B de la segunda mitad de los sesenta; The Queen Alone, de la gran Carla Thomas (foto) uno de los grandes hitos del no menos mítico sello Stax.




¡No se lo pierdan!




martes, 25 de noviembre de 2014

Meat Puppets - Forbidden Places


Si hay algo que no se le puede discutir a Kurt Cobain es que el tipo era un verdadero fanático de la música. Hacía lo imposible por difundir a las bandas que le gustaban y, si no hubiese sido por su ayuda, gente como The Vaselines o Daniel Johnston nunca hubieran abandonado el anonimato más cruel. Algo parecido pasa con los Meat Puppets. Nirvana hizo dos versiones de los Puppets en el mítico MTV Unplugged; “Lake of Fire” y “Plateau”, las dos originales del magnífico Meat Puppets II, el de la tapa de las pinturas rupestres.

Igual era -y es- una banda demasiado idiosincrática como para ser masiva y salir del guetto de los que estamos hasta el cuello con esto. Por empezar eran de Phoenix, Arizona, cosa que los aislaba del resto y que los inspiraba a la vez. No tenían problemas en tocar bien y a toda velocidad cuando la onda era mostrar credenciales punk rock y no saber más de tres o cuatro acordes. Cambiaban mucho de un disco a otro y así como Up On the Sun es un disco psicodélico y tranquilo, Huevos está grabado en dos días prácticamente sin sobregrabaciones.

Forbidden Places es del ’91 y es el primero para un sello grande. ¿Sell out? De ninguna manera. Es el disco que tiene “Whirlpool”, uno de los grandes temas de los Puppets, un himno, uno de esos temas reconocibles al instante, al igual que el noventa por ciento de los temas de la banda. ¿Qué es esto? ¿Punk rock con aire country? Sí y no. Es imposible clasificarlos o etiquetarlos correctamente, algo que algunos simplemente no soportan y que para muchos es una virtud incuestionable. La fijación de los hermanos Kirkwood por ZZ Top no queda afuera de Forbidden Places; “Nail It Down” podría haber estado en cualquiera de los discos pre-Eliminator de los texanos. Hasta imita las inflexiones vocales de Billy Gibbons, por suerte sin dejar de sonar a ellos mismos en ningún momento. Arranca a puro prog-rock de la mano de “Sam”… ¿Querés velocidad guitarrística? Acá la tenés, lejos, muy lejos, de las masturbaciones en seis cuerdas que a veces hay que soportar. Acá hay onda y de sobra.

Por supuesto que con Forbidden Places no le pasaron ni cerca al éxito o a la masividad pero de la mano del disco siguiente, Too High to Die, otro gran trabajo, alcanzarían algo relativamente parecido al reconocimiento de colegas y críticos. Nada mal para un grupo tan original como los Meat Puppets.




Podés escucharlo entero en Grooveshark o en YouTube.




Chequear también:
Meat Puppets - Out My Way [EP]
Meat Puppets - Monsters
Meat Puppets - Mirage

viernes, 21 de noviembre de 2014

Programa Especial nro. 30 en Fuera de la Nada

Esta noche, cuando den las diez, estaremos inaugurando una nueva etapa en Fuera de la Nada. ¿Y qué mejor forma que hacerlo con un Programa Especial dedicado completamente a las Majestades Satánicas? Vamos a recorrer la época del sello Decca / London, cuando todavía estaba Brian Jones con ellos.

Podés escucharlo directamente haciendo click acá.





miércoles, 19 de noviembre de 2014

The High Dials - What You Call Love Is a Lie



No soy fanático de los High Dials ni conozco todos sus discos, apenas tengo dos y uno que se llama Moon Country bajado en mp3's. Pero sí soy fanático de varias de sus canciones, me parece que cuando la pegan son impresionantes, como en este caso, en "What You Call Love Is a Lie".

De movida me gusta el título... ¿cuántos caen -caemos- en este engaño? Cuando una canción tiene un título, una idea rectora, algo que decir, el resto sale más o menos solo y este es otro caso.

Las estrofas son puro gancho, lo mismo pasa con el estribillo y la letra suena completamente espontánea, como salida de un plumazo. Algún día, en una futura retro-manía alguien va a decir que los High Dials eran buenísimos. Acá lo dijimos antes.




Escuchala en YouTube.



Encontrala originalmente en:
Aparece en el tercer LP de la banda, una mezcla entre los Zombies (ahora todos escuchan a los Zombies!), Fleet Foxes, Stone Roses y los momentos mas pop de Primal Scream, un disco verdaderamente hermoso, luminoso.
Anthems for Doomed Youth  (2010)





lunes, 17 de noviembre de 2014

The Rolling Stones - Their Satanic Majesties Request


“Ella viene en colores en todos lados / se peina el pelo / es como un arco iris” dice la letra de uno de los temas más famosos, envuelto en arreglos de cuerda y con unos arreglos de clavicordio delicadísimos. Era la particular interpretación de la psicodelia y el Verano del Amor que hacían los Stones en el disco que les otorgó el apodo por el que todavía hoy se los conoce. También es el trabajo más polémico de una carrera ya casi eterna, cuestionado por sus progenitores incluso, Keith siempre dijo odiarlo y Jagger se encargó de ningunearlo en cada entrevista. Vale decir que los derechos de toda la época Decca / London records los cobra el inescrupuloso Allen Klein y que a Sir Mick no le gusta perder un solo céntimo pero esa ya es otra historia.

Their Satanic Majesties Request es un monstruo, en el buen y en el mal sentido de la palabra, es el disco en donde tiran toda la carne al asador, tratando de adaptarse a los tiempos, tiene muchos detractores pero para algunos es el disco más aventurero y osado de los Rolling Stones, lo que no es poco decir.

Hagamos de cuenta que lo hizo otra banda, todos estaríamos rindiendo pleitesía y más aún si se tratase de un grupo sin éxito, uno de esos “tesoros enterrados” que a todos nos gusta descubrir. Incluso en sus momentos más hippies e inofensivos no deja de tener el sello maléfico y drogón de los Stones de la época de oro y -junto con Aftermath- es donde más se luce Brian Jones como multi-instrumentista y arreglador. Tiene uno de los pocos temas firmados por Bill Wyman, que era bastante mayor que el resto pero que había entendido por donde venía la cosa del LSD perfectamente, a juzgar por el enorme “In Another Land”, un verdadero baño de ácido lisérgico. Tiene “Gomper” y “2000 Light Years from Home”, dos ejemplos de la psicodelia más retorcida y experimental que se hizo en aquel año inolvidable que fue 1967, año en que los Stones se vieron envueltos en más de un escándalo, generalmente relacionados con drogas, allanamientos, etc. En el único momento en que el disco renguea un poco es en el tema que aparece dos veces; “Sing This All Together” suena forzado, desde la letra misma, un intento por ser “buena onda” en una banda que jamás se preocupó por eso, pero de ningún modo llegan a arruinar el disco. Muy lejos de eso. Es el disco en donde debuta “2000 Man”, el mismo al que bandas como Brian Jonestown Massacre le han robado más de una idea, sin intentar siquiera disimularlo.

Como nota al pié vale mencionar que, en la tapa, que se hizo en un divertidísimo trip de LSD, aparecen las caras de los cuatro Beatles, semi-ocultos en la escenografía de ensueño que se armó para la ocasión. Si esta era la manera de copiar al Sargento Pepper… ¡Qué buena manera de copiar!




Escuchalo entero (como debe ser) en YouTube o en Grooveshark.




Chequear también:
The Rolling Stones - Flowers
The End - Introspection
The Dandy Warhols - Odditorium or Warlords of Mars


viernes, 14 de noviembre de 2014

Video de la Semana: The Saints - Ghost Ships



Los Saints del gran Chris Bailey y el corte de difusión de A Little Madness to Be Free. ¡Salúd!







lunes, 10 de noviembre de 2014

5 Canciones 5: Rolling Stones


Jumpin' Jack Flash

Una de las letras más oblicuas de los Stones, "El pequeño saltarín Jack" (esa era la traducción argentina del título) tenía que ver con el "regreso a tierra" después de los años de LSD y psicodelia de los discos anteriores. Acá Keith usa un riff repetitivo, experimentando un poco con las afinaciones que usaría después hasta cansarse, haciendo el primer super clásico de una nueva etapa de la banda, más roquera, más "rollinga" si se quiere. Temazo por donde se lo mire. 
1968 - Primer LP en que aparece: Through the Past, Darkly (Big Hits Vol. 2) (1969)
Have You Seen Your Mother, Baby, Standind in the Shadow?

Feedback de guitarra, bronces por primera vez... los Stones trataban de adaptarse a los cambios y salían muy bien parados ante el desafío. Supuestamente compuesta por Richards al piano, "Mother..." es una pequeña/gran joya de pop psicodélico inglés. En el video (y en la tapa del simple) aparecían vestidos de mujer, anticipándose en varios años al glam rock de Bowie, T. Rex, Mott the Hoople y hasta ellos mismos.
1966 - Primer LP en que aparece: Big Hits (High Tide and Green Grass) (1966)
I Wanna Be Your Man

Famoso por haber sido escrito por Paul McCartney y Lennon en un rincón mientras el resto hablaba y a modo de "regalo", los mismos Beatles grabarían su "versión" con Ringo haciendo la voz líder. Los Stones necesitaban un simple y Andrew Loog Oldham (el manager) les tiró el mangazo a los de Liverpool, quienes accedieron sin problemas. Otro capítulo que destruye la supuesta -muy falsa- antinomia Beatles vs. Stones. Fue el segundo sencillo, unos meses después del histórico "Come On", de Chuck Berry.
1963 - Primer LP en que aparece: Milestones (1972)
Street Fighting Man

Jagger se muestra por primera vez preocupado por la candente situación del mundo de aquel entonces, particularmente inspirado por las revueltas del Mayo francés del '68. Nada de esto importaría si no tuviera ese tremendo riff de acústicas que abre la canción y que la saca adelante con un impresionante groove de Charlie Watts, acá Brian Jones ya perdía terreno (dicen que en Let It Bleed casi no toca) y la versión del sencillo fué la misma que terminó saliendo en el enorme Beggars Banquet.
1968 - Primer LP en que aparece: Beggars Banquet (1968)
In Another Land

Bill Wyman siempré se quejó de que no le daban crédito en los temas y algo de cierto tiene que haber, los Stones funcionaban como tiranía muchas veces. Esta joya totalmente sumergida en ácido lisérgico apareció tambien en el que -probablemente- sea el disco más injustamente criticado de los Rolling Stones, la versión diabólica y confundida del Sgt. Pepper de los Beatles; nada menos que el disco que les hizo ganar el apodo, Sus Majestades Satánicas.
1967 - Primer LP en que aparece: Their Satanic Majesties Request (1967)

martes, 4 de noviembre de 2014

Adam Green & Binki Shapiro - idem


Adam Green es un personaje que por suerte no termina de auto-fagocitarse. Se ha plantado frente al mundo como una especie de payaso perdedor, un Elvis Costello que no intenta demostrar lo clara que la tiene, casi sería todo lo contrario, trata por todos los medios de demostrar que es un pelotudo pero cualquiera con un poco de oído y sentido común se da cuenta de que, en realidad, es un capo.

En sus discos como solista siempre hay un buen puñado de temas “en joda” de esos que cuando no funcionan te dan ganas de tirar el disco (o tu aparatito de mp3’s) por la ventana. Pero -también- en todos sus discos hay temazos enormes de esos que hablan a las claras de un compositor con muchísimo conocimiento de su oficio, de la historia de su disciplina, alguien que ha escuchado miles de discos y supo con qué quedarse y qué descartar. Además tiene una voz de barítono preciosa, eso no se puede pasar por alto.

Era obvio que en un momento le iban a dar ganas de sacar su disco de dúos, a la manera de Nancy Sinatra y Lee Hazlewood, Gainsbourg y Jane Birkin (o Brigitte) o, para ir un poco más adelante en la línea de tiempo, Lanegan e Isobel Campbell. Y la verdad es que, de la mano de la ex-Little Joy y habitual colaboradora de Beck, sale muy bien parado ante el desafío. Adram Green & Binki Shapiro es un disco clásico en más de un sentido; tiene chapa de inoxidable, de que va a envejecer bien y las canciones tienen todos los elementos de atemporalidad, el uso de recursos de comprobada eficacia, los puentes inteligentes y los estribillos ultra-pegadizos.

Las temáticas son las habituales; amor no correspondido, un romance que fue a parar a donde nunca tendría que haber ido y ventiladas de miserias a los cuatro vientos. Por supuesto que nada de esto sería “serio” si no fuese por la cantidad de chistes que hay en las letras. En teoría los dos trabajaron en conjunto a la hora de componer pero cualquiera que haya escuchado a Adam Green como solista se da cuenta de que las riendas del asunto las lleva él, a pesar de que sabe dar un paso al costado y darle prontagonismo a su partenaire, que canta muy bien y por momentos lo hace deliciosamente (“Don’t You Want Me to” o en la hermosa "Don't Ask for More") y cuando dialoga con Green es casi imposible no esbozar una sonrisa cómplice.
Decidir si el disco está a la altura de los trabajos mencionados anteriormente es sólo cuestión de que pasen algunos años. Es muy probable que así sea.




Podés escucharlo entero en Grooveshark o en YouTube.




Chequear también:

Jefferson Hamer & Anaïs Mitchell - Child Ballads
Adam Green - Sixes & Sevens
James Levy & the Blood Red Rose - Pray to Be Free

sábado, 1 de noviembre de 2014

Video de la Semana: Angel Olsen - Forgiven/Forgotten



Del tercer disco de Angel Olsen, de Chicago, el disco se llama Burn Your Fire to No Witness y es de este año, salió por el sello Jawjaguwar.







martes, 28 de octubre de 2014

Disco del Mes: Grateful Dead - idem (Skull & Roses)


Grateful Dead
Grateful Dead (en vivo)
1971
























Warner Bros.






lunes, 27 de octubre de 2014

Aswad - A New Chapter of Dub


Los versiones dub de ciertos discos gozaban a veces de tanta popularidad que este LP, correspondiente a New Chapter, aparecido un año antes, estaba disponible en catálogo varios años después de que su versión original fuera ya un ítem prácticamente inconseguible.
Como tantos otros, los Aswad eran inmigrantes caribeños, tuvieron el honor de ser la banda de acompañamiento de Burning Spear en su disco en vivo del ’77 y, durante la década siguiente, se convirtieron en una de las bandas de reggae más populares de Inglaterra. Tenían algunas características que los identificaban; armonías medio soul de cierta complejidad, efectos electrónicos a la orden del día, una sección de bronces por encima de la media y no tenían miedo de cantar sobre orgullo rastafari y asuntos políticos controvertidos.

New Chapter, uno de los mejores discos de la etapa en que grababan para el sello CBS fue seguido casi de inmediato por este, por A New Chapter In Dub, con la colaboración del maestro Mikey Dread (famoso por su trabajo con The Clash) que aparece en los créditos como Michael Campbell. Dread se encarga de usar la famosa “bolsa de trucos” del género con maestría; ecos siniestros, cortes raros y los típicos delays, acentuando un poco más que de costumbre y acercándose a las producciones de la época de Lee “Scratch” Perry, casi al borde de la exageración. Como en muchas versiones dub de clásicos A New Chapter… es casi instrumental y las pistas de las voces son removidas casi por completo, quedando apenas algún que otro coro fantasmagórico o una armonía vocal que flota en la mezcla para aumentar el efecto ya de por sí hipnótico de los tracks.

“Natural Progression”, por ejemplo, había estado en el set de la banda desde el primer LP de estudio pero decidieron retocarla para aprovechar las virtudes de la nueva sección de vientos, Vin Gordon, Michael Rose y Eddie “Tan Tan” Thornton, y con respecto a la versión del año anterior hay diferencias casi radicales, ni hablar si la comparamos con la del homónimo del ’76. Acá las voces pasan directo al fondo de la mezcla, el piano salta en el aire y la sección rítmica se destaca sobre el resto.

A pesar de que muchos los discutan, esta música es ideal para días de calor y agobio, para sentarse a la sombra con algo frío y un enorme porro, para dejarse llevar por un ritmo que parece simple pero… ¿a cuentos ya vimos fracasar rotundamente en el intento?




Escuchalo entero en YouTube o en Grooveshark.




Chequear también:
The Mighty Diamonds - Deeper Roots
Mikey Dread - At the Controls Dubwise
Aswad - Not Satisfied

lunes, 20 de octubre de 2014

The Rolling Stones - I Am Waiting



Los Stones me gustan desde que soy un crío. Pero como cualquier banda que tiene una discografía extensa y llena de recovecos, lleva unos cuantos "años de estudio" para recibirse en la materia.

No voy a caer en el facilismo de decir que la etapa con Brian Jones es la mejor, hay muchísimas cosas que me gustan hasta Tattoo You y muchos buenos temas en los discos posteriores pero en este momento en que no sabían bien qué clase de banda ser es cuando más me interesan.

Podría ser un tema de los Kinks, medio pop, un poco oscuro, con esos arreglos de clavicordio y cuando llega a la parte del puente en donde Jagger canta -magistralmente- eso de "oh si lo vas a descubrir..." la canción se eleva al cielo. O tratandosé de los Stones... se hunde en el averno.




Escuchala en YouTube.



Encontrala originalmente en:
Aparece en el primer disco de los Stones que no tiene covers. Aftermath tenía la lista de temas diferente de acuerdo a la edición (UK o US) pero "I Am Waiting" aparecía en las dos.
Aftermath  (1966)





miércoles, 15 de octubre de 2014

Os Mutantes - Jardim Elétrico


El chiste con los Mutantes es que -precisamente- todo parece un chiste, un gran chiste. Parece, claro, pero no lo es. Como la inmensa mayoría de los grandes grupos de rock de la historia, tienen un impresionante sentido del humor, un nivel de atrevimiento casi kamikaze, hacen cosas que parecen increíbles (tanto de ejecutar como de concebir) pero si se les presta la atención necesaria no hace falta ser muy vivo para darse cuenta de que musicalmente son increíbles. No en vano supieron captar la atención de tipos fanáticos de todo lo que es cultura pop como David Byrne o Sean Lennon. Lo que hacen tiene un puñado de influencias de clarísimo origen anglosajón, sin embargo los Mutantes solo pudieron ocurrir en Brasil y en el momento en que duró el apogeo de la banda; fines de los sesenta a mediados de la década siguiente.

Para la altura de Jardim Elétrico venían de un intento fallido de hacer un disco con versiones de sus temas en inglés, grabado en Londres y que en su momento no fue editado (quizás) porque no eran en realidad los Mutantes. En este cuarto LP de estudio los tipos ya dominaban bastante bien sus instrumentos y a la hora de grabar no le tenían miedo a nada. Es cuestión de escuchar “Saravá”, el anteúltimo tema, para encontrar más ideas que las que un grupo mediocre o promedio utilizaría a lo largo de un álbum entero. Hay un solo ultra psicodélico y muy podrido que atraviesa casi todo el tema, hay coros beatle, hay un baterista controlando el descontrol… un temazo, por donde se lo mire.

Y más o menos lo mismo sucede a lo largo y ancho de la placa, es un desafío constante a las convenciones, unos malabares admirables con los géneros, cagándose en cualquier tipo de etiqueta que se les intente endilgar. Esta imposibilidad total de clasificarlos es lo que hace que algunos los adoremos y que otros no puedan encontrarles el sentido. El último tema, “Baby”, un clásico del primer LP, aparece regrabado en versión bossa bien clásica y es el único tema que se apega a un género estricto, y se adelanta unos cuantos años a las versiones edulcoradísimas de los Beatles con que Rita Lee aburriría los consultorios de dentistas de medio mundo. Podría haber quedado afuera, tranquilamente.

Hablar de los temas individualmente sería un desacierto enorme ante un disco como Jardim Elétrico, es cuestión de asomarse adentro de un mundo en donde cualquier cosa es posible, en donde te podés reir de todo y con todos pero si mirás fijo y mantenés la mirada, la cosa es seria. Muy seria.





Podés escucharlo entero en Grooveshark y en YouTube.





Chequear también:

Os Mutantes - Divina Comedia Ou Ando Meio Desligado
Rita Lee - Hoje É o Primeiro Dia do Resto da Sua Vida
Gal Costa - Gal Costa [Cinema Olympia]



sábado, 11 de octubre de 2014

martes, 7 de octubre de 2014

5 Canciones 5: Sub Pop


Spank Thru
Nirvana
Una escucha atenta al compilado Sub Pop 200, una suerte de galería de artistas y muestrario del sonido de la época, y ya se nota claramente que Nirvana era una banda diferente, incluso sin tener la personalidad cien por ciento formada. Están los riffs insistentes, los solos desafinados, la voz de Cobain inmediatamente reconocible... una rareza de esas que los fanáticos buscan como si del Santo Grial se tratase.

Aparece originalmente en: Sub Pop 200 (1998)


Monkey
Low
En el primer disco de Low para Sub Pop aparece este tema, abriendo el LP y es una clásica canción al estilo slowcore, el subgénero que patentó esta banda, es música relativamente tranquila, llena de tensión, siempre a punto de explotar (cosa que raramente sucede), una especie de gospel alternativo. Las armonías y el contraste de las voces le dan un plus de "acá en realidad está todo mal" a la canción.

Aparece originalmente en: The Great Destroyer (2010)


Seven
Sunny Day Real State
El primer disco de Sunny Day Real State no tiene mucho que ver con el resto de las bandas del sello ni con el famoso "sonido Seattle", es melódico, fluído, lleno de energía, de coros y cortes y quiebres de guitarras. Diary es considerado uno de los mejores discos emo de todos los tiempos, pionero indiscutido del género y pesimamente imitado en los cinco continentes, "Seven" es una muestra perfecta.

Aparece originalmente en: Diary (1994)


Small Window
Luluc
Una voz femenina que es casi un susurro, acompañamiento muy sencillo de guitarram, un pianito apenas sugerido y la armonía vocal bien atrás en la mezcla es lo primero que se escucha en "Small Window", el corte de difusión de Passerby, el segundo LP de estudio de Luluc, dúo australiano de folk pop que no hace otra cosa que demostrar la vigencia del sello, la picardía a la hora de parar la oreja ante otros géneros y la calidad a la hora del filtrado.

Aparece originalmente en: Passerby (2014)


Days
Screaming Trees
Que queremos mucho a los Screaming Trees en general y a Mark Lanegan en particular ya es sabido. En el EP Change Has Come, lo único que sacaron a través de Sub Pop está esta joya que pertenece originalmente al segundo disco de estudio de Television, el infravalorado Adventure. De más está decir que Lanegan y los hermanitos Conner se adueñan de la canción y si no te dicen no te das cuenta de que es un cover. Atención al solo de bronces al mejor estilo Forever Changes, de Love.

Aparece originalmente en: Change Has Come (1991)




lunes, 6 de octubre de 2014

Mudhoney - Vanishing Point


A diferencia de la banda que más lejos llegó de todas las de la camada Seattle (Nirvana, por supuesto) la longevidad de Mudhoney podría explicarse por el lado de que jamás hicieron ningún tipo de concesión. Nunca “transaron” su sonido, jamás aflojaron el nivel de mala onda y resentimiento y nunca contrataron a ningún productor de moda para que embellezca el sonido. Por supuesto que siempre estuvieron lejos de pegarla en grande, no tienen hits radiales, no le gustan a la gente que no le gusta en realidad el rock pero los fanáticos de la banda son incondicionales.

Mark Arm, el cantante, es no sólo un continuador del rocker irredento por excelencia que es (o solía ser en realidad) Iggy Pop, es un tipo con un cinismo a prueba de balas, divertido, irónico, provocativo y anti-todo. Después de algún que otro cambio de dirección y de sello discográfico, volvieron a SubPop, el sello que sacó el histórico sacudón eléctrico que fue Superfuzz Bigmuff, a principios de los noventa, el que tenía himnos generacionales nihilistas como “Fuck the Police” o el enorme “Touch Me, I’m Sick”. Vanishing Point puede ser visto como un gesto de tozudez, como una declaración de principios y también (¿por qué no?) como un anacronismo; no se alejan demasiado del sonido clásico, siguen más o menos en la misma como diciendo “muy simple… lo tomás o lo dejás”.

Cuando Arm canta “siguen siendo los mismos críticos de siempre, vayansé a la mierda de mi backstage” lo hace con todo el odio que necesita para pronunciar la frase en un tema a toda velocidad, casi hardcore, “Chardonnay”, de menos de dos minutos, The Fangs, Angry Samoans, las mimas influencias de siempre pasadas por el mismo filtro de siempre. Te la creés o no, así de simple.
En seguida sigue “The Final Course” en donde suenan a rock espacial, incorporando la influencia de Hawkwind y Pink Fairies que ya habían mostrado en discos anteriores, guitarras podridas, cambios de ritmo, efectos psicodélicos y encima de todo está Arm pudriendo la cosa un poco más todavía, aullando y retorciéndose ante el micrófono. La sorpresa viene de la mano del coro al final de “I Like It Small”, el corte de difusión, con una veintena de amigos gritando desfinadamente pero con todo el entusiasmo de saberse eternizados en el último disco de Mudhoney, después de cinco años sin apariciones discográficas… vaya uno a saber si va a haber continuación de esto.

Casi están en el mismo escalón que Motörhead, Ramones o AC/DC, haciendo más o menos el mismo disco, con pequeñas variantes y un buen puñado de similitudes. Pero si la música sigue siendo esta… ¿A quién le hace falta que cambien?




Escuchalo entero en YouTube o en Grooveshark.




Chequear también:

The Stooges - Fun House
Black Flag - The First Four Years
Mudhoney - Piece of Cake

miércoles, 1 de octubre de 2014

Video de la Semana: Mudhoney - I Like It Small



Seguimos con SubPop y Mudhoney... ES SubPop. Tema del último disco, Vanishing Point y otra demostración de lo mucho que se puede hacer con poco. ¡Ah! Y Steve Turner es lo más grande que hay.



domingo, 28 de septiembre de 2014

5 Canciones 5: Slim Harpo, The Kinks, Okkervil River, The Clean y Jah Wobble con PJ Higgins


The Clean
Quizás sea el alejamiento del resto del mundo pero hay algo que los neocelandeces de The Clean, baluartes del mítico sello Flyin' Nun, no se parezcan a absolutamente nada ni nadie. Hay influencias detectables (Velvet Underground podría ser una) pero los tipos se encargan de sonar y componer de manera propia, con mucha personalidad. TEMAZO.

Aparece originalmente en: Modern Rock (1995)


The Kinks
Para entender el sentido de este temazo impresionante de Ray Davies, "oculto" en la banda sonora de una película que pasó sin pena ni gloria -pero que tenía que ver con una operación de cambio de sexo- habría que ver la película. Pero sin haberla visto captás perfectamente casi todo. La melancolía eterna del capo de los Kinks, las melodías imbatibles, la producción impecable. Una pena que este tema no se coree en estadios. Tiene todo lo que tiene que tener una gran canción.

Aparece originalmente en: Percy [original soundtrack] (1971)


I'm a King Bee
Slim Harpo
Con el sonido más precario posible, con ese bajo sugerente y malvado y la voz amenazante del gran Slim Harpo, "I'm a King Bee" representa perfectamente todo lo mejor del blues de aquellos años iniciáticos. El solo de guitarra (o arreglo) de una nota, la armónica super sencilla pero increíblemente funcional al tema. Esto es lo que diferencia a "la cosa real" de la millones de imitaciones de esto que se han hecho.

Aparece originalmente en: Raining In My Heart (1961)


The Latest Thoughts
Okkervil River
El sentimiento con que encara la interpretación vocal Will Sheff, el líder y alma máter de Okkervil River hace que uno le crea de inmediato. Casi al final de un disco conceptual de esos que son difíciles de terminar de entender, "The Latest Thoughts" es una joya de una de las mejores bandas de los último años. Nada nuevo pero cuando está tan bien hecho... ¿Qué se les puede cuestionar?

Aparece originalmente en: Black Sheep Boy (2005)


King of Illusion
PJ Higgins & Jah Wobble
Que Jah Wobble es uno de los bajistas más creativos e inquietos de todos los que salieron de la escuela del post punk es sabido, pero que puede moverse como pez en el agua en practicamente cualquier estilo no está tan claro todavía. En su último disco de estudio colabora con PJ Higgins y logra una mezcla entre dub y lo mejor de Massive Attack. Funciona y funciona perfectamente. Para levitar.

Aparece originalmente en: Inspiration (2014)




miércoles, 24 de septiembre de 2014

Disco del Mes: Dionne Warwick - The WIndows of the World


Dionne Warwick
The Windows of the World
1967










Scepter






viernes, 19 de septiembre de 2014

Video de la Semana: Goat - Dreambuilding



Otros que vienen de Suecia pero SIN amor, con malas vibras, drogas fuertes y una propuesta musical interesantísima.



martes, 16 de septiembre de 2014

First Aid Kit - Stay Gold


Hacerse preguntas sobre la imposibilidad de detener el paso del tiempo, el significado de las relaciones humanas, el cuestionamiento de los afectos y de las cuestiones que enriquecen y destruyen puede sonar falso en manos de gente que apenas llega a los veinte años. Pero en manos de las hermanas Söderberg suena totalmente creíble y hasta dan el clavo en un buen puñado de asuntos existenciales que pueden sorprender incluso a los más cínicos pero eso es lo que sucede en Stay Gold, el disco nuevo del dúo formado por Johanna y Klara, más conocido como First Aid Kit, que podría traducirse como “botiquín de primeros auxilios”.

Stay Gold es el tercer LP de estudio de este dúo oriundo de Suecia y a nivel lírico el nombre no podría haber estado mejor puesto; son reflexiones de cariño para el alma, para las almas que se hacen preguntas, por supuesto, no para aquellas que prefieren anestesiarse con horas muertas cambiando de canales sin nada para ver.

También se dan el lujo de pararse en un lugar, de tomar una posición relativamente fuerte, cuando en “Waitress Song” repiten aquel viejo mantra de que “las chicas sólo quieren divertirse” pero ellas, claramente, no están dentro de ese grupo porque en seguida aclaran que “nosotros, el resto, apenas si sabemos quiénes somos”, en un claro y clásico “nosotros vs. ellos”. ¿Y de qué va la música? Por suerte hay mucho que hablar al respecto. “Heaven Knows” (otro título existencialista), uno de los temas más poderosos del disco es una extraña mezcla entre los mejores Pogues y la música celta que seguramente deben haber escuchado desde que eran niñas, todo redondeado y envuelto en un paquete de folk-rock muy interesante, algo que bien podría venir de la relectura del género que hacen los Fleet Foxes y su millar de imitadores. El elemento localista dice presente en la mayoría de las canciones, si bien no es un disco para montar un barco vikingo y redescubrir Groenlandia, en la mayoría de las composiciones hay elementos que dejan claro que no es un disco que se podría haber hecho en Estados Unidos, Africa o el sudeste asiático, hay un claro sabor escandinavo manejado con completo conocimiento de causa.

Si bien lo de First Aid Kit no es revolucionario, ni tampoco pretende serlo, sale ileso en el apartado credibilidad, algo, que hoy en día, es condición indispensable para sacar adelante un disco moderno, con todo lo que implica la palabra en pleno siglo veintiuno.




Escuchalo en YouTube.




Chequear también:

Caléxico - Algiers
Angel Olsen - Half Way Home
First Aid Kit - The Lion's Roar


viernes, 12 de septiembre de 2014

Green Day - Stuart and the Ave.



Green Day siempre tuvo esa pátina de desprestigio, de banda berreta, adolescente, que no estaba bien que te guste. ¡Al diablo! Al menos en los primeros discos (hasta Warning! inclusive) eran imbatibles. Después se pusieron serios, conceptuales y ambiciosos y para mi gusto todo eso iba en contra de todo lo que representaban.

"Stuart and the Ave." estaba en el disco que vino después del exitosísimo Dookie y... ¡Qué difícil seguir un disco tan vendido y comentado! Ellos la hicieron simple y sólo se dedicaron a perfeccionar la fórmula; power pop (para mí nunca fueron una banda punk) poderoso, tocado con mucha fuerza y grabado con toda la fidelidad posible, con muchísimo gancho y era algo que parecía sencillo pero hacerlo bien, como lo hacían ellos, no era tan simple.






Escuchala en YouTube.



Encontrala originalmente en:
Si Dookie tenía tres canciones tremendas y un buen puñado de rellenos, Insomniac no tenía esos hits tan inmediatos pero tenía menos fillers. Un disco extremadamente infravalorado.
Insomniac  (1995)





martes, 9 de septiembre de 2014

Big Star - Third / Sister Lovers


La historia de Big Star es casi tan trágica como la de Badfinger y es importante conocerla al menos de soslayo para quien escucha estas canciones y quiere conocer el originen de la tristeza y melancolía casi suicida que puebla las canciones del tercer opus de la legendaria banda de Memphis.

Chris Bell, el otro compositor de la banda ya no estaba para esta altura y Alex Chilton grabó el disco solamente con la ayuda de Jody Stephens y el productor Jim Dickinson. Chilton había sido un niño prodigio y, sin haber salido de la adolescencia, ya cantaba con dolor en el alma y era una estrella al frente de los efímeros Box Tops. Siempre había tenido que responder a ciertas presiones, tanto de ejecutivos de discográficas, productores en busca de éxitos de Billboard y compañeros de banda con caprichos. En Third dá rienda suelta a absolutamente todas sus indulgencias y, de algún modo, anticipa los vaivenes y desplantes de su carrera solista. Parte del éxito (artístico, claro) de Third se debe a Dickinson que lo dejó hacer todo lo que quiso.

Las canciones del disco están teñidas por una pátina de tristeza ineludible, Chilton se metía todo tipo de drogas para esta época, su genio estaba a varios años de ser reconocido y la falta de éxito (en todo sentido) lo atormentaba. A pesar de que hay algunas canciones que tienen que ver con el power pop patentado de los dos primeros álbumes (“Kizza Me”, “Jesus Christ”, “O, Dana”) la sorpresa viene de la mano de las baladas… que tampoco son baladas en realidad. Es cuestión de escuchar “Big Black Car” para sumergirse en un universo de canciones al borde del desbarranco emocional, “nada puede herirme, pero no va a durar” canta Chilton con un acompañamiento mínimo y algo parecido pasa en “Holocaust”, otra a corazón abierto. Cuando prestás la atención necesaria encontrás unos arreglos que son de esos de oír para creer; un cello que entra y sale, una guitarra podrida que apenas se escucha en la mezcla. “Stroke It Noel”, “For You”, “Nightime”… forman una colección de canciones que demuestran a las claras que de la tristeza, el desamparo y la soledad puede surgir la inspiración. Incluso en los temas rápidos y más poperos se nota que algo no está bien, en “You Can’t Have Me” o incluso en “Thank You Friends”.
Hacer una versión de Velvet Underground ("Femme Fatale") hoy en día no tiene demasiado mérito a nivel antropológico pero hacerla en el ’74, cuando se grabó este disco, era un verdadero acto de hidalguía, Chilton se encarga de ponerle más pathos (inclusive) que a la versión original del disco de la banana.

El disco quedó archivado durante casi cuatro años (solo se hicieron algunas copias promocionales) porque ningún sello quería editar un disco que no iba a comprar nadie en aquel entonces, después, cuando se reeditaron los dos primeros y la leyenda de Big Star empezó a crecer de a poco salió y, a pesar de que los críticos lo amaron, el público le dio la espalda. Pero el culto iba a creciendo... lentamente… el tiempo siempre dá la razón.



Escuchalo en YouTube o en Grooveshark.



Chequear también:
Big Star - Radio City
Alex Chilton - Bach's Bottom
Elliott Smith - Roman Candle


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