2022: Disco del Año, del Mes y "del Año"

Paul Simon - There Goes Rhymin' Simon

Tipos que abrieron el juego, que expandieron las fronteras e hicieron de la música popular algo más rico, más valioso. En Estados Unidos es muy conocido, en el resto del planeta no tanto, al menos como solista. Simon & Garfunkel sí, todo el mundo tiene el Grandes Éxitos de ellos por ahí, juntando polvo, lo tuvo o escuchó en algún momento. Claro, tienen canciones que son inolvidables, algunas de ellas al nivel “Let It Be”, ese que quizás hace que quieras morirte sin volver a escucharla, no hace falta. “Cecilia”, “Bridge Over Troubled Water”, “The Sound of Silence” y por supuesto “Mrs. Robinson”.

La cosa no iba a durar, Paul Simon componía todas las canciones. Al pobre Artie no lo iba a necesitar. ¿Para qué? Su primer LP como solista, Paul Simon, del ’71 es uno de esos que marcan un hito, como el primero de The Band o Nevermind the Bollocks, pero nadie se acuerda o pocos lo mencionan. Tiene el primer reggae primer-mundista, digamos… no jamaiquino. Ese tema es “Mother and Child Reunión” y es importantísimo. Ahí mismo podías encontrar una samba brasilera acelerada, de la mano de “Me and Julo Down By the Schoolyard”. Es simple; el tipo siempre andaba en la búsqueda. De nuevas formas, géneros, achicando distancias y siempre sonó a él mismo. Siempre es Paul Simon.

Alguno puede decir que el nivel de blandura o edulcoramiento es alto en estos pagos. Concedido. Esta no es música para pibes que quieren ensordecerse sin clemencia con guitarras podridas, gritos salvajes e histrionismo generalizado. Te puede llegar a gustar si ya estás para algo un poco más sutil. Y esto está plagado de sutilezas. There Goes Rhymin’ Simon es su segundo larga duración como solista, aparece originalmente en el ’73 y es una continuación natural del debut homónimo. Cuesta creer que tenía unos treinta años acá. El nivel de madurez que exhibe en estas canciones es asombroso, en otra demostración de que algo cambió en el mundo en estos últimos cincuenta años. Mucha variedad músical, cuando hay un arreglo de cuerdas, como por ejemplo las que aparecen en “Something So Right”, está ahí, despacio, subrayando el tema con un nivel de buen gusto poco habitual. En el mismo tema, cuando el tempo cambia, después del segundo estribillo, está pensado para que el asunto fluya delicadamente, casi no se nota. Pero está. Acá aparecen por primera vez un par de clásicos indelebles; “Kadachrome”, el encargado de la apertura, divertido, medio saltarín, “One Man's Ceiling Is Another Man's Floor”, algo que podría relacionarse con un blues, con el toque Paul Simon que obviamente iba a aparecer. Preciosos arreglos de piano a cargo de Barry Beckett. “American Tune”, uno de sus picos emotivos, para llorar con el pañuelito en la mano. “Loves Me Like a Rock”, con los Dixie Hummingbirds aportando sus coros gospel.

Paul Simon no te va a volar las neuronas con una distorsión marca Acme de esas que hacen temblar el techo. Acá la cosa pasa por otro lado. Poesía. Letra y música. Canciones. Viene por ahí la mano.







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5 Canciones 5: Donna Summer, The Monochrome Set, Leopoldo Federico, Premiata Forneria Marconi y Little Richard

I Feel Love
Donna Summer

I Remember Yesterday y Once Upon a Time, dos discos de estudio en un solo año que se cansaron de vender copias. Donna Summer no podía dejar pasar la oportunidad de registrar su doble en vivo. "I Feel Love" con Giorgio Moroder inventó el asunto, o al menos le ajustó las tuercas, lo terminó de definir. Había aparecido como single y en el mencionado I Remember... También era entendible que varios odiasen la llamada "música disco", estaba por todos lados, era irresistible y no cuestionaba absolutamente nada. Más bien lo contrario.

Aparece originalmente en: Live and More (1978)

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He's Frank
The Monochrome Set

Acidez, corrosión, ironía, velocidad, nervios. Todo eso y un poco más. Una de las bandas quizas menos recordadas de la infinidad que surgieron después del sacudón inicial de los Pistols, Buzzcocks, The Clash y compañía. Esto tiene su costado pop, su gancho, también tiene que ver con los dos primeros discos de Wire. De cualquiera manera, podés ignorar todos estos datos sólo para freaks, esto te puede animar una fiesta y eso es lo que vale. Si la gente es la adecuada, claro está.

Aparece originalmente en: He's Frank / Alphaville [single 7"] (1979)

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Margarita de Agosto
Leopoldo Federico

Otro de los hijos de Piazzolla. Renovadores del tango, tipos que en su momento fueron resistidos por el conservadurismo más rancio. Destruyendo cualquier frontera entre música popular y académica. Tiene un parecido leve a "Fuga y misterio", en una parte. De cualquier manera, esto es música evocativa al máximo, representa a un lugar, un país y una época. Imperecedero.

Aparece originalmente en: Buenos Aires hoy (1974)

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È festa
Premiata Forneria Marconi

Como cualquier verdadero fan del prog-rock debería saber, los italianos tienen unos exponentes del género que están a la altura de los grandes. Il Balletto di Bronzo, Banco del Mutuo Soccorso, Biglietto per l'Inferno y por supuesto Premiata Forneria Marconi, por nombrar sólo a algunos. Este es uno de los momentos más rockeros del LP debut, una obra conceptual impresionate. Cuesta creer que ya tenían todo tan bien definido al momento de arrancar, de empezar una carrera.

Aparece originalmente en: Storia di un minuto (1972)

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By the Light of the Silvery Moon
Little Richard

El primer disco de Elvis se llama Elvis Presley, el segundo simplemente Elvis. El primero de Mr. Richard Penniman es Here's Little Richard y este, el segundo, Little Richard, a secas. En esta época, fines de la década del cincuenta, los LP casi no existían, o no eran la obra, el concepto que fueron más adelante. Este temazo siempre me gustó, ya desde el título, evocativo. Ni hablar de cómo lo canta el maestro, con garra, a puro corazón.

Aparece originalmente en: Little Richard [2do. LP] (1958)

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Video de la Semana: Richard Thompson - I Feel So Good

"Me siento tan bien que esta noche le voy a romper el corazón a alguien" cantaba el prócer inglés Richard Thompson en Rumor and Sigh, del '89.

Vox Dei - Vox Dei para Vox Dei

Un juego de arpegios interesante es lo primero que se escucha, el cantante ahí, calentando motores, tira unos 'oh yeah' y ahí nomás empieza a solear la guitarra líder. Meten un cambio, siguen los gritos de fondo y recién al minuto y monedas entra la base rítmica, a puro músculo. Las voces son muy características, te das cuenta de que es Vox Dei al instante, acá sobraba personalidad. Si querés buscar parecidos podés relacionarlo con miles de bandas de USA, UK o el resto de Europa. Es lo que muchos hoy llaman heavy psych, con gente como Blue Cheer, Groundhogs o Atomic Rooster. Es probable que Basoalto, Soulé y Quiroga ni siquiera hayan sentido esos nombres, este es un estilo que evolucionó para este lado a nivel mundial, para un costado pesado, con cierta impronta blusera.

De la mano de “Es necesario salirte a buscar” empieza Vox Dei para Vox Dei, el sexto trabajo de estudio de la banda de Quilmes, en el gran Buenos Aires. Séptimo si contamos el malogrado LP en vivo conocido como La nave infernal. Para la altura de este disco, que sale a mediados de la década del setenta, la banda ya era veterana, las habían hecho a todas. Hacía unos años habían registrado La Biblia, el álbum por el que serán recordados siempre (para bien y para mal) y hasta dejaron una para los fogones argentinos de hoy y ayer; “Presente”. Originalmente cerraba el debut, Caliente, es un tema de esos que a nadie la hace falta recordar, pero que tiene una letra filosófica de altísimo vuelo, más si se considera la edad que tenían en ese entonces.

Me la juego y si tengo que elegir uno sólo de Vox Dei me quedo con este. Tiene todo lo que tiene que tener un disco de ellos. ¿Querés un tema medio melancólico? Acá está “La luz que crea”, con un solo de guitarra hermoso. Quizás no sea el conjunto de canciones más inspiradas, ni hay grandes hallazgos en cuanto a originalidad. No importa. A los muchachos les sobraba oficio e incluso de taquito, las cosas les salían. Lo único un poco parecido a un tema de relleno es “No, ni por equivocación”, que igual sale adelante porque es medio en joda, tiene una buena letra, con una temática cien por ciento vigente. Además tiene uno de esos títulos que sólo ellos se animaban a poner. Vale recordar algunos ejemplos; “Debes conocer las cosas que andan mal”, “Loco, hacela callar” o “Por aquí se te echó de menos”, de Jeremías Pies de Plomo.

En “Mago de los cuatro vientos” incluso hay arreglos de cuerdas, con el bajo de Quiroga bien al frente, uno de esos temas que bien podrían haber sonado en las radios de todo el mundo, si no fuese por el karma de vivir al sur. Vox Dei para Vox Dei es uno de los pocos discos argentinos de esa época que se puede encontrar con relativa facilidad, en buen estado y a un precio accesible. Se ve que en el hemisferio norte todavía no lo descubrieron.







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5 Canciones 5: The Woodentops, Daniel Toro, Demon, Everything but the Girl y Siouxsie and the Banshees

Shout
The Woodentops

Coros gospel, la batería entra a acelerar, como para ir adelantando que el tema va a ser rápido, aunque después termina avanzando de una manera rara, desde lo rítmico. Primer disco de una de las bandas emblema de lo que algunos llamaron la Clase 86 inglesa, con gente como McCarthy, Half Man Half Biscuit o The Wedding Present. En un momento frena y parece que se va a descontrolar. No pasa. Va a parar a una coda con gritos y ruidos de guitarra.

Aparece originalmente en: Giant (1986)

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Refrán de los demonios
Daniel Toro

Al mal tiempo buena cara. De aquel viejo refrán viene este tema, incluído en una suerte de disco conceptual, nacional y popular. Es el tipo que es empleado toda la vida, trabajando durísimo en el campo, por poca paga, dependiendo del clima. "No es cuestión de andar con penas cuando el pan está en las casas", el típico consuelo que le conviene a unos pocos. En cuanto al género, esto vendría a ser una chamarrita entrerriana. Desde el Litoral a tu sala de estar.

Aparece originalmente en: Refranero de mi pueblo (1973)

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Have We Been Here Before?
Demon

Ves la tapa, los títulos de los temas, el nombre del disco (sería "el invitado sorpresa") y pensás automáticamente que esto va a ser una baño de sangre, una cosa macabra. Nada que ver. Heavy metal clásico. UFO, Scorpions, por ahí viene la mano acá. Este himno ultra ganchero tiene una cosa medio punk, en el machaque de las guitarras en las estrofas, sobre todo. Muy pegadizo, esto debió haber sido un hit. Cuando llega el estribillo y entran los coros de estadio, te dan ganas de salir corriendo a comprar cerveza.

Aparece originalmente en: The Unexpected Guest (1982)

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Frost and Fire
Everything but the Girl

Ben Watt y Tracy Thorn o Everything but the Girl, para los amigos. O para la inmensa cantidad de compradores de discos, porque estos se cansaron de vender en su momento. La voz de ella tiene algo magnético, especial. Acá ya estaba todo preparado, para la altura del segundo disco de estudio. Otro tema medio raro, con percusión, una guitarra acústica y un teclado de fondo. En un momento entra una percusión muy sencilla que queda bárbaro, hablando de minimalismo a la hora de los arreglos. La guitarra que cierra el estribillo, con el reverb a pleno, es preciosa.

Aparece originalmente en: Eden (1984)

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Voodoo Dolly
Siouxsie and the Banshees

¿Qué mejor manera de cerrar un disco enorme que con un tema épico? Esto sería el equivalente post-punk a "The End" o "When the Music's Over" de los Doors, banda de reconocida influencia en los Banshees. "¿Estás escuchando a tus miedos? El golpe está cada vez más cerca" aúlla Siouxsie para que entre la banda, en un baile diabólico e hipnótico, ideal para entrar en un trance oscuro. El trabajo de John McGeoch en las seis cuerdas es impresionante. Alienígena.

Aparece originalmente en: Juju (1981)

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Flamin' Groovies - First Plane Home

Dos etapas bien diferenciadas, con tres discos en cada una. La primera, más salvaje en plan Stones, Stooges y la segunda, con el inmortal Shake Some Action a la cabeza.

Acá la reverencia va para el lado de los Byrds, incluso en el disco hay un cover del sensacional "Lady Friend", de Crosby, tema que había quedado afuera de Younger Than Yesterday porque ya nadie aguantaba a su autor.

"First Plane Home" lleva la firma de Cyril Jordan y Chris Wilson, el que reemplazó al super carismático Roy Loney y es una bomba. Que nunca explota pero eso no importa. El sentimiento de melancolía, de quiero-volver-ya-mismo a casa llega. La canción frena, amaga, encara para acá y sale para allá. La parte en donde cantan eso de "primer parada, cariño y estoy de vuelta en el viejo Frisco". Otra vez; no es tanto lo que dice sino CÓMO lo dice". Y esto es sensacional.

Se puede escuchar en YouTube acá.

Encontrala originalmente en:
Lo pedí en LP porque quería tener al menos un disco de los Groovies en ese formato. Me llegó un CD. ¿El vaso medio lleno? Las notas del librito las escribe el gran Steve Wynn y me llamó la atención que dice que para él fueron sus Beatles y Stones. Creció viéndolos en vivo con frecuencia. 
Jumpin' in the Night (1979)

5 Tapas 5: Green Jelly

Con: Green Jelly.

Pez - Volviendo a las cavernas

No hay ninguna banda como esta en el mundo. Tienen algo de rock moderno, actual, influencias de los últimos veinte o treinta años y un conocimiento enciclopédio del pasado, la prehistoria del rock. El riff con que empieza el disco, demencial, pesadísimo, con su cuota de complejidad, bien podría haber estado en Red de King Crimson o algún disco de los noruegos Motorpsycho, vaya uno a saber. A lo mejor surgió de una zapada de altísimo vuelo. La parte instrumental es demoledora y ahí nomás va a parar a un motivo Master of Reality, acá el diablo metió la cola. No me jodan. ¿Cuánto hacía que no escuchábamos algo así? Y esto es sólo el comienzo.

“Son los relatos del momento en que todo cambió”. Hay un eje conceptual. Puntos extra. Y encima hasta una suerte de propuesta. Una opción para afrontar la realidad espantosa en que estamos todos envueltos y somos cómplices tácitos, vale recordar. “Tenemos que regresar al jardín” cantaban -armonizando prolijo- Crosby, Stills, Nash y Young, en aquel tema de Joni Mitchell. El sueño hippie fue amasijado pero quedan sobrevivientes, la idea no estaba tan mal, que alguien la siga recordando tiene su mérito y más en pleno siglo veintiuno. Volviendo a las cavernas se llama el disco número doce de Pez.

La gran virtud de Ariel Minimal es el extraordinario licuado de influencias, que prepara y sirve fresco. No le hace asco a nada. Los Misfits conviven pacíficamente con los Grateful Dead en su burbuja imaginaria. Black Flag no mira para otro lado cuando pasa por la mansión de Color Humano y Aquelarre. El resultado es una música extraordinaria. ¿De qué otra banda en el mundo podría salir un tema como “¿Y ahora de qué vamos a hablar?”. Con zapada cósmica incluída, muy destacable lo de Pepo Limeres en las teclas. Las guitarras vuelan por el aire, esto es rock espacial moderno, es progresivo en el mejor sentido, de la palabra, sin el costado masturbatorio del género. No es música liviana, para “escuchar de fondo” en una fiesta animada, es probable que no ingrese de manera inmediata, que te hagan falta un par de escuchas para “hacerte amigo”. En mi caso, en la primer escucha “compré”, estuve convencido de que estaba ante algo nuevo, valioso, diferente. Acá hay de todo y para todos, hay salvajismo, punk rock, estilo, disonancias aplicadas magistralmente, ruido blanco, jazz (sobre todo en "Aferrándonos...") y mucho, pero muchísimo rock.

¿Quién sabe? A lo mejor aquella leyenda, eso de que todavía en algún lugar quedan humanos, sea cierta. Incluso pueden llegar a estar acá nomás, a la vuelta de la esquina. Aunque eso es menos probable.







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Pez - Frágilinvencible
Los Fabulosos Cadillacs - Fabulosos calavera
El Siempreterno - Hacia el mar de carbón

Video de la Semana: Tom Waits - Hold On

Uno de los cinco o seis himnos inmortales que compuso Tom Waits. Otros podrían ser "Downtown Train", "Letter from a Hooker in Minneapolis", "Jockey Full of Bourbon" y un favorito personal de hoy y siempre; "Coney Island Baby", de Blood Money.

Esta aparece originalmente en Mule Variations, del '99.

5 Canciones 5: Antoine, Divididos, Ollantay, Eddie Spaghetti y RPA & the United Nations of Sound

L'eau a monté les marches du petit escalier
Antoine

Una mezcla entre Gainsbourg y Donovan. Para la altura de este disco ya tenía unos cuantos años de carrera. El título podría ser "el agua subió los escalones de la escalerita" pero podés no tener la menor idea y la canción puede hacer su efecto. Armónica, guitarra folkie arpegiada, podría haber estado en cualquiera de los dos primeros del gran Tim Hardin.

Aparece originalmente en: Antoine (1968)

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Cabeza de maceta
Divididos

Para mí las letras de Divididos no significan absolutamente nada, no les busqués mucho la vuelta, son excusas para que los temas sean canciones, que haya voz, poder cantar. Si fueran temas instrumentales no iría nadie a los conciertos. Y ahí está el fuerte de ellos. En el solo de guitarra y Arnedo volviéndose loco con el bajo. Un tema bien al estilo de la última etapa de Hendrix, pesado, rockero y rápido.

Aparece originalmente en: Gol de mujer (1998)

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Son de los diablos
Ollantay

Creo que esta es la banda que había grabado el disco debut de Urubamba, no estoy seguro. Como en la gran parte de la música popular sudamericana, es casi imposible encontrar datos en Internet. El folk inglés fué revalorizado hace unos años, incluso el francés, con bandas como Malicorne. Acá todavía no llego el revival. Y eso que el nivel de respeto y autenticidad de esta gente es impresionante. Admirable.

Aparece originalmente en: El desentierro del diablo (1978)

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Some People Say
Eddie Spaghetti

Tipos que van fuera de sus bandas para hacer algo diferente. Este el cantante y líder de los Supersuckers, que ya habían hecho un disco en esta vena, el gran Must've Been High. Acá la mano es medio country, más cancionera, podés encontrar versiones de Gun Club, Dylan (excelente version de "Tonight I'll Be Staying Here With You") y Nick Lowe. Pero este tema es propio, de esos para escuchar al borde del laguito, con la ramita en la boca, colgando. Para soñar despierto.

Aparece originalmente en: Old no. 2 (2005)

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Let My Soul Rest
RPA & the United Nations of Sound

¿Le creemos a Mad Richard? ¿Compramos que vió la luz y vivió para contárnoslo? Yo sí, disculpen los escépticos. Son los mismos de siempre, no los necesitamos. La manera de cantar... hay convicción, alma, experiencia, vida... lo que quieras. De última, si no querés creer que esto es un "Let It Be" moderno, podés concentrarte en escuchar la grabación, las cuerdas, el crescendo orquestal, el momento de bajada a tierra. Extraordinario.

Aparece originalmente en: United Nations of Sound (2010)

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Disco del Mes: Ultravox - Vienna

Ultravox
Vienna
1980










Chrysalis

Brian Eno - Taking Tiger Mountain (By Strategy)

El primer esnob de la historia del rock. El tema con que empieza se llama “Burning Airlines Give You So Much More”, como para ir haciéndose una idea. Es la historia de Regina, quien se fue a vivir a China y a lo mejor va a ser espía, con cámaras en miniatura escondidas en el pelo. Apenas abre la boca es claro que no estamos ante un cantante. Al menos no uno en el sentido estricto o clásico de la palabra. Sin embargo se las arregla para comunicar, hacer saber lo que intenta transmitir, una atmósfera de carnaval payasesco, medio decadente, divertido, sin ser jocoso. Con un poco de melancolía y riesgo, vale aclarar. Más o menos lo mismo pasa en “Back In Judy's Jungle”, con un ritmo de vals torcido, a contramano, con ese final de coros de cancha, de hooligans borrachos.

Si no lo tenés a Brian Eno ni siquiera de nombre es porque tenés que salir corriendo a hacer los deberes. Music for Airports, el padre de la música ambient, los amigotes alemanes del kraut-rock, asociaciones con David Byrne después de producir a los Talking Heads y Devo. Los dos primeros -esenciales- discos de Roxy Music, de donde se fue amistosamente, nunca dos egos tan grandes como el de él y el de Bryan Ferry iban a convivir amigablemente. Más tarde U2 y el mega-estrellato. Después… Coldplay.

Taking Tiger Mountain es el segundo disco de Eno como solista, sale en el '74 a través del sello Island, es el que viene después del histórico Here Come the Warm Jets y antes del también mítico Another Green World. Por algún extraño motivo es considerado un disco menor, no es tan recordado y algo de injusticia hay en el asunto. Acá pasa de todo. Hay audacia en estas canciones, si es que se les puede llamar así, la continuación de una idea al respecto de la forma de hacer música, de encarar un proyecto, de cómo producir, grabar, tocar y arreglar. Pocas personas tenían ideas tan definidas y estudiadas, más allá de si el resultado te convence o no, nadie puede negar que Eno fue un conceptualizador, un hombre con tomas de partido, dispuesto a defender con uñas y dientes sus decisiones, muchas veces polémicas.

Volviendo al contenido, “The Great Pretender”… ¿Qué sería? Música de detectives de algún planeta distante, la banda sonora de un alunizaje en una galaxia vecina. Es ciencia ficción que no deja de ser terrenal, es una atmósfera enrarecida y hay una búsqueda. ¿Cuantos años está adelantado "Third Uncle"? ¿A cuantos influyó? Joy Division, Magazine, The Feelies, la lista podría seguir un largo rato. Acá todavía se tomaba la molestia de hacer letras, cosa que continuó hasta su quinto LP de estudio, el fundamental Before and After Science. De ahí en más… ¡Al infinito y más allá!







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Brian Eno - Ambient 1: Music for Airports
Eno & Cluster - ídem [1er. LP - 1977]
Fripp & Eno - (No Pussyfooting)

5 Canciones 5: Cerrone, Nick Lowe, Jerry Garcia, Sly and the Family Stone y The Blue Aeroplanes

Supernature
Cerrone

Baterista, productor y arreglador. Algo así como el Giorgio Moroder francés. Con "Supernature" la rompió. Qué distinta que es la música disco europea con respecto a la yanqui. Acá hay una cosa medio sórdida, no podría explicarlo, me vienen a la mente escenas de sexo, drogas, reviente extremo. Musicalmente tiene cosas interesantes, hay un par de ideas dando vueltas, una especie de puente y el motivo de sinterizadores con que empieza es irresistible.

Aparece originalmente en: Cerrone 3 - Supernature (1977)

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High On a Hilltop
Nick Lowe

Tema diferente, evocativo. Recién al minuto entra el ritmo, la batería, digamos. Y ahí empieza la sorpresa, el crescendo, inesperado. Primero es un amague pero cuando viene la repetición, después de un solo de guitarra hermoso ahi sí, a volar se ha dicho. Decálogo de cómo hacer una mini-sinfonía en tres minutos. Este es el disco que viene después de The Impossible Bird, uno de esos que cambian una carrera, se ve que Nick Lowe tenía su confianza renovada.

Aparece originalmente en: Dig My Mood (1998)

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Señor (Tales of Yankee Power)
Jerry Garcia

Podría escribir largo y tendido sobre este temazo, original del gran Oh Mercy. La voz de García me encanta, siempre me gustó, nasal, no del todo afinada, relajadísimo, diferente. Ni hablar de su hermoso, celestial solo de guitarra. Siempre fué un gran fan de Dylan, en el libro (Crónicas, Vol. 1) cuenta que los Dead le pedían temas oscurísimos, olvidados, claramente maravillados de compartir con His Bobness. Si no viste la película y te gusta Dylan, estás cometiendo un grave error. Por suerte es uno de esos que se pueden arreglar muy fácil.

Aparece originalmente en: Masked And Anonymous [OST] (2003)

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Skin I'm In
Sly and the Family Stone

El último gran disco de Sly Stone, antes del descenso al infierno. ¿Cómo hizo para salir vivo de la vorágine de There's a Riot...? Supuestamente las sesiones para el disco anterior a este fueron caóticas, se escucha en cada surco. Fresh es un disco más liviano, más amable si se quiere. Esto algunos lo pueden llamar funk, otros R&B pero es un género propio, no se parece a nada. Sly and the Family Stone: únicos.

Aparece originalmente en: Fresh (1973)

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Growing Up, Growing Down
The Blue Aeroplanes

No hay melodía y sin embargo te atrapa desde el principio. Con esa suerte de rap con carraspera de tabaco. Claro, en el pre-estribillo ya hay unos coros muy pegadizos. La voz de Gerard Langley es como la de Lou Reed, te hace querer prestar atención, conocer la historia, ver de qué va el asunto. Y cuando llega la parte de "voy a hablar con vos si puedo. Si puedo. Y después vos vas a poder hablar conmigo" estás ahí, pegado, para siempre. Ellos lo saben porque al final lo repiten mil veces.

Aparece originalmente en: Friendloverplane 2 [Up In a Down World] (1992)

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Ozzy Osbourne - No More Tears

Acá va una teoría: a Ozzy siempre le hicieron los discos. ¿Qué quiere decir esto? Su participación siempre se limitó a cantar. Y a poner su nombre, claro. Componer, arreglar, eso va a parar a manos de colaboradores, productores, gente de la que se rodeó para suplir o disimular sus carencias. Por ejemplo en Black Sabbath, en “Iron Man”, hay un riff impresionante de Tony Iommi, malvado y simple pero super efectivo. Ahí Ozzy se limita a hacer exactamente lo mismo que la guitarra. ¿No se le ocurrió otra idea? El resto de la banda lo dejó hacer, enloquecidos ante el hecho de grabar ese temazo. Son teorías, a lo mejor le dijeron que haga eso. Más adelante, cuando su mujer lo rescató del reviente triste en el que se había zambullido, lo tuvo a Randy Rhoads, un as en la manga. Fue el Mick Ronson de Ozzy y más. Seguramente más. Era un tipo con conocimientos de teoría musical y metía mano en todo, hasta en decirle en qué tonalidad le convenía cantar los temas. En Blizzard of Ozz y Diary of a Madman todo los miembros comparten los créditos de composición y hay olor a injusticia ahí, a gato encerrado. ¿Influye todo esto en la valoración de Ozzy como artista? Hasta cierto punto. Molesta un poco, sobre todo en un género en que la autenticidad es importante. Los discos son buenísimos, eso está fuera de discusión.

Acá ya había pasado de todo, se había cansado de vender y la fórmula necesitaba un poco de aire fresco, también para adaptarse a los tiempos. Empezaba la década del noventa y No More Tears fue lo que necesitaban. Otro sonido, otro tipo de temas, unas baladas extraordinarias y unas guitarras asesinas. Este es el segundo con Zakk Wylde, que había entrado en No Rest for the Wicked, el anterior. Otro al que Sharon le debe al menos cuatro mansiones. Pensé que eran dos pero con una gugleada comprobé que Lemmy figura en los créditos de cuatro temas. Cuatro puntos altísimos del disco. Siempre dijo que hizo más plata con esto que con toda la carrera de su banda eterna. Acá aparece por primera vez “Hellraiser”, que más tarde grabaría Motörhead en March or Die, al año siguiente. Un estribillo inolvidable, unas estrofas de no creer, un acierto categórico. Una de las grandes baladas de Ozzy es “Mama, I’m Coming Home”, podría haber salido en cualquier década y funcionar igual. La parte del puente, aquello de “and I don’t care about the sunshine…” es el momento por excelencia de Mr. Osbourne solista. El principio no se puede creer, acá queda claro todo. Las intenciones del disco, que esto era otra cosa, es “Mr. Tinkertrain”, con la temática del acosador, el fantasma más temido, Ozzy lo canta como los dioses y las guitarras… te fusilan. Lo que sería el lado B para mi gusto cae un poco si comparamos, igual de ninguna manera son temas malos, están bien hechos y coinciden sin problemas con el concepto que plantea No More Tears.

Después de acá vino el cuesta abajo, con discos aceptables, cumplidores pero ya no esenciales, como este o los dos primeros. Ni hablar de lo que pasó con ese show patético de televisión, en donde el gigantesco Príncipe de las Tinieblas fue expuesto de manera patética, innecesaria. Hoy todavía sigue, poniendo el nombre, todos saben que en vivo medio que dá lástima. Gene Simmons una vez dijo que cuando ellos no estén KISS va a seguir, aunque sea con muñecos. Acá ya está pasando.







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Ozzy Osbourne - The Ultimate Sin
Van Halen - Fair Warning
Quiet Riot - Metal Health

Video de la Semana: The Mountain Goats - Cry for Judas

Cantantes / compositores que ofrecen su corazón sin miedo, sin temor a que los juzguen: Neil Young, Dennis Wilson... no sé, no se me ocurren muchos, para ser sincero.

Este es uno, seguro. John Darnielle de los Mountain Goats. Te das cuenta de que tiene el alma rota, que pasó por cosas feas, que vivió, en definitiva. Temazo de Transcendental Youth, disco número catorce, del 2012.

5 Canciones 5: Iggy Pop, Jade Warrior, Ultrasound, The Temptations y Steppenwolf

Vulture
Iggy Pop

Me costó "comprar" con este disco. Igual puntos para La Iguana por seguir sonando relevante en pleno siglo veintiuno. Es innegable, Post Pop Depression es valioso. Guitarra acústica, Iggy en lo más bajo de su registro, cuando entra la banda es una cosa rarísima, atmosférica, climática. El buitre del título (vulture) es él mismo, me atrevo a asegurarlo. Puntos por dejarse ayudar por el colorado de Queens of the Stone Age, en este tema la producción es un acierto rotundo.

Aparece originalmente en: Post Pop Depression (2016)

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Land of the Warrior
Jade Warrior

Brusco cambio de diracción para Jade Warrior, una de las grandes bandas semi-olvidadas del prog-rock de la era de oro del género. Esto no tiene nada que ver con lo que habían hecho en discazos como Last Autumn's Dream o Floating World. Esto sería música para que te hagan masajes, de la buena, no de la irritante e intrascendente. Acá si prestás atención están pasando cosas a nivel musical. Tiene un poco que ver con el Japan de Tin Drum y esa guitarrita ahí de fondo haciendo ruido y mugre está buenísima.

Aparece originalmente en: Kites (1976)

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Everything Picture
Ultrasound

Parece uno de esos temas medio depresivos de Radiohead. Parece. Después nada que ver. En su momento de apogeo hicieron un sólo LP... ¡pero qué disco! Mucho después hubo una secuela, más de diez años tardaron en sacarlo a la luz. Tiene muchas de las cosas que detesto de cierto música inglesa, de todas maneras nadie puede negar que los tipos tenían agallas. Más de veinte minutos dura esto. ¿Se podría haber acortado? Seguro. Recién a los cinco minutos estalla. El primer estallido de varios. Épico.

Aparece originalmente en: Everything Picture (1999)

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You've Got My Soul On Fire
The Temptations

Para el '73, el año en que sale este disco, los Temptations eran expertos, la tenían clarísima. Tenían un carrerón, habían pasado por absolutamente todo. Cambios de integrantes (una especialidad de la casa) exploraciones musicales, evolución, adaptarse a los cambios, etcétera. Y acá se mandan un funk rabioso, mala onda, calentón, con un gran Dennis Edwards en la voz líder. Temazo.

Aparece originalmente en: 1990 (1973)

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What Would You Do (If I Did That to You)
Steppenwolf

¡Qué discazo Monster por favor! Si me preguntan cúal es el legado de Steppenwolf, no es ni "Born to Be Wild" ni "Magic Carpet Ride". Es Monster, el disco que contine este temazo. Parece uno de los temas que cantaba Eric Burdon con WAR, con un claro aire soul, funk, R&B. El baterista lleva un groove descomunal y el hammond no se queda atrás. Atención con la coda, en el último minuto, en donde meten un cambio que queda buenísimo.

Aparece originalmente en: Monster (1971)

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5 Tapas 5: con "chiste"

Con: George Thorogood, Zappa, Supertramp, Lost and Found y Pansy Division.

Big Dipper - Craps

La gloriosa década del noventa. Los que la vivimos jamás la olvidaremos. Te comprabas un disco, para empezar tenías que ahorrar para llegar a la cantidad, después tenías que esperar y ahí era donde la ansiedad te carcomía los sesos. Llegaba el disco y te ibas corriendo a tu casa a ponerlo, terminaba y volvías a ponerlo. Te enterabas a través de alguna revista o un amigo, conocer la discografía de una banda era toda una proeza y la gente recorría distancias para obtener cosas como información, un poster o lo que sea. Y fue la última década en que el formato físico importó. Era eso o nada. Hoy sé que está lleno de bandas que graban y se conforman con subirlo a Internet. También tengo entendido que algunos ni siquiera se molestan en grabar, no les interesa. Es comprensible.

Era una época en que había una división muy marcada entre quienes jugaban en primera, los que estaban en ligas menores y las bandas más chicas. Si estabas en un sello grande, en una multinacional, era que ya la habías pegado. Si eso todavía no había pasado, te iban a hacer dar el salto, con mucha plata invertida en promoción, rotación en radios, etcétera. Hoy todo es más difuso, todavía existen sellos pero son una cosa muy minoritaria, gente como Jagjaguwar, Yep Rock o Sub Pop siguen firmando artistas nuevos, que nunca salen de un gueto muy chico, de la gente que anda buscando lo que es nuevo, el gran público ni se entera. Ellos van a ver a Coldplay creyendo que es lo más de lo más en música moderna, actual o como te guste llamarlo.

Los Big Dipper eran de Boston, tenían integrantes que venían de Vulcano Suns y The Embarrasment, se las arreglaron para grabar cuatro discos (si sumamos el EP Boo-Boo, del '87) en su época de apogeo, los tres primeros para Homestead Records, quienes en su momento sacaron música de Giant Sand, Sebadoh y The Chills (por nombrar sólo a algunos) y en el cuarto van a parar a Epic, en donde seguramente… salió todo mal. El chiste de ellos era que mezclaban cosas raras desde lo musical con melodías pegadizas, muy trabajadas. Una ensalada de pop combinada con una tendencia artística, más voladora si se quiere. Craps sale en el '88 y suena por lo menos cinco o seis años adelantado a su época, hasta se pueden rastrear cosas del grunge, que todavía estaba en pañales a fines de los ochenta. En “The Insane Girl” hay cosas de The Police, sobre todo la voz super aguda, también hay punk rock, hardcore y el pop filoso y aventurero del R.E.M. de la etapa en IRS, “Semjasé” bien podría ser un tema de Document.

Es un disco que no le va a cambiar la vida a nadie, que no tiene grandes adelantos ni aportes significativos. Muchos no necesitamos nada de eso para aceptar o incorporar algo nuevo. Con que esté bien hecho estamos mas que conformes. Y acá, además, hay ideas de sobra.







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