Lou Reed - Sally Can't Dance

Hay tantos motivos para amarlo como para odiarlo. En las entrevistas siempre se comportó como un bastardo, maltratando a todo el mundo y es el rey de el auto-elogio. Siempre supo venderse de manera muy hábil aunque también ha estado al borde de la parodia, de ser fagocitado por su propio personaje. Muchas veces ha hecho movimientos inesperados que son para masoquistas; el disco doble de acoples Metal Machine Music, que increíblemente tiene sus defensores, la bazofia indescriptible con Metallica o instrascendencias como Mistrial o The Raven. Pero es un héroe y lo queremos por sus aciertos, que son muchos y superan con creces a sus deslices.

Sally Can’t Dance es uno de esos discos que podrían entrar en la categoría de “discutibles”, es de la época en que Lou Reed hacía un simulacro de inyectarse heroína en el escenario, asomándose al bochorno, tenía que hacer algo distinto a Berlin, una obra maestra que había vendido mucho menos que Transformer, el disco que lo transformó en una estrella. Con el toque de Midas de Bowie, no hay que olvidarse. Es discutible porque no hay un concepto claro que unifique las canciones, no hay un sonido distintivo y Lou Reed más de una vez se encargó de negarlo, aclarando que lo único que había hecho fue grabar las canciones sin demasiado interés y dejar todo el resto al productor.

Es defendible por que lo que hizo Steve Katz fue hacer un disco moderno en todo sentido, hacer más o menos lo que sonaba en aquel entonces, a mediados de los setenta y lo que hizo es muy decente. Puede cuestionarse desde el lugar de pseudo-punkito al que le molesta que está super bien tocado y arreglado como ningún otro disco de Lou Reed. Escuchar el final de “N.Y. Stars” con ese torbellino de guitarras al mejor estilo Mott the Hoople es escuchar un disco de rock and roll hecho y derecho, anterior al punk, con todo lo bueno y lo malo que eso implica. Cualquier disco que tenga “Kill Your Sons” no puede fallar, una de esas canciones inmortales, la canta con cierto desgano pero este es el exorcismo de Lou Reed, quien supuestamente fue sometido a terapia de electro-shock por sus padres, para “curarlo” de su sospechada homosexualidad. Un tema enorme, desde donde se lo mire u oiga. “Ennui” es una balada de piano al estilo de lo que hacía Elton John, antes de perder cualquier tipo de credibilidad y es por estas cosas que el disco no les gusta a los naricita parada de siempre.

Desde el punto de vista estrictamente musical y a nivel sonido Sally Can’t Dance es uno de los grandes discos de Lou Reed, un poco a la sombra de otras obras maestras con más “chapa” alternativa. Algo que a cierta edad a uno deja de importarle, por suerte.







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The Velvet Underground - Loaded

Hace unos cuantos años Velvet Underground era una banda de culto. Hoy, con todo el asunto de Internet y el avance de las comunicaciones, cualquiera con un poquito apenas de onda sabe más o menos quienes son. Muchos pueden identificar la tapa del disco de la banana, saben que la hizo Warhol y unos cuantos hasta lo han escuchado de principio a fin. ¿Y el resto de los discos? Bien, gracias.

También es culpa del desoncertante eclecticismo de la banda, después de ese primer trabajo con Nico, arty, sádico, controvertido e indiscutible viene White Light/White Heat que es un disco difícil, sucio, lleno de distorsión. Casi en seguida sigue el tercero, The Velvet Underground, que marca otro golpe de timón; esta vez son cancioncillas muy simples, despojadas, casi de fogón podría decirse. Después se van del sello Verve y pasan a Atlantic y ahí es cuando había que pegarla, cuando había que “pasar las grandes ligas”.

Ahora estaba Doug Yule, el gran borrado de la historia del grupo, reemplazando a John Cale, que para Loaded era un miembro importante, hasta hace la voz líder en cuatro de las canciones. Es bueno recordar que, antes de Velvet Underground, Lou Reed había trabajado como compositor de canciones por encargo en Brill Building, de manera que ya sabía varios trucos y diseñó Loaded como un disco en donde todos los temas podían ser hits potenciales, usando los estilos que podían llegar a ser comerciales.

Y sí, Loaded está repleto de hits, empieza con "Who Loves the Sun" que bien podría haber sido de los Hollies o cualquiera de los grupos de la costa oeste de los Estados Unidos. En seguida vienen dos de las canciones más memorables del inmenso catálogo de Lou Reed, nada menos que "Sweet Jane" y "Rock & Roll", dos temas enormes. ¿Qué se puede aportar a todo lo que ya se ha dicho sobre estas dos joyas? No mucho. Uno de los “tapados” de Loaded es "New Age", una de esas grandes canciones que tiene todo lo que hay que tener. A pedido del presidente de Atlantic, Ahmet Ertegun, Reed “levantó la pata del acelerador” en lo que a contenido lírico se refiere y le cambió la letra a último momento; primero trataba sobre una puta caída en desgracia y terminó siendo la historia de una aspirante a estrella de Hollywood. La voz corre por cuenta de Doug Yule y acá se luce. "Lonesome Cowboy Bill" es un rock and roll para agarrar la ruta al mejor estilo Creedence y en "Head Held High" Lou Reed se deja las amígdalas a puro corazón. Para el final, a modo de broche de oro, otra obra maestra: "Oh! Sweet Nothing". Es uno de esos mantras repetitivos como "Sympathy for the Devil" o el mismo "Like a Rolling Stone" con sus momentos de reposo y sus climas de intensidad.

Casi no hace falta recordar que Loaded fracasó estrepitosamente y nunca fue el gran vendedor que pretendió ser. Lou Reed abandonó la banda sobre el final de las grabaciones para dedicarse a su carrera solista (que tardó bastante en despegar) y la banda quedó en manos del manager Steve Sesnick y Doug Yule. Tuvieron la osadía de grabar un disco que solo sirvió para darle el nombre al grupo new wave Squeeze (¡Con Ian Paice de Deep Purple en la batería!). Uno de los tantos continuadores de todo lo que empezó Velvet Underground.








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5 Canciones 5: Lou Reed

Intro / Sweet Jane

¡Traición! ¿Lou Reed a los estadios, pintarrajeado y amigote de Bowie? ¿Y haciendo una versión casi prog-rock de uno de los temas más queridos de Velvet Underground? Sí, también se la dejamos pasar a esta. ¿Por qué? Porque funciona y perfectamente. Recién a los tres minutos empieza el riff (¡y qué riff por Dios y Mefisto!) y el público estalla agradecido. Uno de esos discos en vivo que tiene casi tantos admiradores como detractores.

Aparece originalmente en: Rock 'n' Roll Animal (1974)

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She's My Best Friend

Tremendo temazo. Casi nunca lo tocó en vivo y no tiene una de esas letras provocativas tan características del estilo Lou Reed. Pero ostenta un laburo en las seis cuerdas impresionante, la intro de bajo es hermosa y tiene no uno sino dos estallidos guitarreros, de esos que te hacen esperar que llegue el momento y que el tema no termine nunca. Y pensar que este es el disco que viene inmediatamente después del insoportable Metal Machine Music.

Aparece originalmente en: Coney Island Baby (1976)

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Waves of Fear

Esta supuestamente habla de abstinencia. Puede ser que sea cierto. La desesperación y la ansiedad que transmite su manera de cantar acá es simplemente escalofriante. Es claro que se está esforzando por llegar a algunas de las notas, pero si esto no es blood on the tracks... "olas de miedo, me odio a mi mismo, ya se donde debo estar, debo estar en el infierno". El bajo de Fernando Saunders es una demostración de virtuosismo bien entendido. Este es uno de esos temas que sirven para convencer a algún incrédulo.

Aparece originalmente en: The Blue Mask (1982)

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Ride Into the Sun

Los fanáticos en serio de Velvet Underground no se bancan este disco. Saben que las versiones de descartes de su ex-banda, están mucho mejor en el disco VU, que salió recién en el '85. Pero esta no, esta no está ahí, así que la escuchás en su debut solista o no la escuchás de ninguna manera. Una melodía vocal bastante complicada y unos juegos de guitarras hacen de esta una verdadera joya oculta. 

Aparece originalmente en: Lou Reed (1972)

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Big Sky

Los que le perdieron la fé al viejo gruñón y los que no se bancaron la hora y pico que dura Ecstasy, se pierden una de las canciones enormes de su catálogo. El muy turro la pone justo al final del disco. A la hora de hacer esas listas que tanto amamos -y odiamos- esta hay que incluirla en el apartado "canciones que cuestionan a la religión organizada". Y debería estar muy arriba en el ranking. Lou Reed está viejo y más sabio, no condena, no juzga, no predica pero sabe que ya es tiempo de hacerse un par de preguntas. Si encima la canción tiene una buena melodía y una guitarras espectaculares... imposible no sacarse el sombrero. Temazo en serio.

Aparece originalmente en: Ecstasy (2000)

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The Velvet Underground - VU

Hay una anécdota que cuenta uno de los miembros de Rocket from the Tombs, mítica banda de mediados de los setenta, aportó integrantes para los futuros Dead Boys y Pere Ubu. Al parecer en Cleveland, en aquellos años, si ibas a un bar y había una banda tocando, era muy probable escuchar una versión de “Foggy Notion”, uno de los temas de este disco. ¿Cómo? VU no había salido todavía, pero ese era el nivel de fanatismo que provocaba Velvet Underground en ciertos círculos de freaks y marcianos musicales. Los habrían visto en vivo o tendrían los bootlegs, probablemente.

Como dijo alguna vez David Byrne, de los Talking Heads; “… nadie compró el primer disco de Velvet Underground, pero los que sí lo hicieron formaron bandas”. Sencillo y definitivo. Sigue siendo más o menos así hoy en día, si están hablando de los neoyorquinos, es muy probable que los participantes sean músicos, gente que toca un instrumento o algo parecido.

Las canciones que conforman VU son de sesiones que se hicieron a lo largo del ’69, iban a formar parte del cuarto disco, el que tendría que haber venido después del homónimo, el primero sin John Cale. En el medio los echaron del sello y las canciones quedaron ahí, se descartaron. Un vistazo a la lista de temas revela que varios fueron usados por Lou Reed en sus discos como solista; “I Can’t Stand It”, “Lisa Says” y “Ocean” salen regrabadas en su primer LP, el malogrado Lou Reed del ’72, un disco con mala fama, un tanto inmerecida, para mi gusto. “Andy’s Chest” sale en Transformer, “Stephanie Says” con otro nombre (“Caroline Says II”) en Berlin y “She’s My Best Friend” se vuelve a grabar para Coney Island Baby. Eso demuestra que Lou Reed tenía aprecio por estas canciones, más allá del eterno debate -inútil- de si estas versiones son mejores que las que se hicieron más tarde.

Sí se podría decir que “Ocean”, que dura cinco minutos y tiene una cosa medio épica, bien podría haber estado en The Velvet Underground & Nico, aquel histórico debut y que la versión del disco homónimo solista de Lou Reed no tiene esa impronta voladora y cósmica. Das vuelta el LP y salta el ya mencionado “Foggy Notion”, diez años adelantado a su época, por lo menos, con esos coros de respuesta que la hacen todavía más pegadiza y canchera. La banda avanza firme, sin demasiadas florituras (por no decir ninguna) y el solo de guitarra, roñoso al máximo, es más punk que cualquier otra cosa que se haya registrado en aquellos años. Si hay gente que merece eso de “pioneros” son ellos, The Velvet Underground. Inconmensurables.







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5 Canciones 5: The The, The Wannadies, Green On Red, Man y John Cale/Lou Reed

Slow Emotion Replay
The The

"Mientras más veo, menos sé, sobre todo lo que pensé que estaba bien o mal. No me pregunten sobre guerra, religión o Dios, amor sexo o muerte porque todo el mundo sabe lo que pasa con el mundo, pero yo ni sé lo que pasa conmigo mismo". Definitivo. Filosófico. Esta joya aparece en el cuarto disco de estudio de la banda de Matt Johnson, con un agregado fundamental; Johnny Marr en las seis cuerdas, ex-The Smiths, nada menos. 

Aparece originalmente en: Dusk (1993)

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Happy
The Wannadies

Banda sueca, power pop de guitarras fuertes. Tienen un disco fundamental en Be a Girl, del '94 pero este tema está en el sexto y último LP que grabaron. No tiene nada que ver con lo que habitualmente hacían. Es un tema bajón. Bien podría ser del Blur post-resaca brit-pop. Lento y perezoso, con la voz de recién levantado. Por supuesto estalla en el estribillo pero nunca sale del todo su pozo depresivo, no se termina de sacar las lagañas. Tiene una parte instrumental muy piola con algo que parece una melódica o una flauta-piano.

Aparece originalmente en: Before & After (2002)

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Track You Down (His Master's Voice)
Green On Red

La banda que inventó lo que algunos llaman americana. Pibes que escuchaban a Dylan, Neil Young y el country clásico. Esgrimían guitarras como si fueran armas de fuego. A contramano de -casi- todo lo que pasaba en los ochenta. Los primeros cuatro o cinco discos son indispensbles y a no olvidar el EP del '85, No Free Lunch. Además fue donde aprendieron todo Dan Stuart (el compositor principal de la banda), Chuck Prophet y Chris Cacavas, todos con carreras solistas admirables. Este es uno de los tantos temazos del tercer LP de estudio de los de Tucson, Arizona.

Aparece originalmente en: The Killer Inside of Me (1987)

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Grasshopper
Man

Impresionante banda de rock progresivo oriunda de Abertawe, Swansea, en Gales. Tienen por lo menos ocho discos extraordinarios. Esta canción, atípica para lo que solía ser -y hacer- Man, bien podría ser un tema de los últimos Beatles, o esas canciones ultra melancólicas que tan bien les salían a los Badfinger. Una balada. Pero no cualquier balada. Una de corazones rotos, de alma en pena. El puente que sale a los dos minutos (aprox.) es de una belleza indescriptible. Temazo en serio.

Aparece originalmente en: Slow Motion (1974)

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Faces and Names
John Cale y Lou Reed

Esta tiene una historia personal. Fue el primer tema de Lou Reed que escuché en mi vida, a los quince años aproximadamente, como cortina de un programa de televisión que ahora no recuerdo. Lo escuché mucho antes de saber quién era Lou Reed y ni hablar de John Cale. A pesar de eso, nunca lo olvidé, a su manera tiene muchísimo gancho, con el típico recitado en vez de melodía vocal. Del disco homenaje que hicieron los dos héroes de Velvet Underground a Andy Warhol, mentor de ambos.

Aparece originalmente en: Songs for Drella (1990)

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Lou Reed - Don't Talk to Me About Work

El primero de este mes fué el Día del Trabajo. Feriado. Gracias. Me encantaría no estar dentro de este grupo, pero bueno... todo no se puede. Quizás algún día.

Lou Reed no se queja de tener que trabajar, sí reniega de la gente que habla de trabajo, que tiene conversaciones al respecto y no podría estar más de acuerdo. Un poco en joda pero, como bien sabemos, todo chiste tiene una cuota de seriedad.

"Por favor no me hablés de trabajo, estoy hasta las pelotas de mugre, con trabajo, de trabajo". Y por las dudas agrega "¿Cuántos dólares? ¿Cuántas ventas, mentiras e historias?".

Por supuesto que esto no sería nada si no fuese por la música, este es BIEN Velvet Underground, es el viejo zorro sacando pecho y haciéndose cargo de su pasado. La batería sin platillos, el ritmo firme y machacante y nuestro héroe con su forma de cantar hablando y escupiendo las sílabas. El bajo fretless de Fernando Saunders suma y mucho. Ideal para entrar al banco y, en vez de hacer la cola, reventarle un matafuegos en la cara al gerente. Primero hay que averiguar quién es.






Podés escucharla en YouTube.

Encontrala originalmente en:
Este viene después de una obra maestra, The Blue Mask, que había salido en el año anterior. Comparado con ese LP, este sería un disco menor. Tratándose de Lou Reed, eso no es un problema. Sí hizo cuatro o cinco trabajos de estudio que podrían considerarse prescindibles. Este tiene demasiados temazos como para entrar en esa categoría.
Legendary Hearts (1983)

Video de la Semana: Lou Reed - I Love You, Suzanne

EL viejo zorro estaba sobrio desde hacía unos años y se ve que quería hacer unos dolaracos. ¿Quién puede cuestionarlo? A esta altura la leyenda de Lou Reed ya estaba grabada a fuego.

Sale en el disco New Sensations, del '84.
 

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5 Canciones 5: Jaime Roos, Howe Gelb, Sexteto Mayor, Manic Street Preachers y Donovan

Expreso Horizonte
Jaime Roos

Por ahí en Internet se puede ver la mayoría de este disco, mitad en vivo y mitad en estudio. Jaime Roos vendría a ser el equivalente uruguayo a Lou Reed, son pocas las veces en que canta, lo suyo es más bien un recitado. Pero como muchos saben, esta música tiene una complejidad armónica considerable y tocarla requiere de no poca pericia técnica. Como particularidad acá hay un solo de guitarra impresionante, presentado como "camina Nicolás!" por nuestro héroe de turno, a cargo de un pibe que se llama Nicolás Ubarburu, a puro rock. 

Aparece originalmente en: Hermano te estoy hablando (2009)

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Felonious
Howe Gelb

Que el capo de Giant Sand es confeso fanático de Thelonious Monk no es novedad. "El piano se está robando licks de Lou Reed, me gustaría que fueran de Duke Ellington" dice la letra y es una verdadera declaración de principios. Después va a parar a una parte de cuerdas antes de retomar la idea principal del tema. Una buena muestra de cómo hacer que la otra sección lleve las cosas a un nivel inesperado sin que parezca que está todo pegado con cinta adhesiva. Gelb, un capo, valga la redundancia.

Aparece originalmente en: The Listener (2003)

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El día que me quieras
Sexteto Mayor

¿Otra versión del clásico de Gardel y Le Pera? ¿Hay algo que agregarle u otro enfoque? Por lo visto -y oído acá- sí. José Libertella y Luis Stazo, ambos bandoneonistas y arregladores, han sido las caras visibles de uno de los grupos de tango más exitos de la era moderna. Esto sería un instrumental que no le tiene miedo a la modernidad, al cambio. Será siempre la música de Buenos Aires.

Aparece originalmente en: Preludio nochero (1973)

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Virginia State Epileptic Colony
Manic Street Preachers

Más o menos lo mismo de siempre, con diferentes niveles de credibilidad e inspiración. Eso es lo que han venido haciendo desde que empezaron, allá lejos y hace tiempo. Una de las bandas más longevas de rock de guitarras de la era moderna. Todavía siguen en pié y en buena forma, siempre hay que prestar atención a lo que hacen porque dos por tres logran juntar una buena colección de canciones, como en este caso, en que son letras que habían quedado escritas por Richey Edwards, el integrante que desapareció, el Syd Barrett de la banda. Ellos se encargaron de convertirlas en canciones.

Aparece originalmente en: Journal for Plague Lovers (2009)

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The Music Makers
Donovan

Para Cosmic Wheels ya no estábamos en los 60s, cuando Donovan era algo así como el Duende de la generación de Acuario, un gurú alucinado o como lo quieran describir. Un tipo que, sin dudas, representa a esa década. Acá hay otro tipo de acercamiento, más adaptado a lo que pasaba en aquel entonces, en que Ziggy Stardust y Electric Warrior eran reyes y señores. Donovan se manda con unos falsettos bien altos mientras la banda va aumentando la intensidad, en medio de unas cuerdas que inducen al mareo. Temazo. ¿Su último gran disco?

Aparece originalmente en: Cosmic Wheels (1973)

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5 Canciones 5: Luke Haines

Dolls Forever

El segundo de sus discos solistas que sale por el sello Cherry Red, especializado en reediciones y héroes de culto. Otro disco conceptual, esta vez su visión imaginaria de la Nueva York de la primer mitad de los setenta. Con temas como "Lou Reed Lou Reed", "Alan Vega Says" o "Jim Carroll". Esto es una oda a la banda de David Johansen y Johnny Thunders, los New York Dolls, por supuesto. La música es cien por ciento Luke Haines.

Aparece originalmente en: New York In the '70s (2014)

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Gorgeous George

Tiene la habilidad de tomar influencias que podrían no tener nada que ver y sonar siempre como él mismo. Este tema, sacado de un disco conceptual sobre luchadores de catch (un Titanes en el Ring flemático) parece un tema de folk inglés de principios de los setenta. O uno de esos del Pink Floyd pre-Dark Side of the Moon. La letra es un delirio pero se las arregla para ser convincente y hasta conmovedor.

Aparece originalmente en: 9 1/2 Psychedelic Meditations On British Wrestling of the 1970s & Early '80s (2011)

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Marc Bolan Blues

Otro héroe pasado por el filtro romántico y mitólogico de Haines, esta vez le toca el turno al hombre detrás de otra banda legendaria, T. Rex, con un guiño evidente a "Get it On (Bang a Gong)". Como es de suponerse, tiene una vuelta de tuerca y están esos acordes que la hacen un poco menos... obvia, digamos. Rock and roll con un pié firme en el pasado pero con el sonido y la actitud del nuevo milenio.

Aparece originalmente en: Smash the System (2016)

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21_st Century Man

Quinto disco como solista, después de The Auteurs y Black Box Recorder, este es el tema que le dá título al álbum. Luke Haines debe ser el tipo con el ego más grande de los últimos treinta años, siempre contando su historia y alimentando su propio mito. Si no respondiera con canciones como esta sería apenas otro personaje detestable. Estas canciones de acero inoxidable lo convierten en un anti-héroe adorable.

Aparece originalmente en: 21_st Century Man (2010)

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Leeds United

Todo autor de canciones, sobre todo los que saben hacer himnos, desean en algún momento que una hinchada cante a coro su canción. Este sería su intento de hacer que miles de borrachos en un estadio canten al unísono. Difícil que lo consiga aunque no por falta de merecimiento. El título del disco que la contiene es típico del mundo delirante de Haines, sería algo así como "Completamente dado vuelta en el baile de la escuela de arte". Definitivo. TEMAZO.

Aparece originalmente en: Off My Rocker at the Art School Bop (2006)

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The Raveonettes - Pretty In Black

Increíble. Ya pasaron casi veinte años desde que salió este disco. ¿Cuándo pasaron? No nos dimos cuenta. Fue un abrir y cerrar de ojos. Sigo pensando que los discos de esta época son modernos. Son novedades. Sé que no es así pero me pasa eso. Sé de algunos a los que les pasa algo parecido. Todo lo que salió en los últimos veinte años no lo terminamos de incorporar, de digerir. Le pedimos mucho a la música post-fin de la industria discográfica. Sin embargo los tipos ahí están, después de Pretty In Black sacaron seis LP de estudio. Probablemente sin poder vivir de la música, o sin poder vivir de los Raveonettes. Se pueda dar clases de guitarra a pibes que van obligados por padres frustrados, eso sí.

Son de Dinamarca, y son el dúo chico / chica que se usaba bastante a principios del milenio. Sune Rose Wagner toca la guitarra y canta y Sharin Foo también hace voces y toca el bajo. Tomaron un par de decisiones y se nota. Hay una estética definida, es un grupo que viene bastante empaquetado, tienen una imagen fuerte, puede que alguno desconfíe ante los argumentos de venta de esta gente. Me pasó. Pero la música me hizo meterme los prejuicios en donde el sol no alumbra. Hacen uso de un manojo de influencias muy particular, mezclan bien. Acá te vas a encontrar con una cosa medio Jesus and Mary Chain con los grupos de chicas de los sesenta como las Shirelles o The Ronettes. Hay algo surfero, rockabilly, The Cramps, Ramones. Y por supuesto Velvet Underground. Capaz la banda de Lou Reed no les interesa para nada, pero el noventa por ciento de los grupos, y más los ruidosos, son deudores -quieran o no- de los neoyorquinos.

Hay un par de temas que se destacan mucho. “Love in a Trashcan” dice mucho ya desde el título, vamos al rescate de la basura, de lo que muchos consideran chatarra cultural. Y vamos al rescate del amor, con o sin ironía, no importa. El riff de guitarra es pegadizo al máximo y super sencillo. Después la elección de cover es muy acertada; “My Boyfriend’s Back” de The Angels, un poco más conocida por Martha & the Vandellas. ¿Chatarra? De ninguna manera. Esos “hey now, hey now” son casi una declaración de principios, es aniñado pero tiene un costado sórdido. Esa es la idea de los Raveonettes, la música entra por el lado inocente pero sabés que abajo de la alfombra hay un olor raro. “Somewhere In Texas” es el otro gran tema de un disco que se deja escuchar de principio a fin, que fluye sin problemas. Este tema es evocativo, para mirar al horizonte con la mirada perdida, es original sin dejar de sacarse el sombrero por la gente que los Raveonettes admiran. Pretty In Black se bancó el paso del tiempo. Y salió ileso.







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Buddy Holly - 20 Golden Greats
The Raveonettes - Raven In the Grave
Puerto Muerto - See You In Hell

Video de la Semana: Willie Nile - Heaven Help the Lonely

Mezcla de Stallone, Lou Reed y Springsteen, Willie Nile es más neoyorquino que los taxis amarillos con amortiguadores blandos. Esta pertenece a Places I Have Never Been, del '91.

Varios - Natural Born Killers [banda sonora de la película de Oliver Stone]

Oliver Stone. Banda sonora. Peliculón. ¿Peliculón? Tendría que volver a verla. Había un planteo interesante en esta historia. En el título mismo está la teoría; asesinos por naturaleza. Con el gran Woody Harrelson y Juliette Lewis haciendo de Mick y Mallory, una suerte de Bonnie y Clyde para la generación de MTV. La prensa se encarga de convertirlos en estrellas de cine, glorificándolos, cosa que suele suceder con los asesinos seriales en Estados Unidos. Por momentos la película abarca más de lo que en realidad aprieta, pero nadie en su sano juicio puede negar que tiene algunas escenas memorables. En todas hay música.

Apenas empieza, primer metáfora, la pareja glam / trash sale a la ruta en el descapotable (no podía ser OTRO tipo de auto) si mal no recuerdo en la escena en que se cobran sus primeras víctimas. Suena “Waiting for the Miracle” de Leonard Cohen, mientras un primerísimo plano muestra a un escorpión enorme aplastado por la rueda. ¿Matar para no ser pasados por encima? Algo así, podría ser.

Otra impresionante, highlight indiscutido, escena de escape de la prisión. Acá el director tira toda la carne al asador, no se guarda nada. Hay tiros y sangre por todos lados, bordeando la parodia, casi llegando al extremo de Tarantino en esa escena de lucha de Kill Bill. ¿Qué suena? “Rock ‘n’ Roll Nigger”, el tema más rockero de la discografía de Patti Smith. También el más cabezota y hasta podría decirse demagogo. No importa, con las imágenes queda diez mil puntos, inapelable.

Eterna favorita; cuando toman hongos y alucinan en el desierto. Cowboy Junkies. Yo los conocí por medio de esta versión, como más de uno, seguramente. “Sweet Jane” de Lou Reed, de Velvet Underground mejor dicho. Uno de los grandes temas de las inmortales The Trinity Sessions, el disco por el que todo el mundo recordará a la banda de los hermanos Timmins, para bien y para mal. Ella baila sensualmente en el capó del auto mientras el tiene un viaje cósmico psicódelico. ¡Qué buen momento para drogarse! Aunque después, como casi siempre, viene la pesadilla.

Hay un montón de temas que no me acuerdo de que suenen en la película, pero el disco está buenísimo. L7, Duanne Eddy, “You Belong to Me” de Dylan, la banda que había armado Jello Biafra con el de Ministry (Lard) y hasta un tema de Jane's Addiction con Diamada Galás. Tower Records, barba recién salida, todo esto aúlla noventas. Una era que se fue para nunca más volver. Por suerte o por desgracia, ese es otro asunto.






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Dr. John - In the Right Place

Si Lou Reed es Nueva York, Caetano es Bahía y Ray Davies Londres, entonces Mac Rebennack, más conocido como Dr. John, es Nueva Orleans. En ese punto del universo en donde la música es un cóctel explosivo de soul, música de África, blues, voodoo, música criolla y todo lo que se te venga a la mente, alguien supo entender y mezclar los géneros, supo hacerlo con categoría y conocimiento de causa.

Habían pasado varios años desde Gris Gris, aquel bombazo de rock pantanoso del infierno con el que pateó el tablero y se ganó la inmortalidad definitiva, no era un disco para intentarlo en casa, te podía explotar en la cara y quizás por eso debe haber evitado hacer lo mismo, auto-plagiarse. Estaba bien así. The Sun, Moon & Herbs y Babylon tienen un poco de esa magia negra, pero ya se veía venir por dónde iba a venir el trabajo musical de Dr. John en la década del setenta. Alguien tuvo la gran idea de juntarlo con The Meters y de esas sesiones surge su sexto LP de estudio, In the Right Place, el disco más exitoso comercialmente de su carrera.

Ayuda el hecho que de que para este disco había preparado un set de canciones impecable (“Qualified”, “Such a Night”), si a las composiciones se les suma el valioso aporte de los Meters, Allen Toussaint y demás luminarias que anduvieron dando vueltas a la hora de las sesiones, el resultado es inapelable. Seguramente no somos pocos los que conocimos “Right Place Wrong Time” por el disco Acme de Jon Spencer Blues Explosion, pero escuchar el original, encargado de abrir el disco, es otra historia, muy diferente, esto es la “cosa real”, el meollo de la cuestión. "I Been Hoodood", casi al final, es uno de los momentos cumbre; lento, demoníaco, con coros femeninos que ayudan a enrarecer la atmósfera y con el maestro rompiéndola en las teclas, siempre priorizando el clima y el trabajo en pos de la canción.

Puede que In the Right Time no sea el disco más importante o influyente de Dr. John, es un asunto para el debate eterno y son demasiados los candidatos, pero si vas a tener cuatro o cinco discos de un tipo fundamental en la historia y el desarrollo de la música del siglo veinte, a este lo vas a tener que escuchar.







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Dr. John - Locked Down

Mark Knopfler - Boom, Like That

¿Quien no conoce a Dire Straits? Yo los conocí de muy chico, sonaban por todos lados y tenía el compilado Money for Nothing -todavía lo conservo- que lo debo haber gastado. Pero después me hice el punk y los desprecié, disfrutándolos sin admitirlo del todo.

Por eso mismo Knopfler como solista me llegó muchísimo más tarde y el primer disco que tuve fue Get Lucky, cuando salió, a fines de la década pasada. Sus últimos cinco o seis discos (sobre todo el doble Privateering) me gustan más que su banda anterior, los disfruto más, me parecen más sinceros y menos atados a una época y además no cansaron a nadie con la sobreexposición. En mi etapa de DJ ponía mucho este tema, que te atrapa desde su arpegio introductorio, cancherísimo, con groove, onda, buena letra, Knopfler "cantando" casi sin abrir la boca y los licks desparramados de mi guitarrista favorito de todos los tiempos. Sí, Mark Knopfler.






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Encontrala originalmente en:
Este es el tercero de la etapa inaugurada por el excelente Sailing to Philadelphia (muy celebrado -me acuerdo- cuando apareció) y es otro gran disco. Muchos temas, varios colores musicales y el estilo completamente consolidado. Un Lou Reed para las masas (¡ja!)
Shangri-La (2004)

John Cale - Vintage Violence

Si lo conocés a John Cale por su trabajo con Velvet Underground, por ser el encargado del costado experimental de la banda, te vas a llevar una sorpresa con Vintage Violence, su primer LP como solista.
Un poco de recapitulación viene bien. Cale era el que tocaba la viola (la verdadera viola, no el sinónimo que se suele usar para referirse a la guitarra), había estudiado con el compositor de vanguardia LaMonte Young, grabó el disco de la banana y el deforme White Light / White Heat (los dos discos revolucionarios de los neoyorquinos) y fue expulsado por Lou Reed en una lucha de egos, para hacerse con el control definitivo de la banda. Sin saber bien qué hacer de su vida, se mudó a un departamento vacío en donde, según él mismo cuenta, sólo había discos de los Bee Gees en un estado de semiabandono. Vale recordar que los hermanos, por aquel entonces, andaban por el disco doble Odessa, nada que ver con la fiebre de sábado por la que todo el mundo los conoce. El galés aparentemente se enamoró de las voces dobladas, las orquestaciones suntuosas y las canciones accesibles y sencillas.

Así fue como Vintage Violence terminó siendo un disco inesperado para propios y extraños, una suerte de ejercicio de estilo, él mismo declaró que intentó hacer un álbum de canciones para aprender a hacer lo que no sabía . También puede pensarse que lo hizo para poder llevar el pan a su mesa, sí esa era la idea... no lo logró. Pero le salió bien el asunto, está repleto de canciones preciosas, el country rock melancólico de “Gideon’s Bible”, que bien podría haber estado en cualquiera de los dos primeros de The Band, la balada lacrimógena “Amsterdam”, una de las más despojadas en lo que arreglos se refiere y una obra maestra como “Big White Cloud”, recientemente versionada por Mark Lanegan. La banda que lo acompaña es la de Garland Jeffreys, quien incluso se da el gusto de firmar una de las composiciones, la encargada del cierre, “Fairweather Friend”, una de las más gancheras y accesibles de la placa.

Este el primero de una serie brillante, en donde John Cale le toma el gusto al tema de escribir canciones de tres minutos y fracción, es la etapa en el sello Island, en donde brilló como nunca pudo volver a hacerlo. En la tapa aparecía con una especie de máscara, declaró que se trataba de un intento por esconder su verdadera personalidad musical. Escuchando Vintage Violence, cuesta creerle.







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The Clash - The Cost of Living E.P.

Ellos daban siempre un poquito más. Ya por eso ocupan el lugar en el panteón que les corresponde. “Más vale arder que desvanecerse” según el Neil Young de fines de los setenta, en Rust Never Sleeps, cuando varios coincidían en ponerle un cierre definitivo a los idealismos. Se terminaba de digerir que el sueño había sido eso; un sueño. Después Kurt Cobain “cachó el bufoso” como bien dijo el gran Discépolo y citó esa misma frase en su carta de despedida, en otro acto simbólico de quiebre generacional.

En el medio pasó de todo y ahí es cuando ardió The Clash, como un sismo, una tormenta de verano, de esas que duran poco pero dejan su marca donde mires. Son cinco discos de estudio en cinco años. Porque no vamos a contar Cut the Crap, para mi gusto uno de los discos más repugnantes que escuché en mi vida, junto al engendro espantoso que parieron Metallica y Lou Reed o cualquiera de Rod Stewart desde Atlantic Crossing en adelante (*).

Si los ves en vivo, hoy se puede por suerte, gracias al túnel del tiempo que es YouTube (y lo que vamos a presenciar muy pronto) parece que los tipos tenían una noción de que estaban haciendo historia, que cada una de las decisiones que tomaban era cuestión de vida o muerte. De más está decir que no era así, pero ellos parecían creerlo, en cada foto en la que posaban, con el cigarrito para el costado y los movimientos supuestamente espontáneos en el escenario. Es show-bussiness, siempre será así y no veo que haya nada de malo. Además ellos eran como The Who, o los early KISS, en donde cada uno de los miembros era indispensable, la mitología estaba armada en tiempo real y hay que reconocer que salió bastante bien.

Lo que importa al fin y al cabo son las canciones y de eso hay para tirar para arriba con esta gente. The Cost of Living fué un EP de cuatro canciones, sale entre Give ‘em Enough Rope y London Calling, el doble, la obra maestra por la cual se ganaron un lugar al lado de quien se te ocurra. Es impresionante escuchar cómo iban cambiando. Si comparás cualquier tema de acá con los del primero (The Clash, del ‘77) es otra banda directamente.
La manera en que encaran los arreglos, el trabajo en las voces, los truquitos inteligentes en cuanto a composición... y Nicky “Topper” Headon. Confirmando aquello de que una banda es tan buena como su baterista.

Arranca con un cover, “I Fought the Law”, que muchos conocimos porque lo encajaron en la versión US del primer LP, editado dos años después en varios países del mundo y la que se conseguía más fácil en la era del reinado del CD. Mick Jones se come la cancha, los dos nuevos claramente son de su autoría, se la empezaba a jugar con acordes inesperados, con una mezcla de agresividad y dulzura que sólo él tenía en la sangre.
Acá hay tres canciones enormes, que le pelean el puesto a cualquiera de las históricas y son los tres propios; “Gates of the West”, “Groovy Times” (que incluye solo de guitarra española… ¡con cuerdas de nylon y todo!) y una versión nueva de “Capitol Radio”, que supuestamente vuelven a grabar al enterarse que el single original era caro y medio difícil de conseguir.
Ellos con esos gestos conmovían, por lo menos a mí cuando tenía veinte años, igual que cuando sale el triple Sandinista y Strummer, el verdadero Robin Hood del rock and roll, pelea con la compañía para que se venda a un precio mucho menor al costo de fabricación, sacrificando las regalías, sus derechos de autor. Hoy todo ese costado mítico, medio bolasero e incomprobable me importa muy poco. Las canciones me gustan más que nunca y eso sí que es cuestión de vida o muerte..


(*) solo por los cuatro de los Faces, sus -también- cuatro primeros LP como solista y los dos con Jeff Beck (Truth y Beck-Ola) merece el baño en bronce. Y mi silencio eterno.






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Alice Cooper - Love It to Death

Si vamos a hablar de Love It to Death no se puede dejar de lado una figura fundamental. En este disco en particular y en la carrera de Mr. Vincent Furnier en general. Se trata de Bob Ezrin, uno de los grandes productores de la historia de la música grabada. Hombre detrás de álbumes históricos como Destroyer, The Wall o Berlin, de Lou Reed. Después de dos LPs de estudio que podrían considerarse “tentativos” (Pretties for You y Easy Action) la banda se muda de la soleada California a Detroit. Se veían más afines a lo que pasaba en la ciudad de los motores, con MC5, Stooges, SRC y compañía.

Ellos querían a un productor experimentado y de renombre que no mostró interés en trabajar con la banda. El tipo les recomendó a Ezrin que, por aquel entonces, era un hippie de apenas diecinueve años. Con esa edad parece difícil de creer, el tipo ya tenía ideas y sabía lo que quería. Les recomendó definir claramente la estructura de los temas, que en vivo eran más bien abiertos, con lugar para la improvisación y los instó a ensayar por lo menos diez horas, todos los días de la semana. El resultado fue este monstruo maravilloso, el primer disco en que la Alice Cooper Band encuentra su norte, el que les daría resultados en más de un sentido.

Firman con Warner Brothers, el sello decide sacar antes “I'm Eighteen” como single, para ver qué pasaba a nivel comercial, para ir tanteando el agua. Funcionó. Ahí está el primer himno, un riff reconocible al instante, una letra corrosiva e irónica, de esas que permitían que muchos se sintieran identificados con el mensaje. Love It to Death tiene mucho más que un goleador acompañado por segundones. Lógicamente. De lo contrario no sería considerado uno de los grandes discos de estudio de Alice Cooper. Acá hay magia.

“Long Way to Go” podría ser un tema típico, pero el estribillo tiene una decisión inteligente, hay una modulación, serían acordes que no son los de la tonalidad original del tema, algo que para una banda de este estilo era relativamente nuevo. Todos los integrantes de la banda componían, todavía en estos años, se manejaban de manera relativamente democrática, pero no sería descabellado pensar que Ezrin aportó alguna que otra idea. “Long Way to Go” tiene groove… ¿sería la influencia indirecta de Motown? A principios de la década del setenta todavía estaba en su apogeo, si vivías en Detroit lo escuchabas aunque no quisieras, así que… ¿quién sabe? Y después están los que no podrían ser de otro que no sea Alice Cooper, acá son “Black Juju” y “Ballad of Dwight Fry”. Pesadillas hechas canción. Se podrían describir como los temas largos de los Doors (de quienes Alice siempre se proclamó fan) como “The End” o “When the Music Is Over” pero llevados a un nivel más extremo, medio gore, cercano al cine de terror, lo que más tarde se denominó horror rock.

De acá salen Killer, School's Out y Billion Dollar Babies, la trilogía mágica de donde todavía hoy sale la mayor parte del repertorio en vivo. Continuaciones naturales, repletos de canciones inolvidables. Dejó una huella indeleble, después de altibajos típicos de cualquier artista con una carrera de más de cincuenta años, todavía sigue en pié y en buena forma. Un grande entre los grandes.







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