Disco del Mes: Tangerine Dream - Hyperborea

Tangerine Dream
Hyperborea
1983










Virgin

Nina Simone - It Is Finished

¿Hasta qué punto es importante cuando se hace una versión? Importantísimo, fundamental. Si alguien está interpretando un tema que no le pertenece, que no es de su autoría, significa que está “endosando” al compositor. Una suerte de validación, una forma de decir “este tipo escribe unas canciones fenomenales, por eso acá estamos tocando una”. Mucha gente considera que si un artista no es autor tiene menos mérito. Depende. Sinatra, Elvis y por supuesto Nina Simone. Los dos primeros son personajes discutidos, mientras que la Gran Sacerdotisa del Soul es muy apreciada hoy en día. Tuvo su merecido revival. Quizás en su momento no llegó más lejos por su manera de manejar su carrera, por jugársela siempre a nivel ideológico y porque su vida privada era un verdadero caos.

Puede ser un detalle menor. Y lo que sí importa, que es su obra, es colosal. Hay al menos diez discos de estudio que son fantásticos, cinco -como mínimo- que son imprescindibles. Después está la discografía en vivo. En el caso de Nina Simone son álbumes que son mucho más que una excusa para vender el último LP de turno. Por un lado están los más viejos como At Newport, Nina Simone at Town Hall o At the Village Gate y por otro los de mediados de los sesenta en adelante. Momento en que las cosas cambian y el mundo ya no sería el mismo. Acá tenemos Nina Simone In Concert, como para empezar, ‘Nuff Said, Black Gold o el impresionante Emergency Ward!

Y después está It Is Finished, cuyo título funciona como un presagio. Acá los problemas ya eran demasiados, bien entrada la década del setenta, Nina Simone ya había hecho todo, se había ganado el cielo musical para siempre. Pero antes…

Exuma era el nombre artístico de Tony McKay, nacido en las Bahamas, sus cuatro o cinco primeros trabajos de estudio son increíbles. Único. Como punto de referencia se podría citar a Gris Gris de Dr. John, pero en el Caribe. Música hipnótica, un hechizo poderosísimo. Acá hay dos versiones, “Dambala” y “Obeah Woman”. Algo pasa en el medio del show, en el intervalo. Qué es lo que habrá consumido nunca lo sabremos. Lo cierto es que el ambiente cambia y es notorio, el clima se enrarece, se convierte en un ritual pagano indescriptible.

La fiesta arranca con “The Pusher”, de Steppenwolf y se puede encontrar una de las versiones definitivas del clásico de Jerry Jeff Walker “Mr. Bojangles”, una de las grandes canciones del siglo veinte. Hay un tema propio, que había sido grabado en el clásico Nina Simone Sings the Blues, es “I Want a Little Sugar In My Bowl”. It Is Finished puede no ser un punto de entrada ideal en la obra de una artista inigualable. Igualmente podés no tener idea del contexto o la parte histórica y pasarla bomba. Como suele suceder con La Gran Música.







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5 Tapas 5: Milton Glasser

Nick Cave & the Bad Seeds - The Boatman's Call

Impresionante racha la de Nick Cave. Desde su disco debut con los Bad Seeds (From Her to Eternity) hasta este, pasaron un poco más de diez años, con una productividad y un nivel dignos de asombro. Y eso que no estamos contando el período con The Birthday Party. En el medio tenemos Tender Prey, The Good Son, Henry’s Dream, Let Love In… para sacarse el sombrero. Supuestamente fue el período junkie del australiano, al parecer eso no le impidió trabajar frenéticamente.

Esta también es una colección de canciones que tienen que ver con una ruptura amorosa, con un corazón partido, todo un subgénero en la música popular, si nos ponemos a buscar ejemplos hay una cantidad considerable. Del dolor viene la inspiración. Sublimación le dicen en psicología. Es el mecanismo que encuentran el cuerpo, la mente y el alma para sacar afuera los demonios, de vomitar el veneno, lo que uno tiene adentro y está haciendo estragos. La sorpresa en The Boatman’s Call viene de la mano de la forma, las decisiones que se tomaron a la hora de grabar estos temas. Minimalismo absoluto. Baladas de piano, acompañamiento escaso, dosificado al máximo, a veces una batería con escobillas, un bajo y no mucho más. No se qué habrán hecho los Bad Seeds en las sesiones de grabación, habrán ido a tomar café al bar de la esquina, esperando a que los llamen para meter un arreglo inaudible. Es un triunfo absoluto en lo que a “tocar menos” respecta, a dejar que la canción respire y tenga lo justo y necesario, que no sobre nada.

Un ejemplo es “Lime Three Arbour”, una línea de bajo extraordinaria, con Cave sonando como nunca como cantante, se veía venir que iba a ir a parar a estos lados. Ya en Kicking Against the Pricks (el disco de covers) mostró su fanatismo por intérpretes que poco y nada tenían que ver con los referentes que tenían sus contemporáneos. Es que Nick Cave siempre fue un género propio. Sus héroes eran Scott Walker, el Elvis gordo y decadente que nadie escuchaba en aquellos años, Gene Pitney, los culebrones exagerados de Roy Orbison… estaba en otra. Siempre en su propio canal. Este es el disco que tiene “Into My Arms”, algo así como el “Let It Be” de los noventa, un verdadero himno, versionado por medio mundo todavía hoy en día. Incluso uno de los grandes temas, “People Ain’t No Good” apareció en la película de animación Shrek, validando a Nick Cave para un público al que jamás había llegado. Esto fue un antes y un después.

El siguiente fue No More Shall We Part, una suerte de saga, de continuación, bien hecha, con varios aciertos. No hizo la que muchos hubieran elegido que es optar por seguir lucrando con un éxito. En realidad sí lo hizo, a su manera. Como siempre.






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Nick Cave & Warren Ellis - The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford

5 Canciones 5: The Church, ZZ Top, The Kinks, Golden Smog y Plasticland

Antarctica
The Church

The Hypnogogue. Disco nuevo de The Church. Mucha gente se está rasgando las vestiduras por estas canciones, el concepto, la onda medio prog que tiene, etcétera. Yo todavía no me la juego, prefiero esperar a que decante. Sí encontré cuantro o cinco temazos, de esos que te enloquecen ya en la primer escucha. Cosa que no es nada fácil en estos días de empacho e indiferencia. Anteúltimo tema, disco largo, justo cuando hacía falta una canción rápida, ganchera y medio pop, llega esto. Igual ojo porque a los tres minutos aparece el vacío, el agujero negro. Temazo.

Aparece originalmente en: The Hypnogogue (2023)

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Bad Girl
ZZ Top

Eliminator. Obra maestra, desde cualquier punto de vista. La calidad de las canciones, el concepto sonoro, el cambio que sale bien y bueno... obviamente ESAS guitarras. Debe ser el disco con el sonido de guitarra más excitante de todos los tiempos. Billy Gibbons. Si hubiese grabado solamente este disco merecería igualmente la gloria eterna. Cuando entra el solo es... IMPRESIONANTE. Sabés que el tipo podría tocar el triple de lo que está haciendo y sin embargo está -claramente- laburando en pos de la canción. ¡Y cómo lo canta! Agresión, huevos, onda, sentido del humor. Inapelable.

Aparece originalmente en: Eliminator (1983)

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Get Back In the Line
The Kinks

Hubo un momento, una década más o menos, yo diría que desde Arthur hasta State of Confusion, en que Ray Davies hizo las baladas más sentidas de la historia de la música grabada. En Lola... hay nada menos que cuatro. Sí, cuatro. "This Time Tomorrow", "A Long Way from Home", "Strangers" (que es de Dave) y este. Impresionante. Hay una de Wes Anderson en que van a la India, ni me acuerdo como se llama la película, bastante mala para mi gusto. Pero tiene dos de estos temas enteros. Serían como una especie de excusa para hacer videos de sus canciones favoritas. Sólo por eso ya vale la pena verla.

Aparece originalmente en: Lola Versus Powerman and the Moneygoround, Part One (1970)

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Red Headed Stepchild
Golden Smog

"Hola oscuridad, venite, dejame prender una vela". Vaya forma de empezar. Y es un tema fiestero. Bah... mi definición de lo que sería un tema fiestero. Lo llegás a poner en el momento cumbre de un boliche, casamiento o lo que sea y no baila absolutamente nadie. Así de mal estamos. Rolling Stones, country, guitarras acústicas, desprolijidad para cantar, coros gancheros, melodía ultra-pegadiza. Tiene todo lo que tiene que tener. Golden Smog, un super-grupo, con miembros de Wilco, Soul Asylum y los Jayhawks.

Aparece originalmente en: Down By the Old Mainstream (1995)

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Magic Rocking Horse
Plasticland

¡Qué desilusión! Buscando y boludeando en Internet me entero que este, un eterno favorito, es un cover. De Pinkerton's Colours, una banda inglesa que nunca llego a grabar un LP. Igual puntos por el rescate de un tema perdido en el tiempo. Los Plasticland eran especialistas. Obsesionados por la psicodelia de segunda mitad de la década del sesenta, ya te das cuenta en la tapa y en la forma de vestirse. Como dijo David Byrne (creo que fué él) "la música pop avanza cuando alguien imita a sus héroes y lo hace mal". O a su modo, podría decirse.

Aparece originalmente en: Plasticland (1984)

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Ringo Starr - Golden Blunders

Me pregunto si alguien le habrá dicho algo del estilo "che, mirá Ringo... acá hay unos pibes que tienen una onda muy beatle, fijate incluso cómo se llama el tema". ¿Cómo le habrá llegado? Sinceramente no creo que para esta altura de su vida anduviese con las antenas paradas, escuchando las radios "left of the dial", como decían los Replacements.

Siempre hay que andar defendiéndolo al ex-batero de la banda más importante de todos los tiempos. Creo que es como en la política; depende mucho de quién es el que está enfrente. Si vale la pena o no.

La canción es increíble, ya desde su grabación original, a cargo de The Posies, son dos chicos que se cagan la vida desde el secundario para todo el resto. De ahí el título, que sería algo así como "pifies de oro", en un guiño cómplice a "Golden Slumbers" de Abbey Road. Con ese estribillo que podría repetirse ad infinitum.






Podés escucharla en YouTube.

Encontrala originalmente en:
El tiempo lleva tiempo. O también podría ser "el tiempo se apodera del tiempo". Como sea, una frase bien al estilo Ringo, famoso por acuñar oraciones y maneras de decir sin demasiado sentido, medio ridículas. En este disco hay cuatro productores, diez mil invitados, están los infaltables Tom Petty y Jeff Lyne... como suele suceder en un disco de Ringo Starr. Desde que el tiempo es tiempo, valga la redundancia.
Time Takes Time (1992)

5 Canciones 5: Hawkwind, Inspiral Carpets, Rita Lee, M. Ward y The Who

Shot Down In the Night
Hawkwind

¡Qué buena etapa esta de Hawkwind! Era la época de Quark, Strangeness and Charm, PXR5 y 25 Years On. Este último salió bajo el seudónimo Hawklords, por razones contractuales. Son discografías que te llevan una vida para recorrerlas, conocerlas y enterarte de los recovecos, los rincones menos frecuentes. Acá hay un pulso punk rock, claramente adaptándose a los tiempos que corrían, cosa que nunca fue un problema para los Lores del Espacio. El trip espacio-temporal sigue ahí, presente, ineludible.

Aparece originalmente en: Live Seventy Nine (1980)

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Keep the Circle Around
Inspiral Carpets

El teclado Farfisa es lo primero que llama la atención en el sonido de Inspiral Carpets. ¿Sabían que Noel "cejita junta" Gallagher vino a Argentina con ellos, antes de pegarla con Oasis? Hay una cosa sensible (en el mejor sentido de la palabra) en ellos también, muy a flor de piel. ¿Drogas duras? Probablemente. "This Is How It Feels to Be Lonely", del primer disco de estudio, otro ejemplo. Acá dice algo así como "podés ver en mi interior que hay algo que está cayendo".

Aparece originalmente en: Plane Crash (EP 7'' 1988)

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Agora só falta você
Rita Lee & Tutti Frutti

Murió Rita Lee, ahora empiezan a aparecer fanáticos por todos lados. No hay que preocuparse, siempre pasa. Y los que la conocíamos, de repente nos acordamos de escuchar sus discos viejos. Todos tenemos nuestra boludeces. Fruto Proibido vendría a ser algo así como el Ziggy Stardust del rock de Brasil. Está grabado, tocado y compuesto como cualquiera de los grandes discos del primer mundo, hemisferio norte o como gustes llamarle. Pero claro... es en portugués. La ex-cantante de Os Mutantes sabía muy bien lo que hacía. Y elegía muy bien sus compañías.

Aparece originalmente en: Fruto Proibido (1975)

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Stars of Leo
M. Ward

Manejando muy bien la delgada línea que divide modernidad de tradicionalismo. Balance que M. Ward maneja con maestría. A la hora de los bifes, es su gran virtud. Por un lado es una suerte de Buddy Holly moderno. Pero un tema como "Stars of Leo" nunca podría haber estado en un disco grabado en los cincuenta. En los sesenta tampoco. Ojo. Él también formó ese dúo con Zoey Deschanel... ¿se acuerdan de She & Him? Extraordinarios arreglos, podría ser un tema navideño, sin ese costado medio bobo que tienen los villancicos.

Aparece originalmente en: Hold Time (2009)

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How Many Friends
The Who

El último gran disco de los gigantescos The Who. Acá se termina un reinado histórico. Porque después viene Who Are You, que es donde se empiezan a ver las grietas. Muere Keith Moon y ahí se firma el certificado de defunción definitivo. The Who By Numbers quizás sea el disco más personal desde el punto de vista lírico. Se ve que Townshend estaba pasando por un momento de angustia, soledad y cuestionamientos. Como sea... ¡qué pedazo de canción! Cuando Daltrey grita las palabras del título es imposible no conmoverse. ¿Y qué me dicen del cierre del estribillo? Con ese contraste brusco, de la rudeza a la dulzura total. "¿Cuantos amigos tengo en realidad? ¿Que me aman, me quieren y me aceptan como soy?".

Aparece originalmente en: The Who By Numbers (1975)

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Kraftwerk - Radio-Aktivität

Empieza con unos sonidos de interferencia, de la mano de “Geigerzähler”, un minuto de duración, como para ir metiéndonos en el concepto del disco. En la que quizás sea la banda que más hincapié ha hecho en el concepto, en las ideas, en la parte estética y visual. Cuando empieza el tema que da título ahí sí, ya te das cuenta de que estamos sumergidos en el mundo futurista de Kraftwerk. Y este es un planeta que no se parece a ningún otro.

Radio-Aktivität (o Radio-Activity para el resto del mundo) es el quinto disco de estudio de los alemanes. El que viene después del famoso Autobahn, que es el momento en que finalmente encontraron el sonido, la identidad. Donde los planetas finalmente se alinearon, después de un principio de carrera interesante pero tentativo, hay que decirlo.

¿Hablamos un poco de kraut-rock? Es inevitable. Vale recordar que las bandas representativas (Can, Faust, Amon Düül II, etcétera) tenían un rechazo categórico al término. En realidad servía solamente para agrupar a artistas que venían de un mismo país, en un determinado momento. Sí compartían el deseo de hacer una música de quiebre, revolucionaria, que dejara claro que esta generación no tenía nada que ver con la que había participado del holocausto, la segunda guerra y lo que todos sabemos, lamentablemente. Había que romper con la hegemonía de la música de Estados Unidos e Inglaterra, generar algo propio, nuevo. Cada cual lo hizo a su modo, con una personalidad arrolladora.

“Radioland” es impresionante. ¿Con qué se lo puede comparar? Ni siquiera con otros temas de Kraftwerk. El nivel de oscuridad y sordidez que transmite es algo difícil de explicar con palabras. Casi no hay ritmo, son capas de sintetizadores que se entrelazan, entran, salen, algo único. Si todavía hay gente que cree que no se puede transmitir emociones a través de la música electrónica, hay que hacerle escuchar esto. Puede llegar a ser agobiante, es precisamente la idea. Radio y radioactividad. No es joda, tener miedo es la reacción natural, el futuro ya llegó y no muestra una cara amigable, más bien lo contrario. “Ätherwellen” es una cosa un poco más familiar, más típico de Kraftwerk si se quiere, a pesar de que la sensación de incomodidad, de paranoia, sigue ahí, latente.

De los discos clásicos de Kraftwerk, Radio-Aktivität es el menos “amable”, pero a la hora de la verdad es posible que sea uno de los más influyentes. No es casualidad que “Die Stimme Der Energie” suene a post-punk, anticipándose en algunos años a Magazine y los paisajes congelados de Secondhand Daylight, por citar un ejemplo. Esta es música que marcó a varios, sentó un precedente y, a pesar de los intentos, nunca volvió a igualarse.







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Video de la Semana: The Bats - North By North

Neocelandeces. Como Chris Knox, The Chills o Verlaines (por nombrar sólo a algunos), también salían por el mítico sello Flying Nun. Este tema es del primer disco de estudio, Daddy's Highway, del '87.

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5 Canciones 5: Pantera, Aníbal Troilo, Alejandro Escovedo, Françoise Hardy y Soundgarden

Suicide Note, pt. 1
Pantera

¿Una balada en una de las bandas más pesadas de todos los tiempos? Siempre pensé que las bandas de este tipo demuestran mucho cuando sacan la pata del acelerador. Black Sabbath con esos temas como "Rat Salad" o "Embryo". Y acá está la verdadera sordidez de la banda de Phil Anselmo y compañia. De más está decir que en la parte 2 se pudre todo y eso funciona muy bien dentro del disco. Esto bien podría ser un tema de Alice In Chains o los Screaming Trees.

Aparece originalmente en: The Great Southern Trendkill (1996)

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Nocturno a mi barrio
Aníbal Troilo

Acá se puede escuchar la voz de Aníbal Troilo, una excepción, una curiosidad. Supuestamente le dijo al gran Roberto Grela "acá haceme algo en Re menor que voy a recitar". Y eso fué precisamente lo que hizo. Añoranza. Tango al cien por ciento. Al parecer escribió esto mientras se reponía de una internación, una cura de sueño a la que lo habían sometido para que afloje un poco con los excesos.

Aparece originalmente en: Nocturno a mi barrio (1968)

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Velvet Guitar
Alejandro Escovedo

A Man Under the Influence, quinto disco de estudio de Escovedo. Acá no erra tiro, todas las canciones tienen algo para decir. Este es uno de los temas más rockeros. Tiene la particularidad de ser poético sin rozar siquiera lo pretencioso, el costado medio caretón en que suele caer cierta poesía. No hay artificios, escuchás y te das cuenta de que nada de esto está hecho para impresionar o para quedar bien con alguien. Al fin y al cabo es una de las grandes virtudes de este tipo. Sale del corazón.

Aparece originalmente en: A Man Under the Influence (2001)

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Le martien
Françoise Hardy

¿De dónde sale esto? Sí que es raro, sobre todo teniendo en cuenta lo que había hecho F. Hardy hasta el momento. Hay un cambio notable. Las canciones del disco las produjo el músico brasileño Tuca. Pero esto va más allá de la bossa nova tradicional. Es pop retorcido y místico. Podría relacionarse con Melody Nelson de Gainsbourg, porque tiene un concepto muy claro. Pero no, te quedás corto. Es música que está al nivel de Scott Walker, Caetano Veloso, early Roxy Music, lo que se te ocurra. Pero como está cantado en Francés...

Aparece originalmente en: Françoise Hardy [editado en varios países como La Question] (1971)

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The Day I Tried to Live
Soundgarden

Nunca le dí mucha bola a Soundgarden, aunque aprecio mucho Badmotorfinger y sé que Chris Cornell es un cantante muy bueno. De hecho ni siquiera sabía que este "The Day I Tried to Live" había sido uno de los cortes de difusión de Superunknown. El mismo que tiene "Black Hole Sun", el tema por el que serán recordados siempre, a pesar de que no es muy representativo de lo que es la banda. Este sería una cosa medio parecida pero más pesado, menos radial, por decirlo de alguna manera.

Aparece originalmente en: Superunknown (1994)

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Ratones Paranoicos - Shadow and Thunder

Para muchos los Ratones son la imitación o el calco de los Stones. Creo que la cosa va un poquito más allá. Tampoco es que esa afirmación es descabellada, hay un fanatismo religioso, muy evidente.

Si Some Girls era los Stones haciendo punk, lo de Juanse y compañía avanza un pasito en esa dureza, en esa pudrición que trajeron al mundo los Pistols y toda esa camada.

¿Una canción en inglés de una banda en donde el noventa y cinco por ciento de los temas era en castellano? Sí, porque es un temazo.
Los mismos acordes de siempre (¿o esperaban un milagro) con algún que otro truquillo. Como cuando se queda en Sol mayor en la estrofa, machacando y en el estribillo hay un La menor que podría haber sido resuelto de manera más... obvia. No digo que sea una genialidad ni nada por el estilo, pero estos detalles nimios son los que diferencian al buen rock and roll del pobre, del pedorro. Y los Ratones, en su momento eran una gran banda de rock and roll.






Este tiene video oficial en YouTube.

Encontrala originalmente en:
Cuarto disco de estudio. Acá medio que ya la habían "pegado". De hecho antes de Tómalo o déjalo ya había salido una compilación (antes del tercero!!!) que se llamó Enlace, por el temazo de Los chicos quieren rock. En Fieras... te podés encontrar con clásicos como "Cowboy", "La nave", "Ya morí" y los gastadísimos "Rock del pedazo" y "Rock de la calle".
Fieras lunáticas (1991)