2023: Disco del Año, del Mes y "del Año"

Mojave 3 - Excuses for Travellers

Acá hay un cambio de rumbo, un golpe de timón. En realidad no es tan grande como parece, mejor expliquemos un poco. Neil Halstead era un poco el capo de Slowdive, una de las bandas insignia del movimiento que algunos llamaron shoegaze, en la década del noventa. Eran bandas que tocaban con mucho volumen, temas sencillos, sin demasiadas vueltas, con miles y miles de capas de guitarras, ruido, voces y la mar en coche. El disco emblema bien podría ser Loveless, de My Bloody Valentine. Cualquiera de los tres primeros de Slowdive le podría pelear el puesto en realidad, con Souvlaki a la cabeza, que fue el que quedó como clásico con el paso del tiempo.

Slowdive hace un parate en el ’95, después de la salida de Pygmalion y ahí nomás Halstead sale al ruedo con Mojave 3 y Ask Me Tomorrow, el LP debut, en ese mismo año. El cambio en realidad tiene que ver con la ropa, con la forma en que se presentan las canciones. Capaz que se había cansado del volumen atronador y decide colgarse la acústica. Si a esto le agregas lo que tenían las de Slowdive, en realidad te quedaría una cosa muy parecida. Acá es una onda folkie, más relajada, unos porros y sentarse al lado del arroyo, con la ramita de junco colgando de la boca, para dar un lugar común más que una imagen.

Por ejemplo “Trying to Reach You” bien podría ser un tema de Harvest, de Neil Young o (y esto lo digo como un elogio) de cualquiera de los cuatro primeros de James Taylor. Es el tipo solo con la guitarra llorando, amando, pensando… viviendo en definitiva. Las canciones se toman su tiempo, acá no hay urgencias de ningún tipo, en mi “Life In Art”, una canción hermosa por donde se la mire -u oiga- los instrumentos van apareciendo de a poco, el tempo es un caracol de jardín, lentísimo, casi un bostezo. Hay gente que saldría corriendo a toda velocidad al ser expuesta a música como la de Excuses for Travellers, el tercero de Mojave 3. Sirve para un montón de cosas; los arrumacos, dejarlo bajito y leer, irte a dormir arropado, como cuando tu mamá te ponía la frazada como a vos te gustaba, una mañana soleada con mate y amigos, en el auto, lo que sea. Y también podés escucharlo sin hacer ninguna otra cosa porque está lleno de pequeños detalles sonoros y guiños de producción. No es poca cosa.

Los discos de Mojave 3 son intercambiables en el mejor sentido de la palabra, si te gustan este tipo de canciones y querés más, no querés escuchar siempre las mismas te viene bárbaro, no creo que sea indispensable tener toda la discografía, con uno o dos medio que estás bien. Son cinco álbumes de estudio. Empezá con cualquiera. Está todo bien.






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La Máquina de Hacer Pájaros - ídem [1er. LP - 1976]

Alguna vez Héctor Starc, guitarrista conocido como “La Bola de Ruido” e integrante fundamental de Aquelarre (y más tarde Tantor) decía que “el que no toca jazz es un paquete”. Declaración polémica y a la vez entendible, sobre todo para aquellos tiempos. Después se arrepintió, supuestamente. Mediados de los setenta, Miles Davis ya había hecho Bitches Brew, Di Meola y MacLaughlin eran el paradigma del guitarrista y el rock progresivo / sinfónico era el furor absoluto. La idea era llevar las cosas a un extremo, en todo sentido. A nivel ejecución, interpretación, composición, arte de tapa… todo. Después pasó lo que todos sabemos, pero en esos años se hicieron cosas increíbles. Tómalo o déjalo.

Charly García venía de Sui Generis, el dúo con Nito Mestre que fue una suerte de Simon and Garfunkel made in Argentina. Se cansaron de vender discos y convocar gente en sus conciertos. Ya para la altura del tercer y último LP, Instituciones, se veía que el viraje iba a ser grande. Ahí es cuando se forma La Máquina de Hacer Pájaros, con JL Fernández en bajo, el gran Oscar Moro en batería, Gustavo Bazterrica en guitarras, y Carlos Cutaia y el mismo García en teclados. Es la banda semi-olvidada de Charly, que en Argentina es poco menos que un prócer, musical y algo más.

Hay un sitio de internet que se llama Rate Your Music, también conocido como RYM, en donde los usuarios y melómanos del mundo entero califican y describen sus favoritos. Los dos discos de estudio de La Máquina tienen su nombre en negrita, las letras más grandes y marcadas que las comunes o normales. Eso significa que el disco tiene aprobación universal, eso sería que muchos usuarios a lo largo y ancho del planeta lo tienen en alta estima. Es simple; RYM no miente, acá no hay verso. Y es que son discos sobresalientes. Me atrevo a decir que, si esta gente hubiese grabado -y tocado- en UK o en Estados Unidos, hoy hablaríamos de ellos a la altura de Yes, King Crimson o cualquiera de los diez grandes grupos del género.

La musicalidad que tenían es impresionante, habían logrado un grado de ensamble a nivel banda que requiere de mucho; habilidad técnica, conocimientos de teoría musical, horas y horas de ensayo… esto no lo hacía cualquiera. Y tenían canciones. Algo importante. “Como mata el viento norte”, con su onda medio folky y marcada influencia de Crosby, Stills & Nash. “Por probar el vino y el agua salada”, que no hubiese estado fuera de lugar en Fragile o Close to the Edge.

Charly García tuvo el buen tino de saber adaptarse a los tiempos, cuando esto quedó medio desfasado o la hora de tocar muchísimo ya había cansado, supo cambiar a tiempo y armó Serú Girán, que también tenía cosas intrincadas pero era más accesible, más apto para todo público. Ahí vino la canonización, historia que dejamos para otra oportunidad, para la próxima.







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Sui Generis - Vida
Serú Girán - Bicicletas
Charly García - Yendo de la cama hacia el living / Pubis angelical

Video de la Semana: Willie Nelson & Keith Richards - We Had It All [live]

Estos dos ya se habían juntado a hacer este clásico, esta es de hace unos días, para el cumpleaños número noventa (90!!!!!) del gran Willie Nelson.




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5 Canciones 5: Wigwam, Eric Mercury, Mahavishnu Orchestra, Marc Almond y Diana Ross

Crisader
Wigwam

Banda de rock progresivo proveniente de un país sin demasiada tradición en lo que a exportación rockera respecta. Tienen cuatro o cinco discos buenísimos, a la altura de cualquiera de las grandes bandas. Leasé Gentle Giant, Yes, Genesis, o lo que desees. Pero claro; son de Finlandia. En su momento deben haber pasado desapercibidos con la enorme competencia -y talento- propia de aquellos años. Acá hay un guitarrista excepcional y mucha variedad musical. Lo peor que le puede pasar a un disco de prog-rock es quedar a medio camino, cosa que suele suceder. Ni cerca de ese límite están estos.

Aparece originalmente en: Being (1974)

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Don't Lose Faith In Me Lord
Eric Mercury

Soul clásico. Lo que algunos denominan southern soul o deep soul. Como sea; llamemoslé música sin fecha de vencimiento. Para entrar al estribillo, el baterista mete una especie de cambio, de segunda a cuarta velocidad, eso queda increíble en la canción, suma. Cuando termina el segundo estribillo aparece la sección de cuerdas con un motivo hermoso. Ni idea quién produjo este disco, está hecho con mucho criterio. Después de eso sí, viene el solo de guitarra. Para el deleite auditivo y, de paso, contrarrestar la andanada de música imbécil que suena por todos lados hoy en día.

Aparece originalmente en: Love Is Taking Over (1973)

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One Word
Mahavishnu Orchestra

Bueh... ¿qué decir? Mahavishnu, disco clásico cien por ciento. Entendible que haya gente a la que esto le causa rechazo. Musicalmente es impresionante, los tipos estaban en un nivel de vuelo creativo altísimo. Se puede decir que Charly y sus muchachos escuchaban mucho esto en la época de La Máquina de Hacer Pájaros. Delirio, climas, musicalidad absoluta, cambios de tempo inesperados, solo de bajo a los dos minutos (aprox.) e ideas infinitas. Se puede decir que son pretenciosos al extremo. Tenían las herramientas para serlo... y bancársela.

Aparece originalmente en: Birds of Fire (1973)

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She Took My Soul In Istambul
Marc Almond

Ex-Soft Cell y de extensa carrera solista. Este tipo siempre fué por la suya, su propio camino, he grabado al menos seis o siete discos muy valiosos y sigue en pié, en buena forma. En un intento medio inutil de describir este temazo podríamos decir que es un Nick Cave de la era Tender Prey, mucho más afinado y un poco más blando, mas pop. El arreglo arábigo de los teclados (puestos bien al frente) ayuda a contar la histora. Temazo. Las mil y una noches en formato canción.

Aparece originalmente en: The Stars We Are (1988)

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What You Gave Me
Diana Ross

No es el disco definitivo de la diva ni por asomo, pero si lo ves por ahí llevalo, tranquilo, sin dudarlo. Es una especie de compilado armado por la compañía discográfica, una ensalada. La cara A tiene temas nuevos y al darlo vuelta hay otros viejos que habían quedado afuera o algo por el estilo. Este sería de los nuevos, con una producción ultra moderna que no tiene nada que envidiarle a los discos de vanguardia de aquellos años de este género; Gloria Jones, Moroder, Broken English de Marianne Faithfull, viene por ahí la mano.

Aparece originalmente en: Ross (1978)

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Radio Birdman - It Breaks My Heart

Otra de esas bandas que quizás se vieron perjudicadas -en su momento- por entrar dentro de la gran bolsa de gatos que es el punk. Algo parecido a lo que pasa con los Ramones, Radio Birdman es una banda de rock and roll, rock de guitarras. Unas guitarras alucinantes, eso sí.

"It Breaks My Heart" es canchero a más no poder. Un tema que lo escuchás y te preguntas cómo les habrá salido, son de esos que tienen los australianos que destacan inmediatamente. "Aloha Steve and Danno", "More Fun", "Smith & Wesson Blues"... hay varios.

Ya la estrofa te captura al instante, el tema es rápido y la voz del gran Rob Younger es diferente, tiene algo inusual. Además el estribillo tampoco se parece a uno habitual, como que encaja dentro de un riff o de unos acordes inquietos. Sin embargo es pegadizo.

Como si todo esto fuera poco, incluye un par de frases memorables, cito algunas; "tres años parecían una eternidad en lo profundo del exilio, tres meses fueron apenas un día" o "cuarenta bajo cero en pleno Diciembre, disco de radio mirando al cielo, tratando de entender al remitente desconocido".






Podés escucharla en YouTube.

Encontrala originalmente en:
La discografía de los Birdman no es muy frondosa pero lo que sacaron es todo excelente. Living Eyes es el segundo LP de estudio. Después hay una larga brecha de tiempo en que la banda se separa, hay proyectos de varios integrantes (los New Christs!) y vuelven unos veinte años después con el magnífico Zeno Beach, del 2006.
Living Eyes  (1981)

5 Canciones 5: Long John Baldry, Spiritualized, The Doobie Brothers, Can y José Feliciano

Don't Try to Lay No Boogie-Woogie On the King of Rock and Roll
Long John Baldry

Si lo podemos relacionar con algo más o menos de la misma época, podría ser con cualquiera de los discos de los Faces o alguno de los cuatro primeros de Rod Stewart solista. Algo así como rock and roll acústico. Si el nombre del LP te suena es porque el tema que dá título fué versionado por Bowie nada menos que en The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. Tenía ganas de escribirlo entero ya que el título de este tema es largo también. Esto tarda tres minutos en "arrancar", pero cuando entra la banda... ¡agarrate!

Aparece originalmente en: It Ain't Easy (1971)

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Good Times
Spiritualized

Segundo LP de estudio, despúes de Spacemen 3 y antes de la pegada que fué Ladies and Gentlemen... el que le siguió este. Acreditado a Spiritualized Electric Mainline vaya uno a saber porqué, tiene todo lo que tiene que tener un gran tema de Jason Pierce y sus acólitos. Guitarras podridas, una cuota extraña de rock yanqui tradicional, voces de ultratumba sumergidas en reverb y -a lo sumo- tres o cuatro acordes. ¿Para qué más?

Aparece originalmente en: Pure Phase (1995)

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Long Train Runnin'
The Doobie Brothers

En un momento medio que "quedaba bien" burlarse de este tipo de música. Hoy no tanto, más bien al revés, esto tuvo su revancha con los años. Son los habituales vaivenes en el gusto de la gente. De la poca gente que todavía escucha música no idiotizante, vale decirlo. Esto sería el paradigma del soft-rock californiano de primer mitad de los setentas. Creo que la aceptación viene por el lado de que había grandes músicos acá, buenas composiciones y unas grabaciones impresionantes. Que no sólo han sobrevivido al paso del tiempo, esto se imita hoy en día, gente tratando de sonar así.

Aparece originalmente en: The Captain and Me (1973)

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Oh Yeah
Can

Rebeldes, revulsivos, revolucionarios. Esta gente sí que sacudió el avispero. También vale recordar que es difícil encontrar momentos para meterte en este mundo, en este laberinto sonoro cerebral. Si podés encontrar ese momento tenés garantizado un viaje a un lugar al que seguramente nunca fuiste. Hay que ver si querrás volver, acá te podés encontrar con sombras que desearías no haber visto. Damo Suzuki delirando afiebrado, la banda se queda más o menos en el molde para que los fantasmas vayan y vengan. Esto es Can en su esplendor, Tago Mago, Ege Bamyasi, Future Days... una dimensión desconocida. Que vale la pena conocer, claro.

Aparece originalmente en: Tago Mago (1971)

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Virgo
José Feliciano

No soy experto en José Feliciano ni mucho menos, pero tengo cinco o seis discos y todos son cumplidores, tienen algo para ofrecer. Este, en cambio, me pareció que está en otro nivel, este te agarra de las solapas. Es distinto. Se ve que el amigo se había zambullido de lleno en cierta música, se me vienen a la mente P-Funk, War, Johnny "Guitar" Watson, ese funk con la guitarra bien presente. Improvisado, con una clara onda de zapada, de banda grabando en vivo en el estudio. Como debe ser.

Aparece originalmente en: And the Feeling's Good (1974)

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Tom Petty - Wildflowers

“Bajo mis pies la hierba está creciendo, es momento de mover, es momento de seguir adelante”. Simple. Cortito y al pié. Nunca fue un tipo que se destacó por sus letras sin embargo tienen su encanto, su atractivo. Este disco tiene una especie de eje conceptual; es el cambio, el salir adelante, ver que hay que hacer algo para que las cosas no queden en su lugar.
No sé los detalles biográficos de la vida de Tom Petty, tampoco es que importen mucho, creo que su “disco de divorcio” es Echo, lo leí en algún lado, pero este tiene algo de eso también. Lo bueno de estos temas es que te podés relacionar con una frasecita, algo simple. Siempre tuvo esa virtud. Un título con gancho, que pueda adaptarse a las necesidades y las vidas de cualquier persona, sin demasiados rebusques intelectuales. O a lo mejor es así por decisión, después de mucho pensarlo, no es relevante. Es así y es creíble. Algo fundamental en el rock and roll. O creés o reventás. O te pasa de largo.

Por algo era amigote de tipos mayores como Dylan, Neil Young y Harrison, que no eran gente que le iba a dar bola a cualquiera. Se ganó su lugar y merecidamente. ¿Se acuerdan de los Traveling Wilburys? Inolvidables.

Nunca entendí eso de solista o con los Heartbreakers, como si el resto de la banda pudiese tomar algún tipo de decisión. Además no figuran en la tapa pero están casi todos. Sí están dos fundamentales que son Benmont Tench y el gran Mike Campbell, que son dos que siempre aportaron y mucho.

Un dato no menor; acá produce Rick Rubin, quien hacía pocos meses había resucitado la carrera de Johnny Cash con el primer volumen de sus míticos American Recordings. Hay un cambio en el sonido, un menos es más, cierta sequedad o parquedad que podríamos decir que tiene que ver con el tipo que había grabado a los Beastie Boys y a Slayer. Aunque la gloria de Wildflowers son sus canciones, como suele suceder. El rock poderoso dice presente con “You Wreck Me”, “Cabin Down Below” (ideal para la ruta) o el blusero “Honey Bee”, que bien podría haber sido un tema de AC/DC por su densidad, pesadez y la gordura hermosa de esas guitarras. No es descabellado pensar que Tom Petty nunca había ido a parar a lugares como “Only a Broken Heart”, el tema que dá título al álbum o “Time to Move On”, en donde la banda suena madura, contenida, tocando en los lugares precisos, esas cosas que suelen hacer los músicos con años de ruta encima.

Hace poco salió una reedición de Wildflowers con -atención- cinco o discos (o eran cuatro, para el caso es lo mismo) con temas que quedaron afuera, tomas descartadas y la habitual payasada orientada al coleccionista que habita un palacio residencial y tiene cuentas corrientes en algún paraíso fiscal caribeño. Más allá del precio, si quedaron afuera por algo habrá sido. Todo bien con el formato físico pero tratemos de no fomentar las pavadas.







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Tom Petty - Highway Companion

5 Tapas 5: Juan Oreste Gatti

Con: Donna Caroll, Alejandro Media y La Pesada, Crucis, Pastoral y Medina Azahara.

5 Canciones 5: The Ritchie Family, Alessi, Squeeze, Margie Joseph y Ashford & Simpson

Where Are the Men
The Ritchie Family

La tapa no podría ser más gay. La foto es casi un lugar común. El contenido es música disco de altísima factura. Como esto estaba de moda, como suele suceder, había mucha plata puesta en estas grabaciones. El sonido es impresionante. El lado B tiene un medley de tres temas que son un ejemplo claro de que no toda esta música era descartable. Una línea de bajo demoledora, fuerte, presente, irresistible. Qué bueno poner cuatro adjetivos uno atrás del otro y que nadie te rompa las pelotas.

Aparece originalmente en: Bad Reputation (1979)

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Gimme Some Lovin'
Alessi

Hace poco ví un video en YouTube en donde alguien se tomaba la molestia de diseccionar este disco. Yo lo tenía hace rato y nunca le había dado mucha pelota. Lo volví a escuchar. Está bien, no es para alquilar balcones, pero tiene lo suyo. Cover de The Spencer Davis Group, la banda en la que Steve Winwood hizo sus primeros pasos, tema omnipresente en cualquier compilado de música de los sesenta. Buena versión, llevada al palo de esta gente, algo que podría definirse como rock blando de la segunda mitad de los setenta. Ahora le dicen yacht rock, o algo así.

Aparece originalmente en: Words and Music (1979)

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In Quintessence
Squeeze

Banda difícil de encasillar, eran una especie de Beatles de la new wave, tenían mucho talento. De acá salieron Glenn Tilbrook, Paul Carrack, Chris Difford y Jools Holland. Este último famoso por su programa musical, para la época de East Side Story ya no estaba en Squeeze. Pop perfecto sería, unos XTC con menos pretensiones. El solo de guitarra está buenísimo, corto, conciso, como debe ser.

Aparece originalmente en: East Side Story (1981)

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Takin' All the Love I Can
Margie Joseph

La etiqueta con el logo del rayito (Volt) no miente. Subsidiaria del mítico Stax, tuvieron cinco o seis años en que todo lo que sacaban era de bueno para arriba. Y este discazo no es la excepción, continuación natural de un debut impecable como fué Margie Joseph Makes a New Impression... del mismo año!!! Esta gente no perdía el tiempo cuando veían que había talento. Arreglos de cuerda, producción sin escatimar nada y una cantante a la altura de Aretha, Etta James, quien se te ocurra.

Aparece originalmente en: Phase II (1971)

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Don't Cost You Nothing
Ashford & Simpson

¡Uf! Esos graves te pegan en las tripas. Qué impresionante instrumento. Cuando está bien tocado es una cosa de locos. Acá arranca el bajo solo así que te captura de entrada. A esto se le puede llamar groove, se ha imitado hasta el hartazgo y todavía hoy se sigue haciendo. A me por lo menos me pasa que, cuando escucho algo actual que viene por este lado, lo único que me provoca es ganas de ir a buscar estos discos, Curtis Mayfield, Marvin Gaye... the real thing, digamos.

Aparece originalmente en: Send It (1977)

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Video de la Semana: Van Morrison - The Healing Game

Tema que dá título al disco de estudio número veintiseis de Van the Man.

Tema que ya tocó varias veces; "Starting a New Life" en Tupelo Honey y "The Healing Has Begun" en Into the Music.




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Disco del Mes: Wilco - Cruel Country

Wilco
Cruel Country
2022










dBpm Records

5 Canciones 5: Larralde (vol. II)

Junco y barro

Canción. Vals. Poema. Chamarrita. En esta época, los discos de folclore tenían esa aclaración al lado de su título correspondiente. El género. A dónde pertenece. Por si necesitás ubicarlo dentro de tu esquema, en tu "cajita de té", tan cómoda y racional. Pensar que esto todavía existe. Melómanos que, al escuchar algo, lo primero que hacen es decir -o pensar- folkrockpunk, acidgaragelaconchadetuhermana, psych-astro-poronga. Basta muchachos.

Basta.

Por favor.

Aparece originalmente en: Cimbreando (1972)

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El viento y el roble

Acá hay algo distinto. Tonalidad menor. Comienzo medio climático. Johnny Cash y sus American Recordings más de diez años antes. Por ahí viene la mano acá. De la poesía ni hablar, el fuerte de Larralde, como todo el mundo sabe. O debería saber, en realidad. "En mi sombra se durmieron tantos años, ví llegar y ví partir más de una raza". En esta época de crisis de espíritu, una obra como la de El Pampa, es más necesaria que nunca. En realidad cualquiera que puede llegar a decir algo diferente al vendaval de gansadas que se pueden escuchar al prender la TV o ir al supermercado.

Aparece originalmente en: Al tranco manso nomás (1977)

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Sin después

En este la contratapa dice "vals". Discutible. Canzonetta napolitana. Qué maravilla, tarda en arrancar, se hace esperar. Larralde tenía no pocos recursos musicales. Y a la guitarra la dominaba más de lo que parecía. ¿O el que grababa las guitarras en sus discos no era él? No lo sé. Prefiero pensar que sí, que era él mismo. ¿Viste cuando no querés que te arruinen ciertas películas? O traducir una letra. ¿Para qué? Dejame hacer mi fantasía, a ver si todavía te la arruinan. "Todavía siento nostalgia de la ciudad". Ahí no coincido.

Aparece originalmente en: Y un porqué sin final (1975)

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Un perro muerto... nomás

El perro. Fiel compañero del gaucho en su soledad, monopolizada por un paisaje destructivo en su falta de creatividad; la llanura pampeana. Incluye extraordinaria introducción de guitarra española. Milonga. Esto es más típico, más clásico, lo que todos conocen del gran José Larralde. "Se me hizo que el pobre tenía dueño, de alguien era. Ayudando a su patrón a lidiar con las ovejas. Los perros, compañero... más de un servicio nos prestan". Impresionante la cantidad de ideas, reflexiones y cavilaciones que saca el tipo de una imagen tan simple e inmediata como ver un perro muerto tirado.

Aparece originalmente en: Cimarrón y tabaco (1971)

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Detrás del tiempo

Qué título. Poderoso. Pictórico. "Cuando la tarde incendia otra hoja en el calendario". Magnífico. Lo que todos perciben dicho de otra forma. Una resignificación. Un simbolismo. La magia indeleble de los grandes cantautores. Acá ya tenía unos cuantos años de carrera y se había puesto más filosófico, sin dejar de ser él mismo, sin abandonar su fuerte impronta. "Muero despacio, mi vieja muerte me está esperando, desde aquel día del primer llanto". Indefectible. La única certeza.

Aparece originalmente en: Del sur pa' allá (1980)

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Ramones - Pleasant Dreams

¿Cómo es eso de ordenar los discos de una banda que te gusta de menor a mayor? ¿Cómo es que se hace ese ordenamiento medio caprichoso? Simple, por la cantidad de canciones que uno aprecia. Porque pueden agradarte todas o la mayoría pero uno siempre tiene favoritas, otras que directamente pasan desapercibidas -o que zafan- y no faltan esas que se saltean descaradamente, sin ningún tipo de culpa. Los famosos temas de mierda. Los Ramones tienen unos cuantos de esos. Todos los que firma Marky, por ejemplo, menos mal que son dos o tres nomás.

En mi caso Pleasant Dreams va al número uno, es el único disco que casi no tiene temas que me desagraden o caigan mal. Sólo “All's Quiet On the Eastern Front” es uno de esos podrían no haber estado, aunque no es uno que desentona mucho o corta el fluído. Simplemente no está al nivel del resto, para mi gusto al menos.

En busca del siempre esquivo hit (que nunca llegaría) los Ramones habían grabado con Phil Spector para el anterior, End of the Century, incluso se llegaron a sacar las camperas reglamentarias para la tapa. Hasta llegaron a grabar con una orquesta para la versión de “Baby, I Love You”, que fue lo más parecido a un éxito comercial que tuvieron. Para Pleasant Dreams van todavía más lejos en cuanto a alejamiento del sonido clásico de los tres primeros LP. En realidad es una continuación lógica. Ramones siempre fue una banda con una impronta pop muy fuerte, ya en el debut estaban “I Wanna Be Your Boyfriend” y “Listen to My Heart”. Nada que ver con los Clash, Pistols o Dead Boys. Lo van a buscar a Graham Gouldman para la producción. Fue el tipo que escribía los grandes temas de los Yardbirds, una especie de gurú pop de los sesenta. “For Your Love”, “Evil Hearted You” o “Still I'm Sad” estaban a la altura de cualquier gran tema de sus contemporáneos, Beatles, Kinks, Stones, el que se te ocurra.

¿Y qué hizo para los Ramones? Bastante. Les actualiza el sonido sin sacrificar la esencia de la banda, la impronta indeleble de los neoyorquinos. Vale recordar que Dee Dee y Joey cayeron con unos temas a la altura de las circunstancias. ¿En qué tipo de mundo “She's a Sensation” no fue un super éxito? Joey Ramone brillando como nunca. “It's Not My Place (In the 9 to 5 World)” es atípico en todo sentido. Hasta se podría decir que es complejo, no tan fácil de tocar. Se puede decir que los hace sonar actuales, acercándolos al power pop, que tan en boga estaba a fines de los setenta, con bandas como The Beat, Plimsouls o Shoes. Ya de movida arranca con “We Want the Airwaves” como para que las intenciones queden claras. “Don't Go”, el eterno “The KKK Took My Baby Away”, “Come On Now” o la impresionante balada “7-11”, en donde Joey da otra clase magistral de canto e interpretación.

¿Hará falta que alguien todavía exalte las virtudes de la frondosa discografía de Ramones? Probablemente no. A esta altura… ¿A quién le importa?






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5 Canciones 5: Testament, Ten Years After, Piazzolla, Miles Davis y Jimi Hendrix

The Number Game
Testament

Para muchos metaleros Testament es una banda de esas que tienen el prestigio intacto. Nunca se ablandaron, sí fueron cambiando y probando cosas pero jamás hicieron concesiones para vender más o tener más público. El disco de estudio número doce de los californianos tiene un concepto que unifica los temas, la masonería, los poderes ocultos, algo así. No me tomé la molestia para ser honesto. Este se escucha cuando necesitás una especie de coz de burro en la cabeza. Un sacudón, energía bestial.

Aparece originalmente en: Brotherhood of the Snake (2016)

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I'd Love to Change the World
Ten Years After

Conocí este temazo muchísimo antes de haber escuchado la original. Fué por una versión más heavy que hacían Los Gusanos, una banda intrascendente que supo tener CJ Ramone. Me gustaba, me llamaba la atención y no mucho más. La de Ten Years After es una cosa de locos. Impresionante manejo de la dinámica, aquello de suave vs. fuerte o pesado. En este caso es al revés de lo que suele ser más común; estrofa poderosa que da paso a un estribillo flotante, psicodélico. ¡Ah sí! Y eso de "me encantaría cambiar el mundo pero no se qué hacer" es imbatible.

Aparece originalmente en: A Space In Time (1971)

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Violentango
Astor Piazzolla

Siempre pienso que los tipos que saben mucho de teoría musical se deben hacer una fiesta con Piazzolla. Debe estar llena de "chistes para entendidos". Juegos con la métrica, desafíos armónicos y melódicos, ese tipo de cosas. También tiene la virtud de que es muy "pictórico" por decirlo de algún modo, evocativo. Te lleva a cierto lugar. En este temazo de uno de sus tantos discos clásicos hay batería, bien podría ser jazz-rock, una mezcla total, nueva, valiente. Don Astor estaba loco con el rock progresivo en aquellos años, que fueron dorados para el género.

Aparece originalmente en: Libertango (1975)

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Mesqualero
Miles Davis

Este disco está entre dos importantes; Miles Smiles y Nefertiti y es el tercero de los seis que grabó con este quinteto. Este es el único tema de la placa que alguna vez fué tocado en vivo, de Wayne Shorter. Un dato menor que habla de la generosidad de Miles Davis como líder de banda. Y su olfato para detectar lo que valía la pena. Parece que no tiene un ritmo definido o una estructura, avanza de una manera rarísima. Los músicos están en un estado de trance evidente. Flotando, tocando a veinte centímetros del suelo. Trascendental.

Aparece originalmente en: Sorcerer (1967)

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Bold as Love
Jimi Hendrix

Clásico. Super clásico. De todas maneras no es de lo diez o veinte temas que se te vienen a la cabeza a la hora de hablar de Hendrix. Hay un momento en el tema en que se detiene y sabés que va a venir un cambio, algo grande. Y por supuesto eso es lo que sucede. Ahí es cuando el tipo pela un solo de guitarra que no es de este mundo. Deforme, psicodélico, desafiando cuestiones como la técnica o la forma en que se debería tocar la guitarra. Lo más grande de Hendrix como guitarrista es que, en los primeros tres discos, hacía lo suyo dentro de canciones. Detalle clave, definitivo.

Aparece originalmente en: Axis: Bold As Love (1967)

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The Sonics - Boom

Banda mítica, de culto. Oriundos de Tacoma, Washington, en la costa oeste de Estados Unidos. Hacían este rock crudo, básico y a lo bestia cuando el mundo estaba a punto de cambiar para siempre. De Dylan, los Beatles y el folk rock parecen no haberse ni siquiera enterado. Ellos recogen directamente el guante de los dos primeros discos de Little Richard, que para este entonces ya tenían diez años.

Algunos los llaman los primeros punks. Debatible. Otros le ponen ese mote a Jerry Lee Lewis, si te ponés muy exigente puede ser Beethoven. No importa. Sí es cierto que esta gente iba al hueso, dejando de lado cualquier tipo de sutileza. Haber presenciado un concierto de ellos debe haber sido una experiencia única. La gente… ¿bailaría? Los gritos del cantante deben haber asustado a más de uno. Sonaban como tipos duros, probablemente lo eran o mejor imaginarlos así. No te los querrías cruzar en un callejón desolado.

Boom es el segundo disco de estudio y sale al año siguiente de Here Are the Sonics, el inolvidable debut. Por decirlo en pocas palabras es exactamente lo mismo, es un calco, una reproducción. El mismo tipo de canciones, idéntica dinámica, producción, etcétera. ¿Le quita algún mérito? En este caso se podría decir que no, si lo hubiesen hecho cinco veces ahí sí, el chiste pasa de divertido a pesado, sin escalas.

Hay una diferencia grande entre los originales y las versiones. Es otra cosa. Los temas de ellos son algo incomparable. En el primero eran “The Witch”, “Psycho” y el inoxidable “Strychnine” ('a algunos les gusta el agua, a otros el vino, a mi me gusta el sabor de la estricnina sin hielo') y acá salen con cuatro propios. Uno más que en el anterior. En esos temas hay una cuota de maldad, sadismo, es difícil describirlo. Ya desde la estructura y los cambios de acordes. No tienen mucho que ver con los covers que hacían, esos con los que llenaban los álbumes. Que también están buenísimos, hay que decirlo. Acá agarran “Hitch Hike” de Marvin Gaye y lo llevan al tren fantasma, lo mismo pasa con el inmortal “Let the Good Times Roll”, el imperecedero de Louis Jordan, interpretado por… medio mundo.

Acá arrancan con “Cinderella”, equivalente en más de un sentido a “The Witch”, que abría el juego en el primero, para seguir con “Don't Be Afraid of the Dark”, relativamente liviano a pesar de su título. ¿Querés violencia? Poné “He's Waiting”, con un riff medio parecido a “You Really Got Me” de los Kinks, que había salido un poco antes. Aunque acá la onda no es amable, todo lo contrario. Esto anticipa el rock que se haría diez años más tarde y que algunos creen que salió con The Hives, a principios de este siglo. Lo habían inventado los Sonics, probablemente sin planteárselo.







Escuchar online en YouTube o en Spotify.







Chequear también:
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The Cynics - Living Is the Best Revenge
The Sonics - This Is the Sonics

Video de la Semana: The Knack - Good Girls Don't

Estos fueron "dados de baja" por machistas, sexistas, lo que sea... la letra de este tema lo confirma. "La locura de la diferencia de edad, que no podrás borrar hasta que ella se siente en tu cara". Al lado de las cosas que dicen en cierta música moderna / actual / innombrable es una inocentada. Así estamos.

Pero... ¡cómo tocaban en The Knack! Ajustadísimos.




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5 Tapas 5: Jon Langford

Con: Michael Hall and the Woodpeckers, Jon Langford and the PVC, compilado de country rock, Drunken Prayer y Buddy Guy.

Johnny Cash - I Came to Believe

Viendo como viene la discografía y al estar en el primer disco póstumo, pensé que esta era una de las últimas canciones que había escrito. No. Al parecer en este LP sí está la última, que es "Like the 309". "I Came to Believe" en realidad fué grabada por primera vez mucho antes, en la década del ochenta.

No conozco la versión original pero dificilmente tenga algo que hacer al lado de esta, en donde Johnny Cash suena roto, como diciendo "bueno, ahora sí, abranmé las puertas porque en un ratito estoy por allá".

De movida la canción se llama "vine acá a creer", eso ya es algo, un indicio. Adicción. Algo con lo que Cash peleó toda su vida. Culpa. Redención. El gran hallazgo acá es lograr comunicar tanto sin demasiado esfuerzo. Más bien todo lo contrario; con una sencillez apabullante. La gran virtud -a la hora de los bifes- de uno de los grandes titanes de la música popular del siglo veinte. Johnny Cash, el Hombre de Negro.






Podés escucharla en YouTube.

Encontrala originalmente en:
El día que murió Johnny Cash. Me acuerdo como si fuera hoy. Como cualquier persona de bien, los cuatro primeros American Recordings los tengo y muy cuidados. Hay que tenerlos, son discos fundamentales. Este lo adquirí mucho más tarde, tenía cierta desconfianza. Sólo por este tema vale la pena.
American V: A Hundred Highways  (2006)