Gentle Giant - In a Glass House

“No critiques lo que no podés entender”
Bob Dylan, 1964

Si todos no guiásemos por este precepto, que suena casi como una sentencia, no habría que defender a un grupo como Gentle Giant hoy en día, bien inmersos en el siglo veintiuno. Pero como la inmensa mayoría de los periodistas y formadores de opinión que tienen que ver con el rock se guían por una especie de manual, al que hay que responder como si de leyes se tratase, la mayoría de los aficionados a la música sufre las consecuencias, de los estereotipos y las generalizaciones adolescentes.

Una máxima incuestionable para los hijos de la generación Pitchfork es que el rock progresivo / sinfónico es rídiculo, inválido, risible y el millar de adjetivos descalificadores que se te puedan llegar a ocurrir. Claro, eso conviene a los reyes en el arte de elevar cualquier bandita de mierda a la categoría de semidioses. Deidades que serán guillotinadas tan pronto aparezcan otros chicos que salgan bien en las fotos. Y si la cosa viene con rap, mejor todavía.

Hacer lo que hace Gentle Giant requiere de mucho. Mucho esfuerzo, habilidad, creatividad, vuelo mental, técnica y locura. Tiene muchos méritos, es entendible que pueda ser ridiculizada pero acá va una teoría; es pura envidia. Desde el punto del oyente requiere de no poco esfuerzo y concentración, hay que meterse en un mundo, hay que dejarse llevar, la satisfacción no va a ser inmediata, el enorme cáncer del entretenimiento en días de 'no sé lo que quiero, pero lo quiero ya'. In a Glass House es distinto también a otros discos de Gentle Giant, no tiene que ver ni con Octopus (para muchos la obra maestra de los hermanos Shulman) ni con otros discos de rock progresivo de la primera mitad de la década del setenta. “Way of Life” que podría ser un tema del Yes clásico, está perfectamente integrado al concepto sonoro del disco y, a pesar de que puede ser escuchado y disfrutado aparte, es dentro de la totalidad cuando se lo aprecia de verdad. Puede hacerle honor al título a la hora de describir la música (traducido sería “en una casa de vidrio"), todo es frágil, hay que andar en puntas de pie para no romper nada y prestar mucha atención a los detalles porque esto no lo vas a volver a ver con frecuencia. Es lo que parece decir “The Runaway”, el primer tema del disco y el que establece las pautas de lo que va a pasar de ahí en más.

Ya está, la defensa está hecha. Escuchando un monstruo imposible de comparar -la gente suele desesperarse cuando no puede comparar con lo que ya conoce- como In a Glass House, es lógico decir que los Sex Pistols fueron una revolución. Conservadora, pero revolución al fin.







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5 Canciones 5: Gentle Giant, Daniel Melero, The Levellers, La Portuaria y Pavement

Rock Climber
Gentle Giant

Arranca con un riff de piano y entra toda la banda casi enseguida. ¿Simpleza? ¿Pocos acordes en un tema de Gentle Giant? Aparentemente los abanderados del rock progresivo más intrincado tuvieron que adaptarse a los tiempos y meter un poco de new wave, de palo y a la bolsa. La voz se parece un poco a Peter Gabriel, algo que también es novedad en la banda de los hermanos Shulman. No faltaron los que pusieron el grito en el cielo ante el virage sonoro y compositivo.

Aparece originalmente en: Giant for a Day (1978)

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Todo
Daniel Melero

Va empezando de a poco, con un rasgueo de guitarra acústica, un patrón de batería medio raro y unos colchones de teclado. Ahí es cuando aparece la voz meláncolica de Melero, cantando una de esas letras filósofico-existenciales que tan bien le salen cuando está inspirado. Travesti fue un disco influyente y "Todo" era una de sus canciones más certeras, definitivas. "Todo puede hablarte de todo". Amén.

Aparece originalmente en: Travesti (1994)

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Maid of the River
Levellers

Folk inglés + punk + hippismo = The Levellers. Algo así sería la ecuación, por ahi se me olvida alguna variable. En el cuarto LP de estudio de la banda originaria de Brighton, Inglaterra, hay mucho para elegir, variedad estilística, digamos. "Maid of the River" bien podría haber sido un  tema de Fisherman's Blues, la obra maestra de los Waterboys. Música con una fuerte raíz cultural, aires celtas, hasta hay una parte instrumental de violines que podría musicalizar una película medieval de aventuras. Temazo.

Aparece originalmente en: Zeitgeist (1995)

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Solitario
La Portuaria

Por algún motivo La Portuaria nunca entró por la puerta grande de las bandas prestigiosas del rock argentino. ¿Demasiado eclecticismo para la época? Probablemente. Escenas de la vida amorosa es el disco que tiene "El bar de la calle Rodney", el primer gran hit de la banda de Diego Frenkel y compañía. "Solitario" es una muestra clara de la teoría que acabamos de sanatear, una mezcla de chacarera con ritmo litoraleño y post punk urbano. Nunca iba a ser aceptado por los talibanes de siempre. Divididos la iba a pegar a lo grande con una mezcla parecida en los próximos años.

Aparece originalmente en: Escenas de la vida amorosa (1991)

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Jackals, False Grails: The Lonesome Era
Pavement

Slanted and Enchanted es un disco generacional, definitivo, esencial. No mucho más que decir. "Tengo una vida sagrada para vivir, tengo una vida sagrada para dar" es todo lo que dice -y repite- la letra de este temazo casi al final. Pero son las guitarras, esas guitarras marca registrada de Pavement. Parece simple pero hay complejidad armónica en el mundo de Stephen Malkmus, a pesar de la mugre, los chistes tontos y la actitud de "no me importa nada" general.

Aparece originalmente en: Slanted and Enchanted (1992)

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5 Canciones 5: Mingus, Mama Cass, The Panics, Gentle Giant y Carole King

Freedom
Charlie Mingus

Elevadísimos niveles de marcianidad acá. Mingus incluso recita. Acá hay quinientos años de lucha en unos cuatro minutos de música. Parece un canto de esclavos africanos tratando de hacer un poco menos doloroso el sufrimiento. Bueno... el tema, la composición se llama "Freedom", como para ir cerrando la idea. Año 1962, remarcable. La libertad con la que trabajaba esta gente es digna de admiración. No por nada sobrevivió al paso del tiempo. En un momento mezcla Un americano en París (de Gershwin) con la música de 2001 Odisea del Espacio, de Richard Strauss y esa cita o guiño sucede en menos de veinte segundos.

Aparece originalmente en: Town Hall Concert (1962)

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Baby I'm Yours
Cass Elliot

El cuarto disco de estudio de Cass Elliot, más conocida como "Mama Cass", es de una belleza abrumadora. No tiene absolutamente nada original. Pero está tan bien grabado, cantado y producido que uno termina cayendo rendido ante sus interpetaciones de temas cotemporáneos. Randy Newman (muy de moda en aquellos años) Bobby Darin y hasta una hermosa versión de "Disney Girls" de los Beach Boys. Esta es de Van McCoy y la han grabado unos cuantos. La versión de la ex-Mamas and the Papas tiene algo propio, un pequeño toque mágico.

Aparece originalmente en: Cass Elliot (1972)

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Something In the Garden
The Panics

Australianos, relativamente actuales, de nuestra era, contemporáneos, como prefieras. Como muchos que hacen (o hacían) música en la era que podríamos llamar post-masividad de Internet, les costó hacerse de un nombre, pegarla en grande o dar el siguiente paso. No tenía nada que ver con la calidad de sus producciones, que era muy altta. Tenían una cosa espiritual sin ser pretenciosos que es muy difícil de lograr. Un balance que no se equilibria fácil. "No lo pelees; sentilo". Cortito, al pié, elocuente. Con unas orquestaciones a lo grande, al mejor estilo Walker Brothers.

Aparece originalmente en: Cruel Guards (2007)

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Talybont
Gentle Giant

¿Qué banda de rock progresivo puede jactarse de haber hecho una racha impecable de siete discos de estudio? ¿Puede Pink Floyd? Yo diría que sí. Los Moody Blues y Van der Graaf Generator y no se me ocurre ningún otro que pueda entrar ahí. Free Hand es el último de esa racha de los ingleses Gentle Giant. Acá hay una onda Rey Arturo, Camelot, una cosa medieval y juguetona que hace que no pocos salgan corriendo a toda velocidad. Si está mezclado con elementos atonales de música clásica moderna, rock y vaya-uno-a-saber-qué-más, lo dejamos entrar, sin dudarlo un segundo.

Aparece originalmente en: Free Hand (1975)

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Bitter with the Sweet
Carole King

Temazo del cuarto disco de estudio de Carole King, una de las grandes escritoras de canciones del siglo veinte. Salida de la escuela de Brill Building, tenía recursos para tirar para arriba. La línea de bajo es alucinante... a ver... ¿quién la toca? Las ventajas de vivir en la era de la información. Seguramente un sesionista. ¿Le habrá dicho ella qué tocar? Está muy pensando, acompaña los cambios de acordes con sutileza y elegancia. Charles Larkey. Claro, su marido durante un poco más de un lustro, acá todavía estaban casados. Ya tocaban juntos en The City, la banda pre-fama que tenían, con la que sacaron un disco, Now That Everything's Been Said, en el '69.

Aparece originalmente en: Rhymes & Reasons (1972)

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5 Canciones 5: Wigwam, Eric Mercury, Mahavishnu Orchestra, Marc Almond y Diana Ross

Crisader
Wigwam

Banda de rock progresivo proveniente de un país sin demasiada tradición en lo que a exportación rockera respecta. Tienen cuatro o cinco discos buenísimos, a la altura de cualquiera de las grandes bandas. Leasé Gentle Giant, Yes, Genesis, o lo que desees. Pero claro; son de Finlandia. En su momento deben haber pasado desapercibidos con la enorme competencia -y talento- propia de aquellos años. Acá hay un guitarrista excepcional y mucha variedad musical. Lo peor que le puede pasar a un disco de prog-rock es quedar a medio camino, cosa que suele suceder. Ni cerca de ese límite están estos.

Aparece originalmente en: Being (1974)

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Don't Lose Faith In Me Lord
Eric Mercury

Soul clásico. Lo que algunos denominan southern soul o deep soul. Como sea; llamemoslé música sin fecha de vencimiento. Para entrar al estribillo, el baterista mete una especie de cambio, de segunda a cuarta velocidad, eso queda increíble en la canción, suma. Cuando termina el segundo estribillo aparece la sección de cuerdas con un motivo hermoso. Ni idea quién produjo este disco, está hecho con mucho criterio. Después de eso sí, viene el solo de guitarra. Para el deleite auditivo y, de paso, contrarrestar la andanada de música imbécil que suena por todos lados hoy en día.

Aparece originalmente en: Love Is Taking Over (1973)

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One Word
Mahavishnu Orchestra

Bueh... ¿qué decir? Mahavishnu, disco clásico cien por ciento. Entendible que haya gente a la que esto le causa rechazo. Musicalmente es impresionante, los tipos estaban en un nivel de vuelo creativo altísimo. Se puede decir que Charly y sus muchachos escuchaban mucho esto en la época de La Máquina de Hacer Pájaros. Delirio, climas, musicalidad absoluta, cambios de tempo inesperados, solo de bajo a los dos minutos (aprox.) e ideas infinitas. Se puede decir que son pretenciosos al extremo. Tenían las herramientas para serlo... y bancársela.

Aparece originalmente en: Birds of Fire (1973)

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She Took My Soul In Istambul
Marc Almond

Ex-Soft Cell y de extensa carrera solista. Este tipo siempre fué por la suya, su propio camino, he grabado al menos seis o siete discos muy valiosos y sigue en pié, en buena forma. En un intento medio inutil de describir este temazo podríamos decir que es un Nick Cave de la era Tender Prey, mucho más afinado y un poco más blando, mas pop. El arreglo arábigo de los teclados (puestos bien al frente) ayuda a contar la histora. Temazo. Las mil y una noches en formato canción.

Aparece originalmente en: The Stars We Are (1988)

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What You Gave Me
Diana Ross

No es el disco definitivo de la diva ni por asomo, pero si lo ves por ahí llevalo, tranquilo, sin dudarlo. Es una especie de compilado armado por la compañía discográfica, una ensalada. La cara A tiene temas nuevos y al darlo vuelta hay otros viejos que habían quedado afuera o algo por el estilo. Este sería de los nuevos, con una producción ultra moderna que no tiene nada que envidiarle a los discos de vanguardia de aquellos años de este género; Gloria Jones, Moroder, Broken English de Marianne Faithfull, viene por ahí la mano.

Aparece originalmente en: Ross (1978)

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5 Tapas 5: Tapas "gatefold" (con yapa)

Con: Chuck Berry, Gentle Giant, Tea & Symphony, Funkadelic, Vox Dei y The Runaways

Miguel Abuelo & Nada - ídem [1er. LP - 1975]

Hay quienes para comentar un disco se toman la molestia de escucharlo muchas veces. No sé… cinco, seis o hasta diez veces. No creo que haga falta, esto es contar un poco de qué va la cosa, no es más que eso. Y de quién se toma el trabajo de leer este tipo de artículos mejor ni hablemos.

En la primer escucha uno puede notar que se tratar de algo interesante y valioso. Sorprendente. Sobre todo para los que conocemos a los Abuelos de la Nada, los que fuimos perseguidos con esos temas durante cierta etapa de la vida. Hubo un momento en que no tenías escapatoria, te acosaban con esas canciones, era hostigamiento. De ahí puede venir cierta resistencia a la voz, al timbre de Miguel Abuelo, que no se parece a nada. Debe tener que ver con una especie de reflejo pavloviano, con buscar inconscientemente una vía de escape. En un momento el llamado Rock Nacional fue un verdadero estorbo, veinte temas que eran siempre los mismos, de manera indefectible. Y Miguel estaba en un par de esos, no los quiero nombrar. Hoy si los escucho hasta me caen bien, el tiempo todo lo cura. En aquel entonces era una esvástica musical tácita. ¿Habrá algún otro país que llame “nacional” a su rock? Es una palabra que rompe las pelotas, con demasiadas connotaciones y asociaciones que uno no quiere hacer. Y menos a la hora de hacer algo tan sagrado como escuchar música.

En la segunda escucha caés rendido. Este es un discazo. No por nada es apreciado por melómanos del mundo entero. Incluso por gente que no habla español, algo que fue barrera para mucha gente durante años y que hoy parece estar cambiando. Está lleno de fanáticos de Tom Jobim en Europa, por citar un ejemplo. De hecho este disco se reedita en Bélgica en la década del noventa, más de tres lustros después de su edición original. Que paso sin pena ni gloria, hay que decirlo.

Miguel Abuelo ve que las cosas se ponen densas en Argentina y decide emigrar a Francia, ahí es que arma esta banda, con otros músicos que también eran argentinos exiliados. Graban esta obra maestra. ¿Qué pasaba si este disco lo hacía Jethro Tull, Gentle Giant o cualquiera de las grandes bandas que funcionan a mediados de los setenta? Tendría mayor nivel de reconocimiento, seguro. A pesar de que esto tiene un nivel de eclecticismo y originalidad comparable a cualquier obra grabada en aquellos años. Hay hipismo y psicodelia a raudales (ese tema en que le habla a una piedra es genial) y guitarras fuertes y podridas. De hecho hasta se puede escuchar una suerte de proto-metal, cabalgata alla Iron Maiden, gritos super agudos y acrobacias vocales. Si todavía no lo escuchaste dale una oportunidad a Miguel Abuelo & Nada. No tiene nada que ver con “Mil horas” ni con “Chalamán”.Te lo prometo.

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Morgen - ídem [1er. LP - 1969]

Eggs Over Easy - Good 'n' Cheap

Todo movimiento necesita una contracara para definirse. Para saber su lugar hace falta delinear y saber dónde está el enemigo. En el caso del pub rock era el rock progresivo / sinfónico. Mientras que uno era ambicioso, volado y requería de todo tipo de recursos para llevarse a cabo, el otro era una cosa más “bajada a tierra”, evitaba casi cualquier tipo de pretensión artística y lidiaba con temáticas más bien cotidianas, por no decir ordinarias. Hoy en día, con el paso del tiempo, sabemos que no es tan riguroso el asunto. Que esas rivalidades eran una cosa más bien de la prensa y un poco del público. Probablemente, los integrantes de Egg Over Easy ni se enteraron de que había bandas como King Crimson o Gentle Giant.

Esta gente, expatriados yanquis trabajando al otro lado del Atlántico, no sólo ayudaron a definir el género desde el punto de vista musical, también fueron pioneros en demarcar el circuito de pubs en donde las bandas podían hacer lo suyo. Supuestamente tenían más de cien temas, incluyendo versiones, pero sólo llegaron a grabar este disco y, mucho más tarde, otro que no le llega ni a los tobillos a Good ‘n’ Cheap. Este es un discazo, un verdadero tesoro perdido, en todas y cada una de sus once canciones vas a encontrar algo valioso, hay variedad estilística dentro de un género que a priori podría ser acotado. Está muy bien grabado y suena cien por ciento fresco, actual, alguien podría hacer esta música hoy en día y haría bien en grabar y producir de la misma forma en que fueron registradas estas joyitas de rock despreocupado.

Hay una tónica generalizada y es la de disco tranquilo, ideal para ciertos momentos, si Dr. Feelgood era puro nervio y anfetaminas, en el caso de Eggs Over Easy el asunto es más relajado. Por ejemplo “The Factory”, uno de los temas rockeros del disco, se maneja en una atmósfera al estilo The Band en Music from Big Pink. O bien podría compararse con Silver Pistol, el gran disco perdido de Brinsley Schwarz, la banda de Nick Lowe antes de ser solista, compañeros de escena e influencia mutua. Después viene uno de los puntos altos del disco: “Face Down In the Meadow”, cantado de manera sublime, con unas armonías vocales que ningún otro de los grupos de la escena tenía. También desde la composición se diferencia, con recovecos y sutilezas armónicas dignas de gente que sabía más de lo que mostraba. Los arreglos son una delicia, llega el solo de guitarra con su consecuente respuesta al piano, en seguida viene el puente, ese cambio increíble cuando dice eso de “ahora me siento vacío y me cuesta dormir”… es para sacarse el sombrero. Excede cualquier género o categoría. Como se supone que debería suceder con la música indeleble, imperecedera.








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5 Canciones 5: Canned Heat, Stone Temple Pilots, Urubamba, Gilberto Gil y The Fleshtones

Parthenogenesis
Canned Heat

Impresionante. Uno de esos experimentos marcianos que terminan cayendo parados, cuando podrían haber sido cualquier cosa menos un éxito. Esto originalmente ocupaba casi toda la cara B del tercer disco de Canned Heat, una banda blusera, nada que ver con esta suerte de suite avant garde, en un intento -fallido- por contar un poco de qué va el asunto en este monstruo deforme. Ojo, a los dos minutos aparece el blues y la zapada toma vuelo. A los nueve y fracción hasta hay un solo de batería. A los diez y pico, el diablo mete la cola... mejor escuchalo. A todo volumen.

Aparece originalmente en: Living the Blues (1968)

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Silvergun Superman
Stone Temple Pilots

Siempre los ubiqué en una categoría mental de esas que nunca debería haber existido. Algo así como "banda inventada con cantante al que le gusta mucho posar para las fotos". Cuestión que los dos primeros discos de Stone Temple Pilots están plagados de himnos podridos con guitarras ad hoc. Hay un riff gigante en las estrofas, que contrasta muy bien con el estribillo melódico, medio beatle, se podria decir.

Aparece originalmente en: Purple (1994)

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El eco
Urubamba

Un vistazo en los créditos de la contratapa delatan a Phil Ramone como ingeniero de sonido, Paul Simon en la producción, fué grabado en Francia, no faltaron los recursos a la hora de registrar el debut de la banda del gran Uña Ramos. Ellos ya habían grabado en la versión de "El cóndor pasa", llamándose "Los Incas" en aquel entonces, que aparecía en el último disco de Simon & Garfunkel, Bridge Over Troubled Water. Ahí ya se estaba hablando de una exportación al mundo de la música andina. "El eco" te lleva directo a las montañas, sin escalas, es cuestión de cerrar los ojos.

Aparece originalmente en: Urubamba [1er. LP] (1974)

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Essa é pra tocar no rádio
Gilberto Gil

Esta friqueada hermosa podría describirse como una mezcla entre esos temas raros de King Crimson (o Gentle Giant) y Piazzolla, hasta hay un acordeón ahí, de fondo, haciendo unos arreglaos rapidísimo. La métrica es extraña, no convencional, para tocar esto deben haber tenido que ensayar bastante, para frenar así, volver a arrancar, etcétera. La letra no podría ser más irónica, podría traducirse como "Esta es para poner en las radios". No creo que la hayan pasado nunca.

Aparece originalmente en: Refazenda (1975)

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Whatever Makes You Happy
The Fleshtones

Es momento de fiesta, momento en que hay que llamar a los Fleshtones de Brooklyn, sin dudarlo un instante. Música para fiestas, no hay mejor forma de definir lo que hacen, hacían y siguen haciendo. Sección de bronces a la orden del día, velocidad que incita al movimiento, las voces son un quilombo hermoso, con coros a los gritos y todo lo que tiene que tener un gran tema de la banda de Peter Zaremba y compañía.

Aparece originalmente en: Fleshtones Vs. Reality (1987)

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5 Tapas 5: yendo a barajas...

Con: Renaissance, Guided by Voices, Gentle Giant, Otis Redding & Carla Thomas y Heron