Johnny Cash - American II: Unchained

La versión original de "Rusty Cage", en Superunknown de Soundgarden, es desenfreno absoluto. Ruidoso, podrido, con una estructura rara y cantado a grito pelado por Chris Cornell. ¿Te lo imaginás al Hombre de Negro escuchando esto por primera vez? En su rancho de diez mil hectáreas, con los nietos dando vueltas y pensando algo del tipo "sí, este lo voy a grabar en el próximo".

Bueno, no. No era así. En los American Recordings, los cuatro discos que sacó en vida, los temas de artistas más actuales eran sugerencias. No era que Johnny Cash se compraba la revista SPIN y estaba al tanto del mundillo alternativo. El de Beck que también aparece acá, el de Nine Inch Nails ("Hurt", se hizo famoso con un video memorable) "Personal Jesus", "The Mercy Seat" de Nick Cave, se los hacía escuchar Rick Rubin, con argumentos para convencerlo de que podría llegar a funcionar por diferentes motivos. Puede sonar a truco, a diseño, palabras que nadie pondría al lado del tipo que trajo al mundo "I Walk the Line", "Big River", "Hey Porter" y tantos más. Temas que definieron la música moderna tal como la conocemos, amamos y consumimos. 

No vamos a contar otra vez la historia de la alianza Cash / Rubin porque no hace falta, sí vale recordar que, después del golazo que significo American Recordings, el primero de la serie y encargado de darle un envión enorme a una carrera que se apagaba, hicieron algo que no fué lo que todos esperaban. ¿O era de esperarse? No importa, sí es cierto que la presencia de los Heartbreakers es una bendición, el disco "con banda de rock atrás" fué una gran idea y de eso se trata Unchained. Tom Petty y sus muchachos venían de hacer Wildflowers, otro soplo de aire fresco, en el que Rick Rubin fue fundamental, definitivo. No fué poco lo que significó para este último, hasta aquel entonces estaba asociado al metal y al rap, con Slayer y Bestie Boys como "chapa" para conseguir clientes.

A diferencia del primero, Solitary Man y The Man Comes Around, los otros tres que salieron en vida, Unchained tiene una clara atmósfera festiva, medio jodona incluso. Acá la idea parecía ser divertirse volviendo a formar parte de una banda. Vaya uno a saber si ese había sido el plan cuando levantaron el teléfono. Sí sabemos el resultado, que es esta colección de canciones únicas, muy cerca del cierre de telón de un peso pesado, de esos que marcaron a fuego la música popular de los últimos cincuenta y pico de años. Johnny Cash, el Hombre de Negro.





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Johnny Cash - American III: Solitary Man

La historia de Johnny Cash es una de esas que van a quedar marcadas a fuego. Una de las más significativas y peculiares del siglo XX. Empezó en la década del 50, y junto a Elvis, Carl Perkins, Orbison, etc, fueron los que escribieron las primeras páginas de esta saga grabando para el mítico sello Sun de Sam Phillips, en Memphis. Ellos fueron quienes, a modo de cruzada evangelizadora, atravesaron los Estados Unidos, tocando en las condiciones precarias de aquel entonces, desatando algún que otro escándalo pero plantando la semilla inicial que ya no dejaría de dar frutos.

A diferencia de sus congéneres, Johnny Cash mantuvo su prestigio prácticamente intacto en la década siguiente, con algunos vaivenes, pero coronando aquellos años turbulentos con los memorables recitales en las cárceles de San Quentin y Folsom que le reportaron un verdadero suceso de críticas y ventas millonarias. Pero durante las dos décadas siguientes, si bien mantuvo un público fiel, era visto como un artista de oldies, alternando un disco decente con varios mediocres y contentándose con recrear sus hits de antaño en sus conciertos.

La resurrección llegaría a mediados de los 90's y gran parte del crédito pertenece a Rick Rubin. Productor de varias bandas de metal, hip-hop y rap y dueño de su propio sello discógrafico, Rubin tenía una idea que resultó un verdadero éxito; Cash solo, con su voz cavernosa de barítono, cantando sus canciones favoritas con muy poco acompañamiento. También es cierto que Rubin participó activamente en la selección de canciones y, junto con los temas country tradicionales de amor, desolación y muerte, aparecían varias joyas de compositores de dos y tres generaciones posteriores a la de Cash. El abrazo absoluto de la llamada “Generación X” no se hizo esperar.

En American III: Solitary Man ese balance entre canciones propias, tradicionales y “modernas” sigue presente y contribuye a lograr otro disco parejo, redondo. Ahí están "I Won't Back Down" de Tom Petty (que también aparece en coros), "One" de U2 y "The Mercy Seat" de Nick Cave. Esta última es una de las interpretaciones más radicales. La morbosa historia del condenado a la silla eléctrica le cae como anillo al dedo a Cash, el acompañamiento es mínimo, austero y el resultado sorprende. Otra clave de los American Recordings es que las canciones propias están a la altura de las originales, mostrando a un Cash enfocado, renovado, listo para demostrar que sigue siendo un compositor de primer nivel. En Solitary Man tenemos "Before My Time", "Country Trash" y "I'm Leaving Now" que son reflexiones adustas y melancólicas sobre la vida, el amor, las pérdidas y -por supuesto- la muerte.

Para la altura de Solitary Man le fue diagnósticado el mal de Parkinson que acabaría con su vida en unos pocos años. Pero antes del final se dio el lujo de grabar otro álbum para cerrar esta serie, el excelente American IV: The Man Comes Around. No todos pueden cerrar una carrera en una nota tan alta. Johnny Cash pudo y en gran forma.








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Donovan - Sutras

Neil Diamond - Another Day (That Time Forgot)

¿Qué es lo que diferencia una gran canción de Neil Diamond de una normal, una más o menos o una olvidable?

No lo tengo del todo claro pero creo que cuando tiene algo grande entre manos pasa algo medio mágico, único, como que se agranda, crece, se agiganta y eso que este temazo de la era moderna de Neil Diamond es más bien tranquilo y no tiene la pompa y ciertos excesos habituales de muchos de sus temas.

Cuando aparece este tema en el disco, cuarto o quinto (no me acuerdo) destaca al instante y quedás ahí; prendado, capturado, envuelto en la historia y en la voz de uno de los cantautores más vendedores de la música popular moderna.







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La receta que le dió grandes frutos a Johnny Cash es la misma de este, el segundo LP de Neil Diamond producido por Rick Rubin y editado por American Recordings. A pesar de que suele ser blanco fácil de ciertos críticos de nariz parada, le fue bastante bien esta vez. Es lo que hace Rubin con los jovatos (Donovan, otro ejemplo) los pone solos frente al micrófono con la guitarra. 
Home Before Dark (2008)

5 Canciones 5: Heavy Psych, vol. II

Skin Crawler
Beastmaker

¿Se dieron cuenta que los acólitos Sabbatheros siempre agarran de Sabbath Bloody Sabbath para atrás? Algunos hasta parece que no pasaron de los dos primeros. Dicen que Rick Rubin, cuando lo llamaron para hacer La Gran Johnny Cash, les pidió que hicieran de cuenta que recién grababan Paranoid. ¿O era Master of Reality? Para el caso es lo mismo, a ellos no les gustó ni medio. Sobre todo considerando que Mr. Iommi nunca hizo un disco malo. Sí deslucidos o poco inspirados, nunca bajó de ahí. 

¿Qué hace que una banda con una deuda tamaño FMI a Black Sabbath te caiga bien? Simple; tu estado de ánimo. Cuántas birras te clavaste, cuántos porros pasaron de mano en mano, sexo o falta del mismo... Igual es entendible, debe ser alucinante hacer esto, grabar un LP entero con riffs satánicos, por más que no hayas pasado nunca del café con leche y una multa en la autopista. El primero de Beastmaker, de Fresno, California está hecho con una pasión que contagia. Sobre todo cuando frenan un poco y lo llaman a Mefisto para meter esos tecladitos... infernales, sí, claro.  

Aparece originalmente en: Lusus Naturae (2016)
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Transmaniacon MC
Blue Öyster Cult

En el sitio de Julian Cope hay unos comentarios buenísimos by the man himself, entre ellos uno en que arma una compilación de los primeros cuatro discos de Blue Öyster Cult. Ahí desestima con la misma elocuencia con que elogia, con un nivel de subjetividad ridículo, divertido y, sobre todo, muy personal. Ideas PROPIAS, cualidad escasa hoy, si las hay. Cuenta que los vió en vivo a mediados de los setenta, burlándose de que no tenían frontman ("they were faceless") y eso los perjudicaba. 
No niega algo que es muy evidente y es lo que hace que, los pocos que nos acordamos de ellos, les peguemos una escuchada ocasional; enriquecieron el rock de guitarras clásico con ideas interesantes, tenían mística y dos por tres, pegaban TEMAZOS. Como este.

Aparece originalmente en: Blue Öyster Cult (1er. LP, 1972)
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Rainbow
The Eric Burdon Band

Puntos para el petiso más grande por hacer los dos discos de la Eric Burdon Band a contramano de todo y todos. A mediados de los setenta, desgreñado, recién expulsado de WAR, borrachísimo y sin esperar nada de nadie, graba Sun Secrets y este, Stop, a puro rock podrido, ruidoso, sin concesiones. Temas largos, densos, ideales para llevar a escenario sin tener que hacer demasiado despliegue. Era el lugar al que todos iban (o aspiraban) en aquel entonces, cuando Emerson, Lake & Palmer -por ejemplo- salía de gira con tres camiones y cien tipos que se encargaban de hacer que un estadio sonara decente.

Aparece originalmente en: Stop (1975)
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Leather Woman
Sudden Death

El claim to fame de estos pibes de Pasadena, en la costa oeste de USA, es que fué la banda que encontró Kim Fowley cuando buscaba una respuesta yanqui a Black Sabbath. Los llevó a grabar a un estudio de primer nivel y ellos se dedicaron (basicamente) a tocar el repertorio que tenían con el botón de REC apretado. Esa única sesión quedó en la nada, juntando polvo por dos décadas, a mediados de los noventa se editó por primera vez. Adoradores de Hendrix, Blue Cheer y demás violadores de parlantes, tenían un cantante histriónico al máximo, sacadísimo. Una especie de Arthur Brown un poco más amateur pero igual de atrevido. En "Leather Woman" despliega todo su arsenal. Con los vúmetros al rojo vivo, obviamente.   

Aparece originalmente en: Suddenly (1972 / editado en 1995)
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The Wish
Trouble

Ya con Kill 'em All, el debut de Metallica fueron influyentes, no fueron pocos los que pararon la oreja. The Skull sería un ejemplo. Oriundos de Chicago, debutaron con un disco en vivo que se editó a pulmón, en cassette, algo habitual por aquel entonces. Las letras de Eric Wagner, líder de facto en Trouble, llevaban ciertos lugares comunes del género a uno extremo que incomodaba a los non-metalheads. Contradicción; a nivel musical eran más respetuosos del pasado que Slayer, Megadeth o Anthrax. Eran más rockeros, para hacerla corta. Este es el momento épico del disco, con más de diez minutos y varias ideas bien puestas. Clásico de culto.

Aparece originalmente en: The Skull (1985)
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Tom Petty - Wildflowers

“Bajo mis pies la hierba está creciendo, es momento de mover, es momento de seguir adelante”. Simple. Cortito y al pié. Nunca fue un tipo que se destacó por sus letras sin embargo tienen su encanto, su atractivo. Este disco tiene una especie de eje conceptual; es el cambio, el salir adelante, ver que hay que hacer algo para que las cosas no queden en su lugar.
No sé los detalles biográficos de la vida de Tom Petty, tampoco es que importen mucho, creo que su “disco de divorcio” es Echo, lo leí en algún lado, pero este tiene algo de eso también. Lo bueno de estos temas es que te podés relacionar con una frasecita, algo simple. Siempre tuvo esa virtud. Un título con gancho, que pueda adaptarse a las necesidades y las vidas de cualquier persona, sin demasiados rebusques intelectuales. O a lo mejor es así por decisión, después de mucho pensarlo, no es relevante. Es así y es creíble. Algo fundamental en el rock and roll. O creés o reventás. O te pasa de largo.

Por algo era amigote de tipos mayores como Dylan, Neil Young y Harrison, que no eran gente que le iba a dar bola a cualquiera. Se ganó su lugar y merecidamente. ¿Se acuerdan de los Traveling Wilburys? Inolvidables.

Nunca entendí eso de solista o con los Heartbreakers, como si el resto de la banda pudiese tomar algún tipo de decisión. Además no figuran en la tapa pero están casi todos. Sí están dos fundamentales que son Benmont Tench y el gran Mike Campbell, que son dos que siempre aportaron y mucho.

Un dato no menor; acá produce Rick Rubin, quien hacía pocos meses había resucitado la carrera de Johnny Cash con el primer volumen de sus míticos American Recordings. Hay un cambio en el sonido, un menos es más, cierta sequedad o parquedad que podríamos decir que tiene que ver con el tipo que había grabado a los Beastie Boys y a Slayer. Aunque la gloria de Wildflowers son sus canciones, como suele suceder. El rock poderoso dice presente con “You Wreck Me”, “Cabin Down Below” (ideal para la ruta) o el blusero “Honey Bee”, que bien podría haber sido un tema de AC/DC por su densidad, pesadez y la gordura hermosa de esas guitarras. No es descabellado pensar que Tom Petty nunca había ido a parar a lugares como “Only a Broken Heart”, el tema que dá título al álbum o “Time to Move On”, en donde la banda suena madura, contenida, tocando en los lugares precisos, esas cosas que suelen hacer los músicos con años de ruta encima.

Hace poco salió una reedición de Wildflowers con -atención- cinco o discos (o eran cuatro, para el caso es lo mismo) con temas que quedaron afuera, tomas descartadas y la habitual payasada orientada al coleccionista que habita un palacio residencial y tiene cuentas corrientes en algún paraíso fiscal caribeño. Más allá del precio, si quedaron afuera por algo habrá sido. Todo bien con el formato físico pero tratemos de no fomentar las pavadas.







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5 Canciones 5: Halford, Redondos, Jackson Browne, Pure Prairie League y Neil Diamond

Cyberworld
Halford

Se caía de maduro que en algún momento Halford iba a dejar Judas. Después de hacer un disco bisagra como fué Painkiller las cosas se fueron poniendo turbias. Ahí armó Fight y grabó un debut muy bueno. Entra un impostor a reemplazarlo y para mí ahí se termina la historia. Mejor me estiro un poco más, hasta Resurrection, que en su momento sonó mucho en lo poco que quedaba de las radios de rock. Doble pedal, derecho, firme, velocidad, gritos, pudrición, un solo de guitarra de ciencia ficción. Extraordinaria mezcla entre clasicismo metalero y modernidad.

Aparece originalmente en: Resurrection (2000)

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Esa estrella era mi lujo
Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota

Clásico. En su momento no los podía ni ver. Nunca los hubiera apreciado, por la infinidad de cuestiones extra-musicales que acarreaban. De hecho hace poco el cantante fué noticia, también por cuestiones extra-musicales, lamentablemente. Su estrella se agotó. Más tarde, de grande, empecé a escuchar un montón de cosas que me gustan; el trabajo de guitarras (que acá es impecable) la sencillez a la hora de componer, que la letra deja lugar para interpretaciones y -sobre todo- que es una canción. El formato inmortal, indeleble.

Aparece originalmente en: ¡Bang! ¡Bang!!... Estás liquidado (1989)

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Late for the Sky
Jackson Browne

Me acuerdo que a este nunca le dí bola por seguir un comentario de Pettinato, a quien en algún momento respeté. La figura del tipo que te dice lo que está bien y lo que está mal escuchar. Creo hoy eso ya no existe. Los pibes no se dejan adoctrinar tan fácil. No sé. Decía que a Jackson Browne nunca le hubiese dado bola Joni Mitchell, por aburrido o algo por el estilo, esos chistes bobos que hacía él, creyendo que eran geniales. Sin embargo le escribía temas a Nico cuando era apenas un adolescente. Seguramente vivió ocho vidas de las nuestras, por lo menos. Hoy creo que hizo tres discos indispensables, por orden; este, The Pretender y Running On Empty. En el solo escucho a Mark Knopfler, antes de que existiera, vale la aclaración.

Aparece originalmente en: Late for the Sky (1974)

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Leave My Heart Alone
Pure Prairie League

Banda de country rock de segunda línea, pero en la época de apogeo del género. Eso quiere decir que todavía podían romperla y pasar relativamente desapercibidos. Hay miles de bandas como esta; New Riders of the Purple Sage, Rio Grande, Gladstone... todas con discos tan olvidados como valiosos. Y no lo digo en cuanto a precio, porque estos son álbumes que todavía podés encontrar a precios accesibles. No le llegó el revival a esto. Quizás nunca suceda. Mejor para nosotros. Este tema está lleno de ideas, muy por encima del promedio, cambios de ritmo, muy bien cantado, hermosas guitarras... ¿Qué más querés?

Aparece originalmente en: Bustin' Out (1972)

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Soolemohn
Neil Diamond

Otro de prestigio discutible. Ni siquiera su tardía unión con Rick Rubin (al mejor estilo Johnny Cash) alcanzó para reivindicarlo. Muchos lo consideran música "pasatista" (odio ese término) para señoras o algún otro término despectivo. Sí concedo que en sus discos muchas veces hay que separar la paja del trigo y requieren de cierta complicidad. Como cantante es impecable, por empezar. Este es un tema diferente, nada que ver a lo que todo el mundo (?) identifica como un tema de Neil Diamond. Algo medio africano, anticipando a Paul Simon y Graceland, lo que más tarde se -mal- llamó world music. Como si el resto de la música fuera de Marte o Júpiter.

Aparece originalmente en: Tap Root Manuscript (1970)

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5 Canciones 5: The Mission, Compañero Asma, They Might Be Giants, Paco de Lucía y Neil Diamond

Grothesque
The Mission [UK]

Me tomé el trabajo de mirar si había video en YouTube y resulta que hay algo, un video hecho por algún fan o aficionado, con imágenes muy explícitas, maltrato a animales, de eso habla este temazo. Último de God Is a Bullet, de la banda del incansable Wayne Hussey. Épico, a lo grande, como suele ser, tratándose de The Mission.  

Aparece originalmente en: God Is a Bullet (2007)

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Empatar una derrota
Compañero Asma

La banda del gran Hernán Espejo (¿se acuerdan de Vrede?) y su enésimo disco de estudio. La cosa se pone cada vez interesante y eso que, después de este, ya hay dos o tres nuevos. Si querés canciones de esas que van a parar a lugares inesperados, que incluyen sorpresas desde lo armónico, sin ser pretenciosas, esta es la banda que te está esperando. Sin duda alguna.

Aparece originalmente en: Templado (2016)

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Till My Head Falls Off
They Might Be Giants

La banda de los dos Johns (Linnell y Flannsburgh) viene haciendo discos de música desde medidados de la década del ochenta. Para adultos que se niegan a dejar atrás al niño interno. Este es el sexto LP de estudio e incluye el gran "XTC vs. Adam Ant", entre otras bellezas de pop retorcido. Pero es "Till My Head..." el firme candidato a canción de power pop perfecto del álbum. Desafío a cualquiera a olvidarla después de dos o tres escuchas continuadas.

Aparece originalmente en: Factory Showroom (1996)

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Danza Ritual del Fuego
Paco de Lucía

De El Amor Brujo. Del compositor español Juan Manuel de Falla, una de las grandes obras de la música clásica del siglo XX, al nivel de Stravinsky o Ginastera. De ahí viene la "Danza Ritual..." y alguna que otra pieza de las que versiona el super virtuoso de Algeciras en este discazo. Todo el mundo lo conoce, de nombre sobre todo. Pero como le pasa a muchos otros gigantes (Roy Orbison, Atahualpa... por citar sólo a dos) no son tantos los que se toman la molestia de explorar la obra.

Aparece originalmente en: Interpreta a Manuel de Falla (1978)

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Delirious Love
Neil Diamond

Rick Rubin no sólo fue fundamental en las carreras de Slayer y los Beastie Boys (entre otros) también supo resucitar las carreras de varios gerontes al borde de la decrepitud; Johnny Cash, Donovan, Glen Campbell y, por supuesto, Neil Diamond. Supuestamemte le hizo componer más de cien canciones nuevas para elegir las que fueron a parar a los discos que hicieron juntos. Esta es del primero, 12 Songs. Indispensable.

Aparece originalmente en: 12 Songs (2005)

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5 Canciones 5: R. Buckner & J. Langford, Rubber City Rebels, Jeffrey Lewis, Johnny Cash y Flied Egg

The Inca Princess
R. Buckner & Jon Langford

Parece que va a ser un tema medio folkie, una canción bien en el palo de lo que suele hacer Langford. Ya sea con o sin los Mekons. Hasta que explotan las guitarras. Arreglo original, tensión, algo que hace que esto se vaya un poco de lo esperado. ¿Cuántos discos habrá grabado Jon Langford? Seguramente hasta él perdió la cuenta. Acá también hay algo de punk, de Strummer, por ende de The Clash.

Aparece originalmente en: Sir Dark Invader Vs. The Fanglord (2005)

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No Feelings
Rubber City Rebels

1980. Año de aparición de esto. No sé cómo habrá caído este disco en mis manos. Es lo único que grabaron. Como curiosidad tiene un tema que era una cara B de la primera época de Fleetwood Mac, "Somebody's Gonna Get Their Head Kicked in Tonite", de Jeremy Spencer. Este ya en el original (de los Sex Pistols, por si te faltó uno bien básico) se prendía fuego. Acá le sacan un poco de la agresión de Johnny Rotten pero sigue mordiendo, levantando polvareda. Ideal para agarrar la ruta. A fondo, por supuesto.

Aparece originalmente en: Rubber City Rebels (1980)

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Punk Is Dead
Jeffrey Lewis

¿Cómo hace este pibe para acordarse esas letras? Suelen ser larguísimas, es un poco el "chiste" de él. Qué genialidad estas palabras, le saca cierta seriedad al original. Nunca le dí mucha bola a Crass, quizás en algún momento llegue, como suele suceder. Piano y una guitarra arpegiada a toda velocidad, una simpleza desgarradora. "Es sólo un producto barato para la cabeza del consumidor". ¿Será?

Aparece originalmente en: 12 Crass Songs (2007)

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Gone Girl
Johnny Cash

Supuestamente el LP número... ¡cincuenta y seis! En cualquier disco de Johnny Cash que agarres va a haber al menos dos o tres joyas. Y si no son joyas son temas rescatables. Incluso en los más... pobretones o faltos de brillo. Claro, el Hombre de Negro no paraba de grabar, incluso cuando no tenía mucha idea de qué hacer para no repetirse. Eran tipos que dejaban mucho en las manos de sus productores de turno. Bueno... todos sabemos lo que pasó con Rick Rubin.

Aparece originalmente en: Gone Girl (1978)

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Plastic Fantasy
Flied Egg

De Japón. Sin el menor elemento que haga pensar que el grupo tenía ese origen. Esto podría ser uno de esos grupos alemanes de la primer mitad de los setenta. De esos que son metidos dentro de la bolsa de gatos que es el kraut rock pero que en realidad son grupos de rock progresivo. Esto es evil music. Ominoso, ideal para musicalizar una adaptación de alguna de las novelas de Lovecraft. Merece destacarse lo que pasa a los tres minutos, en donde aparece un pianito estilo canción de cuna. Ahi se vuelve un tema de los Moody Blues de la época de On the Treshold of a Dream, A Question of Balance, esa seguidilla brillante. Sobre todo por las voces.

Aparece originalmente en: Dr. Siegel's Fried Egg Shooting Machine (1972)

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Lee Hazlewood - For Every Solution There's a Problem

Este disco sale justo en la época del redescubrimiento de Lee Hazlewood, coincidiendo, no casualmente, con la masividad de Internet. Un par de años antes había hecho un disco de standards muy a su manera, que había sido editado por el sello de Steve Shelley, baterista de Sonic Youth. El último LP de estudio con canciones propias había sido Back On the Street Again… unos veinte años atrás!

Su primer álbum, Trouble Is a Lonesome Town (del '63), tiene algunas coincidencias con este; lo grabó como una especie de demo para que lo canten otros artistas y alguien decidió editarlo tal cual estaba, sin ningún tipo de producción. For Every Solution There’s a Problem también es acústico, varias de sus canciones habían sido grabadas por otros cantantes y algunas habían aparecido en discos anteriores. Por ejemplo “Save a Place for Me” o “Dolly Parton’s Guitar”, esta última tenía unos arreglos que dejaban bastante que desear, sin mencionar el típico chiste de mal gusto, al estilo Lee Hazlewood, del título. Acá la versión es más despojada, se podría comparar con los American Recordings de Johnny Cash producidos por Rick Rubin. En el librito escribe la introducción, y en un clásico gesto de auto-boicot, aclara que “estos demos por ahí le gustan a alguien más que… a mí”.

La cosa tiene sabor a despedida (impresionante "Strangers, Lovers, Friends" casi al final) y tiene momentos que están a la altura de sus grandes canciones, como el escalofriante “Dirtnap Stories” en donde el protagonista compara su situación con “morirse en Navidad, antes de que se abran los regalos”. En todos los temas aparece su fiel ladero, el guitarrista y arreglador Al Casey, compartiendo incluso los créditos en algunas de las composiciones. En “Suddenly Tennessee” crea un pueblo inexistente, bien fiel a su raigambre beatnik y es country del viejo y bueno, elevado a la enésima potencia por esa voz grave y aguardentosa que tanto queremos, el barítono patentado de Lee Hazlewood.

For Every Solution... no es uno de los imprescindibes dentro su considerable catálogo, se podría decir que es casi una curiosidad para fanáticos que quieren saber en qué andaba en sus últimos años. Por momentos la magia está intacta.







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Nick Lowe - The Impossible Bird

Hacía unos años que venía con el piloto automático. No eran malos pero se notaba que la cabeza estaba en otro lado, algún que otro exceso que enturbiaba el juicio, malas decisiones de producción, temas de relleno que no aportaban demasiado. De repente, a principios de los noventa, sale la película El Guardaespaldas, con Whitney Houston haciendo su habitual show de grititos espasmódicos. Ahí también salía una versión de un tema de Nick Lowe, que algunos recordaban por la versión que hizo Costello en Armed Forces. La versión original, la de Brinsley Schwarz, había quedado sepultada en el olvido. Lo cierto es que esa banda sonora vendió hasta cansarse y Nick Lowe se alzó con una fortuna por derechos de autor. El dinero no es todo… ¡pero cómo ayuda!

Se construyó su propio estudio y el primer disco que sale después del golpe de suerte es este, The Impossible Bird, del ’94, marca otro cambio de ritmo en la carrera de Nick Lowe. Sale disfrazado de rockero de raíces, con cierto gusto a country, a “americana” como dicen ahora, pero nunca deja de lado su perfil británico, el que siempre tuvo, vamos.

Hay una anécdota buena que tiene que ver con "The Beast In Me", un tema que habla de alcoholismo, culpa, tristeza y resignación, con una simpleza y honestidad que conmueven al más recio. Nick Lowe estuvo casado algunos con Carlene Carter, hija de June Carter y por ende hijastra de Johnny Cash. Este último quería que Nick Lowe le cediera uno de sus temas, apareció un día con todo su séquito cuando iba de pasada para un concierto, Lowe tenía una resaca tremenda pero igual agarró la acústica, un poco intimidado. Después del último acorde hubo una pausa de esas que cortan el aliento y Cash emitió su sentencia: “Todavía no la tenés terminada ¿no?”. El Hombre de Negro la tenía clara. Al poco tiempo terminó saliendo en su primer disco para el sello de Rick Rubin, el primero de la mítica serie American Recordings.

En este disco hay una versión preciosa de un tema que solía cantar Elvis, nada menos que "True Love Travels On a Gravel Road", que bien podría servir para explicar de qué se trata este nuevo rumbo tomado por The Basher, su apodo en la época en que producía bandas, el primero de The Damned, entre otros. Si querés otro ejemplo tenés “I Live On a Battlefield”, uno de los grandes temas de su carrera. Atmósfera relajada, olor a tradición sin que suene a herrumbre, sonido a tipos de cierta edad tocando muy cancheros en un estudio, riéndose y disfrutando cuando termina la toma.

Después de este LP entró en una especie de racha que todavía hoy continúa, haciendo más o menos lo mismo que inauguró en The Impossible Bird, con grandes secuelas como At My Age o el más reciente The Old Magic. Nick Lowe; otro ejemplo de cómo hacer mucho con poco.








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Black Sabbath - Anno Domini 1989–1995

¡Al fin se pueden conseguir estos cuatro! ¿Notaron que a los discos de los Beatles jamás los vas a ver en las bateas de ofertas? Uno, que ya tiene unos cuantos años en esta hermosa actividad que es revolver disquerías, nota ciertos cambios en las tendencias. Por ejemplo algunos discos de rock progresivo (Yes, Jethro Tull) en un momento los encontrabas por todos lados. Obedece a que en un momento fueron muy populares, todo el mundo los tenía y medio mundo se los sacó de encima, en aquellos días en que el CD “reemplazó” al LP. Volviendo al CD, los Beatles siempre ahí, en lo más caro que puede llegar a estar el formato. Con Black Sabbath pasa exactamente lo mismo. Y eso que en su momento de gloria nunca fueron del todo populares, al menos en Argentina. Fueron revalorizados más adelante y muy merecidamente.

Para muchos los de Birmingham son sinónimo de Ozzy. Esos años fueron mágicos, indiscutible. Pero si uno se pone a hilar fino, y sin temor a la blasfemia, Black Sabbath ES Tony Iommi. Con Dio graban tres discos fundamentales; Heaven and Hell, The Mob Rules y Dehumanizer, en los noventa, cronológicamente en medio de estos cuatro.

¿Y la etapa con Tony Martin? De esa no se acuerda nadie. Sólo los fanáticos… de Iommi. En aquel entonces habían firmado con el sello I.R.S. de Miles Copeland (el hermano del baterista de The Police) que tenía en su seno a bandas como R.E.M, Oingo Boingo o Wall of Voodoo. Qué hacía Black Sabbath ahí es algo que nunca se terminó de entender y un poco por eso también esta etapa está medio “borrada” de la historia. Esta cajita viene a enmendar ese error, que no es mas que un tema de percepción, de suerte y de contexto histórico.

Para que el asunto quede claro, Forbidden, que siempre fue el canto de cisne hasta este que salió en el 2013 con Rick Rubin, ha sido considerado uno de los más flojos de Sabbath, incluso ridiculizado en algún que otro artículo, libro o conversación. Contexto, otra vez. Escucharlo hoy es una grata sorpresa, con temazos como “Smoking Off the Chains” o “Get a Grip”, del que se hizo un video muy creativo. Los otros tres discos son Headless Cross, TYR y Cross Purposes, este último el único en que no está Cozy Powell en la batería y tienen un nivel sorprendente. Powell y Iommi habían tomado las riendas y hacían las cosas con el nivel habitual, incluso se podría decir que musicalmente hay una evolución con respecto a la década del setenta, pero mejor no entremos en terreno pantanoso. El gran Geezer Butler toca el bajo solamente en Cross Purposes. Y vale decir que Tony Martin es un cantante excepcional, muy bien dotado técnicamente, con un caudal de voz enorme.

Claro, a fines de los ochenta los muchachos de Black Sabbath eran vistos como dinosaurios, cosa del pasado. No estaban “de moda” y los lanzamientos discográficos pasaban sin pena ni gloria, mientras la prensa se encargaba de ir en pos de los próximos veinteañeros carilindos. Hoy en día, que esas cuestiones no le importan a nadie, estos cuatro discos suenan mejor que nunca.







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The Divine Comedy - Regeneration

El productor. La figura del productor. ¿Hasta qué punto puede llevar la música hacia un lugar que antes no iba? ¿Hasta dónde pueden llegar a “meter mano”? Empezamos con esto porque Regenaration, el séptimo disco de estudio de The Divine Comedy, está producido nada menos que por Nigel Godrich. Para decirlo en pocas palabras; el productor de Radiohead. Es entendible, esto sale dos años después que OK Computer, un trabajo importante, uno de esos que vuelven a definir la escena, el barajar y dar de nuevo. También produjo Chaos and Creation in the Backyard de Paul McCartney. Al parecer, se animaba a plantarse fuerte ante el ex-Beatle, le decía que algo no le gustaba o no le parecía, algo que no muchos osan. Como prueba pueden ver el documental de tres episodios de Macca siendo adulado por Rick Rubin.

Lo cierto es que recién en “Note to Self”, el cuarto tema, se puede llegar a detectar la mano del productor. Y ni hablar del que viene después, sobre todo, “Lost Property” tiene una influencia directa, una deuda evidente con la banda de Tom Yorke y cia. Están esos arpegios de cuerdas, la melancolía suicida, la forma en que el tema va in crescendo y se va desarrollando, son marcas, huellas dactilares. Vale decir que no dejan de ser canciones de Divine Comedy. Esto se debe en gran parte a la enorme personalidad de su líder y alma máter, el gran Neil Hannon. Un temazo enorme como el que dá título, casi al final, sólo podría haber salido de su pluma. ¿Qué es? ¿Hard rock? Hawkwind para el siglo veintiuno... ¡y encima bien cantado!

Aparecieron coincidiendo con el brit pop, no tenían mucho que ver ni con Pulp ni Suede, acá la mano venía más por el lado del Scott Walker de aquellos legendarios cuatro primeros discos, Broadway, una teatralidad exacerbada, una pizca de ironía y flema inglesa indefectible. “The National Express”, Casanova, “Generation Sex”, “Becoming More Like Alfie”, Fin de siècle… para la época en que sale Regeneration se podría decir que los tipos ya tenían un legado, habían dejado una obra impecable. Así que había que cambiar, hacer algo, para que la palabra “estancamiento” se mantuviese lejos, a raya. Fue una buena idea, este disco es la dirección que necesitaban.

Nunca entendí eso de “esfuerzo colectivo”, supuestamente Regeneration fue un disco más democrático, cuando todos sabemos que Hannon no debe dejar de participar en ninguna de las decisiones que se toman a la hora de grabar, componer y producir diez o doce canciones. Once en este caso. Como Tom Petty con o sin los Heartbreakers. ¿Cambiaba algo? No importa, nunca lo sabremos.







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