2017: Disco del Año, del Mes y "del Año"

5 Canciones 5: Mick Ronson, The Rave-Ups, Raveonettes, Ween y Sandy Denny

Growing Up and I'm Fine
Mick Ronson

Si querés saber hasta qué punto este tipo fue fundamental para definir el sonido, las canciones y la actitud de los Spiders from Mars, podés escuchar el disco debut solista de Mick Ronson, Slaughter on 10th Avenue. En "Growing Up..." comparte créditos de composición con Bowie y tranquilamente podría haber convivido con los grandes temas de Ziggy Stardust o Aladdin Sane.

Aparece originalmente en: Slaughter On 10th Avenue (1973)

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In My Gremlin
The Rave-Ups

Tuvieron su breve momento de exposición, con este, Town + Country, el debut de la banda comandada por Jimmer Podrasky, en guitarra y voces. Tienen un tema que sale en la banda sonora de la mítica Pretty In Pink, de esas que definen a una generación. ¿Por dónde andan? Rock de raíces, medio country, bluegrass o rockabilly pero mezclado con actitud y sonido de punk rock. Si este temazo no te pone a bailar o al menos a mover la patita...

Aparece originalmente en: Town + Country (1985)

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Recharge & Revolt
The Raveonettes

Otra de las tantas bandas que salieron a principios del nuevo milenio y que los periodistas amaban... para olvidar completamente al mes siguiente. Los Raveonettes, a diferencia de varios que surgieron en aquel momento, se las arreglaron para seguir y en este, uno de los grandes temas del quinto LP de estudio de los daneses, aumentan la cuota de post punk y el amor por Joy Division. Por algo fue uno de los cortes de difusión.

Aparece originalmente en: Raven In the Grave (2010)

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It's Gonna Be a Long Night
Ween

Qué maestros que eran los Ween, qué buena banda, agarraban un concepto y lo hacían mierda, lo destrozaban pero con criterio, conocimiento de causa y unas canciones infernales. Se podría decir que Quebec es el último gran disco del dúo y empieza con esta ametralladora de riffs al estilo Motörhead de la era Ace of Spades. La letra, como suele ser en el caso de ellos, es ironía pura; "vos llevá la navaja, yo llevo el speed, va a ser una noche larga".

Aparece originalmente en: Quebec (2003)

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At the End of the Day
Sandy Denny

Según dicen tenía pánico escénico y era muy díficil hacerla relajar frente al micrófono, a la hora de grabar. Tenía dudas con respecto a su propio talento, una inseguridad patólogica inexplicable. Pero lo que dejó no tiene precio, los discos que hizo con Fairport Convention, con Fotheringay y ni hablar de sus trabajos como solista. Esta belleza de canción pertenece a su tercer LP de estudio.

Aparece originalmente en: Like an Old Fashioned Waltz (1975)

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Video de la Semana: The Vapors - Turning Japanese

Clásico de clásicos, del primer LP de estudio de The Vapors, New Clear Days, de 1980.

Alfredo Zitarrosa - Zitarrosa en la Argentina

En la contratapa de este disco, con textos del poeta cuyo nombre figura también en la portada, hay una anécdota de cuando cantó “Chamarrita de los milicos” ante una audiencia de estudiantes cordobeses, que la cuestionaban por considerarla reaccionaria. Según el maestro uruguayo “la lucha de clases no cesa en la puerta de los cuarteles” aunque aclara que entiende perfectamente la otra postura, a la luz de lo que venía pasando en aquel entonces, año 1973. Zitarrosa venía de Chile y había visto los sucesos infames del 29 de Junio, los que terminaron con el derrocamiento de Salvador Allende, el clima en Argentina se enrarecía a diario y el mundo se partía al medio y para siempre.

Este disco se graba inmediatamente después de lo de Chile, con la memoria fresca, hay varios temas que son testimonios de época, por desgracia, más vigentes que nunca, en otra demostración de que los problemas del mundo son más o menos los mismos desde que el hombre es hombre. “El que no cambia todo no cambia nada” canta Zitarrosa en “Triunfo agrario”, un tema que hoy en día se consideraría obsceno, en un ambiente derechizado a nivel global, donde cualquier atisbo de reforma, cambio del status quo o como se le quiera llamar, es mirado automáticamente con desconfianza. Las notas de autor de la contratapa son seis o siete párrafos que valen casi tanto como la música que contienen. Sobre todo para conocer a un tipo de esos que parecían más sabios que el resto de los mortales, como Atahualpa (de quien hace una impecable versión de la milonga “Los hermanos”), el Dylan veinteañero o Tom Jobim. Cita textual “la verdadera división pasa entre el Imperio y sus colonias, entre el Pueblo y nuestras respectivas oligarquías apátridas, desde el Atlántico al Pacífico, aquí y allá, en Chile y en mi país…” cualquier parecido -o equivalencia absoluta- con la realidad de nuestros días... se podría decir que no es casual.

Nada de esto tendría sentido si la música de Zitarrosa no hubiera superado el paso tiempo y es ahí, precisamente, donde el andamio se mantiene firme, como nunca, su voz tiene la nobleza de un roble, a prueba del viento, su enunciación es impecable y su convicción incorrompible. Estos tipos eran héroes populares y deberían seguir siéndolo, nos vendría muy bien a todos.








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Alfredo Zitarrosa - La canción del cantor
Alfredo Zitarrosa - Guitarra negra
Alfredo Zitarrosa - Si te vas

5 Tapas 5: Ideal para el verano

Con: Melvins, Procol Harum, Apple, Gas Huffer e Isaac Hayes

Por vida: A Tribute to the Songs of Alejandro Escovedo

Viene dando vueltas desde hace rato, ya con The Nuns, su primer banda, fue telonero de los Sex Pistols en la nefasta gira yanqui que terminaría destrozándolos. Después formó Rank and File, con quienes hizo tres discos de estudio, entre ellos el infravalorado Sundown, del ’82, que podría encuadrarse con Green On Red o los Long Ryders, en aquello que fue el retorno al rock de raíces, con pibes que venían del punk. Después tuvo otras bandas de menor trascendencia como The Setters o True Believers (excelente rock de guitarras) incluso una vez empezada su carrera solista, allá lejos y hace tiempo con el magnífico Gravity.

A principios del nuevo milenio se enfermó de Hepatitis C y, como no tenía seguro médico… todos sabemos lo que pasa en Estados Unidos en esos casos. Por suerte los temas de Alejandro Escovedo siempre les gustaron mucho a sus colegas y ahí fue cuando acudieron a ayudarlo, cuando más lo necesitaba. Un disco tributo a beneficio, para decirlo en pocas palabras.

Algunos de los que dijeron presente son el interminable Steve Earle, que también hizo mucho por revivir la gloria que merecía Townes Van Zandt, la rompe con “Paradise”. Lucinda Williams se luce en el arranque con “Pyramid of Tears”, Calexico hace lo propio con “Wave”, un temazo de uno de sus grades discos, A Man Under the Influence y los Cowboy Junkies le dan su habitual tratamiento narcótico a “Don’t Need You”. Es doble y sin embargo no sobra nada, un signo evidente de la riqueza del catálogo de Escovedo, uno de los escritores de canciones más honestos, descarnardos y creíbles de los últimos treinta años. Así desfilan también Los Lonely Boys, rompiéndola con el tema que decían que le gustaba a Bush, “Castanets” y que Escovedo se negó a seguir tocando, Peter Case, ex-líder de los Plimsouls, canta “The End” y lo hace muy bien, los Jayhawks encaran sin miedo “Last to Know” y el enorme Ian Hunter le pone su cascada voz a otro de los temazos de Gravity, “One More Time”.

La lista, vano intento de descripción, podría seguir un buen rato pero este disco doble -¡22 canciones!- no hace más que confirmar lo que muchos ya sabían; Escovedo es un letrista excelente, sus canciones conmueven y podría considerarse un “músico de músicos”, esos que nunca son del todo populares pero son reverenciados y admirados por colegas.

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Alejandro Escovedo - These Hands
Buick Mackane - The Pawn Shop Years
Alejandro Escovedo - Real Animal

Los Lobos - The Road to Gila Bend

Los Lobos fue la última "banda sísmica" en mi vida, la última que me modificó el ADN y me hizo replantear varias cosas, derribando prejuicios y taras que me impedían disfrutar de muchas cosas. Como casi todo lo que uno aprende, se puede aplicar a otros ámbitos de la vida misma.

La lección de Los Lobos es tan sencilla y modesta como trascendente y definitiva; sólo hay dos tipos de música, la que está hecha por amor a la música y la que no. La que está hecha por otros motivos, no importa cuáles; plata, mujeres, drogas... esa es la que no vale la pena, la que no merece un segundo de tu tiempo.

Este temazo lo tuve de cortina inicial durante un año en mi programa de radio y no me canso de escucharlo. Crazy Horse brindando con tequila y con los amplificadores en once.





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Desde Kiko en adelante que hacen discos que podrían considerarse maduros, eclécticos... los tipos parecen estar de vuelta de todo. Y un detalle no menor; tienen la misma formación desde practicamente siempre: César Rosas, David Hidalgo, Conrad Lozano, Louie Perez y Steve Berlin.
The Town and the City (2006)

AC/DC - Let There Be Rock

No vamos a hablar mucho de lo que fue y significó AC/DC porque absolutamente todo el mundo los conoce y bastante bien. Quienes puedan llegar a leer estas líneas tienen una idea aproximada, seguro. Sí vamos a hablar de los años iniciáticos, al borde de la tan ansiada conquista mundial de los hermanos Young. A pasitos nomás, cuando todavía eran teloneros de gente como UFO o Cheap Trick. Particularmente de Let There Be Rock, tercer disco internacional y cuarto a nivel australiano.

Alguien merece ser rescatado del olvido y es George Young, hermano mayor de Angus y Malcolm, había sido un miembro fundamental de los Easybeats, bien llamados “los Beatles de las antípodas” y había probado las mieles del éxito, por lo menos en Europa. Sabía de sonido, era productor, tocaba muy bien varios instrumentos, se sentaba al piano a testear, analizar y dar vuelta las canciones durante el proceso de composición de cada álbum. Con su también compañero en Easybeats, Harry Vanda, fueron pilares indispensables, sobre todo en los primeros años. Cuando tuvieron que cambiar de productor -para Highway to Hell- a instancias de Atlantic, fue un sufrimiento y un duro golpe para la banda.

Let There Be Rock también tiene algunas particularidades, es el primer disco que tiene el inolvidable logo, a pesar de que en Australia y en algún que otro lado salió con otra tapa. Es el último con Mark Evans en el bajo, antes de ser reemplazado por el histórico Cliff Williams. También es el primer LP en donde contaban con mucho equipamiento, todavía no eran millonarios, llevaban una vida muy austera en la ruta, invertían lo que ganaban y dormían en pocilgas, decididos a ser la banda más grande del mundo. Estaban muy cerca de lograrlo, tenían mucho hambre de gloria y eso se refleja en cada una de las canciones. ¿Qué decir del contenido? “Go Down”, “Dog Eat Dog”, el impresionante tema que da título, con una de las letras más logradas de Bon Scott, “Problem Child” ganchero, irresistible, bailable incluso. El oscuro “Overdose” y el final a todo trapo con “Whole Lotta Rosie”, el super clásico absoluto del disco, el que siguieron tocando en cada uno de los conciertos hasta el final. Rock and roll cuadrado y duro, sin vueltas ni pretensiones, palo y a la bolsa.

La conquista universal le costó a AC/DC la vida de uno de los cantantes con más carisma y personalidad de la historia de la música pesada. Entra Brian Johnson, sale Back In Black y el resto es historia más o menos conocida. Acá era cuando las papas ardían al fuego. El primer disco perfecto de AC/DC.







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AC/DC - Powerage
Rose Tattoo - Assault & Battery
The Angels - Dark Room

Video de la Semana: Tommy Keene - Places That Are Gone

Tommy Keene pasó a mejor vida hace unos días. Temazo de Songs from the Film, del '86.

Disco del Mes: Nina Simone - High Priestess of Soul

Nina Simone
High Priestess of Soul
1967










Phillips

Queens of the Stone Age - Villains

Mientras el oyente promedio de rock sigue desempolvando los mismos discos que escuchaban cuando tenían veinte años, repitiendo pavadas como aquello de que hoy en día no hay nada nuevo que valga la pena, hay gente que todavía sigue confiando y haciendo cosas, moviéndose. La pregunta sería… ¿no será que ya están viejos? OK, no hay nada nuevo pero… ¿Cuál fue el último disco que te tomaste la molestia de escuchar con atención?

Este es un disco moderno de rock con todas las letras, tiene ideas nuevas, tiene fuerza, sangre y rockea muy duro, salvajemente por momentos. El chiste de la gacetilla de prensa es que en los controles está Mark Ronson, productor estrella, su nombre ha figurado en discos de gente que no nos interesa para nada, que podría considerarse “El Enemigo”, si se quiere. El tipo algo debe saber porque Villains tiene una identidad propia y suena excelente, hay que decirlo. ¿Hizo grandes cambios en Queens of the Stone Age? No, de hecho hay un parentesco con el anterior, con Like Clockwork. Sí hay algún que otro sintetizador o un pequeño truco de producción con las voces y los coros pero de ninguna manera es “El Disco Bailable” que algunos han encontrado, la identidad de la banda, está intacta.

Hoy en día Queens of the Stone Age está completamente atado a los avatares de Josh Homme, líder y alma máter de la banda, desde que decidió fletar a su ex compañero y amigo en Kyuss, Nick Olivieri, el tipo está sediento, quiere más. De ahí la elección de productor, posiblemente, sus nuevas poses, el auto-apodo, eso de Elvis Colorado ¿Alguien puede culparlo por querer vender más discos o llegar a más gente? Las canciones de Villains lo exoneran de cualquier acusación. “Fortress”, el primer tema “diferente” del disco, número cuatro en la lista, no deja de ser un tema de rock, acá no hay transa ni intentos de masividad, sí es un tema medio Bowie, de la época de Low o ‘Heroes’, oscuro y sórdido, con un clima parecido al del disco de Iggy Pop que produjo Homme hace poco, Post Pop Depression.

No es un disco de heavy metal, donde podrían haber estado metidos (tirando de los pelos) en los primeros dos o tres discos. ¿A alguien le importa eso todavía?







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Kyuss - Blues for the Red Sun
Queens of the Stone Age - Songs for the Deaf
Burning Brides - Anhedonia

5 Tapas 5: Calzados

Con: The Pointer Sisters, The Smithereens, Foghat, NRBQ y Tim Rogers

The Doors - Waiting for the Sun

Una de esas bandas que están ahí, en la vida de todos, desde siempre, que pasa por todos los estadíos; descubrimiento, indiferencia, cariño, redescubrimiento y así sucesivamente. Los conoce todo el mundo, todos escuchamos sus hits, esos temas que cuesta volver a escuchar por lo gastados que están, pero no muchos se han metido a investigar minuciosamente la discografía de los californianos. Hay hallazgos y sorpresas a lo loco.

Por empezar los Doors, a diferencia de muchos de la época, no suenan a banda de los sesenta, los discos están muy bien grabados, la manera de componer y arreglar las canciones es prácticamente futurista. Uno escucha Kinks o los Beatles y los discos suenan de acuerdo al momento en que fueron registrados, con los Doors no. Atemporalidad absoluta, se podría decir.

Y después está Jim Morrison. Uno de los más grandes cantantes de rock and roll de todos los tiempos. Podés cagarte de risa de sus conatos poéticos, su imagen pública, la manera en que lo han pintado en ciertas películas y libros, pero no podés pasar por alto lo que es Morrison como cantante. En ese apartado es imbatible. Como Elvis o Sinatra, saca adelante las canciones más pobres o intrascendentes, él sólo con su voz, su voz contra el mundo.

Como detalle histórico se puede recordar que los Doors tenían material para dos discos antes de entrar a un estudio y de ahí es que se hicieron The Doors y Strange Days, para la altura de este, el tercero, tenían que hacer algo más difícil; ponerse a componer en medio de las giras, en el estudio, bajo presión, drogados, en pedo y con todo el viento en contra. Cómo es que salen con un disco como Waiting for the Sun bajo el brazo, es una especie de milagro rockero. Este disco tiene “Hello, I Love You” que no creo que a nadie la haga falta volver a escuchar en su vida y con ese empieza el asunto, de ahí en más agarrate fuerte para lo que se viene. La melancolía de “Love Street”, un temazo de la mano de “Not to Touch the Earth”, impresionante desde cualquier punto de vista, psicodélico, asfixiante, atemorizante, uno de los grandes temas olvidados de los Doors. ¿Qué banda tiene supuestos rellenos de la calidad de “Wintertime Love”? En este mismo disco están “The Unknown Soldier” y “Spanish Caravan” y si todo eso te parece poco termina con “Five to One”, uno de esos temas-manifiesto, medio inocentes desde su perspectiva pero, otra vez, como Jim Morrison es un cantante de otro mundo, comprás, te lo crees.

Como prueba de que estaban escasos de temas, en los bonus de la indispensable reedición, no hay prácticamente nada, salvo el sobrevalorado “Celebration of the Lizard”, uno de los ejemplos de todo lo que no vale la pena en una banda que, cuando picaba alto, era impresionante. Casi siempre.








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The Doors - The Soft Parade
Ray Manzarek - The Golden Scarab
The Collectors - Grass and Wild Strawberries

Video de la Semana: Sombrero - El errante

Del segundo LP de estudio, Sombrero II.

Jane Weaver - Modern Kosmology

Uno de los discos más comentados en lo que va del año ha sido Modern Kosmology de Jane Weaver y es entendible, esta es una grata sorpresa, en más de un sentido. Pero Weaver está lejos de ser una artista nueva o de reciente aparición. Tenía una banda de brit-pop en los noventa, Kill Laura, después formó Misty Dixon y en su carrera como solista, que empezó a principios de la década anterior, ya lleva casi diez discos de estudio.

¿De qué se trata el asunto? De un disco moderno, producto de estos tiempos, definitivamente, con no pocas referencias al pasado, pero esto sólo se podría haber hecho hoy, las influencias que amontona (hay guiños por todos lados), el sonido, la producción y la manera de componer, pertenecen cien por ciento a la segunda década del siglo veintiuno.

Siempre viene bien algún anclaje para saber a qué nos atenemos, a ver si le dedicamos el valiosísimo tiempo que hace falta, en los días en que no hay tiempo para nada… igualmente terminamos invirtiendo ese tiempo tan valioso en un puñado de idioteces insignificantes. Stereolab, sin duda, la voz tiene un parecido muy evidente con la de Lætitia Sadier, usa inflexiones vocales que tienen que ver y el timbre se acerca mucho. Kraut-rock alemán de principios de los setenta, otro tanto, Can, Neu! sobre todo, que se podría decir que hoy son manual de consulta de muchos músicos a nivel mundial, se escucha en los ritmos monótonos e insistentes, en los pocos cambios de acordes y en las texturas de los teclados, los intereses cósmicos y las percepciones alteradas. Sería un verdadero disco de psicodelia moderna.

A diferencia de muchos que podrían inscribirse dentro de esta categoría, el de Jane Weaver tiene una variedad musical y temática que hace que funcione como disco, haciendo que fluya con naturalidad y que no aburra sin pegar golpes debajo del cinto, sin volantazos bruscos. Variedad, musicalidad, propuesta muy cerrada… ¿hace falta algún otro condimento?







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Jane Weaver - The Fallen By Watch Bird
Dirty Projectors - Bitte Orca
Björk - Medúlla

Captain Beefheart - Moonlight on Vermont

Inolvidable manera de conseguir un disco. Tenía un equipo de bajo grande en mi casa, de un conocido al que nunca soporté. Al él no parecía interesarle mucho y estaba juntando tierra en mi casa hacía ya dos o tres años. En aquel entonces existía una cadena que te compraban objetos y electrodomésticos usados. Lo llevé.

Me dieron una miseria de plata, apenas me alcanzó para comprarme Trout Mask Replica, el primer disco que tuve de Captain Beefheart, el más difícil de desentrañar. Todavía hoy no puedo decir que lo haya develado del todo, cosa que sí me pasó con casi todo el resto de su discografía. ¡Cuanto que han robado de acá! Sobre todo Tom Waits, "robo" en el mejor sentido de la palabra. Desde Swordfishandtrombones en adelante...





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No es mi caso pero éste el el favorito de muchos de los fans de Don Van Vliet y es entendible. Doble, ambicioso, larguísimo, para mi gusto los temas hablados le juegan en contra a nivel continuidad. Igual está lleno de favoritos; "Frowland", "China Pig", "Sugar 'n' Spikes", etc.
Trout Mask Replica (1969)

Video de la Semana: Black Rebel Motorcycle Club - Ain't No Easy Way

¡Qué gran disco Howl! Tercer LP de estudio de Black Rebel Motorcycle Club. Este tema, en su momento, tuvo mucha difusión.

5 Canciones 5: Kilbey / Kennedy, Calamaro, The Moons, Renbourn / Williamson y Björk

Law of the Jungle
Steve Kilbey & Martin Kennedy

Para los fanáticos de Pink Floyd que hace rato se cansaron de comprar reediciones que no traen nada nuevo. O de buscar en estafas como The Endless River. O soportar las diatribas extra-musicales de Waters. Kennedy vive en Tasmania, al sur de Australia, aislado de todo y no quiere saber nada con salir a tocar los discos que hace con el incansable líder de The Church. Le manda los archivos, Kilbey hace las letras y se los devuelve cantados. El resto es poco menos que magia.

Aparece originalmente en: Glow and Fade (2017)

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Los Aviones
Andrés Calamaro

Treinta y siete canciones. ¿Cuantos temas le sobran a Honestidad Brutal? ¿Diez? ¿Quince? En el último disco decente de Andrés, alias "El Salmón", antes del incendio definitivo, todavía tiraba perlas como ésta, un tango a su manera. Muchos puristas se han escandalizado por la manera de encarar la música porteña de Calamaro. A veces le sale y a veces no, él es el peor a la hora de editarse y debe estar rodeado de chupa sangres y obsecuentes. Pero cuando pica alto, está a la altura de cualquiera de los grandes.

Aparece originalmente en: Honestidad brutal (1999)

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Jennifer (Sits Alone)
The Moons

¿Existe todavía en Inglaterra gente que se moleste por hacer canciones en el sentido clásico de la palabra? Los pibes de The Moons por lo visto te dan la respuesta y de manera contundente. Podría haber sido un tema de Rubber Soul o The Who Sell Out tranquilamente. Acordes pensados en función de la composición (y no al revés), armonías vocales, cierto parentesco con The Coral, cierto idealismo pasado de moda -el video lo dice todo- pero mucho oficio de songwriter.

Aparece originalmente en: Fables of History (2012)

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The Lights of Sweet St. Anne's
John Renbourn & Robin Williamson

Dos capos absolutos del folk inglés unen fuerzas para Wheel of Fortune, grabado en vivo en el '93; John Renbourn y Robin Williamson, de Pentangle y The Incredible String Band, respectivamente. Los dos tienen frondosas carreras solistas, mucho más largas y pobladas que sus estadías en esas dos bandas clásicas del género. Esto te lleva directo a los bosques de Sherwood, a Avalon, el Rey Arturo y su corte. ¿Game of Thrones? No, gracias, ya tengo vuelo en primera.

Aparece originalmente en: Wheel of Fortune (1993)

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It's Oh So Quiet
Björk

Más de veinte años tiene el segundo LP de estudio de Björk, Post, un disco que todavía hoy suena completamente moderno e inclasificable. "It's Oh So Quiet" es uno de los clásicos y te hace preguntarte si es en joda, si es irónico o si sólo está demostrando que puede meterse con cualquier género y salir bien parada. En este caso sería una especie de estándar de jazz retorcido, una big band de los cuarenta. El video es imperdible, otra muestra de que sí, por más que a vos no te guste, Björk es una genia.

Aparece originalmente en: Post (1995)

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Disco del Mes: Miles Davis - A Tribute to Jack Johnson

Miles Davis
A Tribute to Jack Johnson
1971










Columbia Records

Monsters of Folk - ídem [1er. LP - 2009]

Supergrupos. Se puede polemizar un rato… ¿sirven para algo? ¿Aportan, valen la pena? O son simplemente músicos divirtiéndose y haciendo facha. En realidad el concepto es un poco anticuado si se quiere. Era muy común en la década del setenta, cuando músicos de bandas que se iban desintegrando se juntaban con otros en la misma condición y hacían un disco, a lo sumo dos, con resultados más o menos olvidables.

No es el caso de Monsters of Folk, dos vienen de Bright Eyes; Connor Oberst y Mike Mogis, está M. Ward que siempre fue solista, también le fué bien con el dúo chica / chico She & Him y por último Jim James de My Morning Jacket, una de las grandes bandas de los últimos años, continuadores de aquella “música cósmica americana” iniciada hace ya varios años por Gram Parsons con los Byrds primero y los Flying Burrito Brothers después.

Hasta ahora hicieron solamente este disco homónimo en el ’09 y, a diferencia de lo que suele suceder, Monsters of Folk es un gran disco. Tiene la gran virtud de unificar a tres compositores diferentes entre sí, hacer que las canciones de cada uno formen parte de un todo uniforme, cohesionado. Quien conozca la obra de las partes separadas podrá detectar con relativa facilidad a quién pertenece en realidad cada una de las canciones, a pesar de los engañosos y democráticos créditos compartidos. “Whole Lotta Losin’” es claramente de M. Ward, es su habitual relectura del rock nerd de los cincuenta, Buddy Holly a la cabeza. El que sigue, “Temazcal” no puede ser de otro que de Oberst, quien en sus discos suele tener problemas de auto-edición y saca casi todo lo que compone, acá sale ganando. “The Right Place”, el que viene es de James, claramente, no sólo porque es el encargado de la voz líder, lleva su huella en todo sentido. Se deben haber divertido mucho grabando este disco y se nota, a pesar de que hay cierta melancolía inevitable viniendo de quienes viene, el disco tiene una onda festiva y jodona que lo diferencia de los trabajos por separado de los miembros. En el medio hay temazos como “Losin to Head” o el encargado de abrir, “Dear God (Sincerely M.O.F.)” e incluso los rellenos no son evidentes, por oficio, por estar hechos con ganas y grabados con todo lo que esta gente tiene a mano, que no es poco.

¿Los Traveling Wilburys de la era moderna? Ahí hay otro ejemplo de supergrupo que funcionó, que dejó algo más que unas buenas fotos de vejetes abrazandosé y sonriendo para la ocasión. Podría ser… ¿Por qué no?







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M. Ward - Transfiguration of Vincent
My Morning Jacket - It Still Moves
Bright Eyes - I'm Wide Awake It's Morning