2023: Disco del Año, del Mes y "del Año"

Mojave 3 - Excuses for Travellers

Acá hay un cambio de rumbo, un golpe de timón. En realidad no es tan grande como parece, mejor expliquemos un poco. Neil Halstead era un poco el capo de Slowdive, una de las bandas insignia del movimiento que algunos llamaron shoegaze, en la década del noventa. Eran bandas que tocaban con mucho volumen, temas sencillos, sin demasiadas vueltas, con miles y miles de capas de guitarras, ruido, voces y la mar en coche. El disco emblema bien podría ser Loveless, de My Bloody Valentine. Cualquiera de los tres primeros de Slowdive le podría pelear el puesto en realidad, con Souvlaki a la cabeza, que fue el que quedó como clásico con el paso del tiempo.

Slowdive hace un parate en el ’95, después de la salida de Pygmalion y ahí nomás Halstead sale al ruedo con Mojave 3 y Ask Me Tomorrow, el LP debut, en ese mismo año. El cambio en realidad tiene que ver con la ropa, con la forma en que se presentan las canciones. Capaz que se había cansado del volumen atronador y decide colgarse la acústica. Si a esto le agregas lo que tenían las de Slowdive, en realidad te quedaría una cosa muy parecida. Acá es una onda folkie, más relajada, unos porros y sentarse al lado del arroyo, con la ramita de junco colgando de la boca, para dar un lugar común más que una imagen.

Por ejemplo “Trying to Reach You” bien podría ser un tema de Harvest, de Neil Young o (y esto lo digo como un elogio) de cualquiera de los cuatro primeros de James Taylor. Es el tipo solo con la guitarra llorando, amando, pensando… viviendo en definitiva. Las canciones se toman su tiempo, acá no hay urgencias de ningún tipo, en mi “Life In Art”, una canción hermosa por donde se la mire -u oiga- los instrumentos van apareciendo de a poco, el tempo es un caracol de jardín, lentísimo, casi un bostezo. Hay gente que saldría corriendo a toda velocidad al ser expuesta a música como la de Excuses for Travellers, el tercero de Mojave 3. Sirve para un montón de cosas; los arrumacos, dejarlo bajito y leer, irte a dormir arropado, como cuando tu mamá te ponía la frazada como a vos te gustaba, una mañana soleada con mate y amigos, en el auto, lo que sea. Y también podés escucharlo sin hacer ninguna otra cosa porque está lleno de pequeños detalles sonoros y guiños de producción. No es poca cosa.

Los discos de Mojave 3 son intercambiables en el mejor sentido de la palabra, si te gustan este tipo de canciones y querés más, no querés escuchar siempre las mismas te viene bárbaro, no creo que sea indispensable tener toda la discografía, con uno o dos medio que estás bien. Son cinco álbumes de estudio. Empezá con cualquiera. Está todo bien.






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Chequear también:
Hope Sandoval & the Warm Inventions - Bavarian Fruit Bread
Mojave 3 - Spoon and Rafter
Belle and Sebastian - If You're Feeling Sinister

La Máquina de Hacer Pájaros - ídem [1er. LP - 1976]

Alguna vez Héctor Starc, guitarrista conocido como “La Bola de Ruido” e integrante fundamental de Aquelarre (y más tarde Tantor) decía que “el que no toca jazz es un paquete”. Declaración polémica y a la vez entendible, sobre todo para aquellos tiempos. Después se arrepintió, supuestamente. Mediados de los setenta, Miles Davis ya había hecho Bitches Brew, Di Meola y MacLaughlin eran el paradigma del guitarrista y el rock progresivo / sinfónico era el furor absoluto. La idea era llevar las cosas a un extremo, en todo sentido. A nivel ejecución, interpretación, composición, arte de tapa… todo. Después pasó lo que todos sabemos, pero en esos años se hicieron cosas increíbles. Tómalo o déjalo.

Charly García venía de Sui Generis, el dúo con Nito Mestre que fue una suerte de Simon and Garfunkel made in Argentina. Se cansaron de vender discos y convocar gente en sus conciertos. Ya para la altura del tercer y último LP, Instituciones, se veía que el viraje iba a ser grande. Ahí es cuando se forma La Máquina de Hacer Pájaros, con JL Fernández en bajo, el gran Oscar Moro en batería, Gustavo Bazterrica en guitarras, y Carlos Cutaia y el mismo García en teclados. Es la banda semi-olvidada de Charly, que en Argentina es poco menos que un prócer, musical y algo más.

Hay un sitio de internet que se llama Rate Your Music, también conocido como RYM, en donde los usuarios y melómanos del mundo entero califican y describen sus favoritos. Los dos discos de estudio de La Máquina tienen su nombre en negrita, las letras más grandes y marcadas que las comunes o normales. Eso significa que el disco tiene aprobación universal, eso sería que muchos usuarios a lo largo y ancho del planeta lo tienen en alta estima. Es simple; RYM no miente, acá no hay verso. Y es que son discos sobresalientes. Me atrevo a decir que, si esta gente hubiese grabado -y tocado- en UK o en Estados Unidos, hoy hablaríamos de ellos a la altura de Yes, King Crimson o cualquiera de los diez grandes grupos del género.

La musicalidad que tenían es impresionante, habían logrado un grado de ensamble a nivel banda que requiere de mucho; habilidad técnica, conocimientos de teoría musical, horas y horas de ensayo… esto no lo hacía cualquiera. Y tenían canciones. Algo importante. “Como mata el viento norte”, con su onda medio folky y marcada influencia de Crosby, Stills & Nash. “Por probar el vino y el agua salada”, que no hubiese estado fuera de lugar en Fragile o Close to the Edge.

Charly García tuvo el buen tino de saber adaptarse a los tiempos, cuando esto quedó medio desfasado o la hora de tocar muchísimo ya había cansado, supo cambiar a tiempo y armó Serú Girán, que también tenía cosas intrincadas pero era más accesible, más apto para todo público. Ahí vino la canonización, historia que dejamos para otra oportunidad, para la próxima.







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Chequear también:
Sui Generis - Vida
Serú Girán - Bicicletas
Charly García - Yendo de la cama hacia el living / Pubis angelical

Video de la Semana: Willie Nelson & Keith Richards - We Had It All [live]

Estos dos ya se habían juntado a hacer este clásico, esta es de hace unos días, para el cumpleaños número noventa (90!!!!!) del gran Willie Nelson.




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5 Canciones 5: Wigwam, Eric Mercury, Mahavishnu Orchestra, Marc Almond y Diana Ross

Crisader
Wigwam

Banda de rock progresivo proveniente de un país sin demasiada tradición en lo que a exportación rockera respecta. Tienen cuatro o cinco discos buenísimos, a la altura de cualquiera de las grandes bandas. Leasé Gentle Giant, Yes, Genesis, o lo que desees. Pero claro; son de Finlandia. En su momento deben haber pasado desapercibidos con la enorme competencia -y talento- propia de aquellos años. Acá hay un guitarrista excepcional y mucha variedad musical. Lo peor que le puede pasar a un disco de prog-rock es quedar a medio camino, cosa que suele suceder. Ni cerca de ese límite están estos.

Aparece originalmente en: Being (1974)

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Don't Lose Faith In Me Lord
Eric Mercury

Soul clásico. Lo que algunos denominan southern soul o deep soul. Como sea; llamemoslé música sin fecha de vencimiento. Para entrar al estribillo, el baterista mete una especie de cambio, de segunda a cuarta velocidad, eso queda increíble en la canción, suma. Cuando termina el segundo estribillo aparece la sección de cuerdas con un motivo hermoso. Ni idea quién produjo este disco, está hecho con mucho criterio. Después de eso sí, viene el solo de guitarra. Para el deleite auditivo y, de paso, contrarrestar la andanada de música imbécil que suena por todos lados hoy en día.

Aparece originalmente en: Love Is Taking Over (1973)

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One Word
Mahavishnu Orchestra

Bueh... ¿qué decir? Mahavishnu, disco clásico cien por ciento. Entendible que haya gente a la que esto le causa rechazo. Musicalmente es impresionante, los tipos estaban en un nivel de vuelo creativo altísimo. Se puede decir que Charly y sus muchachos escuchaban mucho esto en la época de La Máquina de Hacer Pájaros. Delirio, climas, musicalidad absoluta, cambios de tempo inesperados, solo de bajo a los dos minutos (aprox.) e ideas infinitas. Se puede decir que son pretenciosos al extremo. Tenían las herramientas para serlo... y bancársela.

Aparece originalmente en: Birds of Fire (1973)

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She Took My Soul In Istambul
Marc Almond

Ex-Soft Cell y de extensa carrera solista. Este tipo siempre fué por la suya, su propio camino, he grabado al menos seis o siete discos muy valiosos y sigue en pié, en buena forma. En un intento medio inutil de describir este temazo podríamos decir que es un Nick Cave de la era Tender Prey, mucho más afinado y un poco más blando, mas pop. El arreglo arábigo de los teclados (puestos bien al frente) ayuda a contar la histora. Temazo. Las mil y una noches en formato canción.

Aparece originalmente en: The Stars We Are (1988)

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What You Gave Me
Diana Ross

No es el disco definitivo de la diva ni por asomo, pero si lo ves por ahí llevalo, tranquilo, sin dudarlo. Es una especie de compilado armado por la compañía discográfica, una ensalada. La cara A tiene temas nuevos y al darlo vuelta hay otros viejos que habían quedado afuera o algo por el estilo. Este sería de los nuevos, con una producción ultra moderna que no tiene nada que envidiarle a los discos de vanguardia de aquellos años de este género; Gloria Jones, Moroder, Broken English de Marianne Faithfull, viene por ahí la mano.

Aparece originalmente en: Ross (1978)

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Radio Birdman - It Breaks My Heart

Otra de esas bandas que quizás se vieron perjudicadas -en su momento- por entrar dentro de la gran bolsa de gatos que es el punk. Algo parecido a lo que pasa con los Ramones, Radio Birdman es una banda de rock and roll, rock de guitarras. Unas guitarras alucinantes, eso sí.

"It Breaks My Heart" es canchero a más no poder. Un tema que lo escuchás y te preguntas cómo les habrá salido, son de esos que tienen los australianos que destacan inmediatamente. "Aloha Steve and Danno", "More Fun", "Smith & Wesson Blues"... hay varios.

Ya la estrofa te captura al instante, el tema es rápido y la voz del gran Rob Younger es diferente, tiene algo inusual. Además el estribillo tampoco se parece a uno habitual, como que encaja dentro de un riff o de unos acordes inquietos. Sin embargo es pegadizo.

Como si todo esto fuera poco, incluye un par de frases memorables, cito algunas; "tres años parecían una eternidad en lo profundo del exilio, tres meses fueron apenas un día" o "cuarenta bajo cero en pleno Diciembre, disco de radio mirando al cielo, tratando de entender al remitente desconocido".






Podés escucharla en YouTube.

Encontrala originalmente en:
La discografía de los Birdman no es muy frondosa pero lo que sacaron es todo excelente. Living Eyes es el segundo LP de estudio. Después hay una larga brecha de tiempo en que la banda se separa, hay proyectos de varios integrantes (los New Christs!) y vuelven unos veinte años después con el magnífico Zeno Beach, del 2006.
Living Eyes  (1981)

5 Canciones 5: Long John Baldry, Spiritualized, The Doobie Brothers, Can y José Feliciano

Don't Try to Lay No Boogie-Woogie On the King of Rock and Roll
Long John Baldry

Si lo podemos relacionar con algo más o menos de la misma época, podría ser con cualquiera de los discos de los Faces o alguno de los cuatro primeros de Rod Stewart solista. Algo así como rock and roll acústico. Si el nombre del LP te suena es porque el tema que dá título fué versionado por Bowie nada menos que en The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars. Tenía ganas de escribirlo entero ya que el título de este tema es largo también. Esto tarda tres minutos en "arrancar", pero cuando entra la banda... ¡agarrate!

Aparece originalmente en: It Ain't Easy (1971)

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Good Times
Spiritualized

Segundo LP de estudio, despúes de Spacemen 3 y antes de la pegada que fué Ladies and Gentlemen... el que le siguió este. Acreditado a Spiritualized Electric Mainline vaya uno a saber porqué, tiene todo lo que tiene que tener un gran tema de Jason Pierce y sus acólitos. Guitarras podridas, una cuota extraña de rock yanqui tradicional, voces de ultratumba sumergidas en reverb y -a lo sumo- tres o cuatro acordes. ¿Para qué más?

Aparece originalmente en: Pure Phase (1995)

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Long Train Runnin'
The Doobie Brothers

En un momento medio que "quedaba bien" burlarse de este tipo de música. Hoy no tanto, más bien al revés, esto tuvo su revancha con los años. Son los habituales vaivenes en el gusto de la gente. De la poca gente que todavía escucha música no idiotizante, vale decirlo. Esto sería el paradigma del soft-rock californiano de primer mitad de los setentas. Creo que la aceptación viene por el lado de que había grandes músicos acá, buenas composiciones y unas grabaciones impresionantes. Que no sólo han sobrevivido al paso del tiempo, esto se imita hoy en día, gente tratando de sonar así.

Aparece originalmente en: The Captain and Me (1973)

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Oh Yeah
Can

Rebeldes, revulsivos, revolucionarios. Esta gente sí que sacudió el avispero. También vale recordar que es difícil encontrar momentos para meterte en este mundo, en este laberinto sonoro cerebral. Si podés encontrar ese momento tenés garantizado un viaje a un lugar al que seguramente nunca fuiste. Hay que ver si querrás volver, acá te podés encontrar con sombras que desearías no haber visto. Damo Suzuki delirando afiebrado, la banda se queda más o menos en el molde para que los fantasmas vayan y vengan. Esto es Can en su esplendor, Tago Mago, Ege Bamyasi, Future Days... una dimensión desconocida. Que vale la pena conocer, claro.

Aparece originalmente en: Tago Mago (1971)

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Virgo
José Feliciano

No soy experto en José Feliciano ni mucho menos, pero tengo cinco o seis discos y todos son cumplidores, tienen algo para ofrecer. Este, en cambio, me pareció que está en otro nivel, este te agarra de las solapas. Es distinto. Se ve que el amigo se había zambullido de lleno en cierta música, se me vienen a la mente P-Funk, War, Johnny "Guitar" Watson, ese funk con la guitarra bien presente. Improvisado, con una clara onda de zapada, de banda grabando en vivo en el estudio. Como debe ser.

Aparece originalmente en: And the Feeling's Good (1974)

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Tom Petty - Wildflowers

“Bajo mis pies la hierba está creciendo, es momento de mover, es momento de seguir adelante”. Simple. Cortito y al pié. Nunca fue un tipo que se destacó por sus letras sin embargo tienen su encanto, su atractivo. Este disco tiene una especie de eje conceptual; es el cambio, el salir adelante, ver que hay que hacer algo para que las cosas no queden en su lugar.
No sé los detalles biográficos de la vida de Tom Petty, tampoco es que importen mucho, creo que su “disco de divorcio” es Echo, lo leí en algún lado, pero este tiene algo de eso también. Lo bueno de estos temas es que te podés relacionar con una frasecita, algo simple. Siempre tuvo esa virtud. Un título con gancho, que pueda adaptarse a las necesidades y las vidas de cualquier persona, sin demasiados rebusques intelectuales. O a lo mejor es así por decisión, después de mucho pensarlo, no es relevante. Es así y es creíble. Algo fundamental en el rock and roll. O creés o reventás. O te pasa de largo.

Por algo era amigote de tipos mayores como Dylan, Neil Young y Harrison, que no eran gente que le iba a dar bola a cualquiera. Se ganó su lugar y merecidamente. ¿Se acuerdan de los Traveling Wilburys? Inolvidables.

Nunca entendí eso de solista o con los Heartbreakers, como si el resto de la banda pudiese tomar algún tipo de decisión. Además no figuran en la tapa pero están casi todos. Sí están dos fundamentales que son Benmont Tench y el gran Mike Campbell, que son dos que siempre aportaron y mucho.

Un dato no menor; acá produce Rick Rubin, quien hacía pocos meses había resucitado la carrera de Johnny Cash con el primer volumen de sus míticos American Recordings. Hay un cambio en el sonido, un menos es más, cierta sequedad o parquedad que podríamos decir que tiene que ver con el tipo que había grabado a los Beastie Boys y a Slayer. Aunque la gloria de Wildflowers son sus canciones, como suele suceder. El rock poderoso dice presente con “You Wreck Me”, “Cabin Down Below” (ideal para la ruta) o el blusero “Honey Bee”, que bien podría haber sido un tema de AC/DC por su densidad, pesadez y la gordura hermosa de esas guitarras. No es descabellado pensar que Tom Petty nunca había ido a parar a lugares como “Only a Broken Heart”, el tema que dá título al álbum o “Time to Move On”, en donde la banda suena madura, contenida, tocando en los lugares precisos, esas cosas que suelen hacer los músicos con años de ruta encima.

Hace poco salió una reedición de Wildflowers con -atención- cinco o discos (o eran cuatro, para el caso es lo mismo) con temas que quedaron afuera, tomas descartadas y la habitual payasada orientada al coleccionista que habita un palacio residencial y tiene cuentas corrientes en algún paraíso fiscal caribeño. Más allá del precio, si quedaron afuera por algo habrá sido. Todo bien con el formato físico pero tratemos de no fomentar las pavadas.







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Tom Petty & the Heartbreakers - You're Gonna Get It
Tom Petty & the Heartbreakers - Southern Accents
Tom Petty - Highway Companion

5 Tapas 5: Juan Oreste Gatti

Con: Donna Caroll, Alejandro Media y La Pesada, Crucis, Pastoral y Medina Azahara.

5 Canciones 5: The Ritchie Family, Alessi, Squeeze, Margie Joseph y Ashford & Simpson

Where Are the Men
The Ritchie Family

La tapa no podría ser más gay. La foto es casi un lugar común. El contenido es música disco de altísima factura. Como esto estaba de moda, como suele suceder, había mucha plata puesta en estas grabaciones. El sonido es impresionante. El lado B tiene un medley de tres temas que son un ejemplo claro de que no toda esta música era descartable. Una línea de bajo demoledora, fuerte, presente, irresistible. Qué bueno poner cuatro adjetivos uno atrás del otro y que nadie te rompa las pelotas.

Aparece originalmente en: Bad Reputation (1979)

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Gimme Some Lovin'
Alessi

Hace poco ví un video en YouTube en donde alguien se tomaba la molestia de diseccionar este disco. Yo lo tenía hace rato y nunca le había dado mucha pelota. Lo volví a escuchar. Está bien, no es para alquilar balcones, pero tiene lo suyo. Cover de The Spencer Davis Group, la banda en la que Steve Winwood hizo sus primeros pasos, tema omnipresente en cualquier compilado de música de los sesenta. Buena versión, llevada al palo de esta gente, algo que podría definirse como rock blando de la segunda mitad de los setenta. Ahora le dicen yacht rock, o algo así.

Aparece originalmente en: Words and Music (1979)

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In Quintessence
Squeeze

Banda difícil de encasillar, eran una especie de Beatles de la new wave, tenían mucho talento. De acá salieron Glenn Tilbrook, Paul Carrack, Chris Difford y Jools Holland. Este último famoso por su programa musical, para la época de East Side Story ya no estaba en Squeeze. Pop perfecto sería, unos XTC con menos pretensiones. El solo de guitarra está buenísimo, corto, conciso, como debe ser.

Aparece originalmente en: East Side Story (1981)

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Takin' All the Love I Can
Margie Joseph

La etiqueta con el logo del rayito (Volt) no miente. Subsidiaria del mítico Stax, tuvieron cinco o seis años en que todo lo que sacaban era de bueno para arriba. Y este discazo no es la excepción, continuación natural de un debut impecable como fué Margie Joseph Makes a New Impression... del mismo año!!! Esta gente no perdía el tiempo cuando veían que había talento. Arreglos de cuerda, producción sin escatimar nada y una cantante a la altura de Aretha, Etta James, quien se te ocurra.

Aparece originalmente en: Phase II (1971)

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Don't Cost You Nothing
Ashford & Simpson

¡Uf! Esos graves te pegan en las tripas. Qué impresionante instrumento. Cuando está bien tocado es una cosa de locos. Acá arranca el bajo solo así que te captura de entrada. A esto se le puede llamar groove, se ha imitado hasta el hartazgo y todavía hoy se sigue haciendo. A me por lo menos me pasa que, cuando escucho algo actual que viene por este lado, lo único que me provoca es ganas de ir a buscar estos discos, Curtis Mayfield, Marvin Gaye... the real thing, digamos.

Aparece originalmente en: Send It (1977)

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Video de la Semana: Van Morrison - The Healing Game

Tema que dá título al disco de estudio número veintiseis de Van the Man.

Tema que ya tocó varias veces; "Starting a New Life" en Tupelo Honey y "The Healing Has Begun" en Into the Music.




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