Disco del Mes: Milton Nascimento - Clube da esquina 2

Milton Nascimento
Clube da esquina 2
1978










EMI

5 Canciones 5: Jorge Ben, Danzig, Dwight Twilley Band, Superchunk y Cheap Trick

Descobri que eu sou um anjo
Jorge Ben

Hay un héroe anónimo en el movimiento conocido como Tropicalia y es el señor Rogério Duprat. Escribió arreglos de orquesta para todos los gigantes; Caetano, Tom Zé y Os Mutantes, por nombrar sólo a algunos. En el disco homónimo de Jorge Ben del '69, hace su magia en dos de las canciones, "Barbarella" y esta belleza cósmica. "No, conmigo nunca más, las cosas van a cambiar a partir de ahora" canta en lo que podría traducirse como "hoy descubrí que soy un ángel".

Aparece originalmente en: Jorge Ben [Criola] (1969)

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Left Hand Black
Danzig

Te lo podés imaginar en el gimnasio, con cara de malo, gritando frente a un espejo sus letras de perversiones de adolescente trastornado y reírte un poco. Qué lástima que sabemos quién y cómo es porque para escucharlo hay que olvidarse de su costado risible. El Elvis Gótico tiene muchos temazos y este es uno de esos. A mitad de su tercer LP,  después de desarmar Samhain. Suena pesado y podrido, como sonaría L.A. Woman si hubiese sido grabado veinte años después. Dato curioso; la tapa del disco la hizo H.R. Giger.

Aparece originalmente en: Danzig III: How the Gods Kill (1992)

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Sleeping
Dwight Twilley Band

Es notable la cantidad de propuestas distintas que terminan entrando dentro de la categoría power pop. ¿Qué tiene que ver esto con The Records o los Plimsouls? Sí, son canciones brillantes, con coros y guitarras al frente. Lo del Dwight Twilley es pop sin vergüenza, con la frente bien alta pero tiene unas ideas que no a muchos se les ocurren, "Sleeping", del segundo LP de estudio -y último con el amigo Phil Seymour- es una clara muestra.

Aparece originalmente en: Twilley Don't Mind (1977)

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Detroit Has a Skyline
Superchunk

Suenan como un millón de bandas de la misma época, Dinosaur Jr., Volcano Suns, Cracker... ¡esto aúlla años noventa! Pero a la vez tienen algo personal, propio. Le prestan mucha atención a las canciones, a los arreglos. La voz melancólica y chillona de MacCaughan tiene lo que hay que tener para sacar adelante este tipo de banda y canciones. Una para volver a agarrar el skate y robar en el quiosco.

Aparece originalmente en: Here's Where the Strings Come In (1994)

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The Flame
Cheap Trick

Festejando sus tres mil años de carrera en su ciudad natal, Rockford, Illinois retomando el tema más exitoso y polémico que tuvieron. No está escrito por ellos, no lo querían grabar en un principio pero es el tema por el que mucha gente, que no conoce ningún otro tema de Cheap Trick, los puede ubicar. En la versión en vivo de Silver no hay tanto maquillaje como en la original, de Lap of Luxury. Acá se puede apreciar claramente que es un tema enorme.

Aparece originalmente en: Silver (2001)

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The Damned - Under the Floor Again

Los Damned están desde siempre, desde que uno iba a las disquerías maltratadoras de Belgrano, cerca de Cabildo y Juramento, a buscar esos discos que no habías visto en ningún otro lado, ni en el Parque Rivadavia. Digerir el primer disco me llevó unos cuantos años pero Machine Gun Etiquette (el tercero) me volvió loco en seguida. Para el resto ya tenía la guardia baja.

"Under the Floor Again" es Vanian demostrando que había aprendido a cantar, que podía pasearse cómodo adentro de una canción, bajar el volumen y pelar matices, siempre dentro de su particular estilo. Cuatro o cinco ideas musicales cosidas y empaquetadas, no se le ven las costuras. Como decían los XTC; THIS IS POP!. Pop perfecto, bien entendido.





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Sufrían mucho por que el público que tenían no estaba para nada interesado en la apertura musical -y mental- que estaban experimentando. Para esta época tenían un alto perfil por el éxito como solista de Captain Sensible y se podían dar el lujo de meter más instrumentos, grabar con más tiempo y experimentar en el estudio. Éste es un disco irrepetible, único.
Strawberries (1982)

Field Music - Open Here

El tema que da título aparece más o menos a la mitad, es un colchón de cuerdas medio nervioso, hace pensar en los XTC de Skylarking y English Settlement, folk pastoral para esos pocos días en que sale el sol en Inglaterra. Hay cambios que sorprenden y cuando llega al estribillo dice que “todos esos que son alguien caen muertos por vos, quieren un pedazo tuyo”.

Open Here es el séptimo LP de estudio de Field Music, la banda de los hermanos David y Peter Brewes, formada a mediados de la década anterior. Ya con los primeros discos habían generado no pocos comentarios elogiosos de los medios especializados del mundo, a diferencia del noventa por ciento de los que aparecen en las secciones estilo “la banda que más promete”, estos supieron mantenerse y crecer.

¿Por dónde viene la mano musicalmente hablando? En algún lugar entre medio del rock artista de Bowie, Roxy Music y el Genesis de The Lamb Lies Down On Broadway, el rock progresivo de principios de los setenta (el original, digamos) y los experimentos de Kraftwerk y Neu! Pero ¡ojo! estos son nombres que vienen a la mente a la hora de tratar de darle un anclaje, con algo que resulte conocido porque Field Music, por empezar, sólo podría haberse dado hoy, en plena era moderna. Acá no hay un solo rastro de retro mania de ningún tipo. De hecho la parte conceptual del disco hace mucho hincapié en el la salida de Gran Bretaña de la comunidad europea, el tan mentado Brexit y el viraje general del mundo hacia la derecha más rancia, conservadora e ignorante. Y Field Music en general y Open Here en particular es cualquier cosa menos esos últimos adjetivos.

Sí es ambicioso, elaborado, delicado, íntimo y requiere de cierto nivel de atención para revelar su encanto, un poco a contramano de la música que quieren imponernos las manos negras que gobiernan el mundo. “Si esta cárcel sigue, así todo preso es político” cantaban los Redondos en Un baion para el ojo idiota. Los Field Music, sin duda, forman parte de la resistencia.







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5 Tapas 5: Guitarras al viento

Con: Slade, Be-Bop Deluxe, Freddie King, Baden Powell, The Lurkers

João Gilberto - Amoroso

El lado A empieza con “’S Wonderful” de los hermanos George e Ira Gershwin, cantado en inglés, seguido inmediatamente por una versión del clásico “Estate” de Martino y Brighetti, en italiano y, al final del primer lado, una versión de casi diez minutos de “Bésame mucho”, cantado en español. ¿Uno de los compositores más grandes de la música popular brasilera está tratando de decir algo entre líneas? ¿Lá música verdadera no necesita de idiomas, puede prescindir de su significado estricto? Nunca lo sabremos, el prócer bahiense nunca fue hombre apegado a las palabras, mucho menos a las explicaciones. Para agregarle condimento al cóctel cosmopolita, Amoroso está grabado en Nueva York con arreglos de orquesta de Claus Ogerman, el mismo que colaboró en los dos discos de Sinatra y Jobim, fundamentales para hacer de la bossa nova una música de popularidad y renombre mundial.

A fines de la década del cincuenta ya era relativamente famoso y había sentado las bases de la música de su país, redefiniendo una tradición, con Vinícius de Moraes, Dorival Caymmi y el ya mencionado Jobim, una generación anterior a los tropicalistas (Caetano, Gal Costa, etcétera) quienes más tarde fusionarían absolutamente todo. Las grabaciones de João Gilberto de “Chega de saudade”, “Samba de uma nota só” o “Desafinado” definen un género, de apariencia simple pero de una complejidad armónica sorprendente. Famoso por sus eternos desplantes, malhumor constante y la infinidad de conciertos interrumpidos cuando cree que la audiencia no está prestando la atención necesaria o escucha ruidos que le molestan, de la manera que prefiere hablar o se expresarse, es a través de su música.

Amoroso aparece a mediados de los setenta, con su autor completamente consagrado a nivel mundial y no difiere mucho del considerado “sonido clásico” que lo hizo famoso, con la salvedad de la orquesta de Ogerman, que suma y mucho. Los arreglos son delícadisimos, están puestos donde tienen que estar y nunca se interponen entre la voz, casi siempre un susurro, de João Gilberto. En el lado B son todas versiones de Jobim, empezando por una interpretación preciosa del super clásico “Ola de Mar”, más conocido como “Wave”, por la versión con Sinatra. Más universal imposible.







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Loquillo y los Trogloditas - Morir en primavera

Lo querés o lo detestás, así de simple. Lo que no te va a pasar es que te deje indiferente. Es de esos tipos con mucha personalidad, como Calamaro, Dylan o Johnny Thunders, que hacen de su vida su obra y viceversa. Auto-referenciales a más no poder, repletos de tics -se podría decir vicios a esta altura- vocales que hacen que los conversos se rían cómplices y los que están en la vereda de enfrente salgan corriendo o revoleen el disco por la ventana. Siempre lo supo e hizo de eso un escudo, en la contratapa de Morir en primavera, quinto disco de estudio de Loquillo y los Trogloditas, decía “a nuestros enemigos porque ellos nos dan la fuerza para seguir adelante”. Dicen que si no tenés enemigos es porque no estás haciendo nada…

Los tipos forman parte de lo que se conoce como “La Movida Madrileña”, un puñado de bandas aparecidas coincidiendo con la caída del régimen asesino de Franco en España, escena que surge después de años de opresión, pacatería y acartonamiento típico de los gobiernos de derecha. Al parecer, aquellos años de principios de los ochenta en la península ibérica, fueron de un nivel de reviente considerable, que se cobró no pocas víctimas, como siempre sucede, vamos tío.

Para la altura de Morir en primavera la banda se caía a pedazos, Sabino Mendez, quien escribió la mayor parte de los temas de los Trogloditas, pronto iba a pegar el portazo y el éxito se les estaba subiendo a la cabeza a todos, Loquillo incluído, por supuesto. A pesar de eso, si tenés que escuchar un solo disco de los Trogloditas, no harías mal en elegir este. Acá aparece el himno generacional por excelencia, uno de esos que si no lo tocaban en vivo los mataban, “El rompeolas” con su “no hables del futuro es una ilusión, cuando el rock and roll conquistó mi corazón” para corear en estadios, éste también tiene la versión de Georges Brassens de “La mala reputación”, una locomotora a punto de descarrilar, al mejor estilo Johnny Cash y, como si fuera poco, “Todo el mundo ama a Isabel”, otro de esos clásicos inoxidables. También hay algún que otro relleno, pero en Morir en primavera estos temas tienen un nivel de decencia que sorprende, gratamente. Hay dos versiones de “Besos robados”, una al final, pero la que quedó en la memoria de muchos es la más rockera, a la mitad del disco y la primera en el lado B del LP original.

Loquillo separaría a los Trogloditas después de unos años, para seguir haciendo -musicalmente- más o menos lo mismo, con buen nivel, con discos como Balmoral o La nave de los locos. Actualmente sigue dando pelea con envidiable altura. Más de un metro noventa de rock and roll y personalidad arrolladora.








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