2021: Disco del Año, del Mes y "del Año"

Emmylou Harris - Wrecking Ball

Un poco de resumen viene bien. Emmylou Harris cantó coros en los dos discos como solista de Gram Parsons, esos que definieron lo que él mismo llamaba “música cósmica americana”, después de su breve pero definitivo paso por los Byrds y el hito que fué Sweetheart of the Rodeo. No fueron discos que fueron “entendidos” en seguida, llevó décadas hacer que el tiempo les dé la razón y Emmylou hizo un trabajo no menor en ese proceso. En los discos que la convirtieron en una estrella, esa seguidilla brillante en la década del setenta (Elite Hotel, Pieces of the Sky o Luxury Liner) siempre se encargaba de meter alguna versión de Parsons, ayudando a construir el mito en que se convertiría el ex-capo de los Flying Burritos.

La diferencia entre ella y varios que venían del country, música de raíces o como se le quiera llamar, es que siempre fue más cosmopolita, más abierta, incluyendo siempre interpretaciones de temas que podrían considerarse inesperados y hasta fuera de lugar por ciertos sectores más conservadores. Fácil; Emmylou Harris siempre fue bastante más que la imagen de chica granjera que más de uno se hizo de ella. Este disco es la prueba, en caso de que haga falta.

Wrecking Ball sale en el ’96 y es de esos trabajos que marcan un nuevo principio, un resurgimiento. Sí o sí hay que mencionar a alguien que es parte importante del triunfo que representa y es Daniel Lanois. Venía de hacer su magia como productor de Oh Mercy de Bob Dylan, un poco después de haberse hecho famoso a nivel mundial con The Joshua Tree, de U2, por supuesto. Acá la producción es mágica, eleva a las canciones a alturas insospechadas, nadie hubiera pensado que “Goodbye” de Steve Earle era algo más que una buen tema. Acá se convierte en un monumento sonoro, con la voz impresionante de Harris, quien entrega una performance notable, y el aporte de Lanois, construyendo climas y atmósferas. Este es básicamente un disco de versiones, pero algo lo despega del resto, los temas están elegidos de manera especial, se nota, y hay dos de la pluma de Lanois, que es probable que hayan sido escritos para la obra. “Every Grain of Sand” de Dylan estaba sepultada por una producción más bien anodina en Shot of Love, acá se convierte en algo digno de enviar al espacio, para mostrar en qué andábamos musicalmente hablando los humanos, en aquel entonces. Neil Young, Lucinda Williams y hasta Gillian Welch pasan por el filtro Harris / Lanois de manera sobresaliente, en un disco que cierra por todos lados, armado con un concepto clarísimo.

Vale recordar que Dylan vuelve a llamar a Lanois para Time Out of Mind, después de haber tenido algún que otro desencuentro y los dos salen con un disco histórico, que tiene mucho en común con Wrecking Ball. Seguramente lo debe haber escuchado.








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Emmylou Harris - Roses In the Snow
Willie Nelson & Family - Honeysuckle Rose [música de la banda sonora original]
Daniel Lanois - For the Beauty of Wynona

Video de la Semana: Marc Almond - How Can I Be Sure

De otro gran disco de versiones de Marc Almond, Shadows and Reflections, del '17.

En este caso, el original es del disco Groovin', de los Rascals.

5 Canciones 5: The Durutti Column, Powderfinger, Aerosmith, Echo and the Bunnymen y Rush

What Is It to Me (Woman)
The Durutti Column

Del enésimo disco de estudio de la banda de Vini Reilly, un tipo prolífico y original. ¿A qué se parece esto? ¿De qué te podés agarrar para "entrarle", para tener algún punto de referencia? A nada. Si eso te complica el asunto es una lástima porque esto es de una belleza considerable, música para levitar, sin fecha de vencimiento. Esto es virtuosismo guitarrístico bien entendido y asimilado, en función de la composición.

Aparece originalmente en: The Guitar and Other Machines (1987)

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These Days
Powderfinger

Australia es otro mundo. Tienen sus propias reglas, su clima... y sus bandas, por supuesto. Estos son estrellas en las antípodas y este es el cuarto disco de estudio. Banda de rock de guitarras, como no podía ser de otra manera. Neil Young, Embrace, los Bluetones... se puede hacer comparaciones. Esto es un himno, por lo que leí por ahí fue un tema premiado, es una suerte de clásico moderno. Merecido.

Aparece originalmente en: Odyssey Number Five (2000)

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No Surprise
Aerosmith

Cuando era más chico y el disco "de la vaca" en la tapa estaba por todos lados, con los videos esos tan caretones, con la minita que estaba buena y cuyo mayor rebeldía era irse de la casa de sus papis ricos, ahí los odiaba con mente, cuerpo y alma. Mas tarde me enteré que había una etapa anterior. Acá no está Joe Perry y está grabado con la banda cayendosé a pedazos. Pero tiene este temazo.

Aparece originalmente en: Night In the Ruts (1979)

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Life Goes On
Echo and the Bunnymen

De esos temas en que "comprás" en seguida. Al menos en mi caso. Echo and the Bunnymen siempre me gustó mucho, no me molesta para nada la etapa que podría considerarse más conservadora de la banda, que sería todo aquello que no está incluído en los cuatro primeros discos de estudio de los de Liverpool. Ian McCulloch canta de otra forma, acá hay un guiño evidente a los riffs de Rickenbacker de Roger McGuinn en los primeros Byrds. Hermoso estribillo, por cierto. La vida sigue. Claro que sí.

Aparece originalmente en: Flowers (2001)

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The Analog Kid
Rush

Los canadienses abandonan las guitarras y abrazan los sintetizadores para su LP de estudio número nueve. No es tan así, Signals tiene momentos muy poderosos, como este tema que se llama, no casualmente, "el pibe análogo". Después de Moving Pictures y el disco en vivo -Exit... Stage Left- que sirvió para cerrar una etapa, este parecía el paso lógico a seguir para Rush. Uno de esos cambios que terminan saliendo bien.

Aparece originalmente en: Signals (1982)

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The dB's - Neverland

En un momento se me pasó la pasión por los "tapados". Me quedé sin tiempo o preferí dedicarle ese tiempo a otros más famosos que no tenía del todo digeridos. Sí me quedó una gran lección de aquellos años; muchos pueden estar a la altura de los grandes, SIN el reconocimiento.

¿Cuantos Lennon / McCartney habrá en el semi-anonimato? Esta es una de esas duplas. Peter Holsapple y Chris Stamey son de esos que se sacaban chispas en cada uno de los discos. Banda de culto, muy reverenciados en ciertos sectores pero casi desconocidos para la gran mayoría del público rockero.

Este es un temazo a puro nervio, a toda velocidad, pegadizo al máximo, con dos o tres decisiones inteligentes.




Se puede escuchar en YouTube acá. Tiene algo que podría llamarse "video oficial".

Encontrala originalmente en:
Los dos primeros discos de los dB's son atesorados con mucho cariño por los amantes del power pop y la new wave. Stands for Decibels y este, que es el segundo LP de estudio. El tercero no está nada mal (Like This) y a mí me gusta mucho el disco reunión del 2012, se llamó Falling Off the Sky.
Repercussion (1982)

Utopia - Deface the Music

El impresionante milagro de los Beatles. Todavía hoy sigue dando tela para cortar, es muy probable que siga siendo tema de charla y generando ventas millonarias mientras la humanidad siga en pié, algo que puede suceder pronto, al paso que venimos.

Deface the Music es básicamente un ejercicio de estilo. “I Just Want to Touch You” es “Love Me Do”, el que le sigue, “Crystal Ball” podría ser un equivalente a “Help!”. Cada uno de los temas está compuesto usando ideas que los Beatles podrían haber usado en sus canciones, a lo largo de su carrera. Avanza cronológicamente, el tercer tema, “Where Does the World Goes to Hide”,  ya representa la etapa más folkie, la que correspondería a Rubber Soul. Impresiona corroborar el grado de obsesión que generaban los cuatro de Liverpool, hubo una generación que creció sacando los temas, estudiando los estribillos, los juegos de voces y hasta los métodos para grabar y arreglar. Incluso en Wikipedia, para quienes se entretienen con este tipo de juegos, hay una especie de cuadro explicativo que relaciona cada uno de los temas de Deface... con su correspondiente “fuente”, discutible en algunos casos.

Este es el quinto disco de estudio de Utopia, la banda que armó Todd Rundgren para volver a sentir que tenía una banda y en la que, probablemente, tomó todas y cada una de las decisiones que se pueden tomar estando en el marco de un grupo. Se sabe; a The Runt -tal su apodo- tenía un ego considerable, en la década del setenta le salían todas, también producía (Grand Funk, New York Dolls, Cheap Trick) y sus discos como solista tenían aceptación, incluso el doble Something/Anything? había traído sus frutos, con temas vendedores como “Could’t I Just Tell You” o el inmortal “I Saw the Light”. En vez de explotar el momento, sale con un golpe de timón bien brusco de la mano del glorioso A Wizard, A True Star, que más de uno debe haber comprado sin escuchar, llevándose un chasco bien grande.

Volviendo a Deface the Music, hoy un homenaje a “Day Tripper” muy fácil de detectar y cuando das vuelta el disco empieza la psicodelia, de la mano de “Hoy Poloi”, que bien podría estar basado en “Penny Lane” o en cualquiera de esos temas medio circenses y alegres que a Paul le salían de taquito. “Life Goes On” es “Eleanor Rigby” y supongo que debe haber sido adrede que el acompañamiento está grabado con sintetizadores, en vez de con un cuarteto de cuerdas, como aceptando la época en que se hacía la obra, esto es, 1980, nada menos.

Vale decir que no hace falta ser fan de los Beatles para disfrutar de estas canciones, por ahí te perderías algunos de los chistes musicales, que los hay y son varios. Vendría a ser algo muy parecido a The Rutles, si le restamos el sarcasmo y la ironía. Este es un trabajo de amor.







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Todd Rundgren - Runt
Runt - The Ballad of Todd Rundgren
Todd Rundgren - The Hermitt of  Mink Hollow

5 Canciones 5: Ornella Vanoni, Todd Rundgren, Astor Piazzolla, Nick Drake y Boomtown Rats

Acqua di Settembre
Ornella Vanoni

Era mayor que la gente que versiona en este disco, en una época en que diez años de diferencia en edad era un abismo. Paul Simon, Bee Gees, Lennon y hasta un tema de Genesis. La sorpresa es esta, un tema de Dave Lewis, de cuando todavía estaba en Andwella (previamente Andwella's Dream) y es uno de esos temazos al estilo de las joyas melancólicas de Pete Ham en Badfinger. ¿Alguien habrá reconocido el tema y recordado el original?

Aparece originalmente en: Un gioco senza età (1972)

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Influenza
Todd Rundgren

La versión que hizo Charly García la conocemos todos, la original, que es esta, no tanto. Y es una versión con todas las letras, en un momento en que García ya estaba en franca decadencia. Pero escuchó y vió la canción, seguro le deben haber gustado los cambios de acordes. La letra ni hablar. Para mi siempre fue un retrato de adicción muy elocuente, triste y sincero. Nunca te darías cuenta escuchando la de Rundgren, medio jodona, en claro contraste con lo que dice.

Aparece originalmente en: The Ever Popular Tortured Artist Effect (1982)

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Invierno porteño [nueva versión]
Astor Piazolla y su Quinteto

La relectura del clásico barroco de Vivaldi (Las Cuatro Estaciones, claro) para el hemisferio Sur, a cargo del gran Astor Piazzolla, no fue concebida como una totalidad, aparentemente. Pero sí las ha tocado juntas y en el orden en que aparecen en Buenos Aires; verano, invierno, primavera y otoño. Esta es una versión nueva, junto a su quinteto de principios de los setenta. Para subir a un taxi a la madrugada e ir mirando, mientras llueve.

Aparece originalmente en: Concierto para quinteto (1971)

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Northern Sky
Nick Drake

Esto es muy personal pero a mí, este, el segundo disco de Nick Drake, es el que menos me gusta de los tres. Pero igual me parece un discazo, muy completo y, sí, imprescindible. Por ahí porque es el más "amable" de los tres, el menos tortuoso. Los tres son discos para escuchar en momentos diferentes. Que maravilla la producción de Joe Boyd, una clase gratis de talento y buen gusto. Supuestamente es John Cale en los teclados, en este y en "Fly", según los créditos.

Aparece originalmente en: Bryter Layter (1971)

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Joey's On the Streets Again
The Boomtown Rats

La inmensa fama de Bob Geldof, por haber estado detrás del Live Aid y haber sido protagonista de la versión fílmica de The Wall, se comió a su banda, los Boomtown Rats. Casi nadie se acuerda de ellos, salvo por "I Don't Like Mondays", que todavía suena en las radios pero pocos saben de quién es. Esta es del primer disco, el más punk, lo que los diferenciaba de sus colegas de generación era que ellos les gustaba Springsteen, claramente..

Aparece originalmente en: The Boomtown Rats (1977)

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5 Tapas 5: menos es más

Con: New Order, The Folk Implosion, Wire, The Inmates y McCarthy.

Paul Brett's Sage - Schizophrenia

Un riff de guitarra bien podrido es lo primero que se escucha, muy parecido a “Sweet Leaf” de Black Sabbath, tema que también abría el tercer LP de estudio de los de Birmingham, Master of Reality. Después termina siendo un rock duro a medio camino entre Cream y Savoy Brown, con muchas guitarras, solos y arreglos. Así arranca Schizophrenia, el tercer y último disco de estudio de Paul Brett's Sage, una de esas banda de segunda o tercera línea que merecían un poco más, la falta de llegada o éxito de ventas nunca coincidió con falta de calidad.

Brett, quien en un acto de hidalguía bautiza al grupo con su nombre, ya era un veterano de varias batallas cuando formó Paul Brett's Sage, había tocado la guitarra en varios proyectos, entre ellos los míticos Tintern Abbey, que aparecen en todas las compilaciones de garage y freakbeat de la época, grabó en Ride a Hustler's Dream de Velvet Opera, y en la obra conceptual de Fire, The Magic Shoemaker.

Schizophrenia es una especie de ensalada de absolutamente todos los estilos que estaban en boga en la primera mitad de la década del setenta, con respecto a los dos anteriores, se podría decir que hay un claro filo más rockero, mas duro si se quiere, cuando los dos anteriores eran uno medio folkie, influenciado por CSN&Y (Jubilation Foundry, del ’71) y el primero, homónimo, un poco más progresivo. Alguien podría decir que la banda en realidad no tenia muy claro el norte, que no sabían bien qué hacer y no sería del todo descabellado, pero los tres discos que hicieron se sostienen muy bien y tampoco es que cambian tan radicalmente de uno a otro.

Tiene el temazo semi-obligatorio, que es “Take Me Back and I Will Love You”, que bien podría haber sido un himno generacional si le hubieron puesto la platita necesaria. En otro tema hay influencias de Traffic, en “Saviour of the World” se escucha una onda medio Jethro Tull, en otros podrían sonar un poco como Rod Stewart en sus extraordinarios cuatro primeros discos como solista, antes del cruce del Atlántico y el jet-set decadente. Sí, quizás se los puede acusar de cierta falta de personalidad, no inventaron nada, eso hay que decirlo, pero lo que hacen lo hacen con un aplomo sorprendente. Es uno de esos discos para los que estamos medio podridos de escuchar los discos clásicos y que, si tenemos ganas de ir a cierta época, preferimos algo como esto, que no lo hemos girado tantas veces.

Para evitar cierto desgaste de los héroes bañados en bronce. Para resumirlo.







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Tintern Abbey - Beesides: The Complete Recordings
Home - Pause for Hoarse Horse
Jethro Tlull - Minstrel In the Gallery

5 Canciones 5: k's Choice, Elis Regina, The Mothers of Invention, Urge Overkill y Foghat

Now Is Mine
k's Choice

¿Cuántas bandas de hermanos conocemos? Miles. Oasis, Kinks, Edgar Broughton Band, Virus... Pero bandas oriundas de Belgica como k's Choice hay pocas. Y que hayan vendido mucho, menos todavía. Giraron con Alanis Morrisette en el momento de mayor exposición de la canadiense. Cocoon Crash es el tercer disco de estudio y está producido por Gil Norton (Pixies, Triffids, etc.). Acá intentan una especie de "Eleanor Rigby" para la generación X. Con buenos resultados, hay que decirlo.

Aparece originalmente en: Cocoon Crash (1998)

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Ih! Meu Deus do céu
Elis Regina

Hablando de Beatles, en este disco, Elis saca adelante una impresionante versión de "Golden Slumbers", de la mítica cara B de Abbey Road. Pero con este temazo empieza el asunto. Percusión, arreglos de jazz medio Nueva Órleans, clima urbano pero cien por ciento brasilero, a nivel producción es una cosa de locos el tema. Y en cuanto a la parte compositiva (tema de Ivan Lins) no se queda atrás. Impresionante.

Aparece originalmente en: Ela (1971)

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My Guitar Wants to Kill Your Mama
The Mothers of Invention

Disco raro Weasels... Bueno, al fin y al cabo es un disco de Zappa, pero aún así, acá hay para todos los gustos, tiran toda la carne al asador y tiene momentos que son -hay que admitirlo- inescuchables. Pero casi al final aparece este clásico que le salva las papas a cualquiera. Tremendo riff, tema reconocible al instante, con esa forma de cantar de Zappa tan... me importa todo un rábano. Un tema que bien podría servir de introducción al mundo de estos marcianos. La parte instrumental sigue la línea inaugurada por Hot Rats, un poco antes.

Aparece originalmente en: Weasels Ripped My Flesh (1970)

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View of the Rain
Urge Overkill

Otros a los que los mató el jet-set y la vida delirante de Hollywood. Disco drogón y oscuro, ya desde la tapa. Pero acá hay un poco de aire, de oxígeno, podría ser un tema de Wild Wood de Paul Weller. Tampoco es un canto a la buena onda, si prestás atención a la letra, ahí está la cara triste del estrellato y la caída libre de las drogas duras. "Fijate de dar un paseo dentro tuyo, de conocer a la persona detrás de un rostro ¿Se trata de alguien a quien se puede amar?". Temazo.

Aparece originalmente en: Exit the Dragon (1995)

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Loose Ends
Foghat

Nunca me interesó Foghat, me parece que la etapa clásica de ellos está bien pero no es lo mío. O quizás en algún momento llegue, no lo sé. Cuando me dijeron que este era el disco power pop de ellos me zambullí de cabeza. Y no me defraudó. Acá hay nervio, una tonelada de guitarras, los tipos tocan con el aplomo que les da el hecho de ser una banda que ya tenía nueve LPs de estudio y varios años en la ruta. El final brusco, en medio de un solo alucinante, es otro punto alto.

Aparece originalmente en: Tight Shoes (1980)

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Video de la Semana: Blondie - Dreaming

Que terrible discazo Eat to the Beat, lo comparo con Adventure que lo único que tiene en contra es NO SER Marquee Moon. Este NO ES Parallel Lines.

Y... ¡qué grande Clem Burke!

Disco del Mes: Family - Fearless

Family
Fearless
1971










Reprise Records

5 Canciones 5: Chad & Jeremy, Van der Graaf, Clark/Corea/Henderson/Hubbard/White, Agustín Magaldi y The Fleshtones

Paxton Quigley's Had the Course
Chad Stuart - Jeremy Clyde

El último disco que grabaron, en la tapa figuran por primera vez con nombre y apellido completos, pero siempre se los recordará como Chad & Jeremy. The Ark, que también es uno de esos discos conceptuales en los que el concepto no lo entiende nadie (o en realidad nunca estuvo) tiene unas canciones hermosas. Alguno los puede tildar de preciosistas y no sería descabellado, nunca un grito o una estridencia. Lo de ellos es otra cosa, lo tomás o lo dejás. Este viene justo después de Of Cabbages and Kings, uno de los grandes discos olvidados de la Era de Acuario.

Aparece originalmente en: The Ark (1968)

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Cat's Eye - Yellow Fever (Running)
Van der Graaf

Algunas personas no deben poder entender cómo es posible que hay gente que escucha música perturbadora. ¿Será la misma gente que no mira películas de terror? ¿Tendrá que ver con algún tipo de placer masoquista? En fin... nadie cómo Peter Hammill y sus secuaces para pegarte un buen sacudón de adrenalina. Acá te hacen ver las estrellas, directamente.

Aparece originalmente en: The Quiet Zone / The Pleasure Dome (1977)

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Guernica
Stanley Clarke, Chick Corea, Joe Henderson, Freddie Hubbard, Lenny White

Fusión. Jazz rock. Jazz fusión. Año '82... para sospechar, para esa época el género ya había pasado hacía rato sus años de apogeo, con Mahavishnu, Weather Report, etcétera. Encima un supergrupo. Todo parece indicar que te vas a comer un garrón si te ponés a escuchar esto. No. Nada que ver, más bien lo contrario. ¡Y cómo ayuda el título! Para hacer que la mente haga su propia película, para el viaje sin moverse.

Aparece originalmente en: The Griffith Park Collection (1982)

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Paciencia
Agustín Magaldi

Otro viaje sin moverse. Esta vez a la prehistoria de la música grabada. Cuando Agustín Magaldi se ponía frente al micrófono, esto de grabar era algo nuevo, creo que recién hacía unos veinte años que se venía haciendo en el resto del mundo. Acá, en Argentina, era todo muy nuevo y, sin embargo, estas grabaciones, igual que las de Gardel (que era contemporáneo a Magaldi) suenan bien, soportaron estoicamente el paso del tiempo. De la composición y la performance ni hablemos. Magistral.

Aparece originalmente en: sencillo de 10'' (1938)

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Let's See the Sun
The Fleshtones

Disco debut de la banda de Peter Zaremba, Keith Streng y compañía. Otros que surgieron de la escena del CBGB, mucho menos celebrados que sus compañeros de generación, Blondie, Talking Heads, Television... Banda fiestera a más no poder ¿Será por eso? Y este es uno de los temas más jodones de Roman Gods. Si no te ponés a bailar con esto, es aconsejable que te tomés la presión. Puede que estés muerto en vida.

Aparece originalmente en: Roman Gods (1981)

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WAR - The World Is a Guetto

Tremenda línea de bajo. Lo primero que se escucha. Aparece la percusión, los instrumentos de madera y, casi en seguida, las voces, que no se hacen esperar. La producción es a lo grande, recogiendo el guante de lo que venía haciendo Norman Whitfield; un acorde, una textura generada por varios instrumentos dejando respirar, usando los silencios, un groove infernal, onda latina, esto es el sonido de Los Ángeles en la primer mitad de la década del setenta, irresistible. Fué el tema más vendedor de la banda por ancho margen y es uno de esos reconocibles al instante, tiene un poco que ver con Superfly de Curtis Mayfield y también con "Papa Was a Rolling Stone" de los Temptations, si bien acá la letra no tiene nada que ver con el género conocido como blaxploitation, la música se emparente de manera casi automática.

The World Is a Guetto es el quinto LP de estudio de WAR, para esta época ya habían pasado por todas, de hecho lo habían tenido como frontman al gran Eric Burdon para los dos primeros discos, Eric Burdon Declares "War" y el impresionante doble Black Man's Burdon. Pero esto ya es otra cosa, hay más variedad musical y, si bien se pueden haber perdido el cuelgue, la psicodelia o como le quieran llamar, se ganó en otros aspectos. Antes nunca podrían haber hecho un tema como "City, Country, City" por ejemplo, demasiado fino, ajustado al máximo, por momentos parece un tema de lo que ahora llaman yacht rock, ese rock californiano blanquísimo, típico de la época, con Eagles y Fleetwood Mac a la cabeza. Pero esto es cosa seria, son casi quince minutos de altísimo vuelo, con tremenda zapada incluída y un solo de saxo que se despega a varios metros del suelo, con las percusión y la base rítmica entrando en un trance tribal africano de esos que son oir para creer. Cuidado con el estado y el momento que elegís para escuchar esto, te puede llevar a otra galaxia. Fela Kuti, Osibisa, viene por ahí la mano.

“Four Cornered Room” es el segundo de los tres temas largos del disco. Empieza medio Morricone, una cosa muy de cine, misterio, sugerir más que mostrar, no hay demasiadas sorpresas, pero durante los más de ocho minutos hay una tensión casi insoportable, los tipos eran expertos en generar climas. Y ahora sí, el tema del título, otro que lo tiene todo; dinámica, recovecos para explorar en sucesivas escuchas, un riff identificable, cosas de jazz, momento zapador, una melodía vocal interesante... esto es WAR en un momento en que les salían todas. Representa muy bien el sonido de una era, si nunca lo escuchaste te estás perdiendo de algo valioso.








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WAR - Why Can't We Be Friends?
Kool & the Gang - Spirit of the Boogie
Fred Wesley & the J.B.'s - Damn Right I Am Somebody

Daniel Melero - Amor en pié

Una canción en el sentido tradicional de la palabra, hecha por alguien que está de vuelta de todo, que no le hizo asco a nada, probó y erró pero, a la hora de los bifes, puede pelar la vieja y querida canción perfecta.

Y este sería un buen ejemplo.

Tiene algo que me gusta mucho y que es lo que llamo El Acorde Inteligente, que está justo en lo que sería la resolución del estribillo, no es un acorde muy complicado pero llega inesperadamente y habla de un compositor que, a pesar de jactarse siempre de no saber teoría musical, conoce su oficio. La letra es muy linda también. Habla de cartas. ¿Quién manda cartas todavía? Muy romántico. Si hubiese dicho "emails" o "correos electrónico" o lo que sea, tendría la fecha de vencimiento al dorso.






Se puede escuchar en YouTube acá.

Encontrala originalmente en:
Disco raro, retorcido, experimental, da la impresión de que tiró los fideos a la pared a ver cuáles quedaban pegados... y cuáles no, claro. Tiene cosas de dub, música incidental, no tiene un concepto tan marcado o definido como otros discos de Melero. Me hace acordar un poco a Vanishing Point de Primal Scream.
Después (2005)

5 Canciones 5: Bryan Ferry, Alfie, Squeeze, The Damned y ELO

Bête Noire
Bryan Ferry

¿Un tango? Podría ser, tranquilamente. Adaptado a Bryan Ferry, de más está decirlo. Es el último tema de su séptimo disco como solista y también el que le dá título. Ambiental, erótico, manejando de manera hábil la línea que separa el cachondeo con el costado medio mersa que todos tenemos. Este es un paso más de lo que había sido Boys and Girls, el anterior, el que traía "Slave to Love" y "Don't Stop the Dance", uno que se cansó de sonar en telos y demás lugares de intercambio de fluídos.

Aparece originalmente en: Bête Noire (1987)

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Montevideo
Alfie

La verdad, se parecen a muchos grupos, de ahí quizás es que no hayan llegado a despegar del todo, me vienen a la mente The Bees, Zutons, una camada de bandas que sonaban parecido, a principios de siglo. Eran las bandas que tenían algo importante, más allá de la música en sí; dijeron que de repente no estaba mal escuchar cosas "viejas", en pleno auge de la eléctronica, en donde los lanzamientos tenían la misma duración que un yogur descremado, una fecha de vencimiento inmediata. A desperezarse, preparar el mate y viajar a la capital Uruguaya. Desde la comodidad de tu sofá, claro.

Aparece originalmente en: If You Happy With You Need Do Nothing (2001)

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Slaughtered, Gutted and Heartbroken
Squeeze

El rechazo del abandonado. El odio que uno se infringe cuando fué dejado y pisoteado, el clásico revolcón en la mierda propia. Ya desde el título mismo queda todo claro. Bueno... no todo en realidad, si es Squeeze sabés que nada va a ser muy serio. La música se encarga de sacarle el peso a un tema que podría ser una depresión infranqueable, vendría a ser una especie de jazz liviano, para balancear frases como "ahora mi corazón es una caverna profunda y oscura". Hermoso el solo de piano, vale decirlo.

Aparece originalmente en: Frank (1989)

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Daily Liar
The Damned

Los Damned se toman su tiempo para sacar música nueva. Ya el hecho de que sigan activos es casi un milagro, que hagan discos como Evil Spirits es directamente para sacarse el sombrero. El punk quedó atrás, está, pero a modo de referencia, de actitud más que nada. Esto es pop inglés por donde se lo mire. XTC, Martin Newell... roquea un poco más duro a decir verdad, así evitamos las comparaciones. Tremendo solo de guitarra del enorme Captain Sensible. Después meten un cambio y Vanian se dispara al infinito (y más allá). TEMAZO. En serio.

Aparece originalmente en: Evil Spirits (2018)

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Poker
Electric Light Orchestra

¿Tenían a la ELO de Jeff Lynne roqueando así? Parece esos temas de Queen como "Tie Your Mother Down" o "Sheer Heart Attack" pero en realidad esto es proto-punk, si le querés poner un título. Cuando corta y baja un cambio tiene un riff de guitarra buenísimo, antes de aventurarse en la parte clásica, como para que uno no se termine de olvidar que está ante un tema de Electric Light Orchestra. Por suerte los guitarrazos y la base al mejor estilo Motörhead vuelven rápido, no se hacen esperar.

Aparece originalmente en: Face the Music (1975)

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NOFX - Punk In Drublic

Nunca voy a olvidar el sacudón mental que me pegó la primer escucha de este disco. ¿Habrá tenido que ver con la edad? Tenía unos quince o dieciséis años, no había terminado la escuela secundaria, de eso me acuerdo clarito. Pleno desequilibrio hormonal, como cualquiera sabe, es la edad en que uno es una esponja en más de un sentido, cuando se puede incorporar y sos permeable a todo lo que te rodea. Pero más allá de lo personal, esto era algo nuevo. Tocaban a una velocidad desquiciada, poniendo cortes y arreglos en lugares inesperados, con una voz hiper chillona, las guitarras bien al frente y una actitud entre burlona y quejosa que era perfecta para un sub-20.

“The Cause”. La causa, lo estamos haciendo por la causa. Tenemos una causa, una razón de ser, eso sonaba importantísimo y más cuando venía con ese estribillo inolvidable. ¿Y cuál era esa causa? Nunca me molesté en averiguarlo, me parecía que lo importante era tener un motivo de lucha, el resto era secundario. Cosas de adolescente. ¿No es genial?

¡Qué bien armado está el disco! Dentro de lo acotado que era el estilo ellos tenían variedad, también me parece que en esta época les salían todas, incluso los temas menos logrados tienen algo para ofrecer acá. A lo mejor tiene que ver con lo nuevo que era todo esto y que, como suele suceder, en dos o tres años la fórmula iba a estar agotadísima, no era algo que iba a envejecer con gracia, más bien lo contrario. “The Brews” sería el un tema Oi! que en vez de orgullo nazi, habla de… ¡precisamente lo contrario! Y podés no tener la menor idea de qué va el asunto y poguear y cabecear como un poseso, o como mínimo canturrear los coritos. “Linoleum”, “Leave It Alone”; vaya forma de arrancar bien arriba, dos de los grandes temas de la carrera de NOFX. “Don’t Call Me White” otro temazo, tenían esas cosas, te sacudían unos temas que tenían pinta de importantes, de que los tipos tenían unos principios de acero, "yo no soy ningún facho", en la edad en que el blanco vs. negro lo es todo, esto te venía como anillo al dedo. Los metaleros, los archi-rivales de aquel entonces, cantaban sobre espadas, dragones y rosas, el mundo más irreal y alejado posible. No era tan así el asunto pero nos encantaba verlo de esa manera, había que dejar claro de qué lado se estaba. Como si alguien fuera a venir a felicitarte o a decirte “gracias loco, por tu aporte”, pero esa era otra historia.

Antes de Punk In Drublic (¡gran título!) habían hecho un disco bueno, con algunos rellenos para mi gusto, que es White Trash, Two Heebs and a Bean y después hicieron dos discos más que repiten la fórmula pero conservan la frescura. Después les perdí el rastro, como suele suceder, pero sé que los tipos siguen, como todos los que inventaron un estilo, pueden darse ese lujo. No quiero ni saber dónde ni cómo están las bandas de segunda o tercera línea que los acompañaban.








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Bad Religion - Recipe for Hate
Rancid - ...And Out Come the Wolves
The Offspring - Smash

Video de la Semana: Bob Dylan - Blood In My Eyes

Bob. Dylan. His Bobness. Robert Allen Zimmerman. Siempre Bob. Mucho más que un músico. Cualquiera que se encierre a practicar puede ser músico. Pero hacer lo que hace Dylan... pocos, muy pocos. Y a su nivel... NADIE.

De World Gone Wrong, del '93.

5 Canciones 5: Hawkwind (vol. II)

Magnu

El último disco de Hawkwind con Lemmy, que fué echado de la banda un día antes del lanzamiento de este, quinto LP de estudio. Si querés un tema para mostrar, representativo, bien podría ser este, encargado de abrir la cara B. Ruiditos de todo tipo, percusión, maldad, clima siniestro... son casi diez minutos de psicodelia pesada. Como esas películas que advierten sobre el contenido ("esto puede ser perjudicial para cierta gente") para ir dejando afuera a los susceptibles, alejate de "Magnu" si no estás preparado para una experiencia fuerte.

Aparece originalmente en: Warrior On the Edge of Time (1975)

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Hassan I Sahba

Adaptándose con naturalidad a los tiempos que corrían. Hawkwind fué una influencia no menor en los pibes que formaron las bandas punk, a mediados de la década del setenta, muchos los habían visto en vivo y aprendieron un par de lecciones de los amos del rock espacial. En Quark... hay un lavado de cara en el sonido sin perder identidad. Y en este temazo hay un solo de violín de Simon House que despega hacia la estratósfera.

Aparece originalmente en: Quark, Strangeness and Charm (1977)

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The Hills Have Ears

A pesar de que el único miembro original que queda es Dave Brock, el hecho de que sigan en pié ya es algo y, en la forma en que están, es poco menos que un milagro. Onward es un disco doble con mayoría de temas nuevos y algunas reversiones de viejos clásicos (una costumbre de los últimos veinte años) de la historia de la banda."The Hills..." empieza con los efectos espaciales habituales, pero cuando entra la banda es un vendaval sonoro arrasador. La voz fantasmágorica bien aguda es toda una novedad. Contundencia y vigencia. Hawkwind para hoy, mañana y siempre.

Aparece originalmente en: Onward (2012)

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Sleep of a Thousand Years

Las cosas se iban poniendo heavy metal para los Lores del Espacio. Por supuesto que si iban a hacerlo iba a ser a su manera. La cosa es sencilla; si NO te gusta Hawkwind, por más que te guste el heavy metal este disco NO va a "entrar". En cambio, si te gusta Hawkwind y NO te gusta la música pesada, The Chronicle... puede ser de tu agrado. Acá están todos los elementos para los conversos; el cuelgue, la dinámica, el ida y vuelta de las ideas musicales, etcétera. Con un cambio de sonido bien acorde a la época. TEMAZO.

Aparece originalmente en: The Chronicle of the Black Sword (1985)

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Dust of Time

Aparentemente el colorado Ginger Baker siempre había querido tocar en Hawkwind, duró un sólo disco, Levitation, pero es uno de los fundamentales. "Dust of Time" es otro lavado de cara en el sonido de la banda, una suerte de new wave mezclada con rock pesado. Con los efectos de sonido que siempre fueron marca registrada. La parte instrumental, con esos arpegios de piano, lo convierten en uno de esos temas diferentes, va volviendo de a poco y estalla, por supuesto.

Aparece originalmente en: Levitation (1980)

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