David Bowie - Pin-Ups

En la contratapa hay un breve párrafo manuscrito que dice que "Estas canciones están entre mis favoritas del periodo de Londres entre el '64 y el '67". Cuenta como era la escena y menciona lugares clave en donde "estaba el agite". "Algunos todavía están con nosotros. Pretty Things, Them, Yardbirds, Syd's Pink Floyd..." mencionando como si nada a The Merseys al lado de gigantes como the Who. Hay algo de intencionalidad en esas letritas rojas inocentes, para quienes gustan de leer entre líneas.

Se trata nada más y nada menos que de Pin Ups, el disco de covers de David Bowie, controversial, discutido y a la vez admirado y defendido. Viene después del impresionante Aladdin Sane (en el mismo año) y antes de Diamond Dogs. Algunos le bajan el pulgar porque está hecho para llenar una obligación contractual con RCA. Además justo después de semejantes alturas, los hitos que fueron Ziggy Stardust y su secuela, que venga un disco de covers... no pocos lo consideraron un retroceso artístico, como que no se lo bancaron.

Puntos a favor, por empezar, hoy con el siglo veintiuno bien entrado, a nadie le importa si vino antes o después de lavarse el culo o dejar las manitos en Hollywood. Además del mérito de ser el primer disco de covers con el concepto moderno, el que quedó instaurado para los rejuntes de versiones. Porque, por ejemplo, los discos de Elvis o Sinatra eran discos de covers técnicamente, pero no eran considerados como tal, ni siquiera se mencionaba el tema. Acá la idea tiene que ver con homenajear, saludar y agradecer. Hasta es contemporáneo al doble Nuggets que compiló Lenny Kaye. A pesar de las diferencias obvias, coincide en idiosincrasia, intención y espíritu.
Ni hablar de que la banda que graba y toca acá son los Spiders from Mars, el combo rocker por excelencia de Bowie. El único cambio es que se va Woody Woodmansey y entra el el sesionista estrella por definición de Inglaterra en la batería; Ainsley Dunbar.

El repertorio es, como mínimo interesante, llamativo. Tiene dos temas de los Pretty Things, que son "Rosalyn" y "Don't Bring Me Down", ambos del primer disco, el debut homónimo del '65. También tiene dos de The Who, "I Can't Explain" y "Anyway, Anyhow, Anywhere" y dos de los Yardbirds. Dejando bien claro por dónde estaba el amor corazón musical de Bowie en la década del 60. Tiene "Where Have All The Good Times Gone" de los Kinks para cerrar. En el medio no faltan los "rescates", con bandas perdidas como The Merseys, Sorrows y The Mojos. A su manera y quizás sin pretenderlo, hasta con Pin-Ups estaba trazando el camino. Si es un trabajo menor lo dejamos para quienes se preocupan por ese tipo de cosas.





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Del segundo solista de Noel Gallagher, Chasing Yesterday.

5 Canciones 5: The Illusion, Autos Robados, Exodus, Emma Pollock y Grateful Dead

Let's Make Each Other Happy
The Illusion

Un ejecutivo discográfico del hemisferio sur viaja a Nueva York y, luego de hacerlo entrar en tono, lo llevan a ver a The Illusion. El tipo queda alucinado, maravillado. Vuelve a su país y, todavía bajo los efectos de vaya-uno-a-saber-qué, convence a sus superiores de editar los tres discos que habían sacado... en Argentina! ¿Lo mejor de todo? ¡Lo logra! A lo mejor existe otro caso como este pero no era tan frecuente. Ediciones locales de una banda de segunda línea en mercados "emergentes"... Raro, como mínimo. La banda es muy buena, vale decirlo, no busques originalidad, se parecen a millones de grupos del momento. 


Aparece originalmente en: If It's So (1970)

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La desproporción
Autos Robados

Desparpajo total. Acá si que no hay plan, no hay careteo. Lo primero que salta a la vista acá es que no es una banda a la que le importa quedar bien, causar una buena impresión o pararse dentro de tal o cual postura / movimiento / veta artística. Esta es una banda que solo quiere rockear, contar alguna que otra historia, que la monada baile y se descontrole, que esa noche que de otro modo sería una mierda, sea una buena noche de rock and roll con amigos. Esto puede sonar desalentador para algunos, podés pensar "uf, otra más de esas". Fijate. Yo confieso que compré casi de entrada. Al tercer tema estaba convencidísimo.


Aparece originalmente en: La desproporción [EP] (2023)

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Forward March
Exodus

Impresionante sonido, por empezar. Acojonante. En el metal moderno no podés flaquear en este apartado así que Exodus, quienes nunca fueron de los más... dedicados en este apartado, deciden dar el pasito para Tempo of the Damned, el retorno de la banda de Gary Holt y compañía. Ya habían pasado más de diez años desde Force of Habit, aunque en el '97 sacaron un disco en vivo. "Forward..." es el momento épico del disco, con un sección instrumental muy jugada. Ideal para headbanguear hasta que el cuello pida clemencia.


Aparece originalmente en: Tempo of the Damned (2004)

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In the Company of the Damned
Emma Pollock 

¿Qué hay de diferente entre un disco solista de Emma Pollock y uno de The Delgados? Que acá canta todas las canciones ella. Más allá del chiste malo, algo de cierto hay, porque la idiosincrasia de su ex-banda es la misma; retorcer la música pop hasta donde se pueda, buscarle la vuelta al formato canción y exprimirlo al máximo. Eso es lo que hace en "In the Company..." Bueno, hoy los escoceses ya no están activos pero Miss Pollock sacó Begging the Night to Take Hold hace muy poquito. Con la misma búsqueda que siempre tuvo como norte.


Aparece originalmente en: In Search of Harperfield (2016)

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Born Cross-Eyed
The Grateful Dead

Que alguien se haya animado a mostrarle esto a una compañía discográfica ya es un acto de valentía. Que dicha compañía haya decidido editarlo, hacer una buena cantidad de copias y editarlo no sólo a nivel nacional... poco menos que un milagro. O un delirio. Encima este monstruo se editó en tiempo en forma en varios países de Europa, Japón, Australia... increíble pero real. Junto con After Bathing... de Jefferson Airplane son los más descarados representantes de la música psicodélica de segunda mitad de los sesenta. Y esto es lo más parecido a una canción que hay en Anthem of the Sun. Ponche de ácido lisérgico.


Aparece originalmente en: Anthem of the Sun (1968)

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Mink DeVille - Le Chat Bleu

¿Qué es lo primero que se escucha al darle play? Un tema medio tiempo, recargado, cantado con mucho onda, podría pasar tranquilo por un tema de Born to Run, Darkness On the Edge of Town o cualquiera de la segunda mitad de los setenta de Springsteen. Y sí, The Boss no era grande en aquellos años, era enorme, inevitable incluso. Tenía clones por todos lados y cualquiera que sonara con una mínima reminiscencia a la E Street Band iba a tener trabajo, contrato discográfico… éxito comercial, por decirlo en pocas palabras. Igual se me ocurren varios que iban en esa senda pero ninguno que haya salido del gueto de los que estamos en esto de escuchar discos que no le importan a nadie.

En el segundo tema te das cuenta de que acá hay personalidad, que no es un mero imitador. Y cuando llega el tercero, ese que suele dar forma a una opinión y decide si uno sigue adelante, ya tenés pruebas de que vale la pena, que esto cuenta una historia propia. El tema en cuestión se llama “That World Outside” y es una balada de corazones rotos. Creíble cien por ciento. El tipo de canción que puede salir muy mal en manos de alguien que no tiene un corazón del tamaño de Willie DeVille, el líder de Mink DeVille, banda que empezó en los tugurios gay de San Francisco y decide rumbear para la otra costa para probar suerte, a Nueva York. 

Le Chat Bleu es el tercero de estudio y sale en 1980, es el que les hizo dar el paso grande, con votos a mejor disco del año en Rolling Stone y críticos babéandose sin disimulo. Se grabó en París y acá el líder le da el raje a casi toda la banda original, pone a Jerry Scheff y Ronnie Tutt en bajo y batería (respectivamente) dos que sabían lo que era dejar que brille otro. Habían estado firmes en gran parte de la era Las Vegas de Elvis, nada más y nada menos. Para la producción contó con Steve Douglas, saxofonista y mano derecha de Phil Spector, encargado de darle brillo (entre otros) a los Beach Boys, Dion, Leonard Cohen y el malogrado End of the Century, de Ramones.

El disco tuvo problemas de distribución, Capitol tardó en editarlo en Estados Unidos pero cuando salió le gustó a muchos. Sobre a todo a los vejetes que colaboraron sin saber muy bien qué iba a pasar con este pibe, como el ya mencionado Scheff y el gran Doc Pomus, con quien DeVille se dió el lujo de co-escribir dos temas. Son cosas que no pasan todos los días. Eso sí, se escucha algo único en cada surco.





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Mink DeVille - Return to Magenta
Jim Dickinson - Dixie Fried
Willie DeVille - Backstreets of Desire

León Gieco - Cola de amor

Hay que ser muy pero muy snob para no quererlo a León Gieco. Conocí varios. No vamos a perder el tiempo. Algunas cosas te enseñan los errores. ¿No?

Tengo infinidad de motivos para adorarlo y acá van algunos:

• Cuando lo ví en vivo en el balneario de Salto, yo tenía unos diez años y el llegó en una canoa, acústica en mano. Era la única forma de acceder al escenario por la inmensa cantidad de gente que había. Lo primero que pensé fué algo del tipo "alguien que es tan querido y popular no puede ser otra cosa que un tipazo".

• Mis viejos lo veneraban y lo escuchan mucho en mi casa, eso influía en mi apreciación. Además para mí siempre tuvo un carisma impresionante.

• Un amigo que fué de gira con León, como guitarrista, contó que casi todas las noches iba a la pieza de ellos a fumarse un porrito antes de irse a domir y que su forma de ser era... bueno... lo que transmite.

• Que siempre hablaba de Dylan en las entrevistas.

• Cuando de más grande me compré los discos y confirmé que su obra es grande, más de lo que todos conocemos, buscó en algunos lugares que no trascendieron, siempre fué congruente y es de los pocos que todavía esgrimen algo relativamente parecido a ideología, sin caer en panfletarismos o eslóganes. Esto último algo muy difícil de manejar siendo una persona pública.

• Y que con esta canción me reencontré después de los cuarenta años, con algunas palizas encima y me recordó que varias de mis elecciones, al fin y al cabo, no fueron tan equivocadas. O que al menos decidí con el corazón, como me enseño León, cuando era un pibito.





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Encontrala originalmente en:
Epopeya. Así se puede llamar a lo que hizo León Gieco con De Ushuaia a La Quiaca. Además fué su manera de hacer patria sin levantar banderas. En realidad las levantó, siempre, como cualquiera que lo conozca podría notar. Lo hizo con una habilidad increíble. En cualquier lugar del país en que toque, va a estar lleno. No cualquiera.

De Ushuaia a La Quiaca, Vol. 1 (1985)

5 Canciones 5: The Beatles... algunas joyas perdidas

Slow Down

¡El costado hiper rockero de los Beatles! Cuero negro y tachas, Hamburgo, cargados de anfetaminas. A Paul le salían muy bien los aullidos al estilo Little Richard y John ya perfilaba su propia onda para encarar este tipo de temas. Con un costado de desesperación, como pidiendo ayuda, exigido, chequear "Twist & Shout", "Dizzy Miss Lizzy" o "Bad Boy". Este es un cover de Larry Williams, en la tercer estrofa, después del solo se vuelve loco y va al límite de su voz, incluyendo un aullido torturado que es puro coraje, una bravuconada del teddy boy de Liverpool.


Aparece originalmente en: cara B de "Matchbox" (1964)

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Everybody's Got Something to Hide (Except for Me and My Monkey)

Supuestamente los periodistas amarillos ingleses mostraban la hilacha cuando Lennon empezó su relación con Yoko y hasta se animaban a deslizar chistes racistas. Llegaron hasta a decirle "el mono". De ahí viene el título más largo del catálogo beatle, sería "todos tienen algo que ocultar, excepto yo y mi mono". Otro que traspira rock and roll por cada poro. Tiene un ritmo medio funky y es rapidísimo, con unos arreglos de guitarra bien filosos encima de las estrofas. Está cantado a grito pelado y tiene un clima general de jolgorio, de fiesta. La magia en el Álbum Blanco abunda. Acá hay un claro ejemplo. 


Aparece originalmente en: The Beatles (1968)

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I'm Gonna Sit Right Down and Cry (Over You)

Escuchá la versión del primer LP de estudio de Elvis, ese que la tapa es más famosa que su contenido y después poné esta, grabada en vivo en la BBC. Es la definición de una versión propia, irrespetuosa. ¡Cómo tocaban! Afiladísimos, muy ensamblados y Ringo la hace volar en el aire. Acá todavía tocaban mucho en vivo y se nota. Un atrevimiento; suenan muchísimo mejor que las zapadas desganadas que salieron a la luz en el documental de Let It Be. 


Aparece originalmente en: Live at the BBC (2002 - grabado en 1964)

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Old Brown Shoe

Otra en que rockean fuertísimo. De George, injustamente sepultada en un lado B, a lo último, cuando las grietas eran imposibles de tapar y ya no se aguantaban más. También tiene un ritmo fuera de lo común, otra vez gentileza de Ringo. ¿Se le habrá ocurrido a él llevarlo así al tema? Los cambios de acordes también tienen lo suyo y en el puente, la parte de "Me tienen escapando del zoológico...", Macca se manda con unos arreglos de bajo a puro vértigo. Virtuosismo bien entendido = Los Beatles. Siempre al servicio de la canción. Quizás el mayor legado (tácito) que dejaron.  


Aparece originalmente en: cara B de "The Ballad of John and Yoko" (1970)

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Polythene Pam

¿Se puede decir que un tema del medley de Abbey Road es una joya oculta? Discutible, como mínimo. Sí se puede afirmar que esta bomba de punk rock acústico no es de los más conocidos del mítico canto de cisne de George, Paul, Ringo y John. Es el disco de iniciación por excelencia, un poco porque ya suena moderno, contemporáneo. La grabación podría estar hecha ayer. Lennon cuenta la historia de una chica cuya afición era comer bolsita de polietileno (???) pero eso es lo de menos. La música es futurista, como casi todo lo que grabaron estos pibes.   


Aparece originalmente en: Abbey Road (1969)

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Tame Impala - Innerspeaker

Hay gente que se pone muy quisquillosa con eso del éxito, sobre todo los rockeros, que estamos acostumbrados a vivir en una especie de derrota eterna. Y Tame Impala tuvo muchísimo éxito. A algunos también les molesta que lo escuchen las chicas, con aquella frase de "es música para minitas". Es raro eso, ¿no? ¿Qué problema hay? ¿Qué puede ser malo en compartir música con una chica? No importa. Este disco fue una sensación a nivel underground cuando salió, era muy distinto y no se parecía a nada. El segundo, un poco que continuaba la senda de este. Se llamó Lonerism y ya para el tercero, Currents, el líder de la banda, Kevin Parker, líder y alma mater, se había enamorado de otros sonidos. Y bueno, y ahí la pegó con todo.

Puede ser más sano ser partidario de que la música que no te interesa hay que ignorarla o hacer de cuenta que no existe. Sobre todo porque cuando uno escucha música, generalmente es en soledad.

Cuando salió Innerspeaker, la gente que se dedica a comentar discos, criticar, etcétera, no sabía bien de dónde agarrarse para armar los comentarios. Algunos los comparaban con bandas de los 60, como los Zombies o The Who y no tenía nada que ver. Por ahí sí tenía que ver el hecho de es completamente psicodélico, viene de otro lado la influencia, algo muy personal, uterino. Cuesta mucho la comparación directa. Sí, pueden ser que tengan un enlace con ciertos clásicos, pero no es de ninguna manera una banda retro, no en Innerspeaker.

Ya pasaron varios años desde su aparición y es notable oír con la frescura que suenan las canciones hoy. Porque si bien hubo bandas que trataron de imitarlos, ellos fueron puntales y eso siempre vale doble.

Analizar las canciones individualmente, en este caso no tiene mucho sentido. Sí destacar la unidad sonora, el concepto de Innerspeaker. Puede que sea eso es lo que lo hizo envejecer tan bien. Siempre hay que esperar que pasen unos años para que se decante una obra. Esta se banca todos elogios que tuvo en su momento. Y da por tierra con varias críticas.

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Disco del Mes: The Raveonettes - Raven In the Grave

The Raveonettes
Raven In the Grave
2011










Vice Records

Bob Seger & the Silver Bullet Band - Against the Wind

Breve anécdota introductoria. cinco amigos músicos se reúnen a la noche, a cenar y beber en profusión. Hoy, en los tiempos que corren, año 2026. El anfitrión elije como banda sonora de la noche Bob Seger, sin cambiar de artista en ningún momento. La Silver Bullet Band suena durante cuatro horas y monedas y a nadie, en ningún momento, se le ocurrió sugerir algo del tipo "che, cambiá... poné otra cosa" ni nada por el estilo. Eso ya significa algo.

Ese algo puede venir por el lado de la 'escuchabilidad', un factor importante en la música, porque uno, por más que le guste, no puede escuchar todo el día Aphex Twin o The Fall. Esto sirve en cualquier momento, puede ser dejado de fondo. Escuchabilidad entonces, variable a considerar. Honestidad, transparencia, características un tanto sobrevaloradas quizás, pero creo que Bob Seger tiene mucho ahí, es evidente a la primer escucha. Algunos le dicen a esto rock de raíces. Vendría a ser un pionero en lo que después continuaron gente como Tom Petty, los Del Fuegos o John Mellencamp. También le dicen heartland rock, no importa. No tiene ni el menor atisbo de sutileza ni una pizca de pretensión artística. Simpleza, ese quizás es su principal atractivo.

Bob Seger ya venía batallando desde hacía rato, antes de pegarla a lo grande, con el disco 'Live' Bullet del año 76, que es el registro en vivo correspondiente a la gira de Beautiful Loser, octavo disco de estudio. Vale recordar que el primero, Ramblin' Gamblin' Man, es del año '69 y en los créditos sale The Bob Seger System. Entre el '69 y el '75 hay seis discos. Los tipos laburaban. 

Against the Wind es el número once de Bob Seger y es el que tiene la canción que todo el mundo conoce, la que dá título. Y trascendió porque tiene algo especial, diferente. ¿Qué? es difícil decirlo, es muy difícil, la letra es directa, su metáfora la va a captar cualquiera. Con un aura melancólica, confesional, orgullosa y medio culposa a la misma vez. A nivel estructura, acordes, composición, no hay mucho que la separe de millones de baladas medio-tiempo similares. Hay millones. Sin embargo, esto se convirtió en un en un himno y eso no le pasa a cualquier temita. Fué por derecho propio. Tiene algo y ese algo es mágico. difícil de explicar con palabras. Y cuando las palabras fallan es porque hay gato encerrado. En el mejor sentido posible. 





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Bob Seger System - Mongrel
Bob Seger - Back In '72
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Video de la Semana: Lee Hazlewood - She Comes Running

"This is for baby..." dice el maestro, antes de lanzarse con la toma de una de las grandes canciones de Love & Other Crimes, con la Wrecking Crew haciendo lo que mejor sabían hacer: leer la canción y tocar en función de ella.

5 Canciones 5: Motörhead, pt. II

Kingdom of the Worm

En un disco enojadísimo, que pasó relativamente desapercibido, podemos encontrar esto, en uno de esos casos en que el diablo mete la cola. En aquel entonces se había impuesto mucho eso de que Motörhead hacía siempre el mismo disco, algo que el mismo Lemmy se encargó de alimentar. ¿Era un acto de humildad o falsa modestia? No importa, no era cierto. Dentro del estilo probaban cosas, sin querer inventar la pólvora, eso ya lo habían hecho, dos o tres veces. Esto tiene que ver con esos temas como "Burner" o "Sacrifice" en que la tensión está puesta por un ritmo que parece no resolver. Cuando lo hace, te decapita, dalo por hecho. 


Aparece originalmente en: Kiss of Death (2006)

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Rockaway Beach

El Negocio de la Muerte. Nunca se lo desaprovecha, debe ser muy rentable. Pasó con Hendrix, con Johnny Cash... no podía no pasar con Ian Fraser Kilmister. Con el cuerpo todavía tibio sale este compilado de versiones bastante dudoso, cuestionable. El gancho era la versión inédita de "Heroes" de Bowie, el pelo en el huevo que casi todo había salido en otros lanzamientos. Lemmy y los Ramones, alianza noble, querible por donde se la mire. "Rockaway Beach"... clásico de clásicos. Infalible.


Aparece originalmente en: Under Cöver (2017)

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Out of the Sun

La faceta de Lemmy letrista pocas veces fué mencionada. Era un letrista extraodinario, incluso apurado y teniendo que cumplir, siempre dejaba alguna perla, sin excepciones. Se notaba que era muy inteligente y trataban de que no quedar muy en evidencia, haciendo cosas como estar todo el día jugando a los jueguitos, por ejemplo. Acá pinta un panorama rarísimo "los árboles son piedras donde vivo, las hojas navajas de acero", encima arranca el sólo con una guitarra de fondo. Cuando entra la banda, a lo bestia, te atropella. Y cuando viene el estribillo, a grito pelado... lo dejamos para que cada cual experimente lo suyo.


Aparece originalmente en: Sacrifice (1995)

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Murder Show

"Lemmy sin bigote en la tapa es el fin de la Civilización Occidental" puso la revista Madhouse en su momento, en la review de cuando salió Overnight Sensation. Un disco enorme, en todo sentido, con mucha variedad, grandes letras, ideas, todo parece funcionar acá. Todas y cada una de las canciones tiene algo para ofrecer. "Murder Show" es de esos rocanroles que dos por tres pelaban en la segunda etapa, "Born to Raise Hell", "Goin' to Brazil"... por ahí viene la mano. Con la diferencia de que este es menos festivo, menos "amable" si se quiere. Y sin perder nada del gancho que suelen tener esos hits-que-nunca-fueron.


Aparece originalmente en: Overnight Sensation (1996)

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Mean Machine

Acá la banda atravesaba un período turbulento, muchos cambios de formación, no terminaban nunca de encontrar el sonido que querían para los discos, yendo de acá para allá con los sellos discográficos... todo mal. La cara A de Orgasmatron es notable porque a medida que avanzan los temas es uno más rápido que el otro, hasta es gracioso. Y eso que el primero, "Deaf Forever", está lejos de ser una balada. Para cuando viene "Mean Machine", encargado de cerrar el primer lado, la velocidad es directamente desquiciada. Impresionante. Speed-metal cien por ciento.


Aparece originalmente en: Orgasmatron (1986)

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Video de la Semana: Inauguramos canal de YouTube

Un poco de auto-bombo no viene mal. Aquí está, ya llegó, el canal de YouTube de Beefheart Smiles.

Enhorabuena.

Roy Orbison - Mystery Girl

Mucha gente tiene opiniones extremas a la hora de hablar de Bono. Sus reuniones-solucionadoras-del-mundo, las fotos demagógicas y un discurso medio panfletario difícil de esos que tenés que tomarte dos litros de soda para tragarlo. Bono vale el equivalente a las gafas de sol que esté usando y la última vez que usó unas que eran mortales fué para la época de Achtung Baby. Estamos hablando con el nivel de seriedad que el medio amerita, claro. 
Hecha la aclaración, es bueno recordar que "Mystery Girl", el temazo impresionante que da título al disco con el que Roy Orbison nos dijo adiós, fué escrita por Paul Hewson. O sea; Bono. Se nota la mano del irlandés, es de esos temas épicos de Joshua Tree, que salen del garage de cualquier vecino y aterrizan en una esfera celestial, lejana y trascendente. Y Roy Orbison sabe qué hacer ahí en esos páramos en donde los humanos rara vez se asoman. 

Mystery Girl sale un poco después del bombazo que fueron los Traveling Wilburys, la banda que armó George Harrison para grabar una cara B y que terminó resucitando la carrera de varios de los involucrados. La producción corrió por cuenta de Jeff Lyne, el eterno refugiado en gafas negras líder de la Electric Light Orchestra. En estos años produjo Cloud Nine del ex-Beatle y el exitosísimo Full Moon Fever, el primero solista de Tom Petty, en donde lo único que cambia es que no sale en letras de molde la palabra 'Heartbreakers'. Cualquiera con un poco de oído podrá notar que todas esas grabaciones tienen mucho en común, en cuanto a audio y arreglos, sobre todo. 

Hay un par de nombres ilustres en los créditos, Costello en "The Comedians", una canción hecha a medida, grandilocuente y al borde de la exageración, como "Only the Lonely", "Crying", "Running Scared" o cualquiera de los temas operísticos de Orbison. Tom Petty contribuyó en "California Blue" y Bill Dees, el viejo compadre de Roy reaparece con "Windsurfer", casi al final. El resto de los temas son propios, compartiendo créditos con el propio Lynne. 

Hay una escena en el documental de los Wilburys que están sentados Tom Petty y nuestro héroe de turno en una mesa, charlando, relajados. En un momento el rubio le tira un "entonces vos hoy debés ser el mejor cantante del mundo, no?" a medio camino entre pregunta y afirmación. A los dos o tres segundos viene la respuesta, humilde pero firme; "...oh, yeah". Ninguno de los dos se ríe ni dice nada. Contundente.





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5 Canciones 5: versiones de Roky Erickson

Burn the Flames
Dark Mark

Estos discos los editaba por su cuenta y los vendían en los conciertos. Hoy cuesta conseguirlos. ¿Qué quiere decir? Los que lo compraron no se desprenden de ellos. Ese tipo de cosas genera Mark Lanegan, el mundo no se lo merecía, que en paz descanse. Acá se manda con este temazo de Don't Slander Me, otra prueba de que Roky Erickson usaba pocos recursos pero los manejaba con aplomo. El chiste en "Burn the Flames" es la secuencia de acordes, nada fuera de lo común, pero la combinación -y la repetición- te hacen entrar en un clima de pesadilla... ¡Que ardan las llamas!. 


Aparece originalmente en: Dark Mark Does Christmas 2012

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She Lives In a Time of Her Own
The Cynics

Religiosos. Verdaderos exégetas del rock de garage y punta de lanza del revival que tuvo el género en la década del ochenta, con miles de bandas rezando en el altar de los 13^th Floor Elevators, Chocolate Watchband, Music Machine... los protagonistas del doble Nuggets que armó Lenny Kaye. Compañeros de Miracle Workers, Chesterfield Kings o The Vipers, por nombrar apenas tres del millar. La versión es tan respetuosa que asusta. Y rockea endemoniadamente.


Aparece originalmente en: Living Is the Best Revenge (2002)

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I Have Always Been Here Before
Julian Cope

Eterno avivador de la llama sagrada, le recordó al mundo el valor de Neu!, CAN, Scott Walker y tantos otros, cuando conseguir este tipo de información requería de mucho más que dos o tres clicks de ratón. Con Roky Erickson llegó a ceder las regalías de Droolian (que no deben haber sido gran cosa) para ayudarlo en un mal momento. Para Jehovahkill la compañía le rechaza las canciones que tenía, que eran unas cuantas, sin desalentarse, graba más y más esta vez "aprueba". De esas sesiones sale está versión, en todo sentido. Acá Cope convierte un tema folkie en una fiesta bolichera bien al estilo Manchester. Siempre estuve acá antes. Amén.


Aparece originalmente en: Fear Loves This Place EP (1992)

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You're Gonna Miss Me
The Mono Men

¿Se acuerdan cómo empezaba Alta Fidelidad? No fuimos pocos los que escuchamos a Roky aullando enloquecido ahí, por primera vez, mientras la aguja caía despacito, sacralizando y devolviéndole la magia a un ritual que se había perdido. Otros acólitos del garage, fanáticos, ortodoxos a más no poder, no vas a escuchar sutilezas y matices en una grabación de ellos. Todo en rojo, a lo bestia, si el original estaba podrido, el olor de este ya no se aguanta. PLAY LOUD!!!


Aparece originalmente en: 10 Cool Ones (1996)

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Reverberation
ZZ Top

Otro que le dió una mano grande al texano. Se conocían de la época en que Billy Gibbons tenía a los Moving Sidewalks, su banda de rock psicodélico con quienes hasta llegaron a hacer un muy decente LP, Flash, en el '69. Este es el elegido para arrancar el disco tributo Where the Pyramid Meets the Eye y una simple escucha revela el porqué de dicha elección. La versión de ZZ Top es CRIMINAL. Malvada, sórdida, rutera, sucia y suena a ellos de principio a fin. Eliminator, Recycler, Afterburner... viene por ahí la mano.


Aparece originalmente en: Where the Pyramid Meets the Eye [A Tribute to Roky Erickson] (1990)

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Green On Red - We Had It All

Temazo. El original aparece por primera vez en el clásico Honky Tonk Heroes, de Waylon Jennings.

¿Qué habrán pensado los colegas de Green On Red cuando estos pelaban este tipo de cosas? Ellos entran dentro de la movida paisley underground, un conjunto de bandas que tienen poco y nada en común. Lo único que los agrupa es que esgrimían guitarras en una época en que no estaba bien visto, era considerado una antigüedad. Anyway...

Siempre pienso en que pasaría con una canción así cantada en español, tan directa, sin metáforas. 

"Nunca voy a dejar de creer en tu sonrisa
A pesar de que no te quedaste valió la pena
Fuiste lo mejor de mi vida
Me acuerdo que vos y yo teníamos todo"

No sé... los dos idiomas, a la hora de hacer canciones, son dos universos distintos. Acá está cantada con todo el sentimiento que un tema como este necesita, acompañamiento mínimo, lo que tiene que destacar es precisamente, la simpleza de los sentimientos. Lo que el tipo quiere decir. Este corazón está roto, fué todo muy bueno, me quedo con ese recuerdo.

Podés escucharla en YouTube.

Encontrala originalmente en:
Cuarto disco de estudio. A esta altura quedaba Dan Stuart, el líder de la banda y Chuck Prophet, que más tarde haría una carrera admirable como solista. Estos cuatro primero tienen la llama eterna del rock and roll. Ellos la mantuvieron ardiendo. Y después ardieron, claro.

Here Come the Snakes (1988)