5 Canciones 5: Van Morrison, The Ruts, Morrissey, Flesh for Lulu y Rainbow

High Summer
Van Morrison

Vigésimo séptimo disco de estudio del León de Belfast. Cuando salió Back On Top la crítica lo trató bastante bien, pero hay que recordar que la mayoría de ellos no se atrevería a bajarle el pulgar a un clásico, no es algo que sea garantía de nada. En su momento no me dijo mucho. Hasta que presté atención (veinticinco años después!!!) y apareció. Los temas tienen una unidad, se pueden separar, hay algo especial acá. Y este en particular tiene unos arpegios de guitarra hermosos, a la manera de los Byrds.

Aparece originalmente en: Back On Top (1999)
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Postcards from Paradise
Flesh for Lulu

One shot at glory. A veces no hace falta mucho más que eso. En el doble Nuggets tenés un clarísimo ejemplo. No significa que "Postcards..." es lo único valioso que hicieron los Flesh for Lulu, quienes -bien o mal- se las arreglaron para grabar cuatro discos. Sí que es un tema distinto. Si ellos eran góticos, new romantics, post-punk o cualquiera de los estilos en que se los podría meter, a esta canción no la podés encerrar en ningún lado, escapa al encierro. Y tiene ese toque melancólico, sensible, con intro de armónica para la ocasión. Paul Westerberg grabó una versión descarnada al final de su doble Stereo / Mono, dandolé otra oportunidad, a principios de el nuevo milenio.

Aparece originalmente en: Long Live the New Flesh (1987)
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Gates of Babylon
Rainbow

A Richie Blackmore no lo quiere nadie, menos mal que a la hora de la música esas cuestiones pasan a segundo plano, si es que existen. No faltan los que dicen que las malas vibras fogonean a los músicos, pueden estimular un clima, lo que sea. ¿Habrá pasado algo de eso en Long Live Rock 'n' Roll? Como sea, el nivel del tercero de estudio de Rainbow es altísimo, con un Ronnie James Dio aplastante. En este tema se la juegan un poquito más a nivel producción, con una sección de orquestal, cambios de ritmo y el obligatorio solo épico de guitarra. ¿Acá es que se inventa el power metal? .

Aparece originalmente en: Long Live Rock 'n' Roll (1978)
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The More You Ignore Me the Closer I Get
Morrissey

Mozz tiene varios temas como este, con esos títulos sobradores, en donde casi que se pasa de canchero, motivo por el cual es amado y odiado en partes iguales. "I'll Never Be Anybody's Hero Now", "We Hate It When Our Friends Become Successfull", "He Knows I'd Love to See Him" y la lista podría seguir. "Mientas más me ignorás, mas me acerco" sería acá. Más allá del título, tiene esa cosa de himno que tienen sus grandes temas ("Panic" con The Smiths!!!) ya con ese riff de guitarra con que empieza se puede anticipar que viene una de esas.

Aparece originalmente en: Vauxhall and I (1994)
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It Was Cold
The Ruts

El único con Malcolm Owen, frontman único, carismático. Murió de sobredosis de heroína a meses de la salidad a la calle de The Crack. Que una banda como esta haya hecho sesiones en la BBC, firmado un contrato con un sello grande (Virgin) y metido un single en el Top 40 británico ("Babylon's Burning") habla de una era que ya no existe, que quedó atrás hace tiempo. No hacían ningún tipo de concesión. Acá hay algo que se podría definir como post-punk, con anticipo del hardcore que recién se estaba gestando. Encima podían tocar, esto está muy lejos de ser otra copia europea de Ramones, hasta encaraban el reggae con aplomo, muy seguros. Podría ser una actualización de esos temas raros de Roxy Music o tener un parentesco con Siouxsie and the Banshees o Pornography de The Cure. Hecho ANTES, por cierto.

Aparece originalmente en: The Crack (1979)
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Alejandro Escovedo - Burn Something Beautiful

Los que realmente adoramos el rock and roll y rezamos a diario en su altar de mártires no necesitamos grandes revoluciones. No nos hacen falta salvadores, exégetas, vengadores, iluminados, líderes... nada de eso. Mucho menos pibes carilindos que durarán en la cresta de la ola lo mismo que un flato emitido en una cancha de fútbol, esos que suelen ensalzar las revistas inglesas, siempre ávidas del nuevo Dylan o los herederos del "trono" de los Stone Roses. 

La utopía no es mucho más que un día en el que "habrá mil guitarras y nadie se va a quejar del rudio. Porque es el amor que tomamos es el mismo que generamos", como dice "Horizontal", uno de los tantos temazos de Burn Something Beautiful, enésimo disco de estudio de Alejandro Escovedo. No hace falta mucho más que esto, una colección de canciones en donde un corazón de oro se desangra entre tres o cuatro acordes, una pasión, cuatro o cinco melómanos llenos de anécdotas y derrotas. Como diría El Salmón, honestidad brutal. Y si eso se percibe, sin que haga falta jactarse, la pelea contra los molinos de viento ya está ganada, sin importar cuánto acusa el marcador. 

Escovedo siempre fué un "músico de músicos". ¿Qué quiere decir esto? Simple; nunca fué un gran vendedor pero tiene el visto bueno de tipos que saben de qué se trata El Quijote, los que saben que la metáfora aplica acá más que en ningún lado. Estas canciones comparten el crédito con Peter Buck de R.E.M., algo así como el Keith Richards de la generación que vino después (el true rocker detrás de una banda archi-mega-famosa, el que le sigue aportando la cuota de credibilidad) y Scott McCaughey. Este último guitarrista a la sombra en las giras de estadios de R.E.M. y líder de dos bandas de culto grandiosas; The Minus 5 y los Young Fresh Fellows. Seguramente las letras corrieron por cuenta de Escovedo, que siempre tuvo algo para decir, sin demasiadas pretensiones pero una claridad de ideas que no muchos consiguen volcar al papel. Es un ángel caído, uno de esos que sufrieron, vivieron para contarla y nunca lo vas a escuchar en plan mesiánico, pontificando. Error en el que suelen incurrir muchos que han pasado por experiencias parecidas, nunca vas a sentir que te están bajando línea en sus textos, más bien lo contrario, si puede buscarte para que seas cómplice. Para preguntarte si alguna vez sentiste así. 

Entonces... ¿que hay de nuevo en Burn Something Beautiful? Catorce canciones que antes no habíamos escuchado, catorce nuevos intentos de inmortalidad rocker. De la mano de mil guitarras, eso sí. Si eso te parece poco... 





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Deep Purple - Splat!

Horacio "Bombacha" Embón, el cronista exaltado

Arrogant Boy 
El tema mas rapido de Purple de los ultimos 40 años (desde el besito de la gitana en Perfect Strangers). Rico, frenético y un arranque eseccional para un disco que ya pinta clasicardo desde el vamos.

Diablo 
Ripoff de riff de Morse, denle la boleta para cobrar en el SADAIC de allá al loco, se lo meressi. Buen tema, para mi Gillan habla de su jermu, la cual espichó hace pocos años. Buena letra, buen tema.

The Rider 
Viste cuando haces un guiso con fondo de olla congelado de 3 guisos anteriores? Asi huele esto, a ripoff de ripoff, a relleno de empanada de aire. El tema 3 tiene que ser cañazo y no lo es. Me empiezo a preocupar, conchalamadre. Lo único que le destaco es la letra, que la interpreto como un Gillan introspectivo, existencialista.

The Lunatic
Highlight genial del disco con una terrible mala onda tanto lírica como musical donde Gillan deja entrever nuevamente que aún tiene dardos venenosos en el saco con el nombre de Ricardo Negromás escritos en ellos. ¿Recuerdan al "Smooth Dancer"? Algo me dice que es el lunático que describe en esta rola. Ay ay ay, señores grandes, gigantes como el rencor mutuo que se tienen después de todos estos años. Simon mete unas escalitas y arreglos muy Blackmorezcos que refuerzan la idea.

The Only Horse In Town 
"Woman From Tokyo" vibes, tema fiestero a toda marchita juduwifinkwiar. Menos mal que levantó la joda con este. Felizón, letra lisérgica, cosas cayendo del cielo en un pueblito donde solo hay un yobaca.

Sacred Land 
Rainbowoso como un culo (guiño a la intro de "Gates of Babylon") pero tirando mas a Irlanda. Don Airey se lleva el premio GOAT a las chapas de oro. El solo de Skay Beilinson en 4x es un chupetin de coca presioso. Gillan contando la historia como un sabio vejete, monje con olor a pachuli, me hizo llorar posho.

The Beating of Wings
Innecesario blues, hay que prender fuego el Mississippi, dejen de robar ya con las 12 barras loco. Puente predecible y estribillo tontisimo, la peor rola del disco de momento. El final aburridisimo, muy poca inspirada cancion para dar paso a LA LECHE:

Guilt Trippin' 
Gillan en modo mosca agresiva con hambre de mierda fresca. ¿Hace cuanto que no tira estos agudos? Un temita muy en la onda solista de él. Letra genial, amósfera pesada y una contundencia mono, una contundencia de toda la banda púrpura en estado de gracia absoluto. Me dan ganas de chuparme un barril de nasta y prenderme fuego a lo bonzo. Lo único que la caga es Don Airey con su pianito vodevil que no suma un carajo, solo le da paso al solo de Simón, ida y vuelta, llevala vos, damela a mi, para hacerse los gomas. El breakdown antes de volver a la estrofa, cheff kiss man. Termina con Don dedeando suavecito generando un climita, fino. Highlight total del disco so far.

Scriblin' Gi'brish
Upa, heavy metal, machaque en MI. Esto asi tan bobo es mejor que los últimos 6 discos de Maiden todos juntos. Purple en modo malvado, riffs intrincados, los synthes de Airey que vuelven a traernos ese olor a Rainbow tan mágico, dejándonos con esa idea de que lo primero es la familia, la familia Purple que, aún sin estar Ricardo y estando Don, el puente está ahí, cruzalo y vení, sentí la magia del arcoiris pero focalizáte en el color púrpura del mismo. Temazo pesado, oscuro, otro buen temuco.

Jessica's Bra
Tacatatatataca, subite al caballito de In Rock, dale vení. Eh? Que es este riff felizón? Que preciosa mezclita de Morse y Blackmore la viola, Simon en plan homenaje para los 2 trolos anteriores que blandieron la espada del augurio de las 6 cuerdas. Airey haciendo lo que tiene que hacer en un tema asi: TACATATATACA cual si fuera Lord fumándose un feso.

Third Call 
Opa! Paicey tirando magia medio tribal, medio Bo Diddley, para luego arrancar con su marcha característica, pero no! Vuelve a Bo, y de nuevo a marchar, no, a Bo, dale Bo! Bueh, el tema distinto. Redobles de rechupetaso loco, claramente el tema Ian Paice del disco. El resto que se vaya a lareconchadesumadre. No, esperen, vuelvan! Simon y Don sacandose chispaso a lo pavote en un gran callback a los historicos chispis de Blackmore / Lord de Made in Japan, cortito pero efetibo. Breakdown y Gillan cantando bajito arriba de Bo Diddley, muy bien. Masterclass de canción que se sale un poco de lo que veniamos escuchando. Otro highlight fino.

My New Movie
"Los cuadros de casa" como ripoff por vez 27. En el disco anterior hay un tema idéntico a este. Un olor a filler terrible. Lo salvan algunos riffcillos en honor a In rock (esto ya se ha escuchado en el disco, el hype era real). Ya nos habian spoileado que habia como una intención de volver a rockear duro, aqui lo intentan demostrar claramente en un tema tontón pero que tiene unos momentos instrumentales para quedar en cuero y revoliar el corpiño como un loco. Cinematográfico middle 8 con Don disparando rayoláser para que vuelva Gillan cheronca al estribillo boludísimo. Al podio de peor canción del disco.

Splat!
Y asi concluye el álgun... con un tema de relleno, medio pete, medio bueso. Glover está, se lo siente en todo el disco, lo quería decir porque en discos anteriores Bob "El sopenco" Ezrin perilleó en favor del baterolas. En este todo suena más mejor mezclado: al fin Bob!!! 5 discos tuviste para aprender como cortar la frecuencia del bombo para destacar las del bajo.





VEREDICTO / SENTENCIA / ROKY ERICKSON'S HAMMER;
Un disco 7 puntos, como ya nos tiene acostumbrados esta era vejeta del glorioso DEEP PURPLE

5 Canciones 5: Deep Purple

No One Came

El pobre Fireball tuvo la culpa de caer justo entre los discos que toda persona de bien debería tener (o al menos conocer) de Deep Purple; In Rock y Machine Head. ¿Fuera de discusión eso, no? Acá les salían todas, bien podría ser el más variado, al borde de la esquizofrenia estilística. Prueba clara son los temas agregados a la reedición que salió hace unos años, todos golazos de media cancha que quedaron afuera originalmente. "No One Came" vendría a ser el antecesor a "Pictures of Home", con Ian Gillan casi rapeando, a toda velocidad. Otra evidencia de que Ian Paice es uno de los cinco o seis grandes bateros de la historia del rock and roll. O el hard-rock, rock duro, proto-metal... como prefieras. 


Aparece originalmente en: Fireball (1972)

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This Time Around / Owed to 'G'

Enorme influencia de alguien que, a mediados de los setenta, estaba arriba, volando altísimo. Se trata de Stevie Wonder, a quien rinden un lindo tributo, Glenn Hughes imitando las inflexiones vocales típicas y Jon Lord usando los sonidos de sintetizador patentados por el autor de Innervisions. La segunda parte del medley, un tributo a George Gershwin instrumental, tiene a toda la banda generando un clima entre macabro y blusero. De alguna manera tiene que ver con lo anterior, está bien armadito el doble homenaje. Aparece en Come Taste the Band, el primer disco -y último, por desgracia- que grabó la Mark IV y es el único de Purple en que no aparecen ni Blackmore ni Gilllan. 


Aparece originalmente en: Come Taste the Band (1975)

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Mean Streak

La esperadísima reunión de la Mark II no defraudó. Lástima que no iba a durar, en seguida volvieron las peleítas de prima donna y las batallas de egos. "Mean Streak", al igual que todo el material de Perfect Strangers, es una actualización del Purple clásico de principios de los setenta sumando el sonido y la tecnología que estaba disponible a mediados de los ochenta. Tiene el gran acierto de ser clásico y a la vez moderno y, a diferencia de mucha música pesada de aquellos años, envejeció bien. Impecable se podría decir.


Aparece originalmente en: Perfect Strangers (1985)

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Kentucky Woman

Esto puede considerarse el nacimiento de la música pesada. Y sí... ANTES que Black Sabbath y Led Zeppelin. Ese momento a fines de los sesenta en que empezaron a aparecer amplificadores más poderosos y el mundo se iba acostumbrando al rock, en todo sentido. Con Rod Evans como cantante y Nick Simper en el bajo. Este fue el single y no se lo vendieron a nadie. Pulgares a favor por elegir un tema de alguien que poco tenía que ver con ellos; Neil Diamond. Y hacer una versión como la que aparece en The Book of Taliesyn, segundo y anteúltimo larga duración de la ninguneada Mark I. Injusto, como mínimo.  


Aparece originalmente en: The Book of Taliesyn (1968)

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Smooth Dancer

La tapa es horrible, sí, todo lo que quieras. La de Machine Head igual es más fea todavía. Acá la cosa estaba tirante, iban a pasar más de diez años hasta la reuníón de la gloriosa Mark II. Igual Quién nos creemos que somos (¿podría ser así?) está criminalmente infravalorado. No creo que tenga ni un solo tema choto, todo es cómo mínimo decente y de ahí para arriba, con tres o cuatro momentos de brillantez purpleana clásica. Y este temazo sería un ejemplo, pura velocidad, nervio, gancho... todos los miembros luciéndose y un INFERNAL solo de Lord. Resumiendo, todo lo que hace de Deep Purple una banda grande, histórica, fundamental.


Aparece originalmente en: Who Do We Think We Are (1973)

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Video de la Semana: Bob Marley & the Wailers - Concrete Jungle

Probablemente mi línea de bajo favorita de todos los tiempos.

Elvis Presley - Elvis In Person at the International Hotel Las Vegas, Nevada

Ranking de tapas feas perpetradas por RCA (sin order particular):
    • Today
    • Love Letters from Elvis (¡AGH!)
    • Separate Ways
    • Pot Luck (con cabeza deforme incluída)
    • El en vivo desde Hawai

En los setenta directamente se rindieron y ponían una foto con el jumpsuit y fondo negro. De las compilaciones (Golden Records Volume 3 es ofensiva) mejor ni hablemos, aunque Separate... es un rejunte tiene varios que no están en ningún otro disco y además está "Always On My Mind". La de Elvis In Person at the International Hotel Las Vegas, Nevada no es tan chota, primera a favor. Además es el primer disco realmente en vivo propiamente dicho, por que el '68 Comeback Special tiene varios temas de estudio. RCA estaba explotando a su gallina de los huevos de oro como nunca, teniendo en cuenta el envión que había tomado la carrera de Elvis después del show en la tele y el discazo que fué From Elvis In Memphis.

Así que para seguir aportando a la confusión esto salió originalmente en un doble que se llamó From Memphis to Vegas / From Vegas to Memphis, a fines del '69 con un segundo LP que más tarde se reeditó como Back In Memphis. Con temas que sobraron de esas sesiones extraordinarias en que Elvis mostró realmente lo que podía llegar a hacer si lo agarraban con ganas. Esos supuestos outtakes tranquilamente podrían haber entrado, son gloriosos, con esa mezcla de soul, R&B, blues, rock and roll... y la voz en estado de gracia. Acá tenía unos treinta años y se estaba recuperando de casi una década de holgazanería, hamburguesas, fiestas y despilfarro. ¿Quién puede culparlo?

In Person... volvió a editarse en un solo LP al año siguiente y es inentendible cómo no es más famoso. Quizás porque debe haber docientos discos en vivo de Elvis, aunque en vida fueron cinco o seis (dependiendo cómo cuentes) nada más. Son mucho más conocidos On Stage, también de la misma época, el en vivo en el Madison Square Garden e incluso el doble en Hawai. Ninguno se le acerca en cuanto a garra, huevos y poderíó rocker. Pongámoslo de este modo, este live es el disco que más fuerte rockea de toda su carrera. 
Arranca con un "Blue Suede Shoes", "Johnny B. Goode" y "All Shook Up" uno atrás del otro. Están quienes dicen que los temas viejos los tenía que hacer si o sí, no tenía ganas y por eso los tocaban a toda velocidad, para que pasaran rápido. No se nota, no parece. La garra que le pone a "Tiger Man" no puede ser fingida y las recientes "In the Guetto" y "Suspicious Minds", un poco más rapiditas que las originales de estudio quedan bárbaro. Como curiosidad está "My Baby", a puro soul sureño y la versión de "Words" de los Bee Gees en plan gospel, mostrando que acá todavía se calentaba por escuchar a algunos de sus contemporáneos. 

En resumen, si no te gusta el Elvis baladista (vos te lo perdés) querés un poco de vértigo o mostrarle a un no-converso el costado rocker on speed de Elvis Aaron Presley, acá, con In Person... no le podés errar. Esto es El Rey en su punto álgido. Intachable.  





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Elvis Presley - Raised On Rock / For Ol' Times Sake
Elvis Presley - Recorded Live On Stage In Memphis
Elvis Presley - From Elvis Presley Boulevard, Memphis, Tennessee



 

Disco del Mes: Jellyfish - Spilt Milk

Jellyfish
Spilt Milk
1993








Charisma

Nick Lowe - Labour of Lust

Frondosa agenda la de este hombre a fines de los setenta. Hacía muy poco que se había separado Brinsley Schwarz, dejando cinco discos de estudio fundacionales. Formó parte de Rockpile que, a pesar de haber dejado un sólo LP (el excelente Seconds of Pleasure) en un momento parecía que se iban a comer el mundo y en seguida se mandó como solista, con Jesus of Cool. En la tapa aparecía él disfrazado de metalero, hippie fumón risueño, pop star tipo Bay City Rollers... un reflejo de lo que ibas a escuchar en los surcos, una rockola humana, parodiando, homenajeando, dándole un lugar importante al humor. Las letras ni hablar, la mayoría son chistecillos ácidos o situaciones descabelladas, como la exageración de la historia en "Marie Provost", una actriz de cine mudo a la que encontraron muerta y mordisqueada por su perrito faldero. "She was a winner who became the doggie's dinner" reza un estribillo beatle ultra melódico, con sus correspondientes arpegios de Rickenbacker de doce cuerdas.

Labour of Lust vendría a ser la continuación de ese debut, de la época en que le decían The Basher, por su costumbre de grabar rápido, sin vueltas ni artificios. Fué ahí cuando lo llamaron para producir el revolucionario debut de The Damned, el primer disco punk en aparecer en las bateas. También hizo lo propio en Be Seeing You de Dr. Feelgood, el primero de Wreckless Eric, Howlin' Wind de Graham Parker, el segundo de Costello y la lista podría extenderse un buen rato. Las ideas de Nick Lowe sobre cómo debía sonar el rock moderno son las que todos conocemos, las que todos asociamos al punk y a la new wave. A pesar de que su nombre raramente es asociado con sus aportes, que fueron decisivos. 

Acá tenés "Cruel to Be Kind", el clásico for the ages de Nick Lowe, "Dose of You" o la versión de "Switchboard Susan", la misma que grabaron los Searchers en su regreso, en esta misma época. No eran pocos los que estaban siguiendo sus pasos. La banda que graba es basicamente Rockpile con algún que otro agregado, Huey Lewis en armónica en "Born Fighter" y Bob Andrews (otro ex-Brinsleys) tocando sinstetizadores en "Endless Grey Ribbon". Este último reemplazado en la edición US por -adivinen- "American Squirm", otro power pop saltarín de esos que parecían brotarle de los poros. 

Dicen que segundas partes nunca fueron buenas, en Labour of Lust tenemos una de esas que son para los porfiados. Una excepción a la regla.





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Nick Lowe - Bowi [EP]
Ian Gomn - Summer Holiday
Little Village - ídem [1er. LP - 1992]

5 Canciones 5: Creedence, Bill Ryder-Jones, Bruce Springsteen, Waldo de Los Ríos y The Divine Comedy

Rude Awakening #2
Creedence Clearwater Revival

Más de una vez habrán escuchado críticas a la banda de los hermanos Fogerty. Varias remarcan un costado conservador y excesivamente tradicionalista en la manera de encarar el asunto, en el costado estético. Me atrevo a decir que no se han tomado la molestia de escuchar los discos, que fueron varios y en muy poco tiempo. "Walk On the Water" (del primero, homónimo) "Graveyard Train" y sus casi diez minutos, "Sinister Purpose" en Green River... hay varias. ¿Y esto? Impresionante, como su título anticipa, acá hay una serie de estruendos, algo así como truenos, asestados en el momento preciso, mostrando el costado psicodélico-corrosivo de Creedence. 


Aparece originalmente en: Pendulum (1970)

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Put It Down Before You Break It
Bill Ryder-Jones

¿Cuánta gente irá a verlo? Lo que hace es muy personal, íntimo. Tiene por ahí la "chapa" de haber sido miembro de The Coral, estuvo en la banda hasta Roots & Echoes. Su obra como solista tiene que ver con sus recuerdos de la infancia y adolescencia sobre todo. Sufre de TEPT ^(*). Podés imaginarte que no te vas a encontrar con algo "livianito" acá. ¿El vaso medio lleno? La carga que lleva nunca pasa a ser agobiante y hasta se permite momentos de diversión y humor. Este tema está al borde de cruzar esa línea, es una persona cercana que se está auto-destruyendo y lo compara con la advertencia que te dan cuando sos un niño (dejalo que lo vas a romper) y el momento en que es claro que se fue demasiado lejos, ahí dice "dejalo antes de que te rompa".
(*): TEPT: sigla para referirse a Trastorno de Estrés Post-Traumático.

Aparece originalmente en: West Kirby County Primary (2015)

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Pay Me My Money Down
Bruce Springsteen

Pete Seeger vendría a ser el patrono de todas las causas justas, habidas y por haber. El mismo que le quiso cortar los cables a Dylan en Newport, con un hacha. ¿Cómo no perdonarlo? Bruce lo llevó un poco más lejos, grabando un disco entero de sus temas, que abarcan más de sesenta años de carrera. ¿El resultado? Una celebración. Un brindis. Una demostración de lo que la música puede transmitir cuando está hecha por el simple goce que provoca tocarla. Grabado con los músicos tocando en vivo en el estudio, con violines, mandolinas... una fiesta. Un antecedente podría ser Fisherman's Blues de los Waterboys. Otro golpe de timón en la carrera de El Jefe, no olvidemos que el anterior había sido el sombrío Devils & Dust, apenas un año antes.  


Aparece originalmente en: We Shall Overcome: The Seeger Sessions  (2006)

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Coro de Peregrinos (Tannhäuser)
Waldo de los Ríos

Al parecer está siendo revalorizado, como les pasó a freaks similares como Joe Meek en Inglaterra o Enoch Light en Estados Unidos. Nació en Argentina y se fue a España, donde fue durante años el arreglador estrella de Raphael, de quien también era director artístico. En realidad la pegó a lo grande con versiones pop de temas famosos de música clásica, la Sinfonía 40 de Mozart y su arreglo del Himno a la Alegría. Acá agarra arias famosas y las lleva para su terreno, les da su tratamiento, la mayoría de Verdi, ineludible. Al final aparece esta, de Richard Wagner, el capanga de la ópera alemana.


Aparece originalmente en: Óperas (1994)

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Our Mutual Friend
The Divine Comedy

Acá es cuando el gran Neil Hannon se la juega entero, en esos temas en que cede protagonismo la voz y el relato y deja que la orquesta pase al frente. Y es impresionante. Como decía Brian Wilson; una verdadera sinfonía para adolescentes. No tanto porque Divine Comedy ya llevaba unos cuantos años de carrera cuando salió Absent Friends, en el 2004. Una de sus cuatro o cinco obras maestras. Se podría comparar con cosas de música clásica moderna como Debussy o ciertos pasajes de la Sinfonía del Nuevo Mundo, del checo Dvořák. Veamos qué dice el paso del tiempo... Juez implacable si los hay.


Aparece originalmente en: Absent Friends (2004)

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Video de la Semana: Rick Danko - When You Awake

El bajista (extraordinario) de The Band haciendo una hermosa versión acústica del clásico "When You Awake", del conocido como Brown Album.

The Flaming Lips - The Gash

Nunca olvidaré cuando escuché este disco por primera vez. Hacía poco que había salido y me lo trajo mi viejo de España, junto con Veedon Fleece de Van Morrison, porque en aquel entonces estaba enloquecido con Nick Cave y más de una vez lo había eschado decir que ese era su disco favorito de Van the Man. Y Slow Train Coming, de Dylan!
 
Cuando lo puse y estalló esa batería, seguramente previa pasada por las bondades del cannabis, aluciné. Acá había algo nuevo. Y a la vez remitía a cosas viejas que me gustaban mucho como Neil Young, Pet Sounds e incluso Yes. Después supe que tenían un montón de discos antes, que venían de hace rato, de modo que fuí uno de los tantos ciudadanos del mundo que se enteró de la existencia de los Flaming Lips por el éxito unánime de críticas que fué en su momento The Soft Bulletin. Sí, en aquel entonces yo todavía le daba bola a la prensa musical, compraba revistas y me la pasaba incorporando data con una voracidad que hoy admiro y añoro. 

"The Gash" resume la revolución psicodelica alegre, nerviosa y un poco naïf que proponían ellos ya desde "She Don't Use Jelly", el primer indicio de que la iban a pegar. Es ese momento del vieja en que entra la duda, en el que necesitás ayuda en caso de invalidez. La herida, el tajo, es la lucha por la salud mental que menciona en ese estribillo en que parece que todo va a estar bien. SIEMPRE.




Podés escucharla en YouTube.

Encontrala originalmente en:
Tengo varios de los anteriores, Hit to Death... tenía hasta hace poco In a Priest Driven Ambulance, conservo también Transmissions from the Satellite Heartbeat (el que tiene "Jelly...". Discos que algunos veneran y los hacen mirar de reojo esta etapa "popular" y de reconocimiento de sus loser-héroes. A mi el único que me provoca algo es Cloud Taste Metallic. Y hasta por ahí nomás. Por Bulletin y Yoshimi... pongo las manos en el fuego. He dicho. JA!

The Soft Bulletin (1999)

5 Canciones 5: Mudhoney, Field Music, Little River Band, Terrorvision y Mercedes Sosa

Into the Drink
Mudhoney

Siempre con el nivel de sarcasmo al rojo vivo, el título del segundo de Mudhoney sería algo así como "todo buen chico merece un dulce", que es una regla que se usa para aprender las notas del pentagrama en clave de Sol, la más común. De más está decir que acá no hubo ninguna partitura, la cosa va por la bestialidad, la violencia. Los tipos son melómanos, eso es claro, acá hay un cóctel de hardcore, Stooges y en "Into the Drink" en particular un guiño a The Sonics, los iniciadores de esta mugre, se puede trazar una línea clarísima entre ellos y la banda de Mark Arm y cía. Every Good Boy... también sale en el '91, el mismo año que Nevermind y Ten y Badmotorfinger. 


Aparece originalmente en: Every Good Boy Deserves Fudge (1991)

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Count That Up
Field Music

Tenelo en cuenta. "Si nunca tuviste auto o alquilaste uno, tenelo en cuenta. Si alguna vez fuiste a otro país y pasaste por el control de pasaportes, tenelo en cuenta", esto sería lo mismo que hacían los Kinks en la segunda mitad de los sesenta, Peter Gabriel en el Genesis de Selling England... o XTC en Skylarking o Drums & Wires, de hecho la voz líder se parece un poco a la de Andy Partridge. Son dos gemelos idénticos que vienen desde hace unos años ya, con el mérito no menor de haber hecho más de diez discos en menos de dos décadas. Música idiosincrática hecha por y para inadaptados.


Aparece originalmente en: Open Here (2018)

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It's a Long Way There
Little River Band

Ocho minutos del más delicioso soft-rock californiano de mediados de los setenta. Aunque estos vienen de Australia. Y suenan de putísima madre, hay muchos dinerillos puestos en esta grabación, se nota. Cuando parece que el tema ya había mostrado sus ideas básicas, después del primer estribillo, salen con unos falsettos que ponen los pelos de punta. El baile recién empieza, hay que ir preparándose para el solo de guitarra, apoyado por unos arreglos de cuerdas que entran y salen de la mezcla, muy sutiles. Se los acomoda dentro de lo que algunos llaman AOR y, desde hace algunos años, yacht rock. Queda corta la etiqueta, no alcanza. Esto es un temazo, con todas las letras.  


Aparece originalmente en: Little River Band (1974)

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What the Doctor Ordered
Terrorvision

El karma de pegar un hit en el primer mundo. ¿Alguien se acuerda de "Oblivion"? En su momento sonó por todos lados, tenía gancho, era pegadizo al máximo. Acá hasta llegó a ser la cortina del programa de Gasalla. Todavía siguen en pie, sin que nadie les dé ni cinco de pelota pero... tuvieron un hit grande, se lo pueden permitir. ¿De qué iba el asunto? Eran medio grunge pero más jodones, con un costado cercano a Cheap Trick. Este, un sacudón metalero, está en el mismo disco, de mediados de los noventa, coincidiendo con el regreso del rock de guitarras a las radios.


Aparece originalmente en: How to Make Friends and Influence People (1994)

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Arriba quemando el sol
Mercedes Sosa

¡EPA! ¿Y esto? Empieza con la misma batería de "Them Kinda Monkeys..." de Slade, parece que va a sonar un tema de los Pogues de la época de Hell's Ditch. Está en el disco de versiones de Violeta Parra, que no empieza muy auspicioso que digamos. Arranca con un recitado que, la verdad, es un plomazo, demasiado solemne, forzado. Encima sigue con "Gracias a la vida", uno de esos que nadie necesita volver a escuchar nunca más en su vida, como "She Loves You", "We Are the Champions" y la lista podría seguir. Pero esto es otra cosa, inesperado, diferente. Está lleno de estos temas en los primeros diez o quince discos de Mercedes Sosa. Hay que descubrirlos. Y rescatarlos, en lo posible.


Aparece originalmente en: Homenaje a Violeta Parra (1974)

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The Divine Comedy - Victory for the Comic Muse

¿Qué pasa con los solistas? Para algunos debe ser tema tabú. Robert Smith no tiene un sólo disco como solista, igual The Cure es, fué y será SU banda. Otro ejemplo, con variantes, sería el de Bill Callahan, que grabó unos veinte discos a los largo de dos décadas, con Smog. Banda formada por él y los que lo ayudaban a grabar en el momento. Recién en el 2007 decide poner su nombre en la tapa, con Woke on a Whaleheart. Nunca entendí muy bien esos que nacen siendo solistas, que las primeras canciones editadas ya salen bajo ese formato. Elvis Costello sería un ejemplo. Leonard Cohen, Caetano Veloso. Esos no "hicieron las inferiores" en bandas loser que no lograron más que un poco de ruido antes de desaparecer por completo. Elliott Smith vendría a ser uno de esos. Los más comunes serían los que se cortan solos después de haber tenido éxito o trascendencia con una banda, Paul Weller, los cuatro Beatles, Spinetta, está lleno de casos.

Este vendría a ser un caso parecido al que mencionamos en primer lugar, seguramente tuvo su bandita adolescente, pero a Neil Hannon se lo conoce por haber sido siempre el alma máter de The Divine Comedy, banda que tuvo éxito con su segundo LP, Liberation, cuando el brit pop era un hervidero de actividad, dandolé de comer a la infame prensa amarilla inglesa, rescatando a nivel estético la música de sus héroes de una o dos generaciones anteriores. A ellos se los metió dentro de la misma bolsa pero no tenían mucho que ver, acá la cuota humorística, flemático-europea, estaba aumentada al límite. Menos miedo al ridículo, si había guiños al pasado eran llevados un extremo muy bien balanceado, es ese que si se cruza termina en bochorno.

El título de este, noveno trabajo de estudio, hace referencia al debut, Fanfare for the Comic Muse, del '90, obra ninguneada por Hannon por tener poco que ver con es resto de lo que fue su producción. En el librito y en el documental que se hizo sobre la grabación, se hace enfasis en el método que se uso para grabarlo, a la vieja escuela, en cinta. Con la banda tocando en vivo en el estudio sin ningún tipo de artificios, agregando solamente la orquesta en sesiones aparte. Por suerte Victory for the Comic Muse se defiende solo, es Divine Comedy clásico, puro, sin sonar repetitivo, no es refrito, a pesar de que la identidad que tienen, muy marcada, está presente en cada uno de los temas.
Que en este planeta temazos como "Mother Dear" (con los mismos cuatro acordes de siempre) o "Party Fears Two" no hayan sido hits radiales a nivel mundial habla mal de nosotros, de la humanidad y la famosa apatía propia de esta era, de los últimos quince o veinte años. Por suerte quedan bandas como Divine Comedy y personas como Neil Hannon, que parecen no dejarse vencer por estas cuestiones.    





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Nueva Roma

Muy cerca de la masividad absoluta, uno de los temas más rockeros de La mosca y la sopa, eterno favorito de la discografía ricotera, con este la monada enloquecía, cuando lo tocaban en vivo. Esto es poesía, cien por ciento, no es tan críptica si te ponés a pensarlo un segundo. La Nueva Roma es la ciudad hiper tecnológica moderna, te ofrece comodidades que terminan alienándote, separándote de tu misma humanidad, con la aparente falacia del libre albedrío, no necesitan mucho más que eso. Y esto lo dieron a principios de la década del noventa, de Internet todavía ni se hablaba. 


Aparece originalmente en: La mosca y la sopa (1991)

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Barbazul versus el amor letal

¿Como habrán hecho para salir a la cancha con algo así? Hablemos de personalidad. ¿A qué se parece esto? Tiene un dejo -mínimo- de música que se hacía a mediados de los ochenta pero no, es apenas, no se puede considerar. Hay reviente en la letra, eso está ahí, latente. Es la prisión ¿Cuál? Ahí es donde entrás vos, como oyente, como receptor del mensaje, a llenar huecos, ellos eran demasiado inteligentes como para escupirte todo en la cara, no te iban a subestimar. Al menos no tanto como lo harían los que creían que estaban recogiendo el guante, ocupando una vacante que no era sencilla de ocupar. Sí, por ahí se llevaron parte del público. No mucho más. 


Aparece originalmente en: Gulp! (1985)

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Fanfarria del cabrío

Acá yo podían darse ciertos lujos, por empezar sonar (y grabar) haciendo uso de toda la tecnología disponible. Por suerte nunca cayeron en el enamoramiento del sonido por el sonido en sí y siempre fué una forma de darle a los fanáticos una especie de retribución. Era un "sí, estamos ganando mucha plata, así que en la grabación por ahí lo van a notar". Despues de Lobo suelto / Cordero atado, en donde habían desplegado un verdadero arsenal de recursos, llegó la hora condensar un poco la fiebre de ideas. Y Luzbelito cumplió. En este tema, oscurísimo, con una producción hasta el momento inédita, muestran el tamaño de banda que habían llegado a ser. Cuando cambia y se ilumina, tenés un ejemplo perfecto de crecimientro musical, sonoro, compositivo.


Aparece originalmente en: Luzbelito (1996)

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Música para pastillas

La música. Skay. Corriá por cuenta suya. Inspirádisimo en este temazo de Oktubre, segundo larga duración de Los Redondos. Otra vez... ¿quién sonaba así? En el mundo hablamos, un cantante con la personalidad arrasadora del Indio Solari no lo ibas a encontrar tan fácil, no tenía nada que ver con el vocalista hijo de Bowie que era la norma en aquellos años. Cerati, Richard Coleman, Ian McCulloch de Echo and the Bunnymen, por nombrar solo a algunos, usaban más el registro grave de la voz humana. El Indio chillaba, se le entendían perfecto las palabras. Más allá de los malabares que podían llegar a hacerte hacer en el apartado del significado. De eso ya hablamos.  


Aparece originalmente en: Oktubre (1986)

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Todo un palo

Épico. Palabra que suele usarse hoy día de manera un tanto gratuita. Acá sí que se lo merece, en el temazo que cierra Un baion para el ojo idiota, el mismo que trajo al mundo temazos como "Todo preso es político", "Vamos las bandas" o el enorme "Vencedores vencidos". Siempre que se habló (sobre todo en la divina TV fuhrer) de Los Redondos, se hizo hincapié en cuestiones extra-musicales, como si ese apartado fuese terreno llano para la banda de La Negra Poli, Skay y el Indio. Acá habría un ejemplo de que no era así. Para nada. Siete minutos en donde pasa de todo. Literalmente.


Aparece originalmente en: Un baión para el ojo idiota (1988)

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Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota - Esa estrella era mi lujo

"Bah, mi único héroe en este lío"

No conozco otro uso de la interjección "bah" en una canción. ¿Será igual que el héroe? ¿Único? En Argentina usamos esa sílaba cuando estamos por hacer una aclaración de algo que dijimos anteriormente. Encima sigue -desparramando defensores antes de llegar al arquero- con "la más linda del amor, que un tonto ha visto soñar". ¿Linda? ¿En serio dice 'linda'? Más vale! La idea era "molestar a la academia" y lo hicieron, como pocos. Como nadie. 

Y la música es preciosa. ¿Qué había asi afuera? Acá nada, seguro. ¿Y afuera? Así... nada, tampoco. Es dificil señalar algún pifie en los primeros cinco discos de Los Redondos. Cantantes que suenen como El Indio tampoco había, después hubo intentos, muchos, demasiados. Todos desopilantes, para mi gusto. Imitarlo es equivalente a querer sonar como Tom Waits, como Nina Simone, le estás errando desde el vamos.




Podés escucharla en YouTube.

Encontrala originalmente en:
Para mi gusto la trilogía impecable, el del medio. Después de Un baión para el ojo idiota y antes de La mosca y la sopa, el que los llevó a otra dimensión. Suenan parecido, tienen un nivel de variedad musical asombroso y es cuando la dupla compositiva Solari / Beilinson no daba puntada sin hilo.

¡BANG! ¡BANG! Estás liquidado (1989)