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viernes, 12 de octubre de 2018

Jethro Tull - Ring Out, Solstice Bells



Este fue mi primer contacto con lo que se podría llamar música rock con influencias de folk inglés. De la época que te llevabas un disco de Tower Records, lo grababas en cassette (sí señor, en un pedorrísimo cassette) y lo devolvías para llevarte el CD que finalmente te quedabas. Un pequeño curro que, en la era pre-internet, ayudaba mucho a los oyentes voraces sin dividendos.

Qué banda Jethro Tull, qué nivel de originalidad, no se parecen a nadie, ni siquiera a sus compañeros de generación. ¿Qué tiene que ver esto con ELP o Yes? Absolutamente nada. "Ring Out..." te transporta a una época, a una era que ya no existe y que, en realidad, nunca existió. La voz de Ian Anderson es rarísima pero la sabe usar, la letra... nunca le presté atención pero el título me deja hacer mi propia película. Como toda la gran música.





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Encontrala originalmente en:
En plena fiebre de punk rock sale este discazo, dando por tierra aquello de que el punk mató al rock progresivo. El otro día leía que en realidad lo que mató al dinosaurio fue la música disco, mucho más popular que las crestas y el cuero negro. A pesar de que no es considerado imprescindible, es un disco apreciado y querido por los fanáticos de Jethro Tull.
Songs from the Wood (1977)





martes, 24 de agosto de 2021

5 Canciones 5: Badfinger, Legião Urbana, Jethro Tull, The Rave-Ups y Joe South


When I Say
Badfinger

En este álbum (el que viene después de Straight Up) apenas hay un tema de Pete Ham, que siempre fue el compositor principal de Badfinger. La mayoría son de Joey Molland. Pero esta maravilla es de la pluma de Tom Evans, quien podía por lo visto -y oído- llegar a alcanzar el nivel de melancolía y magia de su compañero. Un disco que no es valorado en su justa medida. Vamos a darle otra chance.

Aparece originalmente en: Ass (1973)

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A montanha mágica
Legião Urbana

Tema central, épico, enorme, del quinto disco de estudio de la banda de Renato Russo. Dueño de una voz hermosa, con cierto parecido al timbre de Richard Coleman, compañero de generación, todos hijos de Bowie en realidad. Es un arpegio y una melodía a medio tiempo... hasta que empieza a crecer. A partir de los tres minutos entra una distorsión podrida y el tema ingresa en otra esfera, sin abandonar del todo la idea principal..

Aparece originalmente en: V (1991)


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Conondrum
Jethro Tull

La banda del gran Ian Anderson no iba a resistir la tentación de editar el clásico disco doble en vivo, casi obligatorio. Era el momento ideal. La banda estaba en llamas, vendían muchísimo, es entendible. Este instrumental inédito (hasta ese lujo se daban) es Jethro Tull al cien por ciento, con ese costado folk, esos riffs que vienen y van y, como si todo esto fuera poco... ¡hay solo de batería!

Aparece originalmente en: Live - Bursting Out (1978)

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Please Take Her (She's Mine)
The Rave-Ups

Los Rave-Ups ya han andado por estas páginas virtuales. En este segundo disco apuntan a un sonido más radio-friendly que en el debut, que era una cosa más "de raíces", más country si se quiere. Este podría haber sido un hit si alguien le ponía la platita que siempre hizo falta para que haya éxitos de venta, discos de oro, etcétera. Excelente trabajo de guitarras, por cierto.

Aparece originalmente en: The Book of Your Regrets (1988)


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Don't Throw Your Love to the Wind
Joe South

Tenía apenas veinte años cuando la rompió en las sesiones de grabación de Blonde On Blonde (de Dylan, por si vivís en otra galaxia) y, ya para ese entonces, era un compositor hecho y derecho. Poco después sale este, su LP debut, que en su momento anduvo bien pero que con el tiempo fué olvidado. Sus canciones son bien de la época, con efectos de sonido a la orden del día, una suerte de psicodelia medio country soul, una cosa diferente, con una voz con mucha personalidad, al mejor estilo Tom Jones. Buen momento para redescubrirlo.

Aparece originalmente en: Introspect (1968)

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viernes, 5 de octubre de 2012

Wolf People - Steeple


Algunos datos orientativos antes de ir al grano:
• Steeple es el primer disco propiamente dicho, el anterior era una suerte de compilación de simples.
• La banda está liderada por Jack Sharp, que también toca la guitarra, compone, escribe las letras y canta.
• Salen por uno de los grandes sellos de lo que podríamos llamar Era Moderna: Jagjaguwar
• El disco apareció a fines del 2010 y fue bien recibido por prensa y público.



Con “Silbury Sands”, el tema con que empieza, las intenciones están más que claras; cuatro o cinco ideas bien acomodadas, una buena cantidad de riffs pesados, cambios de ritmo, atmósfera bien setentas y una voz que recuerda a Steve Windwood, a Jack Bruce y un poco a Robert Plant. Sigue “Tiny Circle” y… ¡sorpresa! ¡flauta dulce! ¿Jethro Tull? Sí, claramente. Un arreglo complicado, ritmo sincopado, la flauta que responde... es la banda de Ian Anderson pero sin las pretensiones que arruinaron algunos de los trabajos de la banda inglesa. Se ve que a algunos no les importa “quedar bien”. Todos sabemos que Jethro Tull en particular y el hard-rock progresivo en general es uno de los géneros más golpeados por cierta prensa tilinga. “Painted Cross” tiene que ver con esos temas de los Kinks hard-rockeros, esos que Ray Davies le dejaba cantar a su hermanito Dave, como “Rats” o “Mindless Child of Motherhood”, quitándoles la flema inglesa tan típica de esos discos como Lola… o Schoolboys in Disgrace.

Este muchacho parece estar completamente obsesionado con los discos de sus padres, eso también lo demuestra en “Morning Born”, que empieza lento y amenazante y desemboca en una orgía de riffs y arreglos de guitarra intrincados. Otro acierto. Acercándose al final está “Castle Keep”, el tema más largo de todo el LP, hipnótico, podría haber estado tranquilamente en Everybody Knows This is Nowhere, de hecho el registro vocal de Sharp tiene mucho que ver con el “quejido de abuela” de Neil Young. Cuando parece que todo se viene abajo, surge una nueva sección, con pinta de improvisada, en donde, sin salirse del acorde inicial, asciende vertiginosamente para después volver al motivo en donde había empezado. Temazo. Para terminar, dos temas unidos por título (y algo más); “Banks of Sweet Dundee (Partes 1 y 2)”. Acá asoma una raíz celta que no se había mostrado para nada en lo que va de Steeple. Voz doblada para lograr unos “auto-coros” terriblemente eficaces. Los que busquen novedades van a tener que ir a parar a otro lado, esto es rock clásico por donde se lo mire. Sin demasiadas vueltas de tuerca. Pero está tan bien hecho que uno no puede menos que alegrarse porque haya pibes de veintitantos todavía interesados por esta música, casi arqueológica hoy en día.

Wolf People no le va a cambiar la vida a nadie y Steeple mucho menos, pero si te gustan Traffic, Led Zeppelin o Savoy Brown y estás un poco harto de escuchar siempre los mismos discos, seguro que te van a dar una hora de placer auditivo.







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Chequear también:

Pentangle - Basket of Light
Sleepy Sun - Embrace
Wolf People - Tidings





lunes, 6 de diciembre de 2021

Paul Brett's Sage - Schizophrenia


Un riff de guitarra bien podrido es lo primero que se escucha, muy parecido a “Sweet Leaf” de Black Sabbath, tema que también abría el tercer LP de estudio de los de Birmingham, Master of Reality. Después termina siendo un rock duro a medio camino entre Cream y Savoy Brown, con muchas guitarras, solos y arreglos. Así arranca Schizophrenia, el tercer y último disco de estudio de Paul Brett's Sage, una de esas banda de segunda o tercera línea que merecían un poco más, la falta de llegada o éxito de ventas nunca coincidió con falta de calidad.

Brett, quien en un acto de hidalguía bautiza al grupo con su nombre, ya era un veterano de varias batallas cuando formó Paul Brett's Sage, había tocado la guitarra en varios proyectos, entre ellos los míticos Tintern Abbey, que aparecen en todas las compilaciones de garage y freakbeat de la época, grabó en Ride a Hustler's Dream de Velvet Opera, y en la obra conceptual de Fire, The Magic Shoemaker.

Schizophrenia es una especie de ensalada de absolutamente todos los estilos que estaban en boga en la primera mitad de la década del setenta, con respecto a los dos anteriores, se podría decir que hay un claro filo más rockero, mas duro si se quiere, cuando los dos anteriores eran uno medio folkie, influenciado por CSN&Y (Jubilation Foundry, del ’71) y el primero, homónimo, un poco más progresivo. Alguien podría decir que la banda en realidad no tenia muy claro el norte, que no sabían bien qué hacer y no sería del todo descabellado, pero los tres discos que hicieron se sostienen muy bien y tampoco es que cambian tan radicalmente de uno a otro.

Tiene el temazo semi-obligatorio, que es “Take Me Back and I Will Love You”, que bien podría haber sido un himno generacional si le hubieron puesto la platita necesaria. En otro tema hay influencias de Traffic, en “Saviour of the World” se escucha una onda medio Jethro Tull, en otros podrían sonar un poco como Rod Stewart en sus extraordinarios cuatro primeros discos como solista, antes del cruce del Atlántico y el jet-set decadente. Sí, quizás se los puede acusar de cierta falta de personalidad, no inventaron nada, eso hay que decirlo, pero lo que hacen lo hacen con un aplomo sorprendente. Es uno de esos discos para los que estamos medio podridos de escuchar los discos clásicos y que, si tenemos ganas de ir a cierta época, preferimos algo como esto, que no lo hemos girado tantas veces.

Para evitar cierto desgaste de los héroes bañados en bronce. Para resumirlo.







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Chequear también:
Tintern Abbey - Beesides: The Complete Recordings
Home - Pause for Hoarse Horse
Jethro Tlull - Minstrel In the Gallery




jueves, 22 de mayo de 2025

Bob Welch - The Other One


"Bob Welch salvó a Fleetwood Mac". Frase pronunciada más de una vez por el gigantón Mick Fleetwood, en alusión a los años erráticos que atravesaron, después del borrón absoluto de Peter Green y antes de la era Buckingham / Nicks, la del super estrellato, los millones y las toneladas de cocaína. 

En el medio hicieron nada menos que seis discos, después del infravalorado Kiln House, entra Bob Welch y otro miembro que haría historia; Christine McVie. El debut fué de la mano de Future Games, en donde los dos nuevos aportan dos temas cada uno contra tres de Danny Kirwan y ahí ya es evidente que había dos jugadores valiosos, con personalidad. No son grandes hallazgos, sí tienen algo que es diferente, las voces son únicas, sin ser cantantes con gran dominio de la técnica. Por algo estamos acá hablando de ellos y no de Pavarotti o Nacha Guevara. O cualquiera de esos que asombran jurados en los concursos de la tele, en donde tienen un concepto o valoración opuesta a lo que significa ser cantante. ¿Qué pasaría ahí si aparece un Dylan o un Shane MacGowan? Yo lo miro (en YT, claro).

Si alguien algún día se toma el trabajo de compilar los temas que aportó Welch en los cinco discos que grabó con Fleetwood Mac, se llevaría una grata sorpresa. El nivel de coherencia que manejaba el tipo lo debería situar en un lugar que no tiene -todavía- no creo que muchos se acuerden de él. Inmerecidamente.
Los tres que mete en Heroes Are Hard to Find (por ejemplo) llevan a un disco medio flojito a la categoría indispensable, a nivel delirio cósmico, unidad conceptual, producción, arreglos... ¡por favor! Tendría que haber hecho uno solista con ese nivel de inspiración. Cuando se va, medio a las piñas, arma Paris, su intento de ser Led Zeppelin, con el bajista de Jethro Tull y el baterista de Nazz, la banda sixtie de Todd Rundgren. Ni siquiera imitando puede dejar de ser él mismo. Hicieron dos discos en el mismo año que no le importaron a nadie.

Carrera solista, ahí vamos.

Sale al ruedo con French Kiss, en un plan disco-power pop, por el lado en que andaba la Electric Light Orchestra en la época de Discovery. Super producido y grabado en los mejores estudios de Los Angeles, su tierra natal. Ahí conocía a todo el mundo porque su padre era un manager de estrellas de cine o algo por el estilo. La recontra pega con una balada que ya había grabado en su debut con Fleetwood Mac, "Sentimental Lady", en una versión casi idéntica. Fama y fortuna y lo que todos sabemos que eso trae aparejado. Eso sí, le permitió hacer lo que quiso y como quiso y de eso se tratan sus cuatro primeros discos como solista. Podemos contar el homónimo del '81 también, ya que estamos.

The Other One
es el tercero y tiene al menos cinco temas que todo melómano avezado debería escuchar una vez en la vida. Y el resto acompaña con soltura, decencia y elegancia. Bob Welch, para resumirlo.  






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Chequear también:
Fleetwood Mac - Bare Trees
Paris - ídem [1er. LP - 1976]
Bob Welch - Three Hearts




martes, 26 de septiembre de 2023

Miguel Abuelo & Nada - ídem [1er. LP - 1975]


Hay quienes para comentar un disco se toman la molestia de escucharlo muchas veces. No sé… cinco, seis o hasta diez veces. No creo que haga falta, esto es contar un poco de qué va la cosa, no es más que eso. Y de quién se toma el trabajo de leer este tipo de artículos mejor ni hablemos.

En la primer escucha uno puede notar que se tratar de algo interesante y valioso. Sorprendente. Sobre todo para los que conocemos a los Abuelos de la Nada, los que fuimos perseguidos con esos temas durante cierta etapa de la vida. Hubo un momento en que no tenías escapatoria, te acosaban con esas canciones, era hostigamiento. De ahí puede venir cierta resistencia a la voz, al timbre de Miguel Abuelo, que no se parece a nada. Debe tener que ver con una especie de reflejo pavloviano, con buscar inconscientemente una vía de escape. En un momento el llamado Rock Nacional fue un verdadero estorbo, veinte temas que eran siempre los mismos, de manera indefectible. Y Miguel estaba en un par de esos, no los quiero nombrar. Hoy si los escucho hasta me caen bien, el tiempo todo lo cura. En aquel entonces era una esvástica musical tácita. ¿Habrá algún otro país que llame “nacional” a su rock? Es una palabra que rompe las pelotas, con demasiadas connotaciones y asociaciones que uno no quiere hacer. Y menos a la hora de hacer algo tan sagrado como escuchar música.

En la segunda escucha caés rendido. Este es un discazo. No por nada es apreciado por melómanos del mundo entero. Incluso por gente que no habla español, algo que fue barrera para mucha gente durante años y que hoy parece estar cambiando. Está lleno de fanáticos de Tom Jobim en Europa, por citar un ejemplo. De hecho este disco se reedita en Bélgica en la década del noventa, más de tres lustros después de su edición original. Que paso sin pena ni gloria, hay que decirlo.

Miguel Abuelo ve que las cosas se ponen densas en Argentina y decide emigrar a Francia, ahí es que arma esta banda, con otros músicos que también eran argentinos exiliados. Graban esta obra maestra. ¿Qué pasaba si este disco lo hacía Jethro Tull, Gentle Giant o cualquiera de las grandes bandas que funcionan a mediados de los setenta? Tendría mayor nivel de reconocimiento, seguro. A pesar de que esto tiene un nivel de eclecticismo y originalidad comparable a cualquier obra grabada en aquellos años. Hay hipismo y psicodelia a raudales (ese tema en que le habla a una piedra es genial) y guitarras fuertes y podridas. De hecho hasta se puede escuchar una suerte de proto-metal, cabalgata alla Iron Maiden, gritos super agudos y acrobacias vocales. Si todavía no lo escuchaste dale una oportunidad a Miguel Abuelo & Nada. No tiene nada que ver con “Mil horas” ni con “Chalamán”.Te lo prometo.

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Chequear también:

Black Sabbath - Sabbotage
Sir Lord Baltimore - Kingdom Come

Morgen - ídem [1er. LP - 1969]




miércoles, 15 de octubre de 2025

5 Canciones 5: Iron Maiden


Gangland

Sin duda el corte más rápido del disco bisagra, aunque hubo varios que podrían llevar ese adjetivo. El último con Clive Burr en batería y el primero con Bruce Dickinson, marcando un hito ineludible en una carrera que todavía sigue y en buena forma. La velocidad es desquiciada, el riff -y los BPM- con que empieza parece Motörhead pero en seguida aparecen los rasgos inconfundibles de Maiden. El solo de guitarra es asesino. Al parecer no es un tema muy apreciado porque para la reedición aniversario que salió hace poco lo cambiaron por "Total Eclipse". ¡Esas cosas no se hacen Estebita! ¡Sacrílego!


Aparece originalmente en: The Number of the Beast (1982)

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Can I Play With Madness?

¿Puedo jugar con la locura? Habían hecho una especie de resumen de la carrera de Diego Armando Maradona, alguien tuvo el gran acierto de meter este temazo para acompañar las imágenes y el relato. En ese caso sería '¿Puedo jugar estando re loco?'. Vendría a ser el tema accesible y  ganchero de Seventh Son... no casualmente séptimo larga duración de estudio de La Dama de Hierro. En neto contraste con el resto del disco, en donde le dan rienda suelta al costado progresivo que siempre tuvieron. Harris es fan confeso de Wishbone Ash, UFO y más de una vez ha elogiado a Jethro Tull; "creo que Ian Anderson es uno de los escritores más talentosos de todos los tiempos", declaró el bajista en una entrevista en Louder Sound. 


Aparece originalmente en: Seventh Son of a Seventh Son
 (1988)

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Sanctuary

Punk metal. Así los definía un amigo borrachín muy fanático de Buzzcocks, Damned, Pistols y compañía. Y algo de razón tenía, acá hay un buen ejemplo, esto no está muy lejos de UK Subs, GBH... la vertiente más a lo bestia de la camada '77. Con Paul Di'Anno en voz líder, el personaje semi-borrado de la historia de Maiden, quien durante años sacó réditos (¿o choreó?) de aquellos dos primeros discos. "Sanctuary" es un single de la época de Killers, creo que más tarde lo agregaron en algunas reediciones. Le hicieron justicia. Temazo.


Aparece originalmente en: 7", 45 RPM, single (1980)


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Dream of Mirrors

Nadie se esperaba lo que pasó con Brave New World, a fines de siglo eran considerados dinosaurios, una antigüedad total, a pesar de que todavía seguían llevando mucha gente a los conciertos. Acá vuelven Dickinson y Adrian Smith. Graban un disco doble basado en la novela de ciencia-ficción indispensable de Aldous Huxley, volviendo al sonido clásico, con unas canciones impresionantes. En "Dream of Mirrors" retoman la épica ambiciosa de Seventh Son... o esos temas largos de Powerslave y la rompen. ¿Quién iba a decir que veinte años después seguirían grabando y componiendo como lo están haciendo? ¡Y con altísimo nivel! 


Aparece originalmente en: Brave New World (2000)


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Aces High

Hitazo. Merecidamente. Cada parte, arreglo, cambio e idea están puestos en el lugar preciso. A nivel composición es impresionante. En menos de cinco minutos pasa de todo. Y no me vas a decir que no esperás con ansiedad el grito super agudo de Dickinson al final de segundo estribillo porque no te cree nadie. Las estrofas están cantadas encima de un riff avasallante y lo que sería el pre-estribillo, en donde aparece la clásica "cabalgata" patentada de Steve Harris (el sonido por el que todo el mundo los reconoce) tiene unos arreglos a puro vértigo. Virtuosismo bien entendido vendría a ser esto. A pesar del despliegue de destreza y técnica de "Aces High", es imposible olvidarse de ese coro, lo escuchás una o dos veces y lo tenés en la cabeza para toda la vida. No cualquiera. 


Aparece originalmente en: Powerslave (1984)


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sábado, 25 de mayo de 2024

Richard Coleman - A Song Is a Song, Vol. 1


“A Song for You” es el primer tema. Hay que animarse con este. Quizás la versión más famosa sea la de los Carpenters, fue escrita por Leon Russell y aparece en su primer disco solista, pero fue interpretada por -atención- Donny Hathaway, Willie Nelson, Aretha, los Temptations, Ray Charles y la lista podría seguir un buen rato. Un verdadero clásico. Coleman la saca adelante y con entereza, sin ningún artificio más que la acústica, su voz y algún colchoncito de teclados muy sutil.

Hay gente que no tiene demasiado aprecio por los discos de covers, argumentando que no tienen demasiado valor artístico, que no aportan nada y demás cuestiones que a mi, particularmente, me tienen sin cuidado. Larga vida a los discos de covers. Por supuesto que tienen que cumplir ciertos requisitos, sobre todo a la hora de elegir la lista. Y acá hay una interesante selección. Algunas son un poco obvias si uno conoce de dónde viene Richard Coleman, están Bowie y Brian Eno, eso se caía de maduro, pero… ¿los Allman Brothers? ¿Y qué me dicen de Jethro Tull? El motivo principal de Thick As a Brick, sin todo el exceso progresivo / sinfónico de la original. Sorprende y es buena idea, casi se podría decir que es una declaración de principios.

 Además si es Bowie no es uno de los “resultones”, por decirlo de algún modo, es “Wild Is the Wind” que El Duque Blanco tomó de Nina Simone y grabó en el escalofriante Station to Station, en aquel período turbio pero super-creativo que tuvo. Vale decir que Coleman lo canta extraordinariamente, logrando las acrobacias vocales que exige sin demasiado esfuerzo aparente. Y los mismo pasa con Eno, bueno, tampoco es que hay temas que todo el mundo conoce, pero la elección es mortal; “Spider and I” del gran Before and After Science. También es un acierto el concepto sonoro de A Song Is a Song, la instrumentación es mínima, austera cien por ciento, quizás una forma de mostrar que las grandes canciones se sostienen por sí solas, que a la hora de estar desnudas pueden pasar la prueba de fuego. Que suele ser un cantante y una guitarra acústica. Con la banda y con el volumen es un poco más fácil. Así no tanto, hay que cantar en serio. Y este tipo canta.

Como sorpresas se pueden mencionar “Changes” de Black Sabbath, un tema que a mí nunca me atrajo demasiado, a pesar de ser fan a muerte de los de Birmingham. Más o menos lo mismo me pasa con “Love Me Tender”, quizás un tema que agotó por sobreexposición. El ex-7 Delfines le busca un enfoque nuevo, le encontró la vuelta. PJ Harvey (tremendo solo de guitarra!!!) y Johnny Cash dicen presente y también el gran Nick Drake, con una linda versión de “Pink Moon”. Hay que animarse a estos temas de acero, Coleman lo hace y sale muy bien parado.






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Chequear también:

Los 7 Delfines - Dark
Los 7 Delfines - Desierto
Richard Coleman - Incandescente





viernes, 13 de diciembre de 2024

5 Canciones 5: Echo & the Bunnymen, Magnetic Fields, Viejas Locas, Beach Boys y The Clash


I Want to Be There (When You Come)
Echo & the Bunnymen

Let's get auto-referencial. ¿Por qué no? Acá no entra nadie y cosas como mantener un perfil editorial no tienen sentido alguno. Con una banda que duró dos o tres ensayos tocábamos "Altamont", también de Evergreen. La bajista estaba buenísima (aunque cogía con el baterista) y la guitarrista era horrible y tocaba pésimo. Me la querían endilgar a mí, decidí declinar la oferta carnal en pos de seguir con mi frenesí masturbatorio.

La banda no llegó a nada.

A mí me acusaban de ser "demasiado rockero", cosa que opté por tomar como un elogio. Igual gracias a ellos conocí mucha música, muchísima. Y también forme un criterio. Yo no iba a escuchar Featus o Alien Sex Fiend para caerle bien a nadie. Tampoco lograron convencerme de que Creedence, Acedecé o mis adorados Jethro Tull eran una mierda. Me mantuve firme. Digamos que fuí un snob mersa. JA!

Aparece originalmente en: Evergreen (1997)

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The Luckiest Guy On the Lower East Side
The Magnetic Fields

Valoro la intención. Más que las canciones en sí. Lo tengo hace veinte años y si lo escuché entero dos veces es mucho. Igual no creo que sea la idea. Tiene al menos quince o veinte temazos. El librito tiene una especie de auto-reportaje recontra snob, con un nivel de cancherismo deleznable, igual despliega un puñado de ideas interesantes. Es una suerte de tratado y análisis de la canción popular moderna. Hay tres o cuatro cantantes, por suerte, sino sería infumable esto, y el que se encarga de este tiene una voz grave hermosa. Creo que es Stephen Merritt, el capo de Magnetic Fields, no estoy seguro. Y la melodía es preciosa.

Aparece originalmente en: 69 Love Songs
(1999)

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Te empezás a chorrear
Viejas Locas

El primero de Viejas Locas sería Some Girls de los Stones en una Argentina post-saqueo menemista. Socialmente es un retrato, una pintura generacional. Y nadie puede negar que al Pity le salían frases únicas, entre el lunfardo tanguero y la cumbia villera. Muchos valoraban su indiscutible honestidad, a mí eso no me hacía decidir pero igual me caía bien. Aca la frase título apunta al trazo grueso más bestia, zarpado. La música la rompe, onda "Respectable" o "Lies", a toda velocidad, bien punkie.

Aparece originalmente en: Viejas Locas (1995)

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Forever
The Beach Boys

Cuando Brian Wilson "retrocede" surgen las figuras de Carl y el gran Dennis Wilson. Y pensar que al principio no lo dejaban ni siquiera grabar sus baterías y metían algún sesionista. Además sus canciones no se parecen a nada. Tienen un corazón enorme, se ve que el tipo sentía y con mucha fuerza, se pueden chequear "Cuddle Up" o "Be With Me" (Carl and the Passions y 20/20, respectivamente) como ejemplos de su manera extraña de componer. O su extraordinario Pacific Ocean Blue, como solista. No tenía conocimientos de teoría musical, pero se sentaba al piano y buscaba esos acordes únicos, con su oído, intuición y alma, sobre todo.

Aparece originalmente en: Sunflower (1970)


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Groovy Times
The Clash

Mick Jones. El costado pop de The Clash. Lo que los hacía sobresalir del montón, se podría decir. Nunca supe bien de qué va la letra pero ese colchón de guitarras acústicas es una belleza. Todo queda bien acá. Ellos eran una de esas bandas en que cada uno de los integrantes era fundamental. Tanto en escena como en el estudio, en el sonido y propuesta general. Si comparás esto con lo que hacían uno o dos años atrás hay una evolución notoria, en la forma de componer, de tocar, interpretar y hasta grabar y producir. Groovy times. Indeed.

Aparece originalmente en: The Cost of Living EP (1979)


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viernes, 4 de enero de 2019

Nito Mestre y los Desconocidos de Siempre - ídem [1er. LP - 1977]


Acusticazo. La primera impresión. Muchas voces, angelicales. Yes, la banda de Jon Anderson y compañía, una influencia ineludible del rock argentino de la década del setenta. Más guitarras acústicas. Armonías de voces femeninas. Regreso al folk rock bucólico. Eso es lo primero que suena cuando uno se expone a “Y las aves vuelan”, el tema que abre el disco debut de Nito Mestre y los Desconocidos de Siempre. Crosby, Stills & Nash, otros que marcaron a fuego a aquella generación. ¿Tiene personalidad? ¿Superó el paso del tiempo esta música? Se puede decir que sí, se notan las influencias pero no es robo a mano armada, suena muy profesional y ajustado y las canciones tienen cosas para decir.

La imagen generalizada que se tiene de Nito Mestre es la de un segundón de Charly García, el Garfunkel de Paul Simon o algo por el estilo. De Sui Generis no hace falta hablar mucho, todo el mundo los conoce y son el ejemplo claro de lo bueno -y lo malo- de la música de fogón. Para esta época, fines de la década del setenta, Argentina estaba en medio de los peores años de la dictadura, desaparecía gente a diario y estos tipos estaban haciendo una música interplanetaria, en otro mundo pero… ¡qué bien tocaban!

El segundo tema, “El tiempo para descubrir el mal”, que podría aludir (de manera muy oblicua, hay que decirlo) al momento socio político que se vivía, ya es algo más fuerte. Todo lo fuerte que puede ser un tema de Nito Mestre, por supuesto. Pero ya aparecen las guitarras eléctricas, hay solos, arreglos y la cosa va tomando vuelo. En “Tema de Goro” ya están a pleno con el rock progresivo, bien podría haber sido un tema del Jethro Tull de Thick as a Brick, con flauta incluída, tiene mucho que ver con lo que hacía su ex-compañero, en La Máquina de Hacer Pájaros de aquel entonces. “Mientras no tenga miedo de hablar” abría la cara B en el LP original y muestra que los tipos no estaban tan ajenos a lo que sucedía puertas afuera.

Los próceres del llamado rock nacional tardaron en adaptarse y prestar atención a lo que pasaba afuera, hay que recordar que en el año en que salió este disco aparecía el debut de los Sex Pistols, pero nadie puede negar que se dedicaban con esmero al oficio, que tocaban, cantaban y grababan con mucho nivel y que, a fin de cuentas, dejaron un legado imperecedero.







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Chequear también:

Sui Generis - Pequeñas anécdotas sobre las instituciones
Jon Anderson - Olias of Sunhillow
La Máquina de Hacer Pájaros - Películas



miércoles, 11 de marzo de 2020

5 Canciones 5: Morphine, casting original de "Godspell", The Presidents of the USA, Duke Ellington y Al Stewart


Bo's Veranda
Morphine

El planteo de Morphine siempre fue original desde la formación de la banda misma; bajo de dos cuerdas, saxo y batería. En el obligatorio disco póstumo de rarezas aparece esta zapada instrumental. El clima que se genera es de suspenso, como curiosidad acá hay una guitarra española que tira una frases inquietantes. Para los que tienen data de cine... ¿ya apareció en alguna banda sonora? Podría musicalizar una buena escena de crimen.

Aparece originalmente en: B-Sides and Otherwise (1997)

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On the Willows
Steve Reinhardt, Richard LaBonte y Jesse Cutler

Primer mitad de los setenta; la era de la obra conceptual de connotaciones religiosas. Jesus Christ Superstar, Aqualung de Jethro Tull, el mismo Tommy de The Who. De Godspell no se acuerda nadie hoy en día y es un poco injusto. Estructurado en una serie de parábolas, relacionadas con el evangelio según San Mateo. "On the Willows" es uno de los temas "livianos", una brisa de aire fresco. Se hicieron varias versiones pero la primera es la que va.

Aparece originalmente en: Godspell [casting original] (1971)


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Kick Out the Jams
The Presidents of the United States of America

¡A lo bestia! Bueno... el original ES el tema a lo bestia por excelencia. Quizás alguien se acuerda de esta banda, rotaba incansable en MTV de la mano de "Lump", un temazo de rock alternativo si los hubo. Hoy podría parecer una obviedad versionar el que quizás sea el tema más famoso de los MC5, pero a mediados de los noventa todavía no les había llegado el revival. Puntos para Los Presidentes.

Aparece originalmente en: The Presidents of the United States of America (1995)

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Low Key Lightly
Duke Ellington

Acercarse a la discografía de uno de los gigantes de la música popular del siglo veinte puede asustar al principio y con razón. Tenes diez mil maneras de abordar ese bosque y está lleno de recovecos. Este podría ser uno, ya que hablamos de bandas sonoras, en este caso de Anatomía de un crimen de Otto Preminger, con James Stewart como protagonista. Ese violín melancólico es la clave y lo que despega al tema del resto del disco. Con un aire Europeo, a lo mejor porque el violín es el instrumento europeo por excelencia. Delicioso.

Aparece originalmente en: Anatomy of a Murder [soundtrack] (1959)


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Roads to Moscow
Al Stewart

Personaje infravalorado Al Stewart. Algunos se acuerdan de él como emblema del rock suave de principios de los setenta, lo que ahora llaman yacht rock y su histórico The Year of the Cat, un disco con el que se cansó de vender. Pero antes ya había hecho seis LP de estudio y tenía el estilo más o menos encaminado. Past, Present & Future tiene un concepto muy claro y definido, en donde cada tema representa una década del siglo veinte "Road..." dura ocho minutos y habla de la invasión alemana a Rusia en la Segunda Guerra Mundial.

Aparece originalmente en: Past, Present & Future (1973)

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viernes, 16 de agosto de 2024

Black Sabbath - Anno Domini 1989–1995


¡Al fin se pueden conseguir estos cuatro! ¿Notaron que a los discos de los Beatles jamás los vas a ver en las bateas de ofertas? Uno, que ya tiene unos cuantos años en esta hermosa actividad que es revolver disquerías, nota ciertos cambios en las tendencias. Por ejemplo algunos discos de rock progresivo (Yes, Jethro Tull) en un momento los encontrabas por todos lados. Obedece a que en un momento fueron muy populares, todo el mundo los tenía y medio mundo se los sacó de encima, en aquellos días en que el CD “reemplazó” al LP. Volviendo al CD, los Beatles siempre ahí, en lo más caro que puede llegar a estar el formato. Con Black Sabbath pasa exactamente lo mismo. Y eso que en su momento de gloria nunca fueron del todo populares, al menos en Argentina. Fueron revalorizados más adelante y muy merecidamente.

Para muchos los de Birmingham son sinónimo de Ozzy. Esos años fueron mágicos, indiscutible. Pero si uno se pone a hilar fino, y sin temor a la blasfemia, Black Sabbath ES Tony Iommi. Con Dio graban tres discos fundamentales; Heaven and Hell, The Mob Rules y Dehumanizer, en los noventa, cronológicamente en medio de estos cuatro.

¿Y la etapa con Tony Martin? De esa no se acuerda nadie. Sólo los fanáticos… de Iommi. En aquel entonces habían firmado con el sello I.R.S. de Miles Copeland (el hermano del baterista de The Police) que tenía en su seno a bandas como R.E.M, Oingo Boingo o Wall of Voodoo. Qué hacía Black Sabbath ahí es algo que nunca se terminó de entender y un poco por eso también esta etapa está medio “borrada” de la historia. Esta cajita viene a enmendar ese error, que no es mas que un tema de percepción, de suerte y de contexto histórico.

Para que el asunto quede claro, Forbidden, que siempre fue el canto de cisne hasta este que salió en el 2013 con Rick Rubin, ha sido considerado uno de los más flojos de Sabbath, incluso ridiculizado en algún que otro artículo, libro o conversación. Contexto, otra vez. Escucharlo hoy es una grata sorpresa, con temazos como “Smoking Off the Chains” o “Get a Grip”, del que se hizo un video muy creativo. Los otros tres discos son Headless Cross, TYR y Cross Purposes, este último el único en que no está Cozy Powell en la batería y tienen un nivel sorprendente. Powell y Iommi habían tomado las riendas y hacían las cosas con el nivel habitual, incluso se podría decir que musicalmente hay una evolución con respecto a la década del setenta, pero mejor no entremos en terreno pantanoso. El gran Geezer Butler toca el bajo solamente en Cross Purposes. Y vale decir que Tony Martin es un cantante excepcional, muy bien dotado técnicamente, con un caudal de voz enorme.

Claro, a fines de los ochenta los muchachos de Black Sabbath eran vistos como dinosaurios, cosa del pasado. No estaban “de moda” y los lanzamientos discográficos pasaban sin pena ni gloria, mientras la prensa se encargaba de ir en pos de los próximos veinteañeros carilindos. Hoy en día, que esas cuestiones no le importan a nadie, estos cuatro discos suenan mejor que nunca.







Escuchar online en YouTube o en Spotify.







Chequear también:

Black Sabbath - Live Evil
Black Sabbath featuring Tony Iommi - Seventh Star
Heaven & Hell - The Devil You Know




martes, 10 de agosto de 2021

5 Canciones 5: Chico Buarque


Agora falando sério

El título podría traducirse como "ahora hablando en serio" y puede tranquilamente ser una muestra del sentido del humor de Chico Buarque. Sobre todo si tenemos en cuenta que este, su cuarto LP de estudio, se empezó a grabar en Italia, en el exilio, y salió cuando ya había vuelto a Brasil. Uno de sus grandes clásicos. "yo quería no mentir, no quería engañar, esquivar, eludir tanto desencanto". Elocuente, como mínimo.

Aparece originalmente en: Chico Buarque de Hollanda • Nº 4 (1970)

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Cálice

Unos coros al mejor estilo misa católica son lo primero que se escucha en el segundo tema de su disco homónimo del '78. Después aparece un riff cortado que bien podría ser el Jethro Tull clásico de principios de los setenta. Puede haber una influecia de Milton Nascimento en todo esto, que aparece como invitado y seguramente tuvo mucho que ver con el arreglo. La composición es compartida con otro gigante de la MPB, nada menos que Gilberto Gil.

Aparece originalmente en: Chico Buarque (1978
)

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A voz do dono e o dono da voz

A su manera -por supuesto- incorpora algunos de los elementos de la new wave que, a principios de la década del ochenta, era algo cien por ciento ineludible. La letra es algo bíblico pero el significado no es inmediato, está más bien encriptado y deja lugar a interpretaciones. Casi al final aparece un coro enorme de mujeres, como para reforzar la idea. "Dios le dió al dueño los dientes, Dios le dió al dueño las nueces, a las voces Dios sólo les dió su piedad".

Aparece originalmente en: Almanaque (1981)


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Olha Maria

Quizás el disco más importante en cuanto a lo que provocó en su momento, fué popular e innovador a la vez, cosa que no cualquiera consigue, como todos sabemos. El eterno incesto compositivo de la Música Popular Brasilera se comprueba en los créditos de este tema; Buarque, Vinicius de Moraes y Tom Jobim, nada menos. Empieza con unos acordes de piano, que se funden con las cuerdas antes de la entrada de la voz. Una suerte de canción de cuna que funciona como alivio y contraste, dentro de un disco con mucho contenido político.

Aparece originalmente en: Construção (1971)


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Funeral de um lavrador

Tenía apenas veinticuatro años para la altura de su tercer disco de estudio y la personalidad formada completamente. Este temazo extraño, atípico y retorcido haría morir de envidia a Nick Cave, incluso al actual, al que se olvidó de las canciones. Una base repetitiva en acorde menor, unas voces de mujeres fantasmagóricas y el título -que ya lo dice casi todo- son todo lo que necesita para crear un clima bien... mortuorio. Como para mostrar que tenía varias facetas como compositor.

Aparece originalmente en: Chico Buarque de Hollanda Volume 3 (1968)


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martes, 9 de julio de 2019

5 Canciones 5: The Church, Thelma Houston, Siete Delfines, Rinôçérôse y Suede


Night Friends
The Church

Nunca un disco malo, jamás. Lo que pueden haber perdido en espontaneidad y energía joven lo ganaron en varios apartados. Generación de climas, aplomo a la hora de tocar y componer, las canciones se van desplegando y disparándose a lugares insospechados, y la lista podría seguir. "Night Friends" es una obra maestra, son siete minutos en donde no sobra un sólo segundo, cada uno de los cambios está puesto en función de la atmósfera interplanetaria. Al minuto tres -y fracción- un piano minimalista da paso al lento despegue; ajustensé los cinturones... esto es The Church.

Aparece originalmente en: After Everything Now This (2001)

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Cheap Lovin'
Thelma Houston

No es el disco más famoso de Thelma Houston, ese rótulo se le podría colgar a su segundo LP, homónimo del '72, también conocido como The MoWEST album. En este funk sureño arrollador se lleva el mundo por delante con su voz de acero. Cómo es que hacían para salir al mundo con una personalidad tan definida es un misterio. En Sunshower, su disco debut, todas las canciones son de Jimmy Webb, el mismo de "MacArthur Park", "Wichita Lineman", entre otras.

Aparece originalmente en: Sunshower (1969)


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Equilibrio
Los Siete Delfines

Vale la pena mirar la aparición televisiva de los Siete Delfines tocando este temazo de Desierto, tercer disco de estudio de la banda de Richard Coleman. Buenos arreglos, cambios de acordes interesantes... para un disco totalmente olvidado y semi-sepultado por el paso del tiempo. ¿Alguien se va a dignar a reeditar los discos de Siete Delfines? El único que salió hace unos años fue el primero, los demás... bien gracias. Acá va un ínfimo aporte para que eso pase, "Dark", Nada memorable... son discos de rock de guitarras muy decentes, tendrían que estar ahí, al alcance.

Aparece originalmente en: Desierto (1995)

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Résurrection d'une Idôle Pop
Rinôçérôse

¿Alguien se acuerda de estos franceses? Yo los ponía bastante cuando pasaba música durante el furor de la música electrónica en Buenos Aires, a principios de este siglo (qué raro suena eso!). Me gustaban porque mezclaban bases electrónicas y house con guitarras y lo que hacían se parecía a canciones. Trataban de evitar la intrascendencia y lo anodino de cierta música que apenas sirve para musicalizar un consultorio odontológico y hoy en día no recuerda absolutamente nadie. ¿La flauta es homenaje a Jethro Tull o parodia?

Aparece originalmente en: Music Kills Me (2002)


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Pantomime Horse
Suede

La resurrección de Suede en sus últimos tres discos es un caso practicamente inédito en la historia del rock. Pero no nos vayamos por las ramas que este es un tema del primer LP de estudio de la banda londinense. Un arpegio envolvente te captura desde el principio mismo de la canción, antes de la línea de bajo sinuosa de Matt Osman, cuando entra Brett Anderson a cantar ya estás atrapado sin salida. Uno de los temas distintos del disco, sin dudas. Pero con todo el sello de Suede, una banda con una personalidad arrolladora, única.

Aparece originalmente en: Suede (1993)

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