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jueves, 1 de noviembre de 2018

Oasis - Dig Out Your Soul


‘Mejor arder que desvanecerse’ escribió Neil Young, allá lejos y hace tiempo. ¿Habrá escuchado la frase Noel Gallagher o habrá sido mera coincidencia? Cuando eran la banda más grande del mundo (te guste o no, en un momento lo fueron) tenía canciones de sobra, sacaban singles y EPs con temas que no estaban en los discos de estudio y todo era de bueno a brillante. A partir del tercer disco, Be Here Now, la cosa se fue a pique… en público. Siempre fueron una banda “pública”, para bien y para mal. Supieron bien aquello de que la mala publicidad no deja de ser publicidad y lo usaron. Y hartaron. Para cuando salió Dig Out Your Soul ya no le importaban a nadie y, si uno lo ve a la distancia, es lógico y entendible.

En Dig Out Your Soul parecen decir algo como “ya no nos importa más nada, el barco se viene abajo, hagamos lo que se nos canta” y eso es lo que hicieron. Nunca se entendió del todo la comparación de Oasis con los Beatles, por ahí el link viene por el lado de que las dos bandas son de clase trabajadora, pero las similitudes terminan ahí. Oasis siempre fue una banda con serias limitaciones, aunque lo que hacían, cuando lo hacían bien, era infalible. Eran una máquina de tirar hits. Esos dos primeros discos de estudio son una manual de rock de estadios, con los dardos apuntados a las masas, al coro de borrachos, al karaoke más ordinario y fiestero. Si tenés algún problema con ese tipo de canciones, ya podés ir dejando de perder tiempo en esta reseña.

Habían salido de gira con los suecos The Soundtrack of Our Lives y en “Bag It Up”, la bestia de guitarras en once que arranca el LP, parecen hacer un guiño a la banda de Ebbott Lundberg y compañía. Es todo a lo bestia, sacrificando gancho por fuerza, por polenta guitarrera, con su correspondiente crescendo, psicodélico carente de cualquier tipo de sutileza. En “The Turning” hasta Liam, uno de los personajillos más cuestionables de esta historia, hace lo que tiene que hacer y se deja de joder, le pone su voz de Johnny Rotten moderno a un estribillo ideal para ir a agarrarse a trompadas con quien se ponga enfrente. El resto es más o menos lo mismo, en el buen sentido de la palabra. Esto es música de guerra, directa, palo y a la bolsa, fuerte, todo lo fuerte que puede ser una banda de pop británico de Manchester, por supuesto, no estamos hablando de esos otros géneros que sin distorsión dejan de existir.

Dig Out Your Soul no le cambió la vida a nadie, no tuvo esa intención. Roqueó fuerte y se dejó atrás ciertas mañas que venían molestando. Si había que dejar un epitafio para una banda como fue Oasis, era este disco. Ni más ni menos.







Escuchar entero en YouTube o en Spotify.







Chequear también:

Oasis - Definitely Maybe
Inspiral Carpets - Greatest Hits
Mando Diao - Give Me Fire



lunes, 19 de octubre de 2020

5 Canciones 5: Bee Gees, Oasis, Van Morrison, Cuarteto Cedrón y The Yeah Yeah Yeahs


To Be or Not to Be
Bee Gees

Se puede ver videos de los hermanos cantando en televisión, antes de cumplir quince años. Ahí los tipos ya sabían armonizar y habían pasado por no pocas turbulencias. Tardaron bastante en saber qué es lo querían ser, antes de ser una de las grandas bandas de música pop de todos los tiempos, pop en el sentido Beatles / Madness / XTC. Acá se vé que querían ser los Rolling Stones, se puede comparar esto con la versión de las Majestades de "I Wanna Be Your Man". No son pocas las similitudes. 

Podés encontrarla en: Rare, Precious & Beautiful - Volume 2 (1969)

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Some Might Say
Oasis

Es fácil odiar a Oasis. Ellos mismos se encargaron de cansar a todo el mundo, hay que decirlo. Pero para cuando salió este disco, el segundo de los de Manchester, se comían -crudo- el mundo. Eran una máquina aceitada de hacer hits. Tenían la actitud, las guitarras, el sonido y respondían con canciones. Himnos working class, es entendible que estos tipos la hayan pegado como lo hicieron, escuchando "Some Might Say" te sentís poderoso. Y la letra no está nada mal...

Aparece originalmente en: (What's the Story) Morning Glory? (1995)


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A Town Called Paradise
Van Morrison

Todo el mundo se acuerdo de los discos clásicos de los setenta en el caso de Van the Man. Grave error. Hay mucho, muchísimo más que Tupelo Honey, Astral Weeks y Moondance. Incluso en la década en que todos sus compañeros de generación no pegaban una, Van Morrison hizo música imperecedera. Este temazo es una muestra clara, transmite la exhuberancia y el placer de hacer música, el rapto de inspiración, una de las constantes en la carrera del hombre de Bloomfield, Belfast, en Irlanda, por supuesto.

Aparece originalmente en: No Guru, No Method, No Teacher (1986)

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Ruidos
Cuarteto Cedrón

Un motivo de violines introduce este tango que en realidad es una mezcla increíble, un hijo de su época y un hito histórico. Cuando frena y afloja te das cuenta que la mano viene pesada, con la letra de Juan Gelman. "Ruidos diversos hay en la noche" y, para quien más o menos sabe de dónde viene la mano, es escalofriante. Desaparecidos. El "Tata" Cedrón -y compañía- denunciando lo que pasaba en un país que se desangraba, desde el exilio, la única manera. "Esos pasos lo buscan a él, esos pasos acechan".

Aparece originalmente en: Cantata del gallo cantor (1972)


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Cheated Hearts
The Yeah Yeah Yeahs

En el segundo disco de los neoyorquinos se puede encontrar esta joyita, en la que Karen O demuestra que también puede cantar, además de retorcerse, aúllar, gritar y todo lo que le habíamos oído desplegar en Fever to Tell, el primer LP de estudio. Acá hay un freno antes del estribillo, como para contener al tensión y liberarla con fuerza a la hora del cantemos todos y hagamos un poco de pogo.

Aparece originalmente en: Show Your Bones (2006)

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martes, 26 de agosto de 2025

Oasis - I Hope, I Think, I Know



A lo bestia, lo que mejor les salía. El riff de guitarra te atrapa desde el vamos, por su nivel de cabecismo, con una sencillez alarmante logra decir algo del tipo "bueno, acá empieza esto y va a rockear". Mucha gente odia a Oasis y es entendible, debe ser la banda que más artilugios extra-musicales usó para llegar a donde llegaron. Y un par de temas hartaron, por sobre-exposición, hay que decirlo.

Habría que hacerles escuchar este que no sonó ni un tercio comparado con "Wonderwall" o "Stand By Me". La letra me encanta, es otra guarrada; "trataron con ganas de ponerme en mi lugar y es por eso que me obligo a seguir en carrera" y en el estribillo, en donde canta el título cierra con una amenaza / advertencia "... porque después de todo nunca te vas a olvidar de mi nombre".

¿Cuántas guitarras habrá grabado Noel en esta? Y los huevos que le pone Liam, a pesar de que en el escenario no se le cae un gesto.





Podés escucharla en YouTube.






Encontrala originalmente en:
Acá se les empezaba a ir la mano a los hermanos, en más de un sentido. Horas y horas de sobregrabaciones (al pedo) escabio, merluza y escándalos boludos. Este es el tercero y todavía tiene cuatro o cinco temazos. Justo antes del descenso, se podría decir.

Be Here Now 
(1997)










domingo, 1 de octubre de 2023

5 Canciones 5: Willie Nelson, Oasis, Barracudas, Lagwagon y Wilson Pickett


With a Little Help from My Friends
Willie Nelson

Tema al que nunca le dí bola en su versión original, nunca entendí bien el porqué. Sí me gusta la parte del puente, con las armonías vocales patentadas de los cuatro de Liverpool, eso de "do you neeeeeeeed anybody". Willie Nelson la grabó en su disco del 2022, el año pasado en la hora en que se escribe esto y YA NO ES sú último LP de estudio. Le encontró una vuelta genial al tema, uno lee la contratapa y piensa "uy que elección de cover más pedorra" y sin embargo, cuando aparece casi a lo último, te das cuenta de que es un acierto. Otro más de Willie y van...

Aparece originalmente en: A Beautiful Time (2022)

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Fade Away
Oasis

Una de las bandas más odiadas de todos los tiempos. Al igual que con las bandas que son muy amadas (Beatles, Zepp, Beefheart) hay mucho de exageración e irracionalidad. Los dos primeros discos son increíbles, eran una máquina de hacer hits imparable. Hits cabezones, cuadradotes, facilongos si se quiere, nada de eso me jode a mí, particularmente. Acá es el truco de los Buzzcocks; velocidad, volumen, guitarras distorsionadas y una melodía que podés cantar hasta el cansancio, inolvidable. La letra está bien, tiene lo suyo; "mientras vivimos, los sueños que tuvimos cuando éramos niños, se desvanecen".

Aparece originalmente en: EP de 12'' Cigarrettes & Alcohol (1994)


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I'm the One
Barracudas

Incluído en el cuarto LP de estudio de los Barracudas, después de una pausa de casi diez años, el anterior era Endeavour to Persevere, del '84. Tema distinto, nada que ver con lo más conocido de ellos, esos temas surf alegres y super energéticos del primero, Drop Out With the Barracudas. "I'm the One" podría traducirse como "soy el indicado" o "yo soy el elegido", algo así. Hay que decirle eso a alguien, hay que tenerse mucha fé. Aunque si lo decís en una canción así, como esta, te das cuenta de que hay duda, de que no está todo tan claro. Menos mal que es así, sino sería una cagada.

Aparece originalmente en: Wait for Everything (1991)

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One Thing to Live
Lagwagon

Este disco lo vendí cuando me avergonzaba de haber sido muy fanático del punk californiano de los noventa. NOFX, Bad Religion, Pennywise, etcétera. Pero medio que lo extrañaba. Me gustaba. Cuando lo recuperé, más de veinte años después lo disfruté mucho. Tiene al menos cinco temazos. ¿La sorpresa? En el librito está Ken Stringfellow de los Posies, que formó parte de esta banda, por lo visto. Yo en aquel momento ni sabía quien era. Este es un tema típico del género, pero tiene algo que lo diferencia, que lo hace sobresalir. Tiene un costado melancólico y filosófico. Si lo tocás lento es un tema de los Bee Gees de la época de Londres, los de "To Love Somebody", Idea y Odessa.

Aparece originalmente en: Double Plaidinum (1997)


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Run Joey Run
Wilson Pickett

Tema que dá el puntapié inicial del disco de estudio número once de Wilson Pickett, una de las leyendas del soul sureño. Mirás los créditos de este temazo y dice Kenny Gamble / Leon Huff. La dupla de oro del llamado philly soul. Basicamente ellos lo inventaron. Un soul más prolijo, muy arreglado, orquestado, no tan sudoroso y ardiente como el de Memphis y Muscle Shoals. Es el conocido como soul sureño, en donde Pickett había hecho todas sus grabaciones. Hay un cambio pero no es grande, el sudor en la frente y el groove aplastante siguen ahí. Temazo.

Aparece originalmente en: In Philadelphia (1970)

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jueves, 20 de agosto de 2009

Ride - Going Blank Again


Formados en Oxford a fines de la década del ochenta, Ride es una de esas bandas que son catalogadas dentro de un movimiento o escena que logran trascender casi inmediatamente. La etiqueta en cuestión era la de shoegaze, esa camada de bandas ruidosas y ariscas que tocaban sin hacer ninguna concesión para con el respetable, con un volumen cercano a lo insoportable. Pero Ride no sólo renegaba de aquel mote, lo traspasaban con cada uno de los pasos que daban. Exploraban el poder y alcance del ruido, las búsquedas con la distorsión de guitarras y el atractivo innegable de los decibeles compitiendo y reforzando las melodías.

A la altura de Going Blank Again ya tenían en su haber tres EP’s y un larga duración, el magnífico Nowhere (aquel de la tapa con una ola en medio del mar), se habían ganado el respeto de la prensa y el público por igual y hasta grababan para el emblemático sello Creation de Alan McGee. Era mucho lo que se esperaba de ellos y por suerte no defraudaron.

El loop de sintetizadores, a la manera de "Baba O’ Riley" de the Who, es el llamado de atención que propone Ride para su segundo trabajo. Inmediatamente aparecen las guitarras, entrelazándose, jugando y tejiendo un tramado armónico. De repente para, vuelve el loop y ahí sí, están todas las velas desplegadas y listas para navegar. Las voces de Mark Gardener y Andy Bell cantan casi siempre en armonía, con sílabas largas y fantasmagóricas, que junto a las guitarras siempre en “volumen once” conforman la marca registrada de Ride. Son ocho minutos de intensidad pura, "Leave Them All Behind", por extraño que parezca (sobre todo teniendo en cuenta la duración) fue el simple que eligieron para cortar en Going Blank Again.

"Twisterella" es el tema más pop y accesible del disco, rápido, las guitarras están mas limpias, tiene un estribillo de esos que se recuerdan al instante y los arreglos instrumentales están puestos en el momento y lugar preciso. Los colchones de teclados contribuyen a reforzar la idea. Está claro que la música que acunó a los integrantes del grupo es una influencia en el sonido general, es el rock que escuchaban sus padres y sus hermanos mayores, ese que pasa de generación en generación sin perder atractivo, son los ecos de Pink Floyd, los Moody Blues y el punk-rock que están en el cóctel, filtrados y resignificados para tomar un nuevo e interesante cariz. "Chrome Waves" es otra demostración del nivel de sutileza que podía llegar a alcanzar Ride en sus momentos más inspirados. Un rasgueo de guitarras acústicas aparece antes de las voces, con un fondo de teclados que parece una orquesta completa. Atención especial merece el solo de guitarra, breve, conciso, completamente subordinado a la canción. Se dan el lujo de terminar el álbum con la que probablemente sea la obra maestra de Ride, nada menos que "OX4", uno de esos temas épicos en donde no sobra nada y en donde todas las decisiones que se pueden tomar para una composición han sido las acertadas. Empieza lenta, como queriendo plantear un despegue algo perezoso, para estallar en un feedback controlado de guitarras y voces que se cruzan. La relativa monotonía de los acordes que conforman la base rítmica del tema está contrarestado por unos arreglos melódicos de los teclados, que contestan y realzan la melodía vocal y ahí está la clave, el hallazgo que hace que funcione todo a la perfección.

No faltaron las infaltables peleas entre sus integrantes, Ride fue disipándose, en pequeños escandaletes muy poco dignos, no sin antes grabar otra pequeña joya infravalorada al momento de su aparición, Carnival of Light con más de un rastro de psicodelia sixtie revisitada. Como nota de color, cabe recordar que Andy Bell es un integrante estable de la formación de Oasis desde Standing on the Shoulder of Giants.

A Going Blank Again le fué bastante bien a nivel comercial y excelente en lo que a críticas se refiere. Puede que todas las expectativas que se depositaron en ellos hayan sido un factor desecadenante para la crisis que vivieron, pero sin dudas este fue el momento de gloria de Ride, superando el desafío propuesto por el juez más despiadado: el paso del tiempo.








Escuchar online en YouTube o en Spotify.







Chequear también:

Ride - Nowhere
My Bloody Valentine - Isn't Anything
The Boo Radleys - Giant Steps


miércoles, 20 de noviembre de 2013

Video de la Semana: The Kinks - Dead End Street




Todavía hay gente que insiste con eso de que Queen fué la primer banda en hacer videos, como si "Happy Jack" de The Who, los que filmaban los Beatles en Help! o este, no fueran videos totalmente válidos.

Pero acá hay un guíon muy claro y definido, como mostraba suburbios y gente pobre la BBC decidió prohibirlo y sacarlo de circulación. Los muchachos de Oasis, quizás ignorando la existencia de YouTube, lo robaron asquerosamente para "The Importance of Being Idle".






lunes, 12 de junio de 2023

5 Canciones 5: Hawkwind, Inspiral Carpets, Rita Lee, M. Ward y The Who


Shot Down In the Night
Hawkwind

¡Qué buena etapa esta de Hawkwind! Era la época de Quark, Strangeness and Charm, PXR5 y 25 Years On. Este último salió bajo el seudónimo Hawklords, por razones contractuales. Son discografías que te llevan una vida para recorrerlas, conocerlas y enterarte de los recovecos, los rincones menos frecuentes. Acá hay un pulso punk rock, claramente adaptándose a los tiempos que corrían, cosa que nunca fue un problema para los Lores del Espacio. El trip espacio-temporal sigue ahí, presente, ineludible.

Aparece originalmente en: Live Seventy Nine (1980)

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Keep the Circle Around
Inspiral Carpets

El teclado Farfisa es lo primero que llama la atención en el sonido de Inspiral Carpets. ¿Sabían que Noel "cejita junta" Gallagher vino a Argentina con ellos, antes de pegarla con Oasis? Hay una cosa sensible (en el mejor sentido de la palabra) en ellos también, muy a flor de piel. ¿Drogas duras? Probablemente. "This Is How It Feels to Be Lonely", del primer disco de estudio, otro ejemplo. Acá dice algo así como "podés ver en mi interior que hay algo que está cayendo".

Aparece originalmente en: Plane Crash (EP 7'' 1988)


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Agora só falta você
Rita Lee & Tutti Frutti

Murió Rita Lee, ahora empiezan a aparecer fanáticos por todos lados. No hay que preocuparse, siempre pasa. Y los que la conocíamos, de repente nos acordamos de escuchar sus discos viejos. Todos tenemos nuestra boludeces. Fruto Proibido vendría a ser algo así como el Ziggy Stardust del rock de Brasil. Está grabado, tocado y compuesto como cualquiera de los grandes discos del primer mundo, hemisferio norte o como gustes llamarle. Pero claro... es en portugués. La ex-cantante de Os Mutantes sabía muy bien lo que hacía. Y elegía muy bien sus compañías.

Aparece originalmente en: Fruto Proibido (1975)

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Stars of Leo
M. Ward

Manejando muy bien la delgada línea que divide modernidad de tradicionalismo. Balance que M. Ward maneja con maestría. A la hora de los bifes, es su gran virtud. Por un lado es una suerte de Buddy Holly moderno. Pero un tema como "Stars of Leo" nunca podría haber estado en un disco grabado en los cincuenta. En los sesenta tampoco. Ojo. Él también formó ese dúo con Zoey Deschanel... ¿se acuerdan de She & Him? Extraordinarios arreglos, podría ser un tema navideño, sin ese costado medio bobo que tienen los villancicos.

Aparece originalmente en: Hold Time (2009)


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How Many Friends
The Who

El último gran disco de los gigantescos The Who. Acá se termina un reinado histórico. Porque después viene Who Are You, que es donde se empiezan a ver las grietas. Muere Keith Moon y ahí se firma el certificado de defunción definitivo. The Who By Numbers quizás sea el disco más personal desde el punto de vista lírico. Se ve que Townshend estaba pasando por un momento de angustia, soledad y cuestionamientos. Como sea... ¡qué pedazo de canción! Cuando Daltrey grita las palabras del título es imposible no conmoverse. ¿Y qué me dicen del cierre del estribillo? Con ese contraste brusco, de la rudeza a la dulzura total. "¿Cuantos amigos tengo en realidad? ¿Que me aman, me quieren y me aceptan como soy?".

Aparece originalmente en: The Who By Numbers (1975)

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miércoles, 16 de octubre de 2019

Ron Sexsmith - Carousel One


Pocos tipos le han hecho tanto honor a la canción propiamente dicha como Ron Sexsmith. Al menos en los últimos veinte años. Al principio, cuando apareció, era un secreto a voces, músico “de músicos” a quien le cabe a la perfección esa definición, tenía admiradores mucho más famosos que él y ha sabido mantenerse más o menos intacto al paso del tiempo, es muy prolífico y un fan de la música empedernido. Tal es así que en su canal de YouTube se lo puede ver haciendo miles de canciones de Dylan, algunas muy recónditas y las toca y canta a su manera, fiel a su estilo.

No faltarán quienes digan que sus discos son intercambiables, que hace siempre lo mismo y se repite. Puede que algo de cierto haya en eso, lo suyo no necesita de grandes cambios y siempre, en cada uno de sus álbumes, hay al menos cuatro o cinco grandes canciones. ¿Qué disco de Jonathan Richman podés comprarte o escuchar? También pasa lo mismo acá, agarrá cualquiera, no te va a sorprender demasiado pero tampoco te va a fallar.

Carousel One es el disco número catorce del cantautor canadiense, salió hace unos cinco años y ya, a esta altura, tiene pinta de clásico, en una época en que es muy difícil señalar un clásico, todo el mundo tiene los propios, hay pocos que logran consenso absoluto. Quizás sea uno de los aspectos más interesantes de la música popular de los últimos veinte años. Ya no hay un Nirvana o un Oasis, pero podés armar tu propio pedestal sin que a nadie se le mueva un pelo. ¿Y qué tiene de diferente Carousel One de otros grandes discos de Sexsmith, como Cobblestone Runway o el homónimo del ’95, por citar sólo a dos? No mucho. Canciones nuevas, eso sí, unas canciones de acero, el fuerte de Ron Sexsmith. Siempre tiene algo para decir, suele encontrar nuevos ángulos para reflejar lo que pasa y para pintar su aldea, aunque lo suyo es más bien personal, se centra en los intersticios de las relaciones humanas, la tristeza y la melancolía. En este disco la tónica es más bien luminosa, alegre, sin ser fiestera... tampoco es cuestión de traicionarse. Tenés la sensación agridulce de “Before the Light Is Gone” y casi pegado “Getaway Car”, uno de los temas rápidos del disco, con un guiño claro al McCartney de los primeros tres o cuatro discos como solista. El lado B arranca con “Sun's Coming Out”, que bien podría resumir el clima general o el concepto alrededor de estas canciones, “un nuevo día ha comenzado” es la frase que elije para cerrar el tema. En “Lord Knows” declara haber conocido días más felices y casi al final está la preciosa “Can't Get My Act Together”.

Ideal para una salida a la ruta al mediodía, para escucharlo leyendo las letras tirado en un sillón, para dejarlo de fondo en una cena romántica o con amigos. Ron Sexsmith; nunca falla.








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Chequear también:

Ron Sexsmith - Exit Strategy of the Soul
Grant-Lee Phillips - Ladies' Love Oracle
k.d. Lang - Invincible Summer




viernes, 25 de abril de 2025

Primal Scream - More Light


En un momento se habían puesto medio aburridos. Hacían un disco rockero y el siguiente bailable. Predecibles. A su favor se puede decir que nunca fueron a parar al bochorno, ni siquiera con Give Out But Don't Give Up, con el que algunos se les cagaron de risa, llegaron a hacer algo de que avergonzarse con los años. Sí, está bien, tenía rellenos, estaban drogadísimos y el golpe de timón, ese retro rock demasiado reverente, cayo mal después de Screamadelica, el disco por el que serán recordados siempre. Para mi gusto un pelín sobrevalorado, pero la prensa inglesa es (era?) así; un día sos el genio que conquistará el mundo y al otro día el payaso de la corte.
El asunto, como suele suceder, está en algún lugar medio borroso del medio. Y Bobby GIllespie es el bocón más insoportable que uno podría imaginar, superando incluso a Ian McCulloch (que de grande se calmó) o al cejijunto vocalista de Oasis. En realidad siempre hicieron lo que se les cantó.

Y tienen cosas revolucionarias, Vanishing Point es un punto altísimo, agarró toda la música moderna y aplicó una mezcolanza que antes no existía. Y XTRMNTR todavía hoy sigue sonando futurista, con ese rock pistero al máximo, violento y esa inmensidad de capas de guitarras ensordecedoras. O el disco de remixes dub, Echo Dek, para fumar y abandonar el cuerpo por un rato, viajar sin moverse. Incluso Evil Heat, que muchos recuerdan por la versión de "Some Velvet Morning" (con esa la re pegaron y sonaron hasta en los lugares de música fea) va al frente como una topadora. Ese es el gran disco que nadie recuerda de Primal Scream.

A More Light lo podemos agregar a la lista, ya pasaron varios años desde que salió y soportó estoicamente. Tuvo buena recepción en su momento, Gillespie creía que había re inventado la rueda y en las entrevistas se comparaba con Faust, CAN y todos esos nombres que siempre tiró para que todos sepan que su colección está buena, que hizo los deberes. Algo de eso hay acá. Yo no me atrevería a decir que un tema como "River of Pain" es algo inédito, pero sí hay una fusión interesante y aventurera. Y Bobby suena como aparece en la tapa, un diablito malo, hasta ahí nomás en realidad, que conoce la oscuridad y con el tiempo aprendió a jugar con ella. Y no convertirla en bandera, cosa que a muchos los ha dejado en un lugar incómodo, una adultez ridícula. En los casi ocho minutos que dura pasa de todo, suena a Neu!, John Barry, Public Image, heavy metal y sordidez de fiesta pastillera. O sea; cien por ciento Primal Scream. Los temas suenan novedadosos y Gillespie incluso zafa haciendo rap, se ve que hay conocimiento de causa ahí, también.

More Light es larguísimo, sobre todo para estándares post-Internet, no lo vas a poder dejar de fondo porque, incluso cuando parece que la marea baja y podés reposar los nervios, hay algún detalle sónico que te hace querer saber cómo sigue la película. Nadie le dió mucha pelota porque todavía estamos todos escuchando los clásicos inapelables. Si querés ponerte a prueba un rato -y a la pasada recordar que el rock todavía vive- no es mala idea armarte de dos horitas. No te vas a aburrir.






Escuchar online en YouTube o en Spotify.





Chequear también:
Primal Scream - Sonic Flower Groove
Primal Scream - Beautiful Future
Primal Scream - Live at Meditation




miércoles, 20 de febrero de 2013

Programa Especial nro. 11 en Fuera de la Nada
























Este Viernes, a las diez de la noche, programa especial completamente dedicado al sello Creation, fundado a mediados de los 80's por Alan McGee.

Swervedriver, Oasis, Felt, The Jazz Butcher, Super Furry Animals y un largo etcétera.

Escuchalo en radiopura.com




viernes, 9 de mayo de 2025

The Auteurs - Chinese Bakery



¡Qué buena cara de loco que tenía Luke Haines en esta época! Después terminó volviendosé loco o anda por ahí cerca... Sin dejar de hacer música valiosa, pero esa es otra historia.

Los dos cortes de difusión de Now I'm a Cowboy tienen algo en común, que es a la vez, lo que los diferencia del millar de bandas de guitarras contemporáneas a ellos.

E l   m a n e j o   d e   l a   d i n á m i c a .

Aquello de estrofa suave / estribillo explosivo de los Pixies (más tarde masificado por Nirvana) ellos lo hacían dentro de las estrofas. O sea que el tema baja y sube todo el tiempo, con explosiones más contenidas que los dos ejemplos mencionados anteriormente. Aparte me parece cancherísimo el tema, ya desde su título mismo. "Panadería china". ¿Que pasará ahí? ¿Por qué alguien cree que amerita hablar de eso en una canción?

La letra no tengo la menor idea de qué es lo que dice, no le quiero prestar mucha atención para que no me arruine la película que yo ya me hice. Y que no te la voy a contar porque no quiero arruinar la tuya. 





Podés escucharla en YouTube.






Encontrala originalmente en:
Hicieron cuatro discos muy buenos en poco más de un lustro y este es el segundo. No eran ni Oasis ni Blur, ni siquiera Pulp, pero en su momento les iba bien, eran niños mimados de cierta prensa inglesa. Tampoco tenían mucho que ver con nadie, eran difíciles de encasillar y eso les juego en contra desde lo comercial. A favor desde lo artístico, claro está.

Now I'm a Cowboy 
(1994)








jueves, 4 de mayo de 2023

5 Canciones 5: Silvio Rodríguez, Noel Gallagher, Big Joe Turner, Judas Priest y The Band of Blacky Ranchette


Playa Girón
Silvio Rodríguez

Bahía de Cochinos. Cuba repele el gigante, al gendarme del mundo. A uno puede llegar a molestarle este discurso utópico, incluso propagandístico o panfletario. En mi caso, si la música me gusta, ni un drama. Este es el primer disco de estudio de Silvio Rodríguez, con una variedad sorprendente. A veces con los cubanos uno escucha y parece que meten acordes para mostrar que saben de armonía o teoría, una suerte de complejo de inferioridad musical. No sé, no creo poder explicarlo, acá queda bien, es un tema folkie con una impronta propia.

Aparece originalmente en: Días y flores (1975)

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Soldier Boys and Jesus Freaks
Noel Gallagher's High Flying Birds

El cejijunto mayor haciendo gala de sus influencias. En este caso se podría decir que es un tema medio Kinks. Pero Noel es hábil, no va a dejar que el afano sea descubierto, lo va a hacer con cierto nivel de discreción y un poco de descaro, como siempre. Producción. Mucha. ¿Solo de trompeta? ¿Quién lo hubiera dicho? Nunca hubiese pasado en Oasis. O a lo mejor sí, hubo un par de discos que me los perdí, creo que hice bien.

Aparece originalmente en: Noel Gallagher's High Flying Birds (2011)


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I Need a Girl
Big Joe Turner

La prehistoria del rock and roll. La Era de la Evangelización. Era en la que Big Joe Turner tuvo un papel preponderante. ¿De qué va el asunto acá? Simple; fiesta. Diversión, baile, chicas moviéndose al ritmo. Esto si lo hacés hoy sería medio ridículo. "Necesito una chica". Sí, yo también. Hay que considerar la época, el momento, acá los negros iban a otro baño en Estados Unidos. Y la música es magnífica, adecuada. Todavía no se despegaba del todo del jazz o del swing, estaba todo por hacerse.

Aparece originalmente en: Rockin' the Blues (1958)

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The Rage
Judas Priest

Siempre hay que volver a los clásicos. Para ver qué fué lo que te interesó en aquel momento, para chequear que lo que odiaste sigue ahí y para descubrir maravillas que en su momento habías dejado pasar. De los discos clásicos de Judas, quienes ostentan una seguidilla inigualable, British Steel siempre fué uno de los que menos me gustó. Sólo por el hecho de que tiene dos o tres temas que me molestan. Nunca le había prestado atención a "The Rage", lento, amenazante, con Halford aullando desaforado y tremendo solo de guitarra, una costumbre en la casa.

Aparece originalmente en: British Steel (1980)


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Getting It Made
The Band of Blacky Ranchette

Acá idolatramos al gran Howe Gelb, eso está claro. Otro de esos discos que parecen haber sido hechos al pasar, sin demasiadas preocupaciones. Ahí aparece la voz de la gran Neko Case, inconfundible. Cuando viene la parte instrumental te das cuenta que los tipos están de vuelta de todo, que la rompen. Batería con escobillas, la delicadeza del acompañamiento de piano es digna de destacarse. Esto es country alternativo cien por ciento. O como le quieras llamar. Es música hecha por gente que la tiene clara y no tiene nada que demostrar.

Aparece originalmente en: Still Lookin' Good to Me (2003)

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jueves, 12 de febrero de 2009

Supergrass - ídem [3er. LP - 1999]


En el particular mundo de Supergrass parecen no tomarse nada demasiado en serio. Desde aquel video simpático, pre-púber y simplón que fue el corte de difusión del primer opus (I Should Coco) de la banda inglesa, aquel "Alright" que tomaba un poco -demasiado quizás- de los primeros y más felices Beach Boys, la postura quedaba bastante clara, música alegre, sin demasiadas pretensiones, que lucía sus influencias sin ocultarlas ni un poco, un paquete muy bien armado para veinteañeros que creían que Oasis eran tipos muy viejos. Lo interesante fué que el sucesor de aquel trabajo, We’re In It for the Money, los encontró distintos, mas maduros, procesando esa discoteca paterna que habían devorado con no poca glotonería.

Entonces para la altura de este, su tercer trabajo, Supergrass decidió utilizar el recurso del disco homónimo para señalar quizás un cambio de dirección, un nuevo hito en una carrera que siguió dando tela para cortar hasta que se cerró la cortina. Cierto es que en Supergrass las canciones sorprenden, las guitarras y los pianos saltan por el aire, la voz de Gaz Coombes suena como nunca y la producción es mas que satisfactoria (ellos mismo se hicieron cargo). Hay ecos del Pink Floyd pre-Dark Side… de los discos de la etapa de oro de Elton, de los Who clásicos y muchos otros exponentes del rock/pop británico de los últimos cuarenta años.

Esta es la banda que puede hacer que aquellos que aman el rock de los 60's y 70's pero que creen que una banda actual no puede sostener un disco completo, cambien radicalmente de opinión. Los que pueden someterse a "Moving", "What Went Wrong In Your Head" o "Jesus Came from Outer Space" sin que se les dibuje una sonrisa cómplice en el rostro… bueno; deberán elegir otro norte... o simplemente escuchar con un poco más de detenimiento "Shotover Hill" y esperar pacientemente que estalle ese estribillo luminoso y ahí si; la magia de Supergrass puede llegar a hacer efecto.








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The Coral - The Invisible Invasion



martes, 1 de marzo de 2022

Verve - A Storm In Heaven


Space rock. Rock espacial. Cuelgue, psicodelia. Un acorde, una textura densa, clima onírico. Ahí surge la voz, envuelta en una buena cantidad de efectos, fantasmagórica, dice algo así; “hola, soy yo, quiero tocarte, soy yo tirando piedras a las estrellas, en nuestro mundo confundido”. “Star Sail” funciona como una especie de introducción, una que dice mucho al respecto de lo que se viene en A Storm In Heaven, el primer LP de estudio de The Verve.

“Slide Away”, el que viene después, que comparte título con uno de los grandes temas de Oasis, los emparenta con el brit pop que estaba por estallar en el Reino Unido. El parentesco con los hermanos cejijuntos termina ahí nomás, esto es otra cosa, acá no hay estribillos para corear en estadios, es más bien la banda sonora de la gente interesada en los viajes mentales. La voz de Richard Ashcroft tiene poco que ver con lo que más tarde sería, sí estaban la agresión y la actitud. Si se puede comparar con algo, es con algunos temas de Suede, sobre todo los más guitarreros.

Si alguien hace un poco de memoria, estos tipos se convirtieron es super estrellas globales, sobre todo su cantante, por aquel video bravucón en que Ashcroft caminaba por la calle chocándose a la gente, de manera casual, a pura arrogancia. Era por supuesto “Bitter Sweet Symphony”, una canción muy representativa de una época, un himno se podría decir. Después de un juicio, terminó yendo a parar a los bolsillos de Mick Jagger y Keith Richards, cuando en realidad se había sampleado un pedacito de un disco de versiones orquestales de temas de los Stones.

El tercer tema del disco, “Already There”, puede servir de ejemplo para describir un poco de qué se trata A Storm In Heaven, el tema parece suspendido en una nube de ansiolíticos, no hay muchos cambios de acordes, la cosa se trata de generar un clima, de manejar la dinámica, la cosa sube y baja, es la tormenta en el paraíso que el título tan bien anticipa, si hay solos de guitarra están usados para aumentar la atmósfera y las voces, un poco a la manera de los Cocteau Twins (hay una influencia notable) no se usan para decir cosas sino para poner otra capa en la marea sonora que está generando la banda. Esta no es música para poner en un bar o para amenizar una velada, se escucha en soledad o con la compañía adecuada. Ahí te puede llevar lejos. A tu propia tormenta, en tu propio paraíso.







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Spectrum - Forever Alien
The Verve - A Northern Soul
Goat - Commune




sábado, 18 de octubre de 2008

The Soft Boys - Underwater Moonlight


Underwater Moonlight apareció en 1980 pasó completamente desapercibido (para el gran público, claro está) e hizo que la banda se separara debido al fracaso casi total de ventas. Casi treinta años después es fácil entender el por qué y hasta resulta curioso detenerse a escucharlo y ver como el tiempo le dio la razón.

En una época dominada por sintetizadores inocuos y post-punk con mas búsqueda que resultados, un disco con un pie en lo mas retorcido y la vez mas alegre del espíritu de los 60’s, era algo así como un oasis en el desierto. La marcada influencia de Captain Beefheart, Syd Barrett, la voz nasal al mejor estilo Lennon y las guitarras arpegiadas patentadas por los primeros Byrds son solo algunas de las fuentes de inspiración que Robyn Hitchcock -el líder en todo sentido de los Soft Boys- toma como punto de partida. También aparecen de manera muy marcada sus temáticas (a nivel lírico) habituales; la obsesión por los insectos, la muerte, el amor y el humor absurdo que volverían a asomarse con insistencia en el resto de su brillante carrera solista. “Has estado depositando huevos debajo de mi piel. Ahora se están asomando por mi mentón. Ahora pequeños insectos están apareciendo... y todos ellos se parecen a vos” reza la letra de "Kingdom of Love" una de las canciones destacadas del disco. También se permitían ambigüedades jocosas como el estallido optimista de guitarras de "Positive Vibrations", con una letra mas bien sombría y amenazadora: “Y ahí vas matando en nombre de la paz. Acaso no sabés que ya no vas a obtener paz. Solo conseguirás guerra”. Los efectos tardíos de Underwater Moonlight recién se sintieron algunos años después cuando pudo percibirse su influencia indudable en grupos como R.E.M. o las bandas de la movida Paisley Underground. Puede decirse que si Hitchcock se hubiera retirado después de grabar esta obra maestra, aun así merecería un sitio en el panteón imaginario del rock.

La reedición del año 2001 es doble (el LP tenía sólo diez canciones) y está llena de sorpresas, además de los clásicos demos, tomas en vivo y rarezas, hay unas cuantas que soportan la comparación con las que sí salieron en el original. "Vegetable Man", una rareza de la era Barrett de Pink Floyd, aparece versionada de manera vigorosa y desbordante de pasión por el género. Lou Reed y Roxy Music reciben un tratamiento similar. Un dato interesante; el librito de la edición en CD, ahora llamada Underwater Moonlight… And How It Got There está escrito por el laureado periodista David Fricke, quien no disimula en ningún momento su total admiración por Hitchcock y sus muchachos de Cambridge.







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The Soft Boys – A Can of Bees
Robyn Hitchcock & the Egyptians – Black Snake Diamond Role
Robyn Hitchcock & the Egyptians – Gotta Let This Hen Out (en vivo)


domingo, 25 de abril de 2010

My Bloody Valentine - Loveless


Es difícil continuar algo que rompe moldes. Al menos para Kevin Shields, el cerebro de My Bloody Valentine, ha sido imposible. Continuadores de una línea que se puede trazar desde Velvet Underground, Eno, Sonic Youth y Jesus and Mary Chain, se encargaron de llevar la posta del ruido utilizado de manera creativa un poco más lejos. Después de dos larga duración y unos cuantos EP's, se encerraron en el estudio a parir la que sería su obra maestra: Loveless. Después de una odisea de sellos discográficos y locaciones, se asentaron en Inglaterra y firmaron para el sello Creation de Alan McGuee.
Sus conciertos en vivo, en donde casi no se movían y prácticamente no interactuaban con la audiencia les hizo ganarse el apodo / etiqueta de Shoegazer, algo así como “los que se miran los zapatos”.

Desde los primeros acordes, el riff de dos notas de "Shallow" ya sabemos que estamos inmersos en un mundo diferente, distante y cálido. Son millones de capas de guitarras apiladas después de infinitas horas de sobregrabaciones en el estudio. Es un ruido envolvente y etéreo, como si los Cocteau Twins  pusieran en once las guitarras eléctricas. Pero no solo de ruido se trata todo; sepultadas bajo las capas de sonido aparecen unas melodías accesibles, un poco aniñadas, dejando en claro que la sensibilidad pop a la hora de componer estaba ahí, latente.

Las voces son de Shields y Belinda Butcher, siempre sugiriendo, susurrando. ¿Las letras? Bueno, son prácticamente indescifrables. El propio Shields se ha encargado más de una vez de aclarar que lo suyo es la melodía, que prefería subordinar los textos a la música en uno de sus típicos actos de perfeccionismo obsesivo. "Come in Alone" es otra de esas canciones propiamente dichas, hay un estribillo, hay versos, pero sí, también aparecen las características mencionadas, los loops de teclados y esos armónicos que surgen cuando se escucha esto al volumen correspondiente. No es otra cosa que el resultado de la acumulación, la distorsión al borde de la saturación, la suma de las partes. Loveless es uno de esos tantos discos en donde mencionar las canciones y hablar de ellas por separado no tiene demasiado sentido, en todo caso, son partes que forman una totalidad, para dejarse llevar, para sumergirse. Pero hay algo que aumenta la curiosidad, que contribuye a cimentar el mito de Loveless. Y son esos separadores que aparecen entre algunas de las canciones o en algunos finales. Son ruidos, inexplicables, seguramente consecuencia de la experimentación en el estudio. Pero no son ruidos “porque sí”, al contrario, combinan, tienen una belleza particular, como el momento después de "Loomer" en donde fácilmente podría confundirse con un canto de ballenas, un sonido celestial. Después del descanso, vuelven las descargas eléctricas.

Kevin Shields estuvo a punto de dejar en bancarrota al sello Creation, por la cantidad de horas invertidas, en donde matizaban la ansiedad del público y la prensa sacando EP's que dejaban vislumbrar lo que estaba por venir. A pesar de que fue un éxito casi unánime de críticas y ventas, McGuee recién pudo recuperarse del cimbronazo económico un par de años después con el boom de Oasis, pero Shields, a pesar de haber sido invitado a participar de varios proyectos interesantes y a tocar con unos cuantos grupos prestigiosos nunca pudo -hasta ahora- dar con una secuela acorde a Loveless. Son los riesgos de las obras maestras.







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Sonic Youth - Confusion Is Sex
My Bloody Valentine - Isn't Anything
Lush - Spooky



lunes, 28 de agosto de 2017

You Am I - Hi Fi Way


¿Se puede hacer una generalización de trazo grueso y decir que la música de un país es de una u otra forma? Se podría decir que no, que no es posible, pero hagamosló igual que ningún censor va a venir a amonestarnos. Los australianos, el gran rock australiano, para acotar un poco el asunto, tiene la gran virtud de ser honesto, a más no poder. Los tipos no se desviven por ser artistas, por dejar grandes obras conceptuales, pero sí se preocupan y mucho por rockear, por sonar duros y puros. La lista es larga; The Hitmen, Hoodoo Gurus, The Cruel Sea, Beasts of Bourbon y podríamos seguir un buen rato con la enumeración innecesaria.

You Am I fueron grandes estrellas en las antípodas en la década del noventa y gran parte de ese éxito se debe a este, Hi Fi Way, segundo LP de estudio de la banda de Sydney, aparecido originalmente en el año '94. A la hora de la grabación eligieron a Lee Ranaldo, de Sonic Youth, para la producción, a pesar de no ser una banda del todo emparentada con los neoyorquinos, sí es un grupo de guitarras fuertes y el trabajo se nota en los surcos. A la hora de describir el sonido de You Am I se puede comparar con mucha música de los sesenta, pero también con varios de sus congéneres, de hecho el primer LP era medio grunge. Una especie de Kinks de los noventa ¿Por qué no? Por la manera de cantar de Tim Rogers, un tipo con un carisma considerable, por las composiciones, el tipo de canciones y la variedad musical que hay en los discos. Son una de esas bandas que pueden rockear muy fuerte, basar los temas en riffs de guitarra e inmediatamente después hacer una balada con todas las letras como “Handwasher”, que en Hi Fi Way viene antes de “Punkarella”, como para ilustrar la idea.

A lo último, para cerrar, está el primer single; “How Much Is Enough?”, ganchera y melancólica en partes iguales. Fue seguido por “Cathy’s Clown”, otro gran hit que casi comparte nombre con el super clásico de los Everly Brothers. Si querés saber cómo sonaba el rock australiano de mediados de los noventa, no harías mal en elegir este tema. Nunca pudieron despegar del todo del país continente pero siempre que va una banda grande (The Who, Stones, Oasis) son ellos los elegidos para actuar como teloneros.







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You Am I - Deliverance
You Am I - Dress Me Slowly
You Am I - Cream & The Crock: The Best of You Am I




jueves, 21 de junio de 2012

Pulp - Freaks


¿Se acuerdan de Pulp? Los que tenemos entre veinticinco y cuarenta años no nos vamos a olvidar nunca de ellos. ¿Quién no bailó con los himnos supuestamente frívolos de Jarvis Cocker? Con "Disco 2000" y con "Common People", sobre todo. Resulta que esos temas, que en su apogeo servían para llenar casi cualquier pista de baile, resultaron ser observaciones sociológicas agudas, llenas de prejuicios y resentimiento de clase, de lascivia e ironía. Era Jarvis Cocker desplegando todo su histrionismo y su capacidad para hacer una historia del detalle que para la mayoría es irrelevante. Ya con "Babies" del disco que vino antes de Different Class se veía venir que la cosa no iba a ser flor de un verano. Con His ‘n’ Hers ya formaban parte de la crème de la crème del britpop, en una muy conveniente tercera posición detrás de Oasis y Blur. Ya habría tiempo para la resaca post-fama de This Is Hardcore, un disco excelente, oscuro e incomprendido al momento de su aparición. Los flirteos con la fama del flaco larguirucho y desgarbado fueron erráticos; desde una irrupción -borrachísimo- en el escenario de Michael Jackson que le generaría publicidad de los dos tipos (de la buena y de la mala, publicidad al fin y al cabo) a poder acceder al ídolo/recluso Scott Walker para la producción del que sería el último disco de estudio antes de la más que lógica carrera solista; el infravalorado We Love Life. Veamos que se dice de ese trabajo de acá a cinco o seis años.

¿Y hubo vida antes de todo eso? Mucha. Más de diez años de hecho. Diez años completamente erráticos, sin nada ni remotamente parecido a un éxito de ventas y/o reconocimiento. Diez años y tres discos de estudio que parecían más un proyecto de estudiante arty y pretencioso que una banda hecha y derecha. Y es que de eso se trataba, precisamente. Freaks, el segundo LP de estudio, muestra a un Jarvis Cocker llegando a la personalidad que más tarde se inventaría, con el personaje casi delineado, ridículo, ácido, desbordado y sin miedo a experimentar, un poco por impericia y otro tanto por coraje. Las canciones son buenas también, post-punk, retorcidas. Arranca con "Fairground", que es el equivalente a la versión de Brel de "Amsterdam" que hacía Scott Walker, con su correspondiente aggiornamiento generacional. Acordes menores, ritmo circense, pero claro… esto nunca iba a ser masivo. ¿A quién le importa? Está "I Want You" (¿Cuántas canciones hay con ese título?) y ahí ya es el Pulp que todos conocemos, el de esas baladas perdedoras, “te quiero para empujarte bien, bien lejos” dice la letra. Hay un eclecticismo esquizofrénico en el disco, que más de uno podría tildar de falta de dirección, pero eso no hace más que aumentar el carácter de curiosidad de Freaks, hay que ver cómo suena la voz en "Being Followed Home", a medio camino entre Ian Curtis y Robert Smith, con arreglos de teclado para cerrar la atmósfera de paranoia enfermiza.

No vamos a decir que Freaks es una obra maestra ni mucho menos. Es un testimonio perfecto de una banda haciendo todo lo posible por ser diferente, por tener una personalidad propia, por agarrar y triturar las influencias en busca de una identidad. Tampoco van a faltar aquellos que prefieran estos discos a los de la “etapa clásica”. Razones no van a faltar.








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Pulp - It
Pulp - Separations
Jarvis Cocker - Further Complications