Synanthesia - ídem [1er. LP - 1969]

Las bandas desconocidas provocan reacciones raras, creemos que nos pertenecen, que guardamos un secreto que muy pocos conocen y eso nos otorga un pasaporte hacia un paraíso fetichista, en donde habrá solamente unos cuantos elegidos. Más allá de la ironía, es cierto que existe un mercado para este tipo de material, bandas o solistas que pasaron sin pena ni gloria, opacados por sellos inexpertos y managers sin escrúpulos o cualquiera de los obstáculos más frecuentes.

Con el furor de Internet, hoy somos testigos del intercambio de originales en formato LP por números con más de tres -y a veces incluso cuatro- cifras, en los sitios de subastas y ventas. Con todo este apabullamiento, se hace difícil separar la paja del trigo, saber qué cosa es realmente un tesoro perdido y distinguir un fenómeno inexplicable con una tapa atractiva, es una tarea ardua. Existen algunas garantías, una de ellas es el sello inglés Sunbeam, dedicado sobre todo a reeditar joyas del pasado, prestando especial atención al diseño y la información en cada lanzamiento.

Synanthesia está en el primer grupo mencionado, un verdadero tesoro oculto. A pesar de haber estado juntos muy poco tiempo, a fines del ’60, Leslie Cook y Jim Fraser, multi-instrumentistas y cantantes, junto con Dennis Homes en vibráfono y voces, grabaron este disco y se desvanecieron en el anonimato. Vale reseñar que en esta época aparecieron nuevos lugares para organizar shows de música; nada menos que las universidades. El rock era ahora algo serio, había sido "elevado de categoría" y sus pretensiones culturales eran otras. Los estudiantes se convirtieron en consumidores de un infinito abanico de posibilidades post-Sgt. Peppers; fusión con blues, acercamientos al jazz y al folk inglés, éste último fusionando la música tradicional de la isla con la idiosincrasia y fuerza del rock.
Fairport Convention, Pentangle o Steeleye Span son los exponentes con más renombre dentro de este nuevo sub-género, pero no eran los únicos que hacían trabajos dignos de destacar.

Lo primero que llama la atención en Synanthesia es la instrumentación, muy variada y ejecutada con la precisión de un reloj suizo. Escuchamos un saxo alto que subraya melodías vocales, varios instrumentos de cuerda (guitarras, mandolinas, laúdes), flautas de distinto tipo e incluso un oboe, sin olvidar la percusión, sutil, a modo de refuerzo más que nada. Esto habla de gente dedicada. Homes, la voz líder, como cantante suena a medio camino entre Donovan y Robin Williamson, de Incredible String Band. A nivel temático encontramos algunas recurrencias, la mitología griega (Morfeo, Aurora, Minerva) el mundo onírico y el estado actual de las cosas, todo filtrado por un tamiz surrealista, juguetón y poético.

La flauta dibuja una melodía y aparece un ritmo de percusión frenético, así empieza, con "Minerva", que de repente para y va a parar a una sección inesperada, distinta; “El verano de todas las edades está en tu mirada” entona la letra y las flautas contestan con energía, antes de volver al tema principal. "Peek Strangely and Worried Evening" viene a ser la calma después de la tormenta, con un fondo de marimbas y celestes, una instrumentación inusual, apenas sugerida. En "Morpheus" reaparece la tensión, la melodía vocal dialoga con un línea de saxo, no estaría fuera de lugar en In the Court of the Crimson King, aquel inolvidable disco debut de Robert Fripp y cía. También esconde una sorpresa, porque después de la primera sección, una escala de acordes menores da paso a un cambio de tonalidad y ritmo, el clima se torna opresivo, casi diabólico, frenético. "Trafalgar Square" es uno de esos típicos cuentos de hadas europeos tan característicos, pero en Synanthesia nada es tan simple como parece y no faltan los elementos retorcidos, los arreglos sutiles que nos recuerdan que seguimos al borde del precipicio, que estamos escuchando un disco de rock y que cualquier cosa puede pasar. "Mnemosyne" es otro de los puntos altos, “Llévame en un viaje a tu siglo de tiempo, trae contigo momentos gigantes de iluminación espiritual ¿Dónde está el amor que encontré en mi camino? ¿Dónde está ahora? Lejos, lejos”.

Para la reedición en CD, Sunbeam decidió condimentar la edición de Synanthesia con una composición hasta ahora inédita, dado que "Shifting Sands", sólo había aparecido en una compilación perdida hoy en día en las arenas del tiempo. Pero… ¿quién sabe? En tiempos de “rescate emotivo” quizás pronto se convierta en un nuevo clásico.







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Black Rebel Motorcycle Club - Howl

Oriundos de San Francisco, los cimientos de Black Rebel Motorcycle Club se consolidaron cuando Robert Turner y Peter Hayes se concieron, cuando estaban en el colegio secundario. Al compartir un amor mutuo por bandas como My Bloody Valentine, Ride y los Stone Roses, el siguiente paso era el más lógico; armar una banda de rock. Mimados por la prensa desde la aparición de sus primeros discos sencillos, se encargaron de aportar una brisa de aire fresco en una escena alicaída, carente de sangre nueva, sin el vigor típico de los grupos jóvenes. A principios del siglo veintiuno, en medio de algunos tumultos en el seno interno de la banda, un ida y vuelta con el sello RCA y la partida -y posterior regreso- de su baterista, B.R.M.C. casi estuvo a punto de dejar de existir, Take Them On, On Your Own, el segundo y último disco de estudio se iba a quedar sin sucesor.

Un paseo por los surcos de Howl nos muestra una hazaña de tipo espiritual, sorprende, casi suena como el trabajo de un grupo nuevo, diferente. Atrás quedaron las guitarras sucias, los ritmos ruteros, las letras belicosas y la actitud patotera. En su lugar hay un grupo "maduro", afianzado, sin temor a empuñar las guitarras acústicas y sentarse en el suelo en ronda, a jugar a ser The Band en la legendaria casa Big Pink. El cambio también se refleja en las letras, donde antes había gente lista a llevarse el mundo por delante, de la mano de la velocidad, las sustancias y el peligro, ahora escuchamos a tipos haciéndose preguntas existenciales, rodeados de un aire de música de raíces. Responsable en parte de esto es sin dudas T-Bone Burnett, que hasta consigue un crédito como "radiador de buenas vibras" o algo por el estilo.

El apego que tenían por grupos ruidosos como Velvet Underground y The Jesus and Mary Chain está casi ausente en Howl, pero sí encontraremos ecos reiterados y guiños sinceros a la música tradicional, al blues y al country rural, las búsquedas redentoras del gospel y la música de ese Estados Unidos del costado de las autopistas.

El aplomo, las buenas intenciones y el aire a diversión real de adultos se transmite en las canciones y es difícil encontrar alguna que destaque del resto, pero "Devil's Waiting", "Weight of the World" o "Shuffle Your Feet" no hubieran sido posibles en una encarnación anterior de Black Rebel Motorcycle Club, porque este es el sonido de una banda renovada, en el mejor sentido de la palabra, una banda relativamente nueva, con una carrera breve que no esquiva los golpes de timón, los riesgos. En un momento en que muy pocos se atreven a asumirlos.








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Edgar Broughton Band - ídem [3er. LP - 1971]

Formados a fines de la década del 60 en Warwick, un pueblito rural del sur de Inglaterra. Los Edgar Broughton Band fueron abanderados de causas justas, politizados y rebeldes. Eran famosos por tocar en cuanto camión al aire libre se pusiera en el camino. Es importante subrayar el compromiso social de la banda, con inclinación por la izquierda mas radical, sus shows eran casi mitines en la inglaterra post-swinging London. Una de las causas por las cuales la EBB aún no ha sido reivindicada, en tiempos de nihilismo extremo y vacío ideólogico.

Tienen también el mérito de haber inaugurado la producción discográfica del mítico sello Harvest, aquella subsidiaria de corte progresivo del gigante EMI. A través del simple "Evil" con "Death of an Electric Citizen" en su cara “B”. Luego de dos discos muy valiosos, en el seno interno de la banda se decidió por un camino mas musical, menos teatral y sin tanta carga conceptual. Venían de un disco debut como Wasa-Wasa, algo así como un Captain Beefheart de Safe As Milk aterrizando en un suburbio peligroso de la capital inglesa, seguido casi de inmediato por Sing Brother Sing donde la tendencia retorcida y los climas turbios se acentuaron.

En un hipotético encuentro entre humanos y alienígenas, a la hora de mostrar qué es lo que ha estado sucediendo a nivel musical, "Evening Over Rooftops" es buena elección. Si el buen rock, el trascendente, es una alianza entre letra y música, este primer tema se lleva un premio mayor. Con arreglo de cuerdas de David Bedford, compañero en el sello Harvest y por aquel entonces militando en la banda de Kevin Ayers. Empieza con un clima tenebroso, a la manera de los mejores cuentos de Poe; “¿Qué tan lejos estamos de la muerte? Estamos cerca de un final, el humo se colgaba de la línea del horizonte, la ciudad cayó en el silencio. El ocaso, maduro y amable era la luz ideal para escribir algunas ideas”. La voz de Rob “Edgar” Broughton prácticamente recita la letra, llena de imágenes, de alto vuelo poético. Su hermano, Steve, en los parches, Victor Unitt en guitarras -y varios instrumentos- y Arthur Grant en bajo y voces, completan la formación. Es la que graba también el resto del album.

Si seguimos escuchando Edgar Broughton Band, tercer disco, homónimo, habrá más sorpresas. Nos encontramos con "Piece of My Own", beatlesca, con un aire lúdico, "The Birth", emparentada con los trabajos previos de EBB, pero mas refinada y guitarrera. "Poppy" es un blues lento y almibarado, entrañable por donde se lo mire. Comprensible si tenemos en cuenta que después viene el caos auditivo de "Don’t Even Know Wich Day It Is", cantado con toda la bronca, al mejor estilo Don Van Vliet, mascullando las palabras, escupiendo al viento cada una de las sílabas.

Se lo conoció como El Disco de la Carne por su controvertida portada que mostraba a una persona desnuda, colgada cabeza abajo con varias “ex-vaquitas” en el matadero, casi listas para ser engullidas. Fue un éxito a nivel críticas y cosechó un moderado nivel de ventas, sobre todo en la Europa continental, en donde todavía hoy son recibidos como héroes. Las cosas se pondrían densas para Edgar Broughton Band en un futuro cercano, pero siempre con la frente bien alta y con producciones musicales a la altura de su legado e historia.







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Stiff Little Fingers - Hanx!

Realmente los Stiff Little Fingers eran una banda del pueblo, bien de clase trabajador y Hanx!, el primer disco en vivo es otra prueba mas que fehaciente. Oriundos de Belfast, Irlanda, tomaron el nombre de un simple de los Vibrators y, siempre comandados por el infatigable Jake Burns, son la muestra mas acabada para diferenciar el punk rock brillante del meramente decente o aceptable. ¿Dónde reside esta diferencia fundamental? En la credibilidad sobre todas las cosas. Y en ese apartado los Fingers están por encima de muchos, incluso de algunos grupos mas reconocidos. Tampoco hay que olvidar las canciones, por supuesto, y Hanx! puede fácilmente funcionar como una compilación de Grandes Éxitos porque la selección es incuestionable.

La lista está armada seleccionando material de los dos primeros álbumes del grupo, los incendiarios Inflammable Material y Nobody's Heroes, dos discos esenciales en cualquier discoteca de punk-rock que se enorgullezca de tal. Hay versiones completamente furiosas, incendiarias de "Alternative Ulster", "Gotta Gettaway", "Tin Soldiers" o "Suspect Device", entre otras, a una velocidad casi desenfrenada, mas rápidas que sus correspondientes de estudio.

Tambien hay una zapada extendida en "Johnny Was" la increíble relectura del clásico de Marley y sus Wailers, en donde Burns dialoga con su público y sus músicos. Esta canción es la única de la lista que no fue grabada en el Ayslesbury sino en el Raibow Theatre de Londres pero fue incluida por motivos que quedan claros en la primer escucha.

En su momento Hanx! (que en Irlanda es un lunfardo para decir “gracias”) tuvo un recibimiento más bien tibio, pero con el tiempo ha ido ocupando un lugar mas prominente en el corazón de los fans del punk mas creíble y aguerrido, de todos los que, en definitiva amamos a Stiff Little Fingers.







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Cheap Trick - Dream Police

Una combinación que hoy en día resultaría trillada y hasta tediosa, en su momento era un verdadero avance. En Cheap Trick encontraron una fórmula que todavía hoy produce resultados. ¿Cómo? ¿Qué es lo que encontramos acá? Guitarras fuertes, estruendosas, bases lineales, sin mayores sobresaltos, armonías vocales cuidadas al extremo y canciones magníficas, con estribillos brillantes. Deudoras del pop mas imprescindible de lo que se dio en llamar la British Invasion. Todo eso es Cheap Trick, sí, todo eso, más una pequeña cuota macabra, un guiño algo perverso que asoma de vez en cuando.

A fines de los 70's parecía que Robin Zander, Tom Petersson, Rick Nielsen y Bun E. Carlos no podían dar pasos en falso, y después de una seguidilla francamente asombrosa de discos, apareció Dream Police, un pico creativo que iba a hacer historia.

La canción que daba título era arrolladora desde donde se la mire, como toda gran canción de Cheap Trick que se precie de tal, atrapaba al oyente desde el principio, con “ganchos” administrados con la habilidad de un artesano y la inteligencia de un científico. La diferencia esta vez venía por el lado de la producción, incluyendo arreglos orquestales y consiguiendo un sonido más “gordo”, mas envolvente, sin llegar a opacar las composiciones. Esta vez el sonido era prácticamente épico, gigantesco, vale mencionar que el hombre detrás de la consola era otra vez Tom Werman, quien ya había trabajado con la banda.

Siguen "Way of the World" y "The House Is Rocking (With Domestic Problems)" y el supuesto concepto unificador (orwelliano, al mejor estilo Un Mundo Féliz) desaparece casi por completo, pero… ¿A quién le importa el concepto con semejantes canciones? "Gonna Raise Hell" es otro tema largo, extendiéndose casi hasta los diez minutos. Con un aire disco, explora un territorio nunca antes visitado por los oriundos de Rockford, Illinois. "I’ll Be with You Tonight" cerraba la cara A del disco original, lleno de energía, es una de esas joyas perdidas en un catálogo que ofrece varias. Son esas canciones que no eran singles ni estaban en los EP's promocionales. Lo que podría llamarse un album-track, solo disponible para aquellos que se aventuran a escuchar el disco entero, desde que empieza hasta que termina, tal como fue concebido. Y así es como Dream Police se luce en todo su esplendor, porque no da respiro, es cuestión de escuchar la segunda mitad para encontrarse con genialidades como "Voices", casi un homenaje a Lennon, con sus arreglos de cuerda y sus coros angelicales. No es casualidad que el ex-Beatles estaba trabajando con ellos al momento de su trágica muerte. "Writing on the Wall" y "I Know What I Want" son demoledoras, puro estilo y oficio, rebosantes de energía, de ganas y de amor por un género. "Need Your Love" es el cierre, mostrando esa faceta algo tensa que habíamos mencionado, con un aire de misterio, una amenaza que late en las sombras.

Dream Police fue el pico del vertiginoso ascenso que ya se había vislumbrado con el doble en vivo At the Budokan, fue disco de platino y sería el disco mas vendedor en la historia de Cheap Trick, además de ser el mojón con el que se compararían el resto de sus trabajos hasta la fecha.







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Bob Marley & the Wailers - Catch a Fire [deluxe edition]

Si hubiera que elegir un disco de reggae para mostrarle a alguien ajeno al género, Catch a Fire sería una excelente elección. No sólo porque sus canciones son prácticamente invencibles, también por el hecho de que fue uno de los primeros discos de este estilo en generar repercusión a nivel internacional, esto es; fuera de la isla de Jamaica.
Los Wailers llevaban varios años grabando a nivel local, bajo la tutela del gran Lee "Scratch" Perry, dieron forma a una música completamente diferente, con unas raíces muy marcadas y varias características definitorias.

Chris Blackwell, dueño, cabeza visible e ideólogo del fundamental sello inglés Island, procedente de una familia aristocrática, había vivido en Jamaica y conocía la música de la isla como la palma de su mano. En una movida astuta, había convencido a los integrantes del grupo, que en aquel entonces tomaban las decisiones democráticamente, para agregar algunos detalles con el objetivo de hacer que el álbum sonora más ameno para el público masivo, menos áspero y más pulido, por decirlo de algún modo. Para tal efecto contrató a Wayne Perkins, guitarrista de Nashville y sesionista ineludible de aquel momento (casi llegó a reemplazar a Mick Taylor en los Stones y hasta pudo tocar en algunos cortes de Black and Blue) y al tecladista John “Rabbit” Brundick para hacer algunas sobregrabaciones en las cintas originales. El resultado no dejó conformes a todos, es sabido que Peter Tosh fue una de las principales voces disidentes, pero a pesar de todo, el disco salió al mercado con los nuevos arreglos.

Se puede decir que Catch a Fire es el patrón con el que están hechos todos los discos de Marley; las temáticas se reparten en tres o cuatro grupos principales: están las canciones de amor, tanto a nivel individual como universal, las de neto corte combativo, con diatribas dirigidas al poder de turno, y también las odas a la ganja y a la religión, dos aliados de la cultura rastafari. Otra marca registrada de Catch a Fire es que en aquellos primeros años de la década del 70, Marley compartía -e incluso cedía- los créditos de las composiciones. Así es como Peter Tosh estampa su firma en dos de las canciones; la protesta de "400 Years" lenta y ominosa y la autorreferencial "Stop that Train" con una letra entre irónica y culposa. "Concrete Jungle" revela con una metáfora muy simple la vida en las ciudades y su interminable desfile de injusticias y ridiculeces y es una de las canciones emblema de este trabajo, está ubicada en primer lugar y siguió apareciendo esporádicamente en los shows en vivo, incluso en el pico de la fama internacional de los Wailers, a fines de la década. "Stir It Up" es el el que todo el mundo conoce, aquel que es capaz de hacer bailar a todos con una sonrisa. Muestra una de las facetas más pasadas por alto en la lírica de Marley, la libidinosa, siempre presente, manejada con sutileza y administrada en sabias dosis.

La edición de lujo de Catch a Fire incluye el disco tal y como fue grabado inicialmente, sin la remezcla "apta para todo público" de Blackwell, más dos canciones que iban a ser incluidas pero quedaron afuera a último momento. Además incluye, lógicamente, la versión del LP que todos conocemos, la que salió al mercado en el año '73. Debatir sobre cuál de las dos es mejor, no tiene demasiado sentido, sí se puede decidir a nivel personal, como siempre.

Catch a Fire tiene una importancia histórica muy difícil de evaluar o calcular, lo cierto es que convirtió a Marley en una verdadera estrella internacional (la primera a nivel mundial) proveniente de un país subdesarrollado, que pavimentó el camino para la carrera solista de Peter Tosh e hizo que los músicos de rock angloparlante se pongan a prestar atención al increíble sonido dulzón del reggae de Bob Marley & the Wailers.







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