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miércoles, 25 de septiembre de 2024

MPA - Antes que cante el gallo


Que este no se consiga fácilmente es un crimen, más teniendo en cuenta que han reaparecido cualquier cantidad de discos argentinos. En CD no sé si está editado, en LP es difícil de ver, siempre carísimo y en estado… baqueteado, como mínimo. Esto es La cara oscura de la luna del hemisferio sur. El paralelo es sólo para recordar que es una obra maestra, a la altura de los veinte o treinta grandes discos de la música no-académica. Ese término a santo de no repetir el nombre de la banda; MPA. Músicos Populares Argentinos. A pesar de ser literal al extremo, incluye una toma de partido, una declaración de principios bien directa.

Mis viejos lo tenían en casette y cuando salíamos de viaje en auto lo escuchábamos siempre. Me acuerdo de todas las canciones de memoria y durante veinte o treinta años no lo volví a escuchar, ya lo tenía incorporado en mi ADN. O eso creía. Pegarle una revisitada fue toda una experiencia. Si algo agradezco de mi crianza musical fue que mis padres, y me parece que esa generación en general también, no hacían distinciones de género. Jamás era “ahora vamos a escuchar tangos” ni nada de eso. Atesoro ese mensaje subliminal y espontáneo con un cariño enorme.

Pueden hacerse más comparaciones. Al pedo, pero ya que estamos… ¿Por qué no? Esto es lo que hicieron los Grateful Dead cuando vieron que, si seguían con esa psicodelia extrema, no iba a quedar vivo ni uno. O los brasileños protagonistas del movimiento que se llamó Tropicalia, Caetano, Gilberto Gil, Gal Costa, esa gente. Fue un "bueno, la experimentación estuvo buenísima, ahora hagamos canciones. Abracemos el folclore de nuestro país sin que sea una reivindicación patriotera. Seamos audaces y llevamos el asunto a que también nos dejó un gran aporte esa búsqueda. Hagamosló con el bagaje que nosotros traemos". Estos acá se la jugaban el triple, porque en Argentina hubo años en que, si eras cuestionador y desafiabas ciertas tradiciones, eras un enemigo político, por ende tu vida corría peligro. Antes que cante el gallo sale en el ’86, ya no se corría ese riesgo. El Chango Farías Gómez, que era más grande que el resto de la banda, lo había sentido y muy de cerca.  

Cuando vinieron a mi pueblo natal, que medio que no existe, en el escenario estaban en una especie de trance y no les importó que el público no fue muy receptivo con la propuesta. A lo mejor querían zapatear. ¿Quién sabe? En la música se nota ese quiebre, en la versión de “El humahuaqueño” por ejemplo, hay una zapada infernal que no tiene nada que envidiarle a King Crimson. o cualquier otra banda de rock progresivo del mundo. Y Verónica Condomí es una cantante de otro planeta, dueña de una voz cristalina y un registro altísimo, precioso. Podría pelearle el puesto a Sandy Denny o Maddy Prior, esas cantantes perfectas tan apreciadas en el folk inglés. Acá no la conoce nadie.

No fue mucha la producción discográfica de MPA, es este y otro que se llama Nadie más que nadie. Entendible. A pesar del nombre del grupo, esto no iba a ser popular nunca en ningún lugar del mundo. No le deben haber vendido un disco a nadie y les deben haber editado una cantidad ridícula de copias. Debe ser por eso que es tan difícil de conseguir. Hoy lo podés escuchar en seguida, en YouTube. ¡JA!      






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Los Trovadores - Zamba de monte y hacha
Anacrusa - Anacrusa III
Chango Farías Gómez y La Manija - Rompiendo la red




 

domingo, 25 de mayo de 2025

Iggy Pop - New Values


Cuentan que una vez se encontraron en un aeropuerto los Guns 'n' Roses con Nirvana, todos iban con sus séquitos y, al parecer, Cobain y Axl Rose se miraron feo o algo por estilo. Ahí fué que Courtney Love abrió su bocaza para proferir vaya-uno-a-saber qué improperios, o se cruzo con la modelo de turno de Axl, no importa. Lo cierto es que Rose no tuvo mejor idea que apelar a su ideología y lanzó un "shut your beach up!" dirigido al rubio frontman. La reacción instantánea de toda la gente que estaba del lado de los reyes alternativos fué una carcajada espontánea, humillante al máximo, incluso sin querer.
Traducido sería algo así como "decile a tu puta que se calle", por lo visto algo habitual en un banda y completamente ajeno en la otra. ¿A qué viene todo esto? No es todo lo mismo, amigos. La ideología importa y mucho, por más que no se haga bandera del asunto. Lo implícito, lo tácito es rock. O no.

Y eso es lo que diferencia a James Ostergberg de miles de rockeros que han intentado imitarlo a lo largo de los años, desde que partió la historia del rock 'n' roll de la mano del primer LP de The Stooges, allá lejos y hace tiempo. Un OVNI aterrizando en plena resaca hippie, a fines de los sesenta. Siempre fué distinto y tuvo algo para decir.
Funhouse... sin palabras, el número uno según Henry Rollins, incluso existe una caja que tiene todo lo que se grabó en las sesiones y consta de... ¡TRECE CDs!!! Después viene Raw Power y ahí ya podría haberse muerto tranquilo. igual tendría un lugar importante en todo este embrollo. Lo de siempre, reviente, años perdidos, nebulosa drogona y ahí es cuando reaparece David Bowie, alguien que le salvó las papas a más de uno. Chequear Mott the Hoople.

Iggy Pop sale al ruedo como solista con dos obras extraordinarias, definitivas; Lust for Life y The Idiot. Este último perteneciente a ese reducido grupo en el que conviven Astral Weeks, Artaud, The Soft Bulletin, What's Going On... momentos únicos e irrepetibles, mojones ineludibles en la historia de la música popular contemporánea. Después de Kill City (con James Williamson, otro ex-Stooges) viene este, New Values, casi en seguida, en el '79. Acá ya no está Bowie pero no es un problema, no se lo extraña para nada. Le pasa lo mismo que a Adventure de Television, por ejemplo, el único "problema" que tiene es que NO ES Marquee Moon, la eterna e ingrata comparación. ¿Querés un tema alienígena? Podés encarar sin miedo "The Endless Sea", podría intentar describirlo pero no quiero fracasar rotundo ni arruinar sorpresas. ¿Querés ironía y observaciones sociales corrosivas? Tenés "Girls", que sería la parodia de la anécdota reseñada en el primer párrafo, sino también está "Curiosity", casi al final, metiéndose con el tema del deseo como vehículo para la autodestrucción. Iggy siempre tuvo imagen de reventado, cualquiera podría pensar que fué el tipo más drogón del mundo, sin embargo su lucidez siempre fué algo a destacar. Tuvo discos malos, como cualquiera que tiene una carrera de más de cuarenta años, sin embargo sigue en pié y en muy buena forma, habiéndose dado el gusto de hacer de todo, salir del molde, probar y, sobre todo, ser Iggy Pop, una de las personalidades más fuertes de los últimos cincuenta años. En un mundo en donde los clones y las ovejas son la norma, no es poco.

¡Ah! Y en este disco están "I'm Bored" y "Five Foot One". Say no more.







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Iggy Pop - American Caesar
Iggy Pop - Post Pop Depression
The Stooges - Live at Goose Lake: August 8th, 1970



martes, 26 de septiembre de 2023

Miguel Abuelo & Nada - ídem [1er. LP - 1975]


Hay quienes para comentar un disco se toman la molestia de escucharlo muchas veces. No sé… cinco, seis o hasta diez veces. No creo que haga falta, esto es contar un poco de qué va la cosa, no es más que eso. Y de quién se toma el trabajo de leer este tipo de artículos mejor ni hablemos.

En la primer escucha uno puede notar que se tratar de algo interesante y valioso. Sorprendente. Sobre todo para los que conocemos a los Abuelos de la Nada, los que fuimos perseguidos con esos temas durante cierta etapa de la vida. Hubo un momento en que no tenías escapatoria, te acosaban con esas canciones, era hostigamiento. De ahí puede venir cierta resistencia a la voz, al timbre de Miguel Abuelo, que no se parece a nada. Debe tener que ver con una especie de reflejo pavloviano, con buscar inconscientemente una vía de escape. En un momento el llamado Rock Nacional fue un verdadero estorbo, veinte temas que eran siempre los mismos, de manera indefectible. Y Miguel estaba en un par de esos, no los quiero nombrar. Hoy si los escucho hasta me caen bien, el tiempo todo lo cura. En aquel entonces era una esvástica musical tácita. ¿Habrá algún otro país que llame “nacional” a su rock? Es una palabra que rompe las pelotas, con demasiadas connotaciones y asociaciones que uno no quiere hacer. Y menos a la hora de hacer algo tan sagrado como escuchar música.

En la segunda escucha caés rendido. Este es un discazo. No por nada es apreciado por melómanos del mundo entero. Incluso por gente que no habla español, algo que fue barrera para mucha gente durante años y que hoy parece estar cambiando. Está lleno de fanáticos de Tom Jobim en Europa, por citar un ejemplo. De hecho este disco se reedita en Bélgica en la década del noventa, más de tres lustros después de su edición original. Que paso sin pena ni gloria, hay que decirlo.

Miguel Abuelo ve que las cosas se ponen densas en Argentina y decide emigrar a Francia, ahí es que arma esta banda, con otros músicos que también eran argentinos exiliados. Graban esta obra maestra. ¿Qué pasaba si este disco lo hacía Jethro Tull, Gentle Giant o cualquiera de las grandes bandas que funcionan a mediados de los setenta? Tendría mayor nivel de reconocimiento, seguro. A pesar de que esto tiene un nivel de eclecticismo y originalidad comparable a cualquier obra grabada en aquellos años. Hay hipismo y psicodelia a raudales (ese tema en que le habla a una piedra es genial) y guitarras fuertes y podridas. De hecho hasta se puede escuchar una suerte de proto-metal, cabalgata alla Iron Maiden, gritos super agudos y acrobacias vocales. Si todavía no lo escuchaste dale una oportunidad a Miguel Abuelo & Nada. No tiene nada que ver con “Mil horas” ni con “Chalamán”.Te lo prometo.

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Black Sabbath - Sabbotage
Sir Lord Baltimore - Kingdom Come

Morgen - ídem [1er. LP - 1969]




jueves, 23 de julio de 2009

The Vibrators - Pure Mania


La escena inglesa de fines de la década del setenta era un hervidero de actividad. Jamás el recambio generacional fue tan drástico, potente y necesario a la vez. No vamos a caer en el facilismo ese de que el punk rock vino a destruir al rock progresivo/sinfónico que tantas veces se ha repetido. Lo que sí es cierto es que hacía falta un lavado de cara, un poco de irreverencia y menos pomposidad, menos solemnidad y mas energía primal.

Dentro de esa camada de grupos pioneros están los Vibrators, que se han encargado con el paso de los años de dilapidar todo resto de credibilidad reformándose millones de veces, grabando material de calidad cuestionable y, en definitiva, masacrar el legado del punk rock primigenio. Pero cuando la banda liderada por Ian "Knox" Carnarchan funcionaba a todo motor eran una cosa seria, digna de ser tenida en cuenta. No les faltan credenciales tampoco; fueron apadrinados por el inolvidable John Peel, apareciendo varias veces en su programa radial, estaban ahí bien a principios del asunto. Puede decirse que es otro caso de estar en el lugar y momento adecuados, ya que fueron teloneros de Iggy Pop en su gira británica del '77 y su primer sencillo ("We Vibrate") fue producido por el legendario Mickie Most, productor de los Animals y Donovan, entre otros.

¿Y la música? Como suele ser, es lo que cuenta y vale. "Into the Future" es la canción con que empieza este disco debut, Pure Mania, y deja claras las intenciones de la banda; un sonido sucio pero compacto, rápido y ajustado, un cantante con personalidad y una lírica nihilista, llena de desparpajo. La protagonista es una chica que está “bastante reventada para tener sólo 23 años”. "Yeah Yeah Yeah" es la relectura de la generación punk del "She Loves You" de los Beatles, en vez de amor adolescente inocentón, es amor enfermizo no correspondido, ella lo usa y lo tira. Los instintos pop de Knox salen a la luz en "Sweet Sweet Heart", con un estribillo ganchero, muy pegadizo y un motivo de guitarra atractivo. Si no fuera por la suciedad inherente a las decisiones de producción del album podría haber sido un estándar de radio FM contemporánea. John Ellis, el guitarrista, es quien firma "Keep It Clean", que es el obligatorio tema sobre drogas, es mas que nada un retrato de lo que se vivía en la época porque la canción es una advertencia.

"Baby Baby", que fuera retomado varios años mas tarde por los alemanes Die Toten Hosen para su disco de versiones, es el himno, quizás el momento mas imperecedero del disco. Una progresión de acordes tocada con arpegios introduce la melodía de voz, que es sutil, simple y amenazadora. Es un ruego casi desesperado, una canción de amor en letras mayúsculas, de esas que se escuchan una vez y ya no hace falta mas nada. “Las chicas londinenses me están defraudando / No puedo imaginarme viéndolas corriendo por ahí” dice "London Girl" el tema libidinoso que no podía dejar de estar presente. Un riff con mas de una deuda al movimiento inmediatamente anterior; nada menos que el pub rock de Dr. Feelgood, Eggs Over Easy o Brinsley Schwarz. "Stiff Little Fingers" (si, la canción que dio nombre a los irlandeses) es una fábula mórbida de alienación urbana con una letra escalofriante; “nunca miraste más allá de tus cuatro paredes / es una pena que nunca hayas visto la luz / pero ahora te pasaste de la raya / y vas a tener que empezar de abajo otra vez”.

A Pure Mania le fue bien al momento de su aparición, con el paso del tiempo sería incluso más reconocido, siendo mencionado en todas las inefables listas de las revistas inglesas, elogiado por igual tanto por músicos de generaciones posteriores, periodistas y amantes de la música en general. Los Vibrators de la primera época siguen con el prestigio intacto.








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The Vibrators - V2
999 - Separates
The Adverts - Crossing the Red Sea with the Adverts



jueves, 23 de mayo de 2024

5 Canciones 5: The Damned, Trocha Angosta, The Romantics, Tangerine Dream y Olivia Tremor Control


In Dulce Decorum
The Damned

Buscando el tema en YouTube encontré que formó parte de la serie Miami Vice. O División Miami, con Don Johnson... ¿Se acuerdan? Se ve que alguien también paró la oreja ante esto, que es muy original, por cierto. Tiene algo del Damned de los discos anteriores, la huella y la impronta de la banda está. Sumado al interés de Dave Vanian por todo lo que tiene algo gótico, religioso o lo que corno sea. "In Dulce..." es difícil de explicar, hay que escucharlo. Anything no es de los discos más queridos de los ingleses, quizás porque se aparta un poco de lo clásico, de lo que suelen hacer, está más cerca de Phantasmagoria a lo mejor. En fin... TEMAZO.

Aparece originalmente en: Anything (1986)

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Te quiero pero me arrepiento
Trocha Angosta

¿Quiénes serían estos si fuesen ingleses? ¿Slade? ¡No! Mucho más losers. Crabby Appleton podría ser. ¿Y si fueran yanquis? Cómo detesto a la gente que dice 'americanos', americanos somos nosotros, pedazo de hijo de puta. Hecho el paréntesis... serían cualquiera de las bandas de country-rock (Poco, Gladstone, alguno de esos) que hiper-abundaban en aquellos años. Está muy bien producido, sería una power-ballad al mejor estilo Badfinger o los Bee Gees de la era Trafalgar. La letra y el "larara lala" del final denotan cierta inocencia que no hace más que agregarle atractivo. Había salido mucho antes como single y recién aparece en LP cinco años después. 

Aparece originalmente en: Trocha Angosta [4to. LP] (1977)


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Girl Next Door
The Romantics

Esto es genialidad estúpida. O imbecilidad genial, como más te guste. O mejor dicho; power pop. Un estilo muy delineado, dentro de lo que es rock and roll. El que es consciente de sus limitaciones y hace gala de ellas, orgullosamente. Ya la foto de los tipos en la tapa, del debut nada menos, lo dice todo. Acá venimos para joder, para cagarnos de risa. Y rockear, durísimo, como debe ser. The Romantics es una catarata de hits. Algunos lo fueron de hecho ("What I Like About You") y el resto debería haber sido, en un mundo menos pedorro que el que en realidad vivimos. Como "Girl Next Door", por ejemplo.

Aparece originalmente en: The Romantics (1980)

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Logos (Part. 1)
Tangerine Dream

¿Quién iría a ver a Tangerine Dream en el '82? Este es un disco en vivo en el que no se escucha para nada el público. Estaban a unos años de la que podría considerarse "etapa clásica" de los germanos. Parece increíble pero un disco como Phaedra salió por un sello grande (Virgin) y estuvo entre los diez más vendidos. ¿Será un síntoma del empobrecimiento mundial del nivel cultural? O que la gente no se aburría con tanta facilidad. Como sea, para principios de los ochenta estaban cambiando, con estructuras más definidas, menos improvisación, sin perder la esencia de lo que siempre fué la banda de Edgar Froese, un verdadero prócer.

Aparece originalmente en: Logos Live (1982)


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Hideaway
The Olivia Tremor Control

Para el segundo de estudio, Black Foliage, que es como se lo conoce a este LP, con su nombre acortado, les pidieron a los seguidores que manden videos con ellos describiendo sus sueños. En eso se basaron para escribir las canciones los también oriundos de Athens, Georgia, como R.E.M., of Montreal, B-52's o los Drive-by Truckers. El tema en realidad no tiene nada demasiado onírico, de hecho es uno de los mas convencionales, un tema pop que bien podría haber sido de los Beach Boys de la etapa Sunflower, Surf's Up, a fines de los sesenta. Cosa que no es poco mérito, todo lo contrario.

Aparece originalmente en: Black Foliage: Animation Music Volume 1 (1999)


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lunes, 6 de noviembre de 2023

The Strokes - Is This It


Imposible olvidarlo. Quienes les bajaban el pulgar tenían cierta cantidad de años. Los que aceptaban la propuesta eran menores, no hace falta aclararlo. Como suele pasar cada vez que una banda o solista traza una línea, marca un quiebre y divide aguas. Los escépticos decían cosas como “esto ya lo escuché” o “para escuchar esto prefiero escuchar Ramones”, cosas de ese estilo. Al gran público no pareció importarle y la banda la pegó. No es que rompieron todo, fueron un antes y después, nada de eso; les fue bien. De hecho fue una de las últimas bandas en hacerse grandes en lo que podríamos llamar Era Moderna, hablando de tiempos post-masificación de Internet. Con ellos vinieron los White Stripes, The Hives y sí… también The Vines.

Era la vuelta del rock de guitarras, algo parecido a lo que pasó con Nirvana una década antes, en menor escala quizás. El regreso de las guitarras a las radios. Vale decir que en aquel entonces las radios todavía eran influyentes. Lo que quedaba de los sellos discográficos, en lo que fueron los últimos coletazos de la industria tal y como la conocíamos, salía a buscas con desesperación bandas parecidas. ¿Había alguna novedad?

Sí y no.

Sí era cierto que escuchar a Television o Blondie estaba bien visto otra vez. De estos grupos no se acordaba nadie. O sí. Se acordaban los freaks musicales como decían en Alta Fidelidad. Hoy en día, que alguien a quien le gusta el rock, no sepa qué es Marquee Moon es infrecuente, medio insólito. Y si es así… a cambiarlo urgente. En las entrevistas hablaban de Velvet Underground, por ejemplo. Ellos trajeron esa música de nuevo, la rescataron y no es un mérito menor.

Y las canciones tenían algo… si estás buscando virtuosismo o buen sonido estás mal rumbeado. A pesar de que en cuanto a producción había un par de decisiones hábilmente tomadas, no es por ahí el asunto con The Strokes. No es por el lado en el que muchos músicos suelen apuntar su confusión, su represión sexual. Era frescura, desparpajo, juventud. Es lo que siempre reaparece cada diez o quince años. “Last Nite” no tenía prácticamente nada de novedoso, era muy difícil no bailar. Si no bailabas era porque lo estabas sobre-analizando, racionalizando. Eso y la música… no deberían ir juntos. “Barely Legal”, “Soma”, “Hard to Explain”, una colección de canciones coherente, sin pretensiones intelectuales, con un parentesco directo con Please Please Me de los Beatles o More Songs About Buildings and Food de Talking Heads. Es sólo rock and roll. Sin demasiadas vueltas. Y nos encanta.







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The Strokes - Room On Fire
Cobra Verde - Easy Listening
Huevos Rancheros - Dig In




viernes, 12 de mayo de 2023

5 Canciones 5: Misfits, Culture, María Elena Walsh, Stevie Wonder y Isaac Hayes


Angelfuck
Misfits

La era Danzig de Misfits es increíble. Un sonido pedorro al máximo, una producción nula pero unas canciones impresionantes. Son de esas que las podés tocar con la acústica, despojadas del ruido y la mugre e igual funcionan. Además están cantadas con una personalidad demoledora. Este no es tan conocido como otros temas emblema de ellos ("Last Caress" o "Attitude") sin embargo no tiene nada que envidiarles.

Aparece originalmente en: Legacy of Brutality (1985)

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I'm Not Ashamed
Culture

Tengo entendido que el debut de Culture pegó mucho en su momento porque en el año '77 también se creía que el mundo se iba a terminar. Creencia que parece reaparecer una y otra vez. En algún momento llegará ¿qué apuro hay? Acá es el bajo, una cosa de locos, Lloyd Parks, grabó en al menos quinientos discos. En la batería el maestro, el número uno, el único e inigualable Noel Dunbar. Sly para los amigos. Sly & Robbie. Si no los conocés... deberías.

Aparece originalmente en: Two Sevens Clash (1977)


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Seems So Long
Stevie Wonder

En algún lugar leí que Music of My Mind era un disco más bien de groove, rítmico y no tanto de canciones. No es el caso en "Seems So Long", una canción con todas las de la ley. Diferente, eso sí. El ritmo no aparece, flota en una suerte de colchón de teclados y arreglos de platillos que no parecen tener demasiada lógica. Probablemente Stevie tocó todo en la grabación, no estoy seguro, no sería nada descabellado, a veces lo hacía.

Aparece originalmente en: Music of My Mind (1972)

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Don Enrique del meñique
María Elena Walsh

Esta es la música que acompaña a millones de argentinos desde hace miles de años. No sabía que este LP era tan viejo. Cien por ciento atemporal. Es llamativo el hecho de que, más allá de los temas ultra-archi-conocidos de M.E. Walsh, los discos están llenos de perlas que necesitan un rescate. En general jugaba con los géneros, estaban muy bien grabados, compuestos y producidos sus temas. Acá es viaje a México. En un momento estira una nota con la voz y la hace durar más de lo habitual, haciendo un poco de facha. Un poco nada más.

Aparece originalmente en: El país de Nomeacuerdo (1967)


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Chocolate Chip
Isaac Hayes

¡Uf! A bailar se ha dicho. A funkear mejor dicho. Blaxploitation, como quieras llamarle, esto es irresistible. Esa guitarrita fuzz con que cierran las estrofas... ¡qué delicia! Pensar que, en su época de gloria, Isaac Hayes andaba por ahí con un Cadillac con incrustaciones de oro, hecho a medida. Era una especie de rey musical y se lo merecía. Inventó un género propio, practicamente.

Aparece originalmente en: Chocolate Chip (1975)

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miércoles, 9 de mayo de 2012

Nada Surf - The Stars Are Indifferent to Astronomy


¿Por qué será que uno siempre necesita una comparación? Si no es una comparación es un parámetro, un nombre tirado un poco al azar, con diferente medida de acierto. Debe ser que no nos gusta que nos tomen por sorpresa. O si se parece a algo que ya conocemos nos predisponemos de otra manera para que nos convenza, para que “entre” más fácil.

¿Y qué hacen los Nada Surf? Simple: canciones. Canciones en el sentido estricto de la palabra; introducción, estrofa, estribillo, estrofa, estribillo, puente, solo, estribillo final. Con alguna que otra variante dentro del formato pero de eso se trata básicamente. Canciones. Algunas excelentes, otras brillantes, otras simplemente buenas pero siempre aceptables, decentes.

¿Y a qué se parecen? Beatles, Big Star, Fountains of Wayne… el espectro “celestial” del podio cancionero se podría decir. Tienen un buen cantante, hacen unos coros prolijitos. Acá no hay mugre, nunca. Quienes busquen bestialidad roquera, excesos o historias fabulosas del tipo extra-musical van a tener que buscar por otro lado porque lo de Nada Surf no tiene nada que ver con eso.
Vienen tocando hace más de diez años, empezaron bien arriba, con un disco producido por Rick Ocasek de The Cars, con un super hit irónico que fue "I'm Popular" y desde entonces han venido haciendo discos parejos, sólidos de principio a fin. No inventaron nada, eso es cierto pero… ¿Para qué arreglar algo que no está roto? Incluso el anterior a este había sido de versiones, de esos que muestran de dónde vienen. Había versiones de Depeche Mode, Kate Bush, los Moody Blues y de perfectos desconocidos como Bill Fox y Dwight Twilley. Uno disco de covers que tiene gusto a declaración de principios.

¿Y qué tal este? El disco nuevo se llama The Stars Are Indifferent to Astronomy que vendría a ser “las estrellas son indiferentes a la astronomía” y como título define bien cómo viene la mano a nivel lírico en Nada Surf. Musicalmente este es un poco más roquero que los discos anteriores, más guitarrero que Let Go o incluso The Weight Is a Gift, pero no crean que esto es Stooges porque nada que ver. Acá las guitarras son bien cristalinas y lo mismo sucede con las armonías. Lo más parecido a esos temas al borde de perder el control es el primer tema del disco, "Clear Eye Clouded Mind", bien ramonero y rápido. Están los arpegios deliciosos de "Jules and Jim" o el ritmo insistente de "Teenage Dreams" (“A veces hago las preguntas equivocadas pero consigo las respuestas adecuadas, nunca es tarde para los sueños adolescentes”).

En fin, si estás buscando algo que te sacuda las estructuras y que te cambie la vida, probablemente Nada Surf no sea el remedio que te hace falta. Pero si estás buscando un buen puñado de canciones hermosas que te sirvan para contrarrestar el aluvión de canciones horrendas y estrellas inventadas que dominan los medios oficiales, ahí sí. Dale una chance a Nada Surf.







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Chris Bell - I Am the Cosmos
The Posies - Amazing Disgrace
Nada Surf - Lucky


domingo, 4 de octubre de 2026

Judee Sill - ídem [1er. LP - 1971]


El primer disco editado por el sello Asylum. David Geffen lo arma para editar a Jackson Browne pero esto es lo que pone en la vidriera. Antes que Eagles, antes que Tom Waits e incluso antes que Browne mismo en el catálogo. Venía de la cárcel, de la heroína, de robar a mano armada y de escribir canciones para la editorial de los Turtles. 
No es el currículum que uno imagina para un disco de folk angelical.

Pero así fué. Angelical, barroco, con esas líneas de guitarra que se cruzan como si hubiera estudiado a Bach en vez de a Joan Baez. Lo estudió, de hecho: en rehabilitación tocaba órgano de iglesia. De ahí salen los contrapuntos, los coros que se pisan, la sensación de que cada tema está armado como una pequeña cantata y no como una canción de fogón.

"Crayon Angels" abre y ya está todo dicho. Voz alta, frágil, letra sobre un dios que no es el de la misa del domingo. "The Phantom Cowboy" dura un minuto cuarenta y se va. No sobra nada. "Lady-O" ya la habían grabado los Turtles un par de años antes; acá vuelve a casa, se le hace justicia. El hit lo produjo Graham Nash para que sonara en la radio, es "Jesus Was a Cross Maker". El ex-Hollies le mete el brillo de su banda actual -CS&N- y acierta, aunque el resto del álbum vive en otro registro, más seco, más de estudio chico. Los palazos son para el cantautor J.D. Souther, culpable de romperle el corazón. Judee no se andaba con vueltas ni cuando hablaba de amor. 
Del otro lado está lo que de verdad justifica este asunto. "Ridge Rider" es el tour de force, casi cuatro minutos y medio, con esos acordes jugados, que se parecen más a Nick Drake que a cualquier compañera de sello. "Lopin' Along Thru the Cosmos" tiene el título más ridículo del año y la melodía más linda del lado B. "Enchanted Sky Machines" es el desvío: piano stride, saxos, un gospel de ciencia ficción que no pega con nada y por eso se queda. "Abracadabra" cierra en menos de dos minutos, como si no hubiera querido despedirse del todo.

Bob Harris, otro ex, se encargó de las orquestaciones. Henry Lewy y Jim Pons (The Leaves y Turtles, respectivamente) produjeron el grueso. En los coros hay una suerte de dream team de las voces de sesión de Los Ángeles. No alcanza para tapar que el disco no vendió. Geffen apostó, la radio no mordió, y Sill se fue dando un portazo, peleada con medio sello.

Iban a entrar "The Pearl" y "The Phoenix". Las sacaron para hacerle lugar al que intentó ser hit. Aparecen en el segundo, Heart Food, del '73, que es el disco grande, el que tiene "The Kiss" y donde la cosa mística deja de ser promesa y se vuelve obra. Este debut es el borrador brillante: treinta y tres minutos, once temas, ni uno de relleno, y una biografía que el folleto no se anima a contar entera. Murió a fines de los setenta, sobredosis, cuarenta y tantos años, dos discos en vida. Con eso le alcanzó para quedar arriba de media docena de cantautoras que vendieron diez veces más y no escribieron nada parecido a "Crayon Angels".





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Chequear también:
Karen Dalton - In My Own Time
Gene Clark - No Other
Linda Perhacs - Paralellograms



viernes, 11 de febrero de 2022

Talking Heads - Fear of Music


Funk. Una guitarrita que se te mete en el cerebro como una mosca, sin que puedas evitarlo. No es Funkadelic ni James Brown, esto es África, nada que ver con lo que haría Paul Simon en Graceland, unos años más tarde, no hay buena onda. Tampoco se puede decir que las vibraciones que transmite sean negativas, esto es Talking Heads, las cosas nunca son tan simples en estos páramos. Pero se puede bailar. Es “I Zimbra”, el primer tema del tercer LP de estudio de los neoyorquinos, el segundo fruto de la asociación con Brian Eno, hermandad que terminaría contribuyendo a separar la banda, pero no nos metamos en esa.

“Mind”, el segundo tema, ya va a territorios más familiares, al menos en apariencia. En realidad hay avances y son claros. Con respecto a More Songs About Buildings and Food sigue existiendo un parentesco y se puede trazar una línea, pero también hay novedades. La línea de bajo de Tina Weymouth es para hacerle un monumento, muy creativa y diferente, el solo de guitarra es marciano a más no poder y David Byrne parece haber descendido todavía más en los abismos de la alienación, paranoia e incomodidad del hombre moderno viviendo en la ciudad. Como pintura de una aldea, una escena y época esto es imbatible.

El giro hacia la pista de baile se hace más evidente a medida que va avanzando Fear of Music, con “Paper” y “Cities” (“… me olvidé de mencionar Memphis, hogar de Elvis y los antiguos Griegos”) estos serían los temas que darían cuerpo a Stop Making Sense, quizás la obra cumbre de los Talking Heads a nivel legado visual. Es para bailar, para moverse, pero a diferencia del noventa por ciento de la música hecha para tal fin, hay contenido y sustancia, podés detenerte a pensar un poquito y resignificar, no es tan vacío el asunto. Está bien, vamos a divertirnos parecen decir, pero si vas a la barra a pedir algo para tomar, acordate que todavía estamos presos en la ciudad.

“¿Por qué quedarse en la universidad? ¿Para qué ir a la escuela nocturna? Tiene que ser diferente esta vez. No puedo escribir una carta ni una postal, no puedo escribir absolutamente nada” dice la letra de “Life During Wartime”, uno de los temas clave, antes de dar paso a “Memories Can’t Wait” y si, alguien puede encontrar huellas en esta joya… hay premio. No se parece a nada hecho antes. En la cara B, el fluído se corta un poco gracias a una de las grandes canciones, memorable en todo sentido, se trata de “Heaven”, la particular interpretación de una fiesta en el más allá, en el paraíso, un lugar en donde hay una banda y tocan tu canción favorita pero, atención, la tocan toda la noche. El lenguaje esta vez es medio folkie, supuestamente la inspiración fue Neil Young, de hecho los acordes tienen no poco que ver con “Heart of Gold”.

El impresionante balance entre forma y contenido es la clave en Talking Heads y en Fear of Music, el concepto y las letras son importantes, fundamentales en realidad. Pero no te olvides que también hay que decirle algo al cuerpo. En este caso es “a bailar”. Es una orden.








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viernes, 5 de septiembre de 2025

5 Canciones 5: Black Sabbath, Temples, Ariel Ramírez, Gerry Rafferty y Blondie


Gypsy
Black Sabbath

Bill Ward jugandoselá con un patrón de batería diferente, trabado... Ozzy en su registro alto. No, no, altísimo. Escalofríos. El tema parece no tener una dirección del todo definida. Hasta que empieza a desplegarse ante nuestros sentidos como la alfombra real. Ahí es que te das cuenta de que, incluso cayendosé a pedazos, Black Sabbath era capaz de pelar temazos. El estribillo llega -también- inesperadamente. No tiene nada de convencional la estructura de "Gypsy" y lo mejor es que no es que molesta o te pone incómodo, pasa desapercibido. A menos que te pongas a analizar, cosa que hacemos ciertos fenómenos que no tenemos mejor cosa que hacer que comentar música. O como se llame esto que hacemos.


Aparece originalmente en: Technical Ecstasy (1976)

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Cicada
Temples

El primer disco (Sun Structures, 2014) fué muy comentado en su momento, formaba parte de una camada de grupos que estaban retorciendo la psicodelia, llevándola a zonas extrañas, modernas. Eso es básicamente lo que siguen haciendo, con resultados muy convincentes. Esto bien podría describirse como un tema del primero de Tame Impala (el fundamental Innervisions) pasado por un filtro Mesopotamia asiática. Hay elementos musicales que delatan que los pibes han estado estudiando un poco. Nunca viene mal. 

Aparece originalmente en: Exotico (2023)

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Mordeme la oreja izquierda
Ariel Ramírez

Todo el mundo conoce a Ariel Ramírez por La Misa Criolla. Gran aporte, pero muy lejos de haber sido el único. A grandes rasgos, el gesto, el costado rebelde si se quiere, viene de haber cuestionado la línea divisoria entre música popular y académica. Hoy en día está más naturalizado y la frontera es más borrosa, hace unos años era cuestión de vida o muerte. Este disco es un homenaje a los tangos de la llamada Guardia Vieja, los primeros de los que se conservan registros, antes del período de Gardel y "Mi noche triste". Esto es tango instrumental, piano y percusión. Una delicia.

Aparece originalmente en: El Tango según Ariel Ramírez (1979)

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Why Won't You Talk to Me
Gerry Rafferty

Cierta música logra activar mecanismos en el cuerpo. No es algo que pueda explicarse y lo grandioso es que no hace falta, no es necesario. Pero claro, como buenos boludos racionales que somos, queremos saber qué. ¿A qué obedecen esos procesos? ¿Por qué se dan ante ciertas condiciones y no otras que podrían ser iguales o muy parecidas. Rafferty tampoco es un canto a la originalidad, es rock suave de los setenta y no es que se despega mucho de Al Stewart, Fleetwood Mac o Dan Fogelberg, pero algo tiene. Sus canciones apaciguan, sus discos están bien armados, tiene corazón y cosas para decir. Claro descendiente de la rama McCartney de los Beatles, deben ser sus melodías ultra-fluídas o esos colchones de guitarras acústicas... su voz también suma! Resultado; relajación, placer auditivo, bailecito inevitable. No me pasa muy seguido.

Aparece originalmente en: Night Owl (1979)

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Live It Up / Angels On the Balcony
Blondie (con Giorgio Moroder)

En el libraco hermoso que viene con esta caja, Debbie Harry y Chris Stein no recuerdan con demasiado cariño las sesiones de grabación que compartieron con Giorgio Moroder. Al parecer el astro italiano ya tenía todo en su cabeza y dejaba poco (más bien nulo) lugar a sugerencias y aportes. Hay una diferencia con respecto a lo que sí terminó saliendo en Autoamerican, el disco en el que llevaron la fusión-de-todo que proponían lo más lejos posible. En esta versión que quedó afuera, el costado Moroder está mucho más presente, esto te lleva directo a la pista de baila. No falla.

Aparece originalmente en: Against The Odds 1974-1982 (box set - 2022)

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lunes, 23 de enero de 2017

Rancid - Life Won't Wait


¿Veinte años no es nada? Veinte años es muchísimo. El que escribió la letra de aquel tango estaba completamente en pedo o los tiempos cambiaron salvajemente. Probablemente las dos cosas sean ciertas. En veinte años te podés enamorar, podés cambiar de opiniones y ver morir a seres queridos. Lo más importante en mi caso fue saber que me podía equivocar, que podía no tener razón y, entre otras iluminaciones Zen menores, que a nadie en el universo le importa qué es lo que a vos te gusta y lo que te deja de gustar.

Hace veinte años el mundo (o uno, o nosotros, o todos) era más prejuicioso y una opinión “fuera de la lugar” te podía ridiculizar fiero. Me acuerdo que los discos de Rancid no te lo podías comprar en las disquerías “inteligentes” del centro, ahí conocían a Sham 69, a los Damned y esto era la copia barata para los pibes a los que les faltaba escuchar la cosa real. Nunca lo entendí pero sí sabía lo que implicaba ser “tachado”, de manera que los admiraba y escuchaba en soledad, sin ponderarlos públicamente. Hoy me río de estas cosas, pero en aquel entonces me cuidaba mucho de estas cuestiones ridículas. Todavía hoy sigo sin entender el supuesto link con The Clash. ¿En qué se parecen a The Clash? Seguramente los Rancid los tenían en alta estima y los escucharon con fanatismo pero nunca pude encontrar demasiada relación. ¿En el eclecticismo musical? Puede ser, ahí puede ser. Si Let’s Go era The Clash y And Out Come the Wolves era Give ‘em Enough Rope entonces se puede decir que Life Won’t Wait era Sandinista. Con una diferencia clave; el cuarto LP (¡triple!) de The Clash rara vez rockeaba y si lo hacía era con moderación, atrás había quedado el fuego sagrado, el trueno de “Garageland” o “English Civil War”. Este disco en cambio rockea y ferozmente. “The Wolf” podría estar en alguno de los discos de la etapa intermedia de Motörhead y los mismo pasa con “Cash, Culture and Violence” o el hiperquinético “Bloodclot”, cantado a pura garra. A veces pienso que los que les bajaban el pulgar en realidad no habían pasado del ocasional tema que sonaba en la radio o en el video de turno (era la época en que todavía podías conocer música a través de un video en la TV) porque si escuchás el tema que dá título, el ska perfecto de “Hooligans” o el gancho al mentón de “Leicester Square”, es muy raro que esto no te guste si te gusta el rock and roll. Este es un disco de rock and roll no es un disco de punk. ¿En qué disco de punk va a haber un tema como “Who Would’ve Thought”? ¿Cómo podés escuchar “Corazón de Oro” y que no se te dibuje una sonrisa?

Desempolvé el disco hace poco, pensando cómo pudo haber sido posible que esto me haya gustado tanto, en algún momento de mi vida. Me encontré con que no perdió ni un poco del efecto que solía provocar. ¿A alguien le importa? Sí, a mí.







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miércoles, 2 de noviembre de 2022

5 Canciones 5: Duke Ellington, Nazareth, King Crimson, Litto Nebbia y Jerry Lee Lewis


The Opener
Duke Ellington and his Orchestra

A groovear se ha dicho. En ese apartado a la orquesta de Duke no había con qué darle. Este me lo recomendó (sin saberlo) Jonathan Donahue, de Mercury Rev, en una nota en la que mencionaba discos que lo habían influído. No es uno de los super clásicos, hay por lo menos diez LPs de Ellington más importantes, pero si vas por la inmersión completa, no te va a hacer nada mal pegarle una escuchada a este.

Aparece originalmente en: Concert In the Virgin Islands (1965)

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Whatever You Want Babe
Nazareth

Qué discazo No Mean City, en plena new wave, salen a la cancha con esto, con un leve cambio con respecto al sonido clásico de Nazareth. Es un tema medio power-pop, no podría haber estado en Rampant o en Loud 'n' Proud, por ejemplo. Acá sí, había llegado el momento. Ese coro en la mitad que dice "siempre fuiste libre para mí" es ideal para que lo coree un estadio de futbol. Lástima que siempre elijen boludeces para tales efectos.

Aparece originalmente en: No Mean City (1979)


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Easy Money
King Crimson

Cómo cambia King Crimson entre este y el disco anterior, Islands. Habían pasado casi dos años y el obligado cambio de formación, en una de las bandas con más cambios de integrantes de la historia. Siempre sujetos a los caprichos y mandatos de Robert Fripp, el líder y guitarrista zen. Esto lo escuchaba cuando tenía veinte años y no entendía nada. Todavía hoy me sigue pasando lo mismo. Qué suerte que en la música eso es algo muy bueno (lo de no entender nada).

Aparece originalmente en: Larks' Tongues in Aspic (1973)

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Cada uno es lo que quiere ser
Litto Nebbia

El ex-capo de Los Gatos siempre tuvo una amplitud de horizontes más que interesante. En este disco todavía era muy joven y seguía abriendo el abanico, incorporando folclore (está Domingo Cura en el primer tema) a sus canciones medio tangueras y melancólicas. "Tu voz ausente no modifica en nada mi sentir, esto me indica que cada uno es lo que quiere ser". Inapelable. Cuando entra la banda tiene una cosa Genesis de la era de Foxtrot o Nursery Crime, es decir; bien a tono con la época.

Aparece originalmente en: Despertemos en América (1972)


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Sweet Georgia Brown
Jerry Lee Lewis

Alguna vez escuché que Jerry Lee fue el primer punk. Discutible, pero tiene sentido. A nivel velocidad, agresión, ataque, desde ese lado puede ser. Y eso que acá, a esta altura, ya estaba de vuelta de todo. Esta gente que dejó una obra grande, inconmensurable... ¿se puede decir que muere? Yo creo que no, no me caben dudas que estos tipos son eternos, están ahí, flotando para siempre en la memoria colectiva.

Aparece originalmente en: There Must Be More to Love Than This (1970)

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miércoles, 11 de enero de 2012

Sonic Youth - Goo


Hace poco salió una nota en una revista en donde criticaban a Thurston Moore por recomendar continuamente discos imposibles. ¿No era eso un punto a favor? ¿Hay algo comparable a que alguien de confianza te recomiende algo? No hay nada tan gratificante como conseguir un disco difícil, uno de esos que no se ven nunca, jamás va a estar en las ofertas y, cuando un día lo ves, parecen sonar campanas celestiales. Encima el que lo criticaba era un fanático. Claro, lógico, no nos saquen de nuestra cómoda quintita, hasta acá llegué yo, “sé de música” y a mí nadie me viene a decir qué escuchar.

Esta defensa viene al caso porque si sos fan de Sonic Youth y no te gusta rastrear de dónde viene todo el asunto te estás perdiendo una parte. Los tipos han escuchado todo, han tenido acceso a todo y encima… vienen y te la cuentan!  Aparentemente en las giras, los muchachos tenían por costumbre ir a saquear disquerías de usados en cuanto pueblucho aterrizacen, en busca de tesoros ocultos y, así como se deben haber llevado varios chascos, también deben haber encontrado cosas invaluables. Gran parte del atractivo de Sonic Youth, es el impresionante licuado de influencias. Y que no son las mismas de siempre. No es Beatles + Ramones o soul con un toque de Blondie. No, acá te tiran un cúmulo de referencias tanto musicales, como líricas y gráficas que es impresionante. Es The Fall, Kerouac, el kraut-rock, el hardcore, Warhol, Marilyn Monroe, Neil Young, Borroughs y la lista podría seguir por siempre. Si esas influencias las podés detectar la cosa se vuelve adictiva.

Ya entrado el siglo veintiuno, en un mundo en donde todo está al alcance (al menos en teoría) es difícil entender la importancia de Sonic Youth, pero a mediados de los ochenta o a principios de la década siguiente que es cuando salió Goo, eran muy oportunos, indispensables. No sólo por la música, era la actitud, la ropa, las fotos, la chica linda con el bajo (Kim Gordon; un modelo imitado hasta el cansancio) los videos, los shows en vivo y hasta las entrevistas que daban. El set completo, digamos.

Y Goo también es importante porque coincidió con la época en que la cultura mainstream empezó a fagocitar finalmente al punk, a tamizarlo y a regurgitarlo en lo que se llamaría “alternativo”, un término que hoy en día no significa ni define nada, pero que en esa época eras o no eras. Sin término medio. A pesar de que los entendidos dirán siempre que Sonic Youth hizo concesiones para formar parte de esa nueva ola gigante, una escucha atenta a Goo demuestra lo contrario. Goo tiene sus estribillos, tienen sus partes fácilmente recordables pero tiene unas tormentas eléctricas no aptas para cardíacos. Algo que sí es cierto es que con este disco dieron un paso más hacia la masividad, un poco gracias a estar en el momento justo y en el lugar adecuado, esa es otra discusión que hoy no nos atañe.

Hasta el final mantuvieron un nivel de decencia envidiable. Todos los integrantes han tenido proyectos paralelos interesantes y los discos de la última etapa siguen dando que hablar a muchos. Nada mal para una banda con más de treinta años de carrera.








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