Ian Gomm - Summer Holiday

“He estado sin rumbo en un mar de corazones rotos” dice en “Hold On”, lo más parecido a un hit que tuvo y uno de los temas emblema de Summer Holiday, el primer disco como solista de Ian Gomm, ex-guitarrista rítmico de los míticos pub rockers ingleses Brinsley Schwarz. La cosa viene envuelta en saxos y atmósfera general de cachondeo. Igual suena creíble, con la voz -y la interpretación- pasa lo mismo; nada nuevo bajo el sol pero te gana por convicción, por oficio.

Hablando de Brinsley Schwarz, en donde militaba junto al gran Nick Lowe, “Hooked On Love” había sido grabado por la banda, terminó saliendo en la compilación de rarezas Please Don’t Ever Change. Las dos versiones no tienen gran diferencia entre sí, pero la canción es buena, hizo bien en darle otra chance. “Sad Affair”, el segundo tema, sería algo así como un reggae con una pizca de new wave, sí, los siempre odiosos géneros, vienen bien para este tipo de cosas. “Black and White” es fiesta, así de simple, música para animar fiestas, si lo ponés y la gente no sale a bailar es porque no es la gente adecuada, ya podés ir buscando excusas para abandonar el recinto. ¿Cuántas veces escuchamos esto? Miles. Elvis Costello, The Motors, Ian Dury... new wave inglesa cien por ciento, con todo lo bueno y lo malo -¿malo?- que eso implica, sigue funcionando, perfectamente.

Un hallazgo es la versión de “Come On” de Chuck Berry, recordado sobre todo por haber sido el primer single de los Rolling Stones. En la versión de Gomm la cosa cambia radicalmente; lenta, espesa, también con una cosa de reggae-blanco extraña, el clima es otro, pasa de ser un festejo adolescente a una invitación a pelear en un callejón sórdido. Después del ya mencionado “Hold On” viene “Airplane”, otro de los temazos de Summer Holiday, acá la mano viene por los Beatles, con el sonido aggiornado por supuesto, ideal para el baile con un poquito de pogo, propuesto por colados con alfileres de gancho. Hablando de los pibes de Liverpool, acá hay otra excelente versión de “You Can’t Do That” y pulgares para arriba definitivos. Por un lado por la elección de canción (un relativo “tapado” de A Hard Day's Night) y por otro por las decisiones que se tomaron para encararla, muy distinta, irreconocible, se convierte casi en un tema propio.

Cuando el disco sale reeditado por el mítico Stiff Records, un año más tarde, se le cambia el nombre y la tapa, así que podés encontrarlo como Gomm With the Wind, por unos cuantos pesitos menos y la lista de temas casi idéntica. Y si te quedaste con ganas de bailar poné “Dirty Lies”, que aparece en las dos versiones.

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Kevin Ayers - Yes, We Have No Mañanas

Hace poco salió una preciosa cajita de cuatro CD's, Songs for Insane Times, compilando la era de oro de Kevin Ayers, incluyendo material desde Joy of a Toy, su primer disco solista después de su paso por los fundamentales Soft Machine, hasta That's What You Get, Babe del '80. No alcanzó. No fue suficiente para despertar el revival, para situarlo en el lugar que merece. El tema es… ¿Qué lugar merece? ¡Ni él lo sabe! Y seguro que tampoco le interesa. Inclasificable, eterno holgazán, borrachín, lector voraz, divertido, irónico, retorcido… Como siempre; nada mejor que escuchar los discos para entenderlo.

Kevin Ayers hacía escapadas frecuentes a Mallorca, en las islas Baleares, por eso el bronceado de la foto de tapa y el título de este disco; Yes, We Have No Mañanas. La palabra “mañanas” para hacer referencia a otra palabra que Ayers usaba mucho para describir algo así como “delirios” o “extravagancias”: bananas. Recordar el disco Bananamour en donde las frutas amarillas aparecían hasta en la portada. Este es el disco en que regresa al sello Harvest, después de un breve flirteo con Island, en donde intentaron venderlo como una especie de astro glam, algo que no cerraba por ningún lado. ¡En esas condiciones hizo el espectacular Confessions of Dr. Dream and Other Stories!

Tal era su desencanto con la industria discográfica en este período que si hay una temática que predomina en …Mañanas es precisamente esa. En "Star", al principio, ya lo deja bien claro: “Si querés ser una estrella empezá a brillar, brillá de una vez”. El solo de guitarra de su fiel ladero Ollie Halsall también es digno de mención. También hay palos repartidos para los buitres en "Mr. Cool" y en "Ballad of Mr. Snake" y de manera no tan explícita en "The Owl". Es importante remarcar que, quienes esperen bizarreadas sonoras como "Song from the Bottom of a Well" de Whatevershebringswesing o cualquiera de las suites sinfónicas de Shooting at the Moon, no se van a encontrar con lo mismo. Esta vez el tono elegido es un rock suave, muy personal, divertido y hasta jocoso, tocado con muchísima onda y personalidad, no es el mismo Ayers de "The Lady Rachel", para bien y para mal. Pero por supuesto que hay lugar para la experimentación y la locura, incluso en temas en apariencia convencionales como "Love's Gonna Turn You Around", hay arreglos geniales, de esos que son su marca registrada. Escuchen sino "Help Me", en donde Ayers deja claro que fue uno de los pocos de su generación que no miró con desdén el punk y la new wave que ya pisaban fuerte para este entonces. Sobre todo con discos como Rainbow Takeaway o Diamond Jack and the Queen of Pain. “¿Quieren un tema new wave? Ok, tengo este”. Incluso a media máquina le sobra para demostrar su talento. "Ballad of Mr. Snake" directamente empieza con un claro bostezo. ¿Aburrido? De ninguna manera, pero muy irónico, eso seguro. Siempre desafiante, el último tema es la joya del disco; "Blue" es una de esas composiciones que ya para esta época no hacía Bowie, con una producción a todo trapo (a cargo de Halsall y el mismo Ayers) y un verdadero caleidoscopio de ideas musicales. Tema portador de un magnífico solo de guitarra, por cierto.

Despues de …Mañanas siguió, casi en seguida, Rainbow Takeaway, pero Ayers, cada vez más frustrado con el panorama musical, se fue desvaneciendo en un mundo que ya no tenía lugar para tipos como él, sacando discos a medio terminar cada dos, tres y hasta cuatro años. En los noventa, con todo lo que fue el movimiento neo-piscodélico, muchos lo nombraban en entrevistas y decidió volver al ruedo con el excelente The Unfairground. El círculo se cierra otra vez.








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Lady June – Lady June's Linguistic Leprosy
Kevin Ayers – The Unfairground

5 Canciones 5: Tomorrow, Stiff Little Fingers, Robyn Hitchcock, the Auteurs y El Violinista del Amor

The Only One
Stiff Little Fingers

En el tercer LP de estudio de la banda irlandesa, liderada por el "garganta con arena" Jake Burns, aparece este reggae. Fusionado con punk, obviamente. A ellos eso les salió bien siempre (recuerden el tremendo cover de Marley en el primer disco). Viendo que a tantos grupos les sale tan mal esa fusión hoy en día un poco gastada, nunca viene mal volver a las fuentes para recordar de dónde viene la cosa.

Aparece originalmente en: Go for It (1981)

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Don't Trust the Stars
The Auteurs

A los Auteurs y a su líder (Luke Haines) los comparan con los Smiths, Bowie y los Kinks pero... ¡nada que ver! Si esas son sus influencias sí que sabe utilizarlas, porque esta es una música con personalidad propia. Si, está bien, es rock de guitarras de los noventa pero... ¿A qué se parece? Sólo a The Auteurs y eso ya es muy meritorio. Esta es una joya del debut de estudio, de New Wave. Gran disco. Gran tema.

Aparece originalmente en: New Wave (1993)

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The Yip Song
Robyn Hitchcock & the Egyptians

¿Que hacés si tu viejo se está por morir de cáncer? Si sos Robyn Hitchcock hacés una canción frenéticamente tonta y pegadiza con una letra a medio camino entre protesta surrealista y trabalenguas para chicos. Hasta se da el gusto de formular opiniones a favor de la eutanasia (de manera oblicua, claro). "Este tipo se fue, se fue y yo me puse triste" en medio de un ritmo desenfrenado y coros beatle. Genialidad en su estado más puro.

Aparece originalmente en: Respect (1993)

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Jugando a adorar
El Violinista del Amor & Los Pibes Que Miraban

Esta es la música actual que aporta, que vale la pena. Son esos grupos que tienen tantas influencias que hasta resulta difícil detectarlas. De esa inmensa mezcla sale siempre algo nuevo, que puede no ser revolucionario, pero que suma. Y mucho. Esto es Johnny Cash, con Scott Walker, con tango y los Balcanes. De repente frena y aparece el horizonte agreste del desierto, de la llanura. Con armónica y banjo lo imaginamos en seguida a Clint Eastwood con el habano ladeado y mirando a lo lejos.

Aparece originalmente en: Saltando de alegría (2011)

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Revolution
Tomorrow

Se ve que en una época se creía fervientemente que por tomarte unos ácidos ibamos a ser todos libres y los gobiernos autoritarios dejarían de existir. ¿Quien puede culparlos? En el único LP de Tomorrow aparece esta joya con todas las características de cierta psicodelia británica. Efectos de estudio, mucha producción, instrumentos de color raros y un Steve Howe pre-Yes muy joven, dando las primeras muestras de talento. Hay cambios de ritmo frenéticos y secciones notablemente diferentes. Temazo. 

Aparece originalmente en: Tomorrow (1968)

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Blondie - Plastic Letters

No me digan que nunca se preguntaron qué hubiera pasado si los Beatles hubieran tenido la facha de los Canned Heat o los Pretty Things. ¿Y si Nirvana hubiera estado compuesto por los Screaming Trees en vez de el rubiecito que todos conocemos? ¿Qué pasaba si los Pistols hubieran sido gorditos y pelados? Ser fotogénico ayuda. Mucho. ¿Qué pasaba si la semi-diosa Debbie Harry hubiese sido retacona y no hubiese sabido posar tan bien como lo hacía para las fotos de prensa? Chris Stein, su pareja en la época de oro de Blondie, debe haber sido el tipo más envidiado sobre la faz del planeta tierra, durante por lo menos cinco años. Preguntas sin respuesta. Sobre todo teniendo en cuenta que los que tenemos entre veinticinco y cuarenta solo la conocimos por fotos cuando era hermosa y vimos los estragos del paso del tiempo. Además los discos de Blondie son muy buenos. Sobre todos los cuatro -e indispensables- primeros LP. Blondie, el más punkie, Plastic Letters, Parallel Lines, el disco consagratorio y la síntesis más acabada (ideal para explicarle a un extraterrestre qué es la new wave) y el magnífico Eat to the Beat, el que cierra esa seguidilla de pop pefecto, redondo.

Y entonces… ¿Qué era la new wave? Blondie. Punto. Está bien; un poco más de datos. Ni más ni menos que el punk, con sus mismas infuencias, amateurismo y deseos parricidas, sólo que un poco mejor vendido, “empaquetado” para ser pasado por las radios, con una capa de maquillaje (léase teclados) extra como para sepultar esas guitarras llenas de espinas y no espantar a los DJ’s enfermos de viejazo. También es pop. Pop bien entendido. En una línea directa que desciende de los Beatles, los Beach Boys, los grupos de chicas de Spector y los Bay City Rollers. No es lo que hoy en día se conoce con esa palabra, quizás la más maltratada y bastardeada de las etiquetas. Lo que hoy se conoce -erróneamente- como pop es la música más aberrante que jamás existió. Y no vale la pena dar nombres porque todos sabemos de qué estamos hablando.

Como para dar una idea ampliada de esto que decimos, Plastic Letters se vendió primero en Inglaterra (a Blondie le costó ser profeta en su tierra) a caballo del simple de una versión de un viejo tema doo wop de los sesenta, de “Denis” de Randy & the Rainbows, un ejemplo perfecto de cómo hacer una versión con todas las letras. Si no la conocen no tienen más que buscarla en el milagroso YouTube. Sí, es lo mismo que hacían los Ramones con los temas de 1910 Fruitgum Company o lo que hizo Joan Jett con esa canción de Tommy James. Desprejuicio y desparpajo. Precisamente lo que hacía falta en ese momento y una lección que nos sirvió para toda la vida; una gran canción puede estar en cualquier lado.

De manera un tanto injusta, Plastic Letters quedó relegado a la hora de las encuestas, comparado con el primero o con Parallel Lines pero es tan o más indispensable que cualquiera de esos dos discos y es un engranaje fundamental para entender una época, un sonido y una banda que, en su breve apogeo, era indestructible.




 

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The Go-Go's - Beauty and the Beat
Fastball - All the Pain Money Can Buy
The Donnas - Get Skintight

The Velvet Underground - Loaded

Hace unos cuantos años Velvet Underground era una banda de culto. Hoy, con todo el asunto de Internet y el avance de las comunicaciones, cualquiera con un poquito apenas de onda sabe más o menos quienes son. Muchos pueden identificar la tapa del disco de la banana, saben que la hizo Warhol y unos cuantos hasta lo han escuchado de principio a fin. ¿Y el resto de los discos? Bien, gracias.

También es culpa del desoncertante eclecticismo de la banda, después de ese primer trabajo con Nico, arty, sádico, controvertido e indiscutible viene White Light/White Heat que es un disco difícil, sucio, lleno de distorsión. Casi en seguida sigue el tercero, The Velvet Underground, que marca otro golpe de timón; esta vez son cancioncillas muy simples, despojadas, casi de fogón podría decirse. Después se van del sello Verve y pasan a Atlantic y ahí es cuando había que pegarla, cuando había que “pasar las grandes ligas”.

Ahora estaba Doug Yule, el gran borrado de la historia del grupo, reemplazando a John Cale, que para Loaded era un miembro importante, hasta hace la voz líder en cuatro de las canciones. Es bueno recordar que, antes de Velvet Underground, Lou Reed había trabajado como compositor de canciones por encargo en Brill Building, de manera que ya sabía varios trucos y diseñó Loaded como un disco en donde todos los temas podían ser hits potenciales, usando los estilos que podían llegar a ser comerciales.

Y sí, Loaded está repleto de hits, empieza con "Who Loves the Sun" que bien podría haber sido de los Hollies o cualquiera de los grupos de la costa oeste de los Estados Unidos. En seguida vienen dos de las canciones más memorables del inmenso catálogo de Lou Reed, nada menos que "Sweet Jane" y "Rock & Roll", dos temas enormes. ¿Qué se puede aportar a todo lo que ya se ha dicho sobre estas dos joyas? No mucho. Uno de los “tapados” de Loaded es "New Age", una de esas grandes canciones que tiene todo lo que hay que tener. A pedido del presidente de Atlantic, Ahmet Ertegun, Reed “levantó la pata del acelerador” en lo que a contenido lírico se refiere y le cambió la letra a último momento; primero trataba sobre una puta caída en desgracia y terminó siendo la historia de una aspirante a estrella de Hollywood. La voz corre por cuenta de Doug Yule y acá se luce. "Lonesome Cowboy Bill" es un rock and roll para agarrar la ruta al mejor estilo Creedence y en "Head Held High" Lou Reed se deja las amígdalas a puro corazón. Para el final, a modo de broche de oro, otra obra maestra: "Oh! Sweet Nothing". Es uno de esos mantras repetitivos como "Sympathy for the Devil" o el mismo "Like a Rolling Stone" con sus momentos de reposo y sus climas de intensidad.

Casi no hace falta recordar que Loaded fracasó estrepitosamente y nunca fue el gran vendedor que pretendió ser. Lou Reed abandonó la banda sobre el final de las grabaciones para dedicarse a su carrera solista (que tardó bastante en despegar) y la banda quedó en manos del manager Steve Sesnick y Doug Yule. Tuvieron la osadía de grabar un disco que solo sirvió para darle el nombre al grupo new wave Squeeze (¡Con Ian Paice de Deep Purple en la batería!). Uno de los tantos continuadores de todo lo que empezó Velvet Underground.








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The Velvet Underground - 1969: Velvet Underground Live, Vol. 1
Lou Reed - Street Hassle
The Strokes - Is This It

5 Canciones 5: The Ritchie Family, Alessi, Squeeze, Margie Joseph y Ashford & Simpson

Where Are the Men
The Ritchie Family

La tapa no podría ser más gay. La foto es casi un lugar común. El contenido es música disco de altísima factura. Como esto estaba de moda, como suele suceder, había mucha plata puesta en estas grabaciones. El sonido es impresionante. El lado B tiene un medley de tres temas que son un ejemplo claro de que no toda esta música era descartable. Una línea de bajo demoledora, fuerte, presente, irresistible. Qué bueno poner cuatro adjetivos uno atrás del otro y que nadie te rompa las pelotas.

Aparece originalmente en: Bad Reputation (1979)

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Gimme Some Lovin'
Alessi

Hace poco ví un video en YouTube en donde alguien se tomaba la molestia de diseccionar este disco. Yo lo tenía hace rato y nunca le había dado mucha pelota. Lo volví a escuchar. Está bien, no es para alquilar balcones, pero tiene lo suyo. Cover de The Spencer Davis Group, la banda en la que Steve Winwood hizo sus primeros pasos, tema omnipresente en cualquier compilado de música de los sesenta. Buena versión, llevada al palo de esta gente, algo que podría definirse como rock blando de la segunda mitad de los setenta. Ahora le dicen yacht rock, o algo así.

Aparece originalmente en: Words and Music (1979)

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In Quintessence
Squeeze

Banda difícil de encasillar, eran una especie de Beatles de la new wave, tenían mucho talento. De acá salieron Glenn Tilbrook, Paul Carrack, Chris Difford y Jools Holland. Este último famoso por su programa musical, para la época de East Side Story ya no estaba en Squeeze. Pop perfecto sería, unos XTC con menos pretensiones. El solo de guitarra está buenísimo, corto, conciso, como debe ser.

Aparece originalmente en: East Side Story (1981)

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Takin' All the Love I Can
Margie Joseph

La etiqueta con el logo del rayito (Volt) no miente. Subsidiaria del mítico Stax, tuvieron cinco o seis años en que todo lo que sacaban era de bueno para arriba. Y este discazo no es la excepción, continuación natural de un debut impecable como fué Margie Joseph Makes a New Impression... del mismo año!!! Esta gente no perdía el tiempo cuando veían que había talento. Arreglos de cuerda, producción sin escatimar nada y una cantante a la altura de Aretha, Etta James, quien se te ocurra.

Aparece originalmente en: Phase II (1971)

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Don't Cost You Nothing
Ashford & Simpson

¡Uf! Esos graves te pegan en las tripas. Qué impresionante instrumento. Cuando está bien tocado es una cosa de locos. Acá arranca el bajo solo así que te captura de entrada. A esto se le puede llamar groove, se ha imitado hasta el hartazgo y todavía hoy se sigue haciendo. A me por lo menos me pasa que, cuando escucho algo actual que viene por este lado, lo único que me provoca es ganas de ir a buscar estos discos, Curtis Mayfield, Marvin Gaye... the real thing, digamos.

Aparece originalmente en: Send It (1977)

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Virus - Agujero interior

Formados en La Plata, a fines de los setenta, en los últimos estertores de la dictadura más cruel de la historia argentina. En vez de cargar las tintas y seguir machacando con consignas panfletarias, en un clima político completamente enrarecido, Virus proponía precisamente lo contrario. Diversión, desparpajo, liberación del cuerpo y la mente. Los eternos talibanes reaccionaron con furia. Es entendible; en un país anclado en el tiempo, una banda como Virus era como un plato volador aterrizando en un jardín de infantes. Completamente a tono con lo que pasaba en el resto del mundo (en una época en que no era tan fácil “estar al día”), la banda liderada por el gran Federico Moura -un frontman único, desbordante de personalidad y carisma- tenía convicciones demasiado firmes como para dejarse vencer. ¡Ah! Y canciones, muchas, el argumento irrevocable por excelencia.

Para el momento de Agujero interior ya eran mucho más aceptados que en los comienzos y gozaban de cierto éxito a nivel popularidad, ventas y críticas. Optaron por la dupla Danny / Michel Peyronel (sí, el de Riff) para la producción y se nota un viraje importante a nivel sonoro, más crudo y a la vez compacto. Con "En mi garage", el tema que abre el disco, está todo claro; guitarras fuertes, ritmo acelerado y un teclado bien al frente, que no estaría fuera de lugar en cualquier trabajo de Devo o los Talking Heads de la misma época. "El probador" es un fiel reflejo de aquellos años; desenfreno sexual, negación de cualquier tipo de compromiso, una mujer tomando decisiones, un hombre en una situación pasiva y en un lugar semi-público. En una sociedad acartonada… iba a levantar polvo. ¿La música? New Wave bien entendida y asimilada, al nivel de cualquiera de los hits de The Cars. El manifiesto del disco es el tema que dá título, “Hay que salir del agujero interior, largar la piña en otra dirección, poner el cuerpo y el bocho en acción” es sintético, poderoso e irónico al máximo. "¿Qué hago en Manila?" es una de esas baladas que tan bien le salían a Federico, a medio camino entre el Brian Ferry de Avalon y el Bowie de "China Girl".
Como en toda banda grande, las perlas, las gemas ocultas, son esas canciones que no pasaban en las radios, no tenían videos ni formaban parte del repertorio habitual. Ahí aparece entonces "Buenos Aires smog" con su ritmo frenético y sus dentelladas guitarreras bien filosas. Es en un retrato de alienación urbana conciso y bien definido: “A vivir todo ya como me gusta. A vivir todo ya nada me asusta” propone como salida al tedio, al sofocón de la ciudad. Otro de esos hits-que-nunca-fueron es "Los sueños de Drácula", describe una pesadilla de esas que son muy vívidas, en donde uno se ve rodeado, perdido y asfixiado. Nuestro héroe encuentra la salida, se da cuenta de que son “sus miedos y no los de afuera” los que lo tienen a mal traer. La música es perfecta, cambiando a medida que la historia se desarrolla y, por si fuera poco, tiene un solo de guitarra melódico, pensado, de esos que se pueden cantar.

Agujero interior fue otro paso hacia la masividad que la banda tanto quería, vendrían los teclados “modernos” de Relax y las infaltables peleas y cambios de integrantes, pero en el año '83, nadie sonaba con la fuerza, convicción y espontaneidad de Virus, la banda de los hermanos Moura.






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Virus - Recrudece
Soda Stereo - Nada personal
Devo - New Traditionalists

5 Canciones 5: Thin Lizzy, Neil Finn, Embrace, Poco y Warhorse

No One Told Him
Thin Lizzy

Phil Lynott era una esponja, absorbía de todos lados, tomaba un poco de acá y de allá pero siempre lo hacía a su manera, con su estilo, con su personalidad avasallante. Este es un tema medio new wave de la última etapa de los colosos Thin Lizzy, héroes absolutos del hard rock de los setenta. De toda esa camada de bandas, de ese género, es la banda que mejor resistió el paso del tiempo. En gran parte gracias al enorme carisma de su líder y canciones de acero inoxidable, como esta. 

Aparece originalmente en: Renegade (1981)

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Addicted
Neil Finn

El retrato en primera persona del tipo que depende de una sustancia que hace el ex-Crowded House en su primer disco como solista es estremecedor. Conmovedor. "Fui adicto a la droga pero ahora sé que tuve demasiado". Como suele suceder no es tanto lo que dice sino cómo lo dice, dentro de una canción hermosa, triste, con una composición admirable. Una alianza extraordinaria entre letra y música. Como sólo un gran compositor de canciones podría hacer. Atención con la idea que mete en la coda. Belleza pura.

Aparece originalmente en: Try Whistling This (1998)

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Spell It Out
Embrace

Cuando salió Out of Nothing, el disco que contiene este temazo, hacía tres años que no sacaban música nueva. Éxito inmediato; doble platino, medio millón de copias vendidas, puesto número uno... una pegada absoluta. Lo defendían con música. Gente emotiva, siempre con el corazón en la mano, con cierta grandilocuencia y megalomanía al estilo de U2 pero manejado de manera más... convincente. El tema tiene fuerza, melodía, está bien cantado. Uno de esos extraños casos en que calidad y popularidad van de la mano.

Aparece originalmente en: Out of Nothing (2004)

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Railroad Days
Poco

¡Qué banda completa Buffalo Springfield! No podían durar nunca con semejante talento, repartido entre sus integrantes. Richie Furay quizás sea el miembro menos conocido de la banda californiana. Armó Poco y en su momento les fue muy bien, duraron mucho e hicieron un montón de discos. "Railroad Days" es un rockazo hermoso, con unas guitarras que saltan para todos lados, la banda brilla acá. Temazo del tercer LP de estudio, de la pluma del pibe nuevo, Paul Cotton, quien entró en reemplazo de Jim Messina.

Aparece originalmente en: From the Inside (1971)

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Solitude
Warhorse

Uno de esos temas en que pasa de todo. Largo, épico, con sus secciones bien pensadas, magistralmente armado. Empieza con una acústica, un piano y unos coros celestiales. Entra el solo de guitarra, corto y efectivo, antes de la voz, la batería recién a los dos minutos. Esto va creciendo y se va desarrollando, hasta que la tensión se vuelve insoportable. Banda también de la famila Deep Purple, formados por Nick Simper después de su expulsión, justo antes de que cambiara todo, con In Rock.

Aparece originalmente en: Warhorse (1970)

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5 Canciones 5: Joe Gibbs, Macca, Gábor Szabó, Heartless Bastards y Lisa Germano

Peeping Tom
Joe Gibbs & the Professionals

En el período que comprende la última década de los sesenta hasta principios de los ochenta se hizo música en cantidades industriales en Jamaica. Hasta cuesta creer el nivel de calidad alcanzado en relación a las condiciones en que se hacían los discos. Al parecer Joe Gibbs, otro de los grandes productores de la isla, se llevó el crédito por estos cuatro primeros volúmenes de dub, pero los músicos eran los miembros de Soul Syndicate y de We the People. Un dato al pedo para el olvido.

Aparece originalmente en: African Dub Chapter Two (1977)

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Spin It On
Wings

¿Dónde estaba Macca a fines de los setenta en medio del estallido del punk, la new wave y el guillotinamiento masivo de "dinosaurios"? Medio perdido al parecer, como la mayoría de sus compañeros de generación, Back to the Egg es un disco que no sabe muy bien a qué apuntar pero, como cualquiera de Paul McCartney, por más malo que sea, tiene al menos tres o cuatro temazos. Acá rockea con un desenfreno envidiable, totalmente al día con sus tiempos.

Aparece originalmente en: Back to the Egg (1979)

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Some Velvet Morning
Gábor Szabó

El guitarrista húngaro fué uno de los primeros en ponerse al día con respecto a lo que pasaba al otro lado de la ex "Cortina de Hierro", fusionando jazz, pop y música gitana. En Bacchanal, de fines de los sesenta, mezcla a Donovan (gran versión de "Three King Fishers" de Mellow Yellow) con temas propios y Bacharach / David (el inmortal "The Look of Love"). Por supuesto que íbamos a elegir su versión del más grande, del maestro, el magnánimo Barton Lee Hazlewood.

Aparece originalmente en: Bacchanal (1968)

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The Arrow Killed the Beast
Heartless Bastards

Oriundos de Hartford, Cincinnati, los Heartless Bastards tienen cinco discos de estudio al día de la fecha. Podríamos haber elegido cualquiera de las canciones de Arrow, el cuarto LP, excelente por donde se lo mire -y oiga, sobre todo-. En esta joya aflojan la velocidad, se ponen sórdidos, densos y le guiñan un ojo a Ennio Morricone. La cantante podría ser una de las grandes divas de soul de los setenta, sin problemas.

Aparece originalmente en: Arrow (2012)

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Everyone's Victim
Lisa Germano

Lisa Germano toca diez mil instrumentos, ha participado en sesiones con Iggy, Bowie, U2, Simple Minds. (y la lista podría seguir un largo rato) y compone sus propias canciones. Canciones con una identidad fuertísima, con muchísima onda y unas letras que te dejan con la boca abierta. Este es sin dudas uno de los grandes temas de Happiness, su segundo álbum de estudio.

Aparece originalmente en: Happiness (1993)

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5 Canciones 5: Ryan Adams, Atahualpa Yupanqui, BoDeans, Bee Gees y XTC

The Sadness
Ryan Adams

Y ahora algo diferente... Hablando en serio: ¿Qué es esto? ¿Una canción de plaza de toros? Una españolada, seguro. Me hace acordar a ciertos temas que intentaban algo parecido en los White Stripes, sin terminar de cerrar del todo. Acá es otro asunto. Ryan Adams es el niño de oro que hace todo bien, ese compañero que todos tuvimos y que se hacía odiar. Tema distinto, no se parece a nada y sin embargo acá hay oficio, mucha cancha. El estribillo es pop perfecto, después de que dice eso de que "la tristeza es mía", en caso de que hiciera falta aclararlo.

Aparece originalmente en: 29 (2005)

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Canto del peón envejecido
Atahualpa Yupanqui

En uno de sus últimos discos de estudio, Don Ata se veía venir a la parca por lo visto -y oído- en esta balada desoladora. ¿Será que en realidad uno siempre escribe sobre sí mismo? En menor o mayor medida parece que es así. Hermosa introducción de guitarra, vale decirlo, motivo que vuelve a escucharse entre las estrofas. "Voy yendo y tal vez pensando". Tenía una forma muy particular de filosofar sobre cuestiones trascendentales con una sencillez asombrosa. Este es un ejemplo.

Aparece originalmente en: La Pampa de antes (1984)

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Hey Pretty Girl
BoDeans

The Replacements. O un tema de Westerberg solista. Lo primero que viene a la mente ante este temazo del sexto disco de estudio de los BoDeans. Una de las millones de bandas en hacer un estilo similar a este, que vendría a ser lo que algunos llaman rock de raíces. Canciones. Ellos tenían algo que los hacía sobresalir del promedio. Buenos temas, nobleza, huevos. A veces no hace falta mucho más que eso.

Aparece originalmente en: Blend (1994)

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Every Second, Every Minute
Bee Gees

Para esta época andaban medio perdidos los hermanos. 1970. Año bisagra si los hubo. Había que ir definiendo posturas, situaciones, etc. Ellos se mandaban con un tema que podría haber estado en Revolver, o en cualquiera de los discos de ellos, Idea, Horizontal, alguno de esos. Desfasadísimo. En más de un sentido. Quizás hasta era un tema viejo, guardado. Como nada de eso importa ahora, podemos disfrutarlo como lo que es. Otro gran tema de los Bee Gees.

Aparece originalmente en: 2 Years On (1970)

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Set Myself On Fire
XTC

Primer disco de XTC, banda emblema de la new wave y el pop retorcido. Deciden llamarlo White Music, de manera muy apropiada, por cierto. Siempre tuvieron dos compositores chocándose los cuernos. Andy Partridge era más prolífico y en cierta forma el líder de la banda. Pero Colin Moulding le peleaba el dominio y más de una vez los singles eran de su pluma. Este es un temazo semi-olvidado, muy nervioso, no tiene nada que envidiarle a cualquiera de los primeros Talking Heads.

Aparece originalmente en: White Music (1977)

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5 Canciones 5: Yoko Ono, The Smithereens, Bette Midler, Quilapayún y Otis Redding con Carla Thomas

I Don't Know Why
Yoko Ono

Ruidos de pajaritos es lo primero que se escucha. "La habitación está tan vacía sin vos, mi cuerpo está tan vacío, el mundo está tan vacío sin vos". Este es el primer disco después del asesinato más triste de la historia, en las puertas mismas del hotel Dakota de Nueva York, donde vivían. ¿Todavía hay que defender a Yoko? Sí, lamentablemente sí. Esto es folk inglés diabólico con un buen entendimiento de la new wave... sumado a una personalidad única, claro. "¡Bastardos, odiadores... odienmé!" grita casi al final y es escalofriante.

Aparece originalmente en: Season of the Glass (1981)

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Elaine
The Smithereens

¿Cómo seguir un disco relativamente exitoso como fué Specially for You, primer LP de los Smithereens, del '86? Haciendo un disco más o menos parecido. Eso fue lo que hicieron con Green Thoughts y "Elaine" es uno de los grandes temas olvidados de Pat DiNizio y de la banda de Nueva Jersey. Byrds, The Who, Beatles, pocas bandas han sido tan clásicas como ellos sin dejar de sonar actuales a la vez. Parace fácil pero no lo es.

Aparece originalmente en: Green Thoughts (1988)

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Sold My Soul to Rock 'n' Roll
Bette Midler

Si mirás The Rose es imposible no pensar en Janis Joplin y su historia de éxito comercial y auto-destrucción. Aparece Alan Bates, el gran Harry Dean Stanton y Bette Midler la rompe como protagonista. Este rock sudoroso y rápido bien podría haber estado en Pearl, el último disco de estudio de Janis. Grasiento a más no poder, en el más apto sentido de la palabra, por suerte YouTube se acuerda de todo y podés ver el pedacito de la película en que suena este temazo, con la banda tocando en vivo y todos muy felices.

Aparece originalmente en: The Rose - The Original Soundtrack Recording (1979)

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Canto a la Pampa
Quilapayún

Aparece por primera vez en Por Viet-Nam, que fue el nombre del disco en Chile. Con este título, que es el que tuvo en Argentina, tiene una tapa muy poderosa. Un ejemplo de síntesis absoluta y moderna a la hora de comunicar en el diseño. Una de las bandas más explícitas políticamente de Sudamérica, de la época en que todavía se creía que se podía cambiar el mundo. A menos de un año de la muerte del Che ("pido venganza para el valiente" dice la letra) en Bolivia. La música es folclore andino de alto vuelo, la flauta -¿o sikus?- ya te lo dice todo.

Aparece originalmente en: Por Viet-Nam [Chile] / Canto Rebelde [Argentina] (1968)

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It Takes Two
Otis Redding y Carla Thomas

Sello Stax, año '67, Otis Redding y Carla Thomas en el mismo disco... ¿Qué puede fallar? Nada. Los bronces, el ritmo que invita al movimiento de caderas, culo, mejor dicho. Otis raspa y la Thomas contesta para armonizar en el estribillo en este temazo de Sylvia Moy y W. Stevenson. Si no te alcanza con este también en King & Queen tenés "Tramp", "Knock On Wood" de Eddie Floyd y "Bring It On Home to Me" de Sam Cooke. Por las dudas.

Aparece originalmente en: King & Queen (1967)

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Nick Lowe - Labour of Lust

Frondosa agenda la de este hombre a fines de los setenta. Hacía muy poco que se había separado Brinsley Schwarz, dejando cinco discos de estudio fundacionales. Formó parte de Rockpile que, a pesar de haber dejado un sólo LP (el excelente Seconds of Pleasure) en un momento parecía que se iban a comer el mundo y en seguida se mandó como solista, con Jesus of Cool. En la tapa aparecía él disfrazado de metalero, hippie fumón risueño, pop star tipo Bay City Rollers... un reflejo de lo que ibas a escuchar en los surcos, una rockola humana, parodiando, homenajeando, dándole un lugar importante al humor. Las letras ni hablar, la mayoría son chistecillos ácidos o situaciones descabelladas, como la exageración de la historia en "Marie Provost", una actriz de cine mudo a la que encontraron muerta y mordisqueada por su perrito faldero. "She was a winner who became the doggie's dinner" reza un estribillo beatle ultra melódico, con sus correspondientes arpegios de Rickenbacker de doce cuerdas.

Labour of Lust vendría a ser la continuación de ese debut, de la época en que le decían The Basher, por su costumbre de grabar rápido, sin vueltas ni artificios. Fué ahí cuando lo llamaron para producir el revolucionario debut de The Damned, el primer disco punk en aparecer en las bateas. También hizo lo propio en Be Seeing You de Dr. Feelgood, el primero de Wreckless Eric, Howlin' Wind de Graham Parker, el segundo de Costello y la lista podría extenderse un buen rato. Las ideas de Nick Lowe sobre cómo debía sonar el rock moderno son las que todos conocemos, las que todos asociamos al punk y a la new wave. A pesar de que su nombre raramente es asociado con sus aportes, que fueron decisivos. 

Acá tenés "Cruel to Be Kind", el clásico for the ages de Nick Lowe, "Dose of You" o la versión de "Switchboard Susan", la misma que grabaron los Searchers en su regreso, en esta misma época. No eran pocos los que estaban siguiendo sus pasos. La banda que graba es basicamente Rockpile con algún que otro agregado, Huey Lewis en armónica en "Born Fighter" y Bob Andrews (otro ex-Brinsleys) tocando sinstetizadores en "Endless Grey Ribbon". Este último reemplazado en la edición US por -adivinen- "American Squirm", otro power pop saltarín de esos que parecían brotarle de los poros. 

Dicen que segundas partes nunca fueron buenas, en Labour of Lust tenemos una de esas que son para los porfiados. Una excepción a la regla.





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Chequear también:
Nick Lowe - Bowi [EP]
Ian Gomn - Summer Holiday
Little Village - ídem [1er. LP - 1992]

5 Canciones 5: Peter Case, The High Dials, Fairport Convention, Hi-Fi y Andwella

I Shook His Hand
Peter Case

Tenemos que hacer un disco de rock "de raíces" pero con onda, que no suene a viejazo... llamemos a T-Bone Burnett para que produzca. Esta idea era muy común hace más de treinta años, cuando el líder de los Plimsouls arrancó como solista, y sigue vigente hoy. Aunque en este disco no se nota mucho el sello de autor del productor. No se sabe a quién fué que le dió la mano el protagonista de la historia y quizás sea parte del encanto mismo de la canción. Este es uno de los pocos temas del debut de Peter Case que tiene que ver con su banda anterior.

Aparece originalmente en: Peter Case (1986)

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Our Time Is Coming Soon
The High Dials

Durante la cuarentena más extrema del año pasado, los High Dials se dedicaron a grabar unos covers muy sixtie (con barbijo y todo) en el lugar que tienen para ensayar. Pretty Things, early-Bee Gees y demás maravillas como parte del repertorio. Eso me animó a desempolvar los discos de los canadienses. Nunca suenan retro, a refrito, lo de ellos es una actualización del pop/rock melódico con un toque de Madchester y un talento para la melodía. Muy evidente en este temazo... ¡con cítaras y todo!.

Aparece originalmente en: War of the Wakening Phantoms (2005)

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This Was the Happiest Period
In His Life
Fairport Convention

Acá ya no estaba el gran Richard Thompson en la banda. Este disco cuenta le historia de John "Babbacombe" Lee, un héroe de principios de siglo, famoso por haber sobrevivido a tres intentos de ser ahorcado, por un crimen que -aparentemente- no cometió. El disco original estaba dividido en cinco partes y el título completo de la que elegimos se podría traducir así: "Esta fué la época más feliz de su vida, se había preparado para una carrera hasta que lo atacó una enfermedad, así fue expulsado del nicho de su vida. Sin desearlo se dedicó a oficios menores hasta que volvió a los servicios de Miss Keyes". ¿Cortito y al pié?

Aparece originalmente en: "Babbacombe" Lee (1971)

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Throw a Line
Hi-Fi

Hablando de Fairport Convention... ¿alguien se acuerda de Ian Matthews? Fué parte de la banda/institución inglesa y después formó la Matthews' Southern Comfort, con quienes grabó unos discos de folk muy buenos como Later That Same Year o Second Spring. Cuando estalla la new wave no puede resistirse al cambio, como todos los que estaban todavía atentos, y arma esta banda. Esto es power pop inglés de alta gama.

Aparece originalmente en: Moods for Mallards (1982)

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World's End, pt. II
Andwella

Otra de esas bandas que no sabían bien para dónde ir pero que tenían talento de sobra. Preguntale a los Pink Floyd pre-Dark Side... si te resulta conocido ese "problema". De hecho es la misma banda que había hecho Love & Poetry unos meses atrás con un leve cambio de nombre. Esto es otra historia, tampoco tiene mucho que ver con el disco que lo contiene, una orquestación gigante y muy fina, al servicio de la composición. Elegante, misterioso, melancólico. Un temazo por donde se lo oiga.

Aparece originalmente en: World's End (1970)

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