Lee Hazlewood - Requiem for an Almost Lady

Hubo seis o siete años en que hizo todo bien. Tenía algunos años más que los que estaban dando vuelta de una vez y para siempre la música popular. No muchos, unos diez más que los Beatles por ejemplo, pero en aquellos días de aceleración brusca, era un abismo generacional. Lee Hazlewood, en vez de darle la espalda a las novedades, como suele pasar con tipos "ya establecidos", paró sus antenas, incorporó. Tampoco es que se convirtió en un iconoclasta absoluto, pero para alguien que venía de un nicho medio conservador, lo suyo fué notable, distinto.

"Some Velvet Morning", una de sus canciones más famosas, es country, pero hay una atmósfera de ensueño, una cosa narcótica, embriagadora. ¿Y sus discos como solista? Ahí hacía lo que se le cantaba. Como se ganaba el pan de cada día con Nancy Sinatra y como productor de otros artistas, nadie esperaba mucho de Lee Hazlewood solista, su retribución a la compañía venía de otro lado. Quizás por eso tenía carte blanche en el estudio. No iba a venir un ejecutivo a vetarle un tema o una idea. Love and Other Crimes -uno de sus discazos- tiene a la Wrecking Crew como sesionistas, dando cátedra de cómo tocar (y grabar) en función de la canción.

Requiem for an Almost Lady es otro de esos discos de ruptura, de separación. Un subgénero que empezaba a asomar en la primer mitad de los setenta. Hecho a su manera, como podría esperarse. Toca todos los temas; el dolor, el rencor, tristeza, aceptación, burla. Lee Hazlewood era un maestro en eso de reírse de uno mismo, las introducciones habladas en los temas son geniales acá. "El día que nos conocimos los dioses se dieron vuelta y se rieron bien fuerte" o "En el principio no había nada, pero era divertido mirar la nada crecer".  Requiem… está producido de manera muy sencilla, mayormente acústico, sin batería. De todas maneras hay variedad musical y los arreglos están puestos en el lugar justo. El clavicordio en "Won't You Tell Your Dreams" o esa nota insistente en el cierre del estribillo de “Come On Home to Me”, el tema oscuro y psicodélico del disco, con una letra impresionante en su balance entre sencillez, poesía y elocuencia.

Lee Hazlewood es, como bien dicen varios, un gusto adquirido, podés quedar afuera de sus chistes tontos pensando en qué es lo que encuentra la gente que lo defiende a capa y espada. Pero si ya sos parte de esa gente, no hace falta que te expliquen nada. Y esta es otra de sus obras maestras.






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Lee Hazlewood - These Boots Are Made for Walkin' (The Complete MGM Recordings)

 

Video de la Semana: Alice Cooper - It's Me

Seguimos con Alice. Balada, típica. Esta es de The Last Temptation, del '94.




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5 Canciones 5: Alice Cooper

A Runaway Train

¿Segundas partes nunca fueron buenas? Acá hay otra excepción. No va a estar a la altura del Welcome to My Nightmare original porque eso era inalcanzable. Pero sí que cumple y con un nivel de decencia asombroso para alguien de la edad, carrera y excesos de Mr. Vincent Fournier. Punk rock + rockabilly + rock rutero clásico de los setenta. Clásico en más de un sentido. Nada nuevo bajo el sol. Si estás en ese tipo de búsqueda esto no es para vos. Si querés rock and roll sin vueltas, que no suena a naftalina, dale rosca al volumen. ¡Ojo con los semáforos!

Aparece originalmente en: Welcome 2 My Nightmare (2011)

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House of Fire

Fines de los ochenta. Alice venía de una racha difícil, como mínimo. Constrictor y Raise Your Fist and Yell no fueron de lo más inspirado. Bon Jovi la había recontra pegado con New Jersey y por ese lado vienen los temas de Trash. ¿Sell out? Y... algo de eso hay acá. Pero le sirvió para volver a tomar fuerza, es el disco de recuperación, en cierta forma. El contraste entre estrofas y estribillo acá es clave. "Vamos a construir una casa de fuego, y lo vamos a hacer con nuestro amor". Mejor no traducirlo ¿No?

Aparece originalmente en: Trash (1989)

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Teenage Lament '74

Atento a los créditos... en coros, nada más y nada menos; LaBelle, Liza Minnelli, The Pointer Sisters y Ronnie Spector. ¡Qué plantel! Muscle of Love es el primer disco que podríamos tildar de "cuestionable". Después de una racha impecable. Viene después del exitosísimo Billion Dollar Babies. La intención era hacer un LP de rock básico, cabezota, de vuelta a las raíces. Este es único tema que se acomodó junto a los clásicos, merecidamente. No lo vas a poder olvidar fácil después de dos o tres escuchas.

Aparece originalmente en: Muscle of Love (1973)

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Our Love Will Change the World

Para mí que Alice Cooper haga una versión de Outrageous Cherry es simplemente conmovedor. Uno es un coloso de la industria musical y la banda de Matthew Smith nunca pasó de los bares con cien personas. En el video que anda dando vueltas, Alice da a entender que no conocía a la banda, pero tanto él como Bob Ezrin pararon la oreja al instante al escuchar el tema, mientras buscaban bandas de Detroit. Esto habla de alguien que sabe reconocer la calidad. Y sí, claro... "nuestro amor va a cambiar el mundo". ¿Cuando? No importa.

Aparece originalmente en: Detroit Stories (2021)

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Steal That Car

Hay pocos que vengan desde hace tanto tiempo y conserven el nivel, que saquen discos valiosos, que los podés acomodar junto a los históricos. Y eso que acá hay varios. Killer, Hey Stoopid, Brutal Planet.. tenés para elegir. Esto es rock and roll sin vueltas, rápido, ganchero, palo y a la bolsa. Con un estribillo invencible, eso sí. "Todo el mundo sabe que me voy a robar ese auto, mi reputación lo deja claro. Estuve guardado en el '99 y voy a volver en algún momento". Consecuente con una historia impecable. Gigante. Alice Cooper.

Aparece originalmente en: Dirty Diamonds (2005)

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5 Tapas 5: Daniel Clowes

Con: Bob Moss, compilado grunge (Mudhoney, Codeine, etc.), Big Bob Taylor, compilado hip-hopero y Supersuckers.

John Lennon - Out of the Blue

Hace eso de cambiar de registro y la clava en el ángulo. En las estrofas usa su voz de niño herido, de amante agradecido, cuando dice eso de "de repente viniste y arrasaste con la miseria de la vida", con esos arreglos de piano que son una belleza. De repente -valga la redundancia- aparece el estribillo, en un estallido que para algunos puede sonar a recurso efectista. Ahí echa mano a su tono de working class hero, esa voz nasal tan característica, que lo convierte en uno de los grandes cantantes de la historia de la música grabada.

Otros ejemplos de cuando canta así; "Yer Blues", "Happiness Is a Warm Gun" (otra en que usa varias "máscaras") "Cold Turkey", "Nobody Told Me"... hay varias. La producción está buenísima, no sé quién es, no me tomé la molestia. Phil Spector probablemente, si no es él, es su estilo, más o menos el mismo sonido de Imagine, su segundo LP como solista.

¿Y la letra? Para Yoko, obviamente. Como varios de los temas de Lennon, desde Revolver en adelante. ¿Cómo habrá hecho para gambetear el empalagamiento? ¿Lo evitó en realidad? Yo diría que sí, por poco pero lo logró. Probablemente por esta forma de cantar que tenía, con tanta garra, como si estuviera luchando con sus demonios internos.






Podés escucharla en YouTube.

Encontrala originalmente en:
Raro lo de Lennon solo. Corto, sobre todo, lamentablemente. Fueron diez años de los cuales en cinco no editó música nueva. Después están los discos con Yoko como The Wedding Album o Unfinished Music, no. 2, en donde parecía negar o querer sepultar su ego, su gran virtud. O sea, John Lennon, el gran escritor de canciones pop. ¿Qué hubiese pasado si Chapman no aparecía en la película? La pregunta -inutil- que todo fan se debe haber hecho alguna vez.
Mind Games (1973)

The Band - Music from Big Pink

Disco importantísimo. Este y el segundo, homónimo, conocido por algunos como El Disco Marrón. Una de esas bandas que son más apreciadas por los músicos que por el gran público. Si vos preguntás hoy en día, pocos van a acordarse de ellos, sin embargo fueron responsables de un verdadero movimiento, dieron un puntapié inicial que se sintió y muy fuerte. Cuando el movimiento psicodélico se empezaba a quedar sin nafta, ellos fueron los que dijeron algo del tipo “bueno, volvamos a las raíces, saquemos de ahí lo que se pueda sacar, con la mentalidad y el aprendizaje de la gente de nuestra generación”. George Harrison, Eric Clapton... no fueron pocos los que pararon las antenas y siguieron el camino que trazaron estos tipos.

Venían de hace rato, habían sido la banda de acompañamiento de Ronnie Hawkwins, canadiense al igual que ellos, tenían mucha ruta encima y se conocían mutuamente como músicos, había una especie de telepatía. Ahí fue cuando los llama Bob Dylan para la famosa gira en la que agarra los instrumentos eléctricos y deja de ser un trovador. Un tipo sólo ahí parado, con su guitarra y armónica, su voz rara y sus canciones a prueba de herrumbre. Después se van a Woodstock y graban las Basement Tapes, documento fundamental si los hubo. De esa misma época inmaculada vienen estas canciones y de ahí su título; Music from Big Pink, que era la casa con sótano que habían alquilado para hacer historia. Sin saberlo.

“Tears of Rage”, “This Wheel’s On Fire” y “I Shall Be Released” vienen de ahí. Más tarde vuelven a aparecer en las cintas del sótano, pero la primera vez que estas canciones enormes ven la luz es en el LP debut de The Band. Vaya lujo. En “Tears…” quien comparte créditos de composición con Dylan es el gran Richard Manuel y lo canta como los dioses, con un dolor de alma incomparable. Sobre todo para un tipo de la edad que tenían cuando grabaron, menos de treinta, aproximadamente. “This Wheel…” que es uno de los grandes temas de los sesenta, es compartido (con Bob también) con Rick Danko, el bajista y además excepcional cantante. En The Band casi todos cantaban, es una de las marcas registradas, con personalidades y timbres de voz muy diferentes, cosa que aporta variedad y color en la música. Porque Levon Helm es un caso aparte, único. Baterista por empezar, acá canta a medias con Manuel “To Kingdom Come” y a solas “Chest Fever”. Y por supuesto “The Weight”, un tema que no debería necesitar ningún tipo de presentación, un verdadero himno, con una mezcla increíble de lírica surrealista y música que podría haber sido hecha en cualquier momento de la historia de la humanidad.

Music from Big Pink fue volver a las raíces. De un modo que sólo podría haberse dado después de la revolución ideológica que fueron los años sesenta. Por eso es único e inigualable. Después, casi no hace falta recordarlo, tiene unas canciones que no se pueden creer, que se bancaron indemnes el paso del tiempo. Y está ahí, siempre listo para ser descubierto por las generaciones que vendrán. Para seguir iluminando con su magia.






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The Band - Stage Fright
The Band - Northern Lights - Southern Cross
The Band - The Last Waltz

5 Canciones 5: Yngwie Malmsteen, Sumo, Bob Marley, The New Christs y Sky

Anguish and Fear
Yngwie J. Malmsteen's Rising Force

Ya lo hemos hablado. Esto tiene que ver con ese fenómeno bisagra en la vida, es cuando te das cuenta de que las connotaciones sociales de la música no tienen ningún tipo de importancia. En realidad, vamos a decirlo con todas las letras, nunca a nadie le importó un bledo lo que escuchás. Por ende, tampoco lo que NO escuchás. Metal clásico, de los ochenta, con Jeff Scott Soto en la voz, otro de los hijos de Ronaldo Jaime. De Malmsteen... nada que agregar.

Aparece originalmente en: Marching Out (1985)

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Estallando desde el océano
Sumo

Este es uno de los grandes temas de todos los tiempos, sin importar divisiones, fronteras ni clasificaciones. Perfección. Absoluta. Lo estaba escuchando en YouTube (como si hiciera falta recordarlo) y, al terminar, siguió con algo -supuestamente- relacionado. Sobre todo por época y país, esas boludeces que hace la gente y que las máquinas imitan. Estaba a años luz de distancia. ¿Qué se puede agregar con respecto a este temazo? Al menos lo intenté...

Aparece originalmente en: Llegando los monos (1986)

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Exodus
Bob Marley & the Wailers

Los temas "no alegres" de Marley son sensacionales. Tienen un nivel de misticismo que pocos alcanzan. Si prestás atención y te dejas llevar, esto te lleva a un trance. Alguien podría decir algo del tipo "es precisamente la idea con el reggae" pero no, esto trasciende cualquier frontera. El éxodo, el movimiento de la gente de Jah, todo eso puede pasar a un segundo plano, sin problemas. Sobre todo cuando la banda toca así y la grabación tiene la impresionante calidad de Exodus, otro de los discos enormes de los Wailers.

Aparece originalmente en: Exodus (1977)

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Spit It Out
The New Christs

Spit it out. Dale, decilo, escupilo. Acá ya comprás desde el título mismo. Unos huevos de un tamaño impresionante, conmovedor. En New Christs el hombre al frente es Rob Younger, australiano, ex-cantante de los míticos Radio Birdman. Para ser un tema medio punk rock tiene unas vueltas de tuerca interesantes. El solo de guitarra, sucio y desprolijo, casi de una sola nota, es brillante. Y We Got This!, ya que estamos, es uno de los grandes disco de la "Década Que No Miramos", la que ni siquiera sabemos bien cómo llamar.

Aparece originalmente en: We Got This (2002)

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Take Off and Fly
Sky

En Sky hizo sus primeros pasos Dog Fieger, mucho más conocido como líder y frontman de The Knack. Acá era muy joven. La banda no tenía demasiada personalidad, vale decirlo, se parece a un millar de grupos semejantes, de principios de la década del setenta. Badfinger, la parte medio country de Brinsley Schwarz, algo medio The Band. Si no sos de esos que enloquecen por la originalidad, escuchalos. Hacían las cosas bien.

Aparece originalmente en: Don't Hold Back (1970)

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Video de la Semana: Joey Cape - It Could Be Real

¿Se acuerdan de Lagwagon? Punk californiano de los noventa, basicamente. Joey Cape, el cantante, tiene ya unos cuantos discos como solista. Este tema es de A Good Year to Forget.




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Disco del Mes: Canned Heat & John Lee Hooker - Hooker 'n Heat

Canned Heat & John Lee Hooker
Hooker 'n Heat
1971








Liberty

Cocteau Twins - Victorialand

¿Como le podés “vender” esto a alguien que no los conoce? ¿Con qué tipo de argumentos? Uno podría ser el de la originalidad. Mucha gente valora mucho ese apartado y en ese sentido esto sí que no se parece a nada. A lo mejor hoy en día suena como ciertas bandas o solistas. Pero seguro vinieron después, fueron influenciados directamente por ellos y no al revés. ¿Qué había antes que se parezca a CocteauTwins? ¿De dónde sale esta invención?

Podés arrancar con que la chica que canta suena como un elfo al que le rompieron el corazón, el arco y la flecha o lo que sea. Algo está roto en el alma de Elizabeth Fraser, una de las cantantes con más personalidad de todos los tiempos. Se puede decir que es una suerte de diva de ópera demoníaca, casi nunca se entiende qué es lo que está diciendo. En realidad usa la voz más como un instrumento melódico, como si fueran cuerdas en una orquesta. Por ejemplo en “Throughout the Dark Months of April and May”, en donde hay otra melodía que responde a la principal, a la de la voz líder, es claro que la intención es más musical que una cuestión de dicción o de contar una historia. Es una atmósfera, un clima. Etéreo. Palabra odiosa y usada por todos lados, sin embargo sirve para describir a los Cocteau Twins en particular y al sonido del histórico sello 4AD en general. Ellos representan una estética, una forma de concebir la música, el arte, muy de una época, que vale decir ha sobrevivido muy bien al paso del tiempo y nunca fue del todo fagocitada por el sistema, el status quo (o como prefieras llamarle) como otros géneros o movimientos que fueron revolucionarios inicialmente.

Victorialand es el cuarto disco de estudio, es el que viene después del super clásico Treasure, el que traía “Ivo”, tema por el cual más de uno conoce a los escoceses. Pero atención porque en el medio no se quedaron en el molde. Tenían la costumbre de editar mucho en formato de EP y, entre medio de los dos larga duración, sacaron nada menos que cuatro; Aikea-Guinea, Tiny Dynamine, Echoes In a Shallow Bay y Love's Easy Tears. Hoy en día podés encontrarlos con la más holgazana facilidad en Internet, sin mover un músculo (ni una neurona, claro) pero, si todavía necesitás el objeto, algo tangible, podés ir a parar al compilado Stars and Topsoil: A Collection (1982-1990). Incluye una interesante selección de temas. Tanto de los discos como de los EPs, estos últimos considerados indispensables por los acérrimos y con sus buenas razones.

Victorialand es diferente a Treasure, a Head Over Heels, sin dejar de ser en ningún momento un clásico dentro de la discografía. Hay cierta atmósfera de calma, de reposo. No hay tanta tormenta y opresión. Sí están las marcas registradas, la guitarra de Robin Guthrie, que nunca se sabe bien si es una guitarra en realidad, los colchones de sonido, las nubes de humo y las voces que van y vienen, entran y salen. Si valorás que la música te transporte a otro mundo, esto es para vos. Ahí tenés un buen argumento de venta.







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Cocteau Twins - Garlands
Harold Budd, Elizabeth Fraser, Robin Guthrie & Simon Raymonde - The Moon and the Melodies
Cocteau Twins - Heaven or Las Vegas

5 Canciones 5: Paul Horn, Calamaro, ABBA, Taj Mahal y Anthrax

Tango
Paul Horn

¿Quién no se compró un disco por la tapa? Cuando ví esta portada, la adicción fetichista se activó de manera incontrolable. Encima era caro. Fué bueno saber que el disco valía la pena. Esto es jazz fusión, algo medio parecido a Weather Report, en un intento vano de describir esta música, marciana al máximo. Paul Horn (flautista, saxofonista y compositor) había tocado con Duke Ellington y Nat King Cole, entre otros. Para este LP cuenta con la participación del gran Egberto Gismonti. El tema en cuestión no tiene mucho de tango pero sí de Brasil. Lo que está tocando el baterista es oír para creer.

Aparece originalmente en: Altura do Sol [High Sun] (1976)

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La libertad
Andrés Calamaro

El cantante. No es un dato menor que el disco se llame así. Acá hay versiones, de Atahualpa, Rubén Blades y unos tangos bien a la manera de Calamaro. "Creo que todos buscamos lo mismo, no sabemos bien qué es ni dónde está". Definitivo, elocuente, clarísimo. Los arreglos de la canción son una delicia, ideal para mostrarle a los que lo odian, que son varios y tienen sus motivos. Este temazo (igual que "Estadio Azteca") es un ejemplo claro de que, cuando El Salmón está inspirado, puede llegar muy alto.

Aparece originalmente en: El cantante (2005)

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Mamma Mia
ABBA

Con ABBA me pasa que hay temas que me parecen horribles, espantosos. Siempre con esa cosa pop medio mersa, con esos recursos que son artimañas para hacer que el tema te quede adherido al balero para siempre. Manipulándote. Este bien podría ser uno de esos. Pero no. Para mí esto es power pop, por cómo está grabada la batería, cómo frena el ritmo y vuelve a entrar la banda, con el bajo marcando bien fuerte en las estrofas. Irresistible.

Aparece originalmente en: ABBA (3er. LP / 1975)

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Six Days On the Road
Taj Mahal

Versionado por todo el mundo, desde Johnny Cash a los Flying Burritos, "Six Days On the Road" es el himno camionero por excelencia. El tipo no ve la hora de volver a la casa, tiene algún que otro estimulante en la sangre que hace que sus sentimientos estén a flor de piel. La versión de Taj Mahal te obliga a sacar la cabeza por la ventanilla y gritar aquello de "qué bueno es estar vivo". Rock and roll rutero del mejor, bien chatito, la batería derecha, haciendo arreglos en donde tienen que estar, con una precisión quirúrgica. La canta muy canchero, como "sobrando" el asunto.

Aparece originalmente en: Giant Step / De Ole Folks at Home (1969)

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Fight 'em 'til You Can't
Anthrax

Estos tipos tienen años en la ruta, las hicieron a todas. ¿Qué es lo que pueden hacer como para aportar algo al legado de la banda? Un disco como Worship Music bien podría ser la respuesta. El estribillo es impresionante, medio que se despega de las estrofas, en el mejor sentido posible. Ya el riff principal es ganchero, pegadizo y muy poderoso. Cuando mete ese cambio, te asesina, directamente. De la parte instrumental mejor ni hablemos. Joey Belladonna cantando como nunca, vale decirlo.

Aparece originalmente en: Worship Music (2011)

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Video de la Semana: Kula Shaker - Peter Pan R.I.P.

Corte de difusión de Pilgrim's Progress, cuarto disco de estudio de Kula Shaker. Acá hay un cambio con respecto a lo que venían haciando. Discazo.

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R.E.M. - Automatic for the People

Hoy la escuché en la radio y me acordé. Era una versión, no era la original, la verdad es que no había comparación. Cuando la canta Michael Stipe adquiere una dimensión única, una cosa de "lo sé, yo también estuve ahí, por eso... escuchame, sé de lo que estamos hablando". Es "Everybody Hurts". Una de las baladas más sentidas e importantes de todos los tiempos. Uno incluso se olvida de que está ahí, en el Éter Imperecero Musical, como "Hey Jude", "Crimen" o "All Apologies". Si te agarran en soledad, con la guardia baja, te pueden asestar su mazazo, hacerte sentir su poderío. Lo que podríamos llamar "idea rectora" de la canción, ya de por sí, tenía mucha fuerza. Era hablarle al que está "rengueando", al que no pega una, era recordarle a esa persona que todos hemos pasado por momentos de mierda y no es que alguien se está ensañando especialmente. El resto de la canción, los arreglos, la parte armónica, la letra y demás, debe haber salido solo. Debe haber obedecido a esa decisión inicial tan agraciada, de esas que aparecen con poca frecuencia.

Ni hablar que con el disco la rompieron. Todo lo que venían prometiendo y buscando, se concretó. ¿Merecido? Cien por ciento. Hoy en día esto ya no podría pasar, que una banda se dispare a los niveles estratosféricos a los que llegó R.E.M. es imposible. Ya no existe el aparato publicitario, la compañía que desembolse los billetes y demás cuestiones que no vienen al caso. Y además Automatic for the People (atención con ese título) acompañaba muy bien. Con cada disco avanzaban un casillero; Document un pasito más, Green cada vez más cerca, Out of Time y ya está ahí, a la vuelta de la esquina. Acá también estaba "Man On the Moon", dedicada al cómico Andy Kaufman, un tema que andaba cerca del pico nevado del que ya hablamos. "Nightswimming" (merece una noche silenciosa) y su épica sutil, su atmósfera de reposo y la vez turbulencia. A los tipos les salían todas. Había temas rápidos también, no se puede decir que este es un disco rockero, aunque también te puede hacer bailar. Para eso estaban "The Sidewinder..." o el escurridizo "Ignoreland". Vale recordar que los arreglos de cuerda, las orquestaciones, corrieron por cuenta de John Paul Jones, el calladito, el George de Led Zeppelin. Terminan siendo un aporte considerable al concepto sonoro del disco, unifica las canciones. La vieja y nunca bien ponderada producción, ni más ni menos.

Fué la última vez que una banda que venía peleando desde hacía unos años, vivió un ascenso semejante. Pudo haber pasado algo parecido con Arctic Monkeys, a otro nivel y diferentes variables. Como suele suceder en las leyes de la Física, todo lo que sube, tiene que bajar. Ellos hasta eso hicieron con estilo.






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Chequear también:
R.E.M. - Chronic Town [EP]
R.E.M. - The Best of R.E.M.
R.E.M. - In Time: The Best of R.E.M. 1988-2003

5 Canciones 5: The Sadies, Pink Floyd, W.A.S.P., Robyn Hitchcock y Bryan Ferry

Memphis, Egypt
The Sadies

Los Sadies se dan uno de los grandes gustos. De otra era, como son ellos, de otro planeta, de otra dimensión. El disco doble grabado en vivo. ¿Se lo habrán vendido a alguien? No creo que esa haya sido la intención. Invitan a todo el mundo; a la familia, Neko Case, Jon Spencer y por supuesto al gran Jon Langford. Para hacer un clásico de los Mekons, del disco Rock 'n' Roll. Acá se nota que el público conoce el tema, hay arenga, sangre, sudor, lágrimas y guitarras en volumen once.

Aparece originalmente en: In Concert Volume One (2006)

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Free Four
Pink Floyd

Puede que esta haya sido la última vez que Pink Floyd se permitió hacer un tema medio en joda. ¿Ejemplos anteriores? La era Barrett con sus singles y The Piper at the Gates of Dawn, "Corporal Clegg" de A Saucerful of Secrets, algúna canción de la banda sonora de More y no mucho más. Me encanta eso de "Pero vos sos el ángel de la muerte y yo soy el hijo del que murió". ¿Alguien habrá visto la película para la que se hicieron estos temazos? Después vendría The Dark Side of the Moon y empezarían a llover los billetes. Ya nada iba a ser lo mismo.

Aparece originalmente en: Obscured By Clouds (1972)

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The Real Me
W.A.S.P.

Blackie Lawless y su pandilla. Banda relativamente olvidada, incluso para los más acérrimos headbangers. Si se acuerdan del original, de Quadrophenia, esto les va a sacar una sonrisa. Era uno de los temas en donde The Who realmente "pelaban", en donde mostraban que los tipos tocaban y muy bien. Y esta versión está genial. A grito pelado, le agregan mugre, es respetuosa pero a la vez irreverente. A lo mejor solo le estoy buscando la excusa para levantarle el pulgar, porque el original me vuelve loco.

Aparece originalmente en: single 7'' / también incluído en el LP The Headless Children (1989)

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Tryin' to Get to Heaven Before They Close the Door
Robyn Hitchcock

Que Hitchcock es ultra-mega-archi fan de Dylan es sabido. Hasta llegó a grabar un doble en vivo con el concierto histórico del '66, tema por tema, el en vivo en el Royal Albert Hall en el que le gritan "Judas!". Cuando sale Time Out of Mind los conversos volvieron a arrodillarse ante el maestro. El peso de la evidencia era muy grande, concluyente, definitivo. Bob necesita meterse en cierto personaje para lograr un disco redondo. Le había visto la cara a la parca y era excusa más que suficiente.

Aparece originalmente en: Spooked (2004)

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It's My Party
Bryan Ferry

Creo este es de Brill Building, el edificio en Nueva York de donde salían canciones como chorizos, una verdadera fábrica de música. Este es del primer disco en vivo del capo de Roxy Music. ¿Cómo hacían para administrar los tiempos? Esto sale mientras la otra banda estaba funcionando y a todo vapor. "It's My Party", temazo, "y lloro si se me canta". Ideal para que lo cante un niño. En la voz de Bryan Ferry se convierte en otra cosa, sin dejar de tener esa cosa lúdica.

Aparece originalmente en: These Foolish Things (1973)

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George Harrison - Poor Little Girl

Tiene una cosa medio gruñona que tienen algunos de los grandes temas del "beatle callado". Es una amargura que terminó aislándolo, que hizo que se encierre en su caparazón. La pregunta es... ¿se había quedado sin nada más para decir?

Ya cuando era un pibito -y tocaba con la banda más famosa de todos los tiempos- era adepto a la queja. "Taxman", "Piggies", "Don't Bother Me"...

Los Travelling Wilburys seguramente le aportaron la cuota de aire fresco que necesitaba porque en este tema se escucha un George Harrison que hacía rato que no aparecía. Para mí le cayó primero la melodía, que es extraordinaria, después hizo esa letra medio malhumorada y, en definitiva, típica de su pluma. La parte en que dice eso de "ahí muchísimo amor agitándose dentro mío, tengo que entender qué es lo que hace ahí", es emocionante. Hermoso cambio, justo en el lugar que lo necesita.






Podés escucharla en YouTube.

Encontrala originalmente en:
Este compilado, a priori innecesario, lo gasté hace muchos años. Tiene este tema y creo que algún otro que son difíciles de conseguir de otro modo. La etapa Dark Horse (el sello discográfico que armó George) no incluye temas de sus tres primeros LP de estudio; All Things Must Pass, Living in the Material World y Extra Texture.
Best of Dark Horse 1976–1989 (1989)