5 Canciones 5: Yngwie Malmsteen, Sumo, Bob Marley, The New Christs y Sky

Anguish and Fear
Yngwie J. Malmsteen's Rising Force

Ya lo hemos hablado. Esto tiene que ver con ese fenómeno bisagra en la vida, es cuando te das cuenta de que las connotaciones sociales de la música no tienen ningún tipo de importancia. En realidad, vamos a decirlo con todas las letras, nunca a nadie le importó un bledo lo que escuchás. Por ende, tampoco lo que NO escuchás. Metal clásico, de los ochenta, con Jeff Scott Soto en la voz, otro de los hijos de Ronaldo Jaime. De Malmsteen... nada que agregar.

Aparece originalmente en: Marching Out (1985)

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Estallando desde el océano
Sumo

Este es uno de los grandes temas de todos los tiempos, sin importar divisiones, fronteras ni clasificaciones. Perfección. Absoluta. Lo estaba escuchando en YouTube (como si hiciera falta recordarlo) y, al terminar, siguió con algo -supuestamente- relacionado. Sobre todo por época y país, esas boludeces que hace la gente y que las máquinas imitan. Estaba a años luz de distancia. ¿Qué se puede agregar con respecto a este temazo? Al menos lo intenté...

Aparece originalmente en: Llegando los monos (1986)

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Exodus
Bob Marley & the Wailers

Los temas "no alegres" de Marley son sensacionales. Tienen un nivel de misticismo que pocos alcanzan. Si prestás atención y te dejas llevar, esto te lleva a un trance. Alguien podría decir algo del tipo "es precisamente la idea con el reggae" pero no, esto trasciende cualquier frontera. El éxodo, el movimiento de la gente de Jah, todo eso puede pasar a un segundo plano, sin problemas. Sobre todo cuando la banda toca así y la grabación tiene la impresionante calidad de Exodus, otro de los discos enormes de los Wailers.

Aparece originalmente en: Exodus (1977)

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Spit It Out
The New Christs

Spit it out. Dale, decilo, escupilo. Acá ya comprás desde el título mismo. Unos huevos de un tamaño impresionante, conmovedor. En New Christs el hombre al frente es Rob Younger, australiano, ex-cantante de los míticos Radio Birdman. Para ser un tema medio punk rock tiene unas vueltas de tuerca interesantes. El solo de guitarra, sucio y desprolijo, casi de una sola nota, es brillante. Y We Got This!, ya que estamos, es uno de los grandes disco de la "Década Que No Miramos", la que ni siquiera sabemos bien cómo llamar.

Aparece originalmente en: We Got This (2002)

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Take Off and Fly
Sky

En Sky hizo sus primeros pasos Dog Fieger, mucho más conocido como líder y frontman de The Knack. Acá era muy joven. La banda no tenía demasiada personalidad, vale decirlo, se parece a un millar de grupos semejantes, de principios de la década del setenta. Badfinger, la parte medio country de Brinsley Schwarz, algo medio The Band. Si no sos de esos que enloquecen por la originalidad, escuchalos. Hacían las cosas bien.

Aparece originalmente en: Don't Hold Back (1970)

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Atahualpa Yupanqui - El canto del viento

Algo curioso que pasa en Argentina y no tanto en otros países productores de música. Se suele dar una importancia considerable a lo extra-musical. Cualquier argentino va a saber más o menos quién es el prócer del que se habla. No tantos se habrán detenido a meterse dentro de la obra en cuestión. Ejemplos; Troilo, Pugliese, Falú, Mercedes Sosa o Charly García son famosísimos, todo el mundo puede recordar una entrevista en la tele, alguna nota periodística, un concierto presenciado y hasta citar frases célebres. Habría que ver cuántos pueden nombrar diez temas o tres o cuatro discos. Son artistas con discografías inmensas, carreras de tres o cuatro décadas. Por ende, conocer dicha obra, incluso superficialmente, ya implica algo parecido a un estudio, a una tarea. Y eso a nosotros nunca nos gustó. 

Eso sí, todos los viejos, cuando éramos pibes rockeros -y ortodoxos- nos bajaban el pulgar. Nos forreaban con cosas del tipo "andá vos... escuchá a Larralde, ESO es música" y en realidad no hacían más que regurgitar un gestito chauvinista. A lo mejor alguno sí se había tomado el trabajo, tampoco les robemos todo el crédito. 

La pregunta podría ser: ¿vale la pena tomarse el tiempo que requiere digerir ese sánguche enorme? Depende de cuáles son las expectativas. Quienes disfrutan ser testigos de cómo se desarrolló una trayectoria, siempre van a sacar algo valioso. También los que gozan cuando la música tiene el peso de historia, algo que se nota y en seguida. Si pretendés una epifanía que te deje ciego, que te conmueva y te sacuda, mejor no. Sí, no faltan los que le piden ese tipo de cosas a la música, como si les hubiese dado poco, le siguen mangueando, exigiendo. Eso te pasa una vez en la vida. Dos, tres a lo sumo. 

El canto del viento de Atahualpa es su millonésimo LP de estudio, sale en 1980 y es más conocido porque anteriormente, con ese mismo nombre, salió una colección de poemas. Pecando a lo mejor de hereje, a mí los poemas de Yupanqui no me interesan sin su voz, sin su guitarra. Lo mismo con Dylan, Nick Cave o cualquier letrista "con aspiraciones". ¿Por qué? Simple, porque en esta música hay magia, fenómeno que se manifiesta con los grandes autores e intérpretes de manera inmediata y hasta palpable. Deben ser veinte o treinta, no más.
Y la magia dicen que no hay que explicarla. 






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Atahualpa Yupanqui - Una voz y una guitarra
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Atahualpa Yupanqui - Pasaban los cantores

Chad & Jeremy - Of Cabbages and Kings

Of Cabbages and Kings. Sería algo así como “De repollos y reyes”. Ya en el título se puede vislumbrar la atmósfera lúdica y “liviana” que hay en los surcos del disco “Cosecha ‘67” de Chad & Jeremy. Un año antes habían hecho Distant Shores, un disco precioso por donde se lo mire, pero acá dieron un salto cuantitativo. Es cierto, la psicodelia había explotado por todos lados, no se podía quedar afuera.
Para Cabbages… ya estaban viviendo en California, grabando con Gary Usher, recién salido de ayudar a los Byrds a parir esa obra maestra que fue The Notorious Byrd Brothers.

Jeremy Clyde era la mitad “cool” del dúo, mientras que Chad Stuart era el músico “en serio”, el que sabía qué obtener de una orquesta, qué pedirle a un productor o escribir en partitura una sección para los bronces. Se complementaban perfecto, como suele ser en el caso de los dúos. Cabbages… tranquilamente podría inscribirse en lo que se llamó Sunshine Pop, con Curt Boettcher (Millenium, Sagittarius), The Association, Left Banke, por nombrar sólo a algunos. Una música delicada, sutil, con muchos arreglos, apelando casi siempre a una amplia paleta sonora y cantada formidablemente, con intrincadas armonías vocales. Una especie de nuevo período barroco. También los “grupos mayores” trabajaron dentro de este subgénero (Beatles, Beach Boys, etc.) pero no sería del todo acertado incluirlos; abarcaban demasiado como para cualquier etiqueta. Como sea, Gary Usher fue fundamental para Chad & Jeremy, los escuchaba, les daba tiempo, ponía la cara frente a la compañía discográfica y -sobre todo- aportaba mucho a nivel arreglos.

Of Cabbages and Kings, muy a tono con la época tenía dos caras bien diferenciadas. En la cara “A” estaban las canciones propiamente dichas y había para todos los gustos. Olvidensé de cualquier tipo de estridencia, esto es otra cosa. Esto es sutileza, ideas originales, colchones de guitarras acústicas que son los cimientos para pequeñas “Sinfonías Adolescentes”. Un sitar por aquí, un oboe por allá y las voces patentadas de Chad & Jeremy (siempre apenas por encima del susurro) aumentadas por un muro de coros, coros y más coros. Pero… ¡A no engañarse! Nunca, en ningún momento aparece el menor atisbo de sobreproducción, de “empaste”. Todo lo contrario, el trabajo de Usher es digno de admiración, todo está puesto en su lugar preciso, sobresaliendo cuando la canción lo requiere. "Rest in Peace", uno de los mejores temas de fines de los 60's, es un ejemplo perfecto. Una historia a la manera de Charles Dickens, narrado por un artista decorador de sepulturas envuelta en una maraña de sitars y violines. Atraviesa al menos seis o siete ideas musicales, cuando todos sabemos que una canción “estándar” tiene dos o a lo sumo tres (estrofa, estribillo, puente).
Para la cara “B” queda el momento en donde realmente se pusieron a prueba: "The Progress Suite" y es eso que su nombre bien indica; una suite orquestal. Sí, como Saint-Saëns, como Grieg pero… psicodélica!!! Para ser un poco más claros, sería algo así como lo que era la cara “B” de Yellow Submarine (que salió despúes que este disco) que había compuesto George Martin para utilizar en la banda sonora de la película. Se puede decir cualquier cosa de Chad & Jeremy pero no que les faltaba ambición.

¿Ventas? Pocas ¿Éxito de crítica? No mucho en realidad. De hecho después de Cabbages and Kings, al año siguiente apareció The Ark, prácticamente en la misma vena que este disco que hoy nos ocupa, y poco después el dúo se disuelve momentáneamente y Clyde vuelve a Inglaterra y a la actuación (era actor de teatro) que tanto amaba.
Ellos, todavía hoy, se acuerdan de la época de Cabbages y The Ark como la mejor etapa de sus vidas.








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Chad & Jeremy - Second Album
The Millenium - Begin
Camera Obscura - Let's Get Out of this Country

Monsters of Folk - ídem [1er. LP - 2009]

Supergrupos. Se puede polemizar un rato… ¿sirven para algo? ¿Aportan, valen la pena? O son simplemente músicos divirtiéndose y haciendo facha. En realidad el concepto es un poco anticuado si se quiere. Era muy común en la década del setenta, cuando músicos de bandas que se iban desintegrando se juntaban con otros en la misma condición y hacían un disco, a lo sumo dos, con resultados más o menos olvidables.

No es el caso de Monsters of Folk, dos vienen de Bright Eyes; Connor Oberst y Mike Mogis, está M. Ward que siempre fue solista, también le fué bien con el dúo chica / chico She & Him y por último Jim James de My Morning Jacket, una de las grandes bandas de los últimos años, continuadores de aquella “música cósmica americana” iniciada hace ya varios años por Gram Parsons con los Byrds primero y los Flying Burrito Brothers después.

Hasta ahora hicieron solamente este disco homónimo en el ’09 y, a diferencia de lo que suele suceder, Monsters of Folk es un gran disco. Tiene la gran virtud de unificar a tres compositores diferentes entre sí, hacer que las canciones de cada uno formen parte de un todo uniforme, cohesionado. Quien conozca la obra de las partes separadas podrá detectar con relativa facilidad a quién pertenece en realidad cada una de las canciones, a pesar de los engañosos y democráticos créditos compartidos. “Whole Lotta Losin’” es claramente de M. Ward, es su habitual relectura del rock nerd de los cincuenta, Buddy Holly a la cabeza. El que sigue, “Temazcal” no puede ser de otro que de Oberst, quien en sus discos suele tener problemas de auto-edición y saca casi todo lo que compone, acá sale ganando. “The Right Place”, el que viene es de James, claramente, no sólo porque es el encargado de la voz líder, lleva su huella en todo sentido. Se deben haber divertido mucho grabando este disco y se nota, a pesar de que hay cierta melancolía inevitable viniendo de quienes viene, el disco tiene una onda festiva y jodona que lo diferencia de los trabajos por separado de los miembros. En el medio hay temazos como “Losin to Head” o el encargado de abrir, “Dear God (Sincerely M.O.F.)” e incluso los rellenos no son evidentes, por oficio, por estar hechos con ganas y grabados con todo lo que esta gente tiene a mano, que no es poco.

¿Los Traveling Wilburys de la era moderna? Ahí hay otro ejemplo de supergrupo que funcionó, que dejó algo más que unas buenas fotos de vejetes abrazandosé y sonriendo para la ocasión. Podría ser… ¿Por qué no?







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M. Ward - Transfiguration of Vincent
My Morning Jacket - It Still Moves
Bright Eyes - I'm Wide Awake It's Morning

5 Canciones 5: Krokodil, The Church, Cheap Trick, Lito Nebbia y Johnny Thunders

Odyssey In Om
Krokodil

Se podría decir que Alemania en la década del setenta era hervidero de actividad cultura. Había banda de todos los colores. Muchas de esas entrar por decantación en la venerada categoría conocida como kraut-rock. La verdad es que no tiene mucho que ver con CAN, Kraftwerk o Faust. Acá a lo sumo se puede encontrar algún paralelo con Amon Düül II, los más rockeros en esa bolsa de gatos, con obras maestras como Yeti o Tanz Der Lemminge. Esto es un viaje al Himalaya| en busca de una colisión espiritual. Música para viajar sin moverse (*).

Aparece originalmente en: An Invisible World Revealed (1971)

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City
The Church

A lo mejor Gold Afternoon Fix podría servir para cerrar la etapa clásica de The Church. Por suerte, tratándose de los australianos, había mucha música después que se les dejó de prestar atención a nivel "gente que va a vender muchos discos". Tema suave, mostrando el costado tierno de Kilbey. Si tenés ganas de leer anécdotas musicales, podés entrar al blog de Marty Willson-Piper y enterarte de todo tipo de detalles de la grabación de este y los álbumes anteriores. Si tenés mucho tiempo libre, claro...

Aparece originalmente en: Gold Afternoon Fix (1990)

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Like a Fly
Cheap Trick

¿Cuántos años tienen los integrantes de Cheap Tick? Vale mencionar que salvo el batero, el gran Bun E. Carlos, son los mismos que grabaron el primero -homónimo- allá lejos y hace tiempo. No se me ocurre otra banda que venga de aquellos años y rockea con semejante nivel de desesperación y hambre de gloria. Robin Zander es, fué y será uno de los grandes cantantes de la Historia del Rock and Roll y conmueve escucharlo en tan buena forma, aullando y retorciéndose como un veinteañero a punto de devorarse el mundo.

Aparece originalmente en: We're All Alright! (2017)

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El otro cambio, los que se fueron
Litto Nebbia

"Corta un pedazo de torta y dame, vamos hasta la esquina a ver qué pasa". Lito Nebbia y su Tommy, su disco conceptual, una perla en una discografía enorme, inabarcable. Esto sería pop de cámara, piano, cuerdas y esa voz. Que puede gustarte o no, pero nadie puede negar que tiene una personalidad grande. Acá toca uno de los temas más dolorosos para los argentinos, el exilio, tener que irse de país y dejar atrás a los seres queridos. A muchos nos tocó de cerca el asunto y duele, vaya si duele. Acá se refleja ese sentimiento, cien por ciento.

Aparece originalmente en: Muerte en la catedral (1970)

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London Boys
Johnny Thunders

¡Al fin la encontré! Esta la escuchaba muchísimo, en la época en que uno se bajaba temas sueltos de Internet. La usaba para excitarme, antes de salir , ese tipo de cosas. Te suministraba un subidón de adrenalina muy fuerte. Después, cuando conseguí So Alone, me entristecía escuchar la versión anémica, desalmada, que había de este tema. Nunca supe de dónde había salido la que yo escuchaba. Hasta que le pregunté a un amigo muy fan de Thunders y me sacó la duda. Gratitud eterna.

Aparece originalmente en: Born Too Loose (The Best of Johnny Thunders) (1999)

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King Crimson - Islands

Hay que entender a la gente que odia este tipo de música. Incluso dentro de los amantes del rock progresivo hay algunos que no soportan a King Crimson. Podemos hablar -por ejemplo- de un tema como “Sailor's Tale”, segundo track del cuarto disco de estudio de la banda de Robert Fripp. Es rarísimo. Todo acá es extraño. El tempo va y viene, no parece tener ningún tipo de estructura, cuando mete un cambio es asesino, totalmente inesperado. No ofrece nada en donde te puedas “agarrar”, más bien lo contrario. Y hay muchas maneras de que cierta música pueda gustarte o no. La originalidad absoluta es algo que no todo el mundo valora, que sea algo sorpresivo y que te saque de cierto lugar de comodidad auditiva es otra cosa que muchos adoran y otros tantos desprecian.

Nadie en su sano juicio puede negar el impresionante nivel de audacia de las composiciones ¿Indulgencia? Sí, puede ser ¿Por qué no? Depende cómo esté encarado el asunto, también puede ser algo muy valioso. Lo mismo pasa con la destreza para manejar un instrumento, el nivel de técnica que tiene esta gente es admirable, muy por encima del promedio. Otra de las cuestiones que hacen que más de uno salga corriendo espantado; muchos melómanos creen que los músicos de rock tienen que limitarse a tocar cuatro o a lo sumo cinco acordes y atenerse a esas posibilidades. Son opiniones.

Si hay algo que puedo aportar desde lo personal a este tipo de música, es que no es algo que lo vas a querer escuchar todos los días, ni siquiera con frecuencia. Ahí perdería su capacidad de sorprender. Sería el equivalente a ver una película de terror más de una vez. En un momento perdería la gracia. Siguiendo con “Sailor's Tale”, la parte en que “mete el cambio” y va a parar directo a la dimensión desconocida es un ejemplo perfecto, uno no quiere ir todos los días a Marte. No sé si es válida la comparación. Seguramente habrá gente que disfrute de escuchar con frecuencia “The Letters”, con ese riff de vientos (o lo que sea que es ese instrumento) diabólico a más no poder. Con esa idea podrían haber estado quince minutos y apenas lo repiten dos o tres veces. No es mi caso. Pero lo aprecio y mucho. Algo parecido pasa con el guiño a los Beatles de “Ladies of the Road”, ahí hay un gancho muy poderoso que podría haberse repetido un poco más. Es la idea, precisamente. Quizás lo que habría que hacer es reformular el parámetro con el que todos tenemos formateado el cerebro hoy en día; esto de me gusta vs. NO me gusta.

Ese tipo de absolutismos, de borrado absoluto de los grises es, en gran parte, los que nos está llevando a este callejón sin salida en que estamos inmersos. La vieja metáfora del burro y la zanahoria. Nunca es tan definitiva la cosa. Ni en la música ni en la vida.







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King Crimson - In the Wake of Poseidon
King Crimson - Red
King Crimson - Three of a Perfect Pair

5 Canciones 5: The Misunderstood, Patti Smith, The Boys, Julian Cope y Cave Singers

I Can Take You to the Sun
The Misunderstood

Los Misunderstood nunca llegaron a grabar un disco entero pero se lo merecían y mucho. Esto es psicodelia en su máximo grado de pureza. Empieza medio Yardbirds, un poco oscuro y después va a parar a una sección oriental, muy mística, con un coro de monjes repitiendo "te puedo llevar al sol pero vos no querés ir". Termina con un solo de guitarra acústica estilo Zorba el Griego. Brillante..  

Aparece originalmente en: Cara A de single de 7" (1966)

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Rock 'n' Roll Nigger
Patti Smith Group

En una de las más efectivas alianzas de rock y cine de todos los tiempos, esta canción aparece en una violentísima escena de escape de una cárcel en Asesinos por naturaleza de Oliver Stone. Patti Smith se valía del mismo término que había usado Lennon (esa forma tan despectiva de llamar a los negros) para revolver un poco las tripas de una sociedad condescendiente y pacata. ¿La música? No hace falta aclararlo...

Aparece originalmente en: Easter (1978)

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Schoolgirls
The Boys

¿Por qué a los Boys no se las da el crédito que merecen? Es un verdadero misterio. Sus cuatro discos de estudio están llenos de hits en potencia y son cultores de un power-pop/punk brillante y encima lo hicieron primero que nadie. "Schoolgirls" es una de esas tantas canciones que podrían haber estado en A Hard Day's Night, pero claro, con las guitarras bien fuerte... Como corresponde.


Aparece originalmente en: Cara B de "You Better Move On", single de 7" (1980)

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Fear Loves This Place
Julian Cope

El gran Julian Cope se juega como nunca por el paganismo y carga las tintas a fondo contra la religión organizada. En esta obra maestra de su magnífico Jehovahkill. Arranca calmo, con Cope exponiendo sus ideas con claridad y elocuencia pero para el momento de la explosión (que era inminente) ya lo tenemos al Druida parado encima de un monolito antiguo dando rienda suelta a las guitarras. El rock como religión. Religión pagana, por supuesto.

Aparece originalmente en: Jehovakill (1992)

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Hen of the Woods
The Cave Singers

Increíblemente algunos se las arreglan para seguir sonando originales. El "truco" de los Cave Singers consiste en hacer canciones utilizando un solo acorde (o a lo sumo dos) y armar una textura alrededor de esa nota, con poca instrumentación pero muy bien administrada. Con esa voz que es queja, celebración y lamento a cargo de Peter Quirck. "Hen of the Woods", del segundo disco es especialmente efectiva; va creciendo de a poco y una vez que alcanza su pico... termina!

Aparece originalmente en: Welcome Joy (2009)

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Las Pelotas - Brindando por nada

“Casi sin ver como las cosas surgen, sin importar cúal es el camino final, hoy te diría tantas cosas bellas que son mejor que ayer” canta Daffunchio en “Algún dia será mejor”, la canción con que empieza Brindando por nada, el disco número diez en la carrera de Las Pelotas, editado a principios del 2016. ¿Sería el disco en que la banda muestra que ya está “de vuelta” de todo? ¿El consagratorio? Algo de eso hay acá. Ya no tienen nada que probarle a nadie, a esta altura es difícil que consigan nuevos adeptos, hacen lo que saben hacer, con admirable nivel de solvencia y aplomo. Tienen que concentrarse en las canciones individualmente y el resto sale más o menos solo.

Y las canciones en Brindando por nada son hermosas.

“Víctimas del cielo” es el segundo tema y tiene destino de hit, es de esos que tienen olor a himno, que va a pasar a formar parte del repertorio en vivo, los fanáticos lo van a aceptar y corear, es un medio tiempo clásico en más de un sentido, un tema típico de Las Pelotas si se quiere, pero tiene algo especial, algo que lo separa un poco del resto. “Era” es un hallazgo, un tema novedoso, tempo de batería distinto, bien pensado, arman una trama con las guitarras, los coros y los colchones de teclados para que, al momento en que llega el estribillo, haya una explosión sensorial. Y el estallido llega. Temazo.

“Como una estrella” podría haber estado en cualquiera de los discos de Bowie de este milenio, en Hours o Heathen por ejemplo, rock elegante y maduro, sin urgencias, la letra parece ser un homenaje, un mensaje conciliatorio para el ángel caído de Las Pelotas, Alejandro “Bocha” Sokol. Vale recordar que esta es una banda con historia grande y rica, en caso de que recién hayas aterrizado en el Planeta Tierra, los dos líderes históricos habían estado en Sumo, recibiendo lecciones de todo tipo de una persona que dejó varias enseñanzas, hablamos de Luca Prodan, por supuesto. Los dos primeros discos de Las Pelotas son el patrón con que hacen el resto y los que los definen para siempre; Corderos en la noche y Máscaras de sal. En el camino hubo de todo, deserciones, éxitos, ascenso, caída y no pocos hits radiales (“Esperando el milagro”, “Para qué?”, etcétera) siendo una fija en festivales y teloneros de conciertos insólitos (¡KISS en River!).

Por eso que una banda salga, después de semejante camino recorrido e infinidad de heridas de guerra, en un país como Argentina, con canciones como las que se escuchan en Brindando por nada, no deja de sorprender. Admirable. En todo sentido.







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The Flaming Lips - Yoshimi Battles the Pink Robots
Las Pelotas - Cerca de las nubes
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Roy Orbison - Crying

No vamos a enumerar las innumerables virtudes del gran Roy Orbison, no descubriremos nada. No sirve explayarse sobre su inimitable caudal vocal ni sobre su indudable talento como compositor de canciones. Si vale la pena recordar que es el paradigma mismo del hombre que se sobrepone a la adversidad. La naturaleza no lo ayudó, digamos que no era un tipo que “entraba por los ojos”. Pero eso no fue obstáculo y la desgracia lo golpeó en más de una oportunidad con la muerte de su esposa primero y dos de sus hijos después. Salió adelante relativamente ileso.

Sí vamos a aportar nuestro granito de arena para derribar un preconcepto que está bastante instaurado en no pocos melómanos: que con los artistas que empezaron sus carreras en la década del cincuenta alcanza con un buen “Grandes Éxitos” o a lo sumo una buena compilación doble. No es el caso de Elvis, tampoco de Johnny Cash ni Chuck Berry y muchísimo menos de Roy Orbison.

Crying, el segundo disco de larga duración de The Big O es una prueba lapidaria. Para empezar, nada menos que "Crying" la impresionante balada en donde muestra todas sus habilidades. Ayudado por la pluma de su fiel colaborador Joe Melson, es uno de esos temas invencibles, va in crescendo hasta un punto en que la tensión es casi insoportable, con unos arreglos de orquesta para la ocasión, volvería a ser un hit varias décadas más tarde en una versión a dúo con k.d. lang. Después sigue con "The Great Pretender" y es probable que si lo escucharon los Platters se hayan puesto verdes de envidia. En seguida viene "Love Hurts", el mismo que hizo Gram Parsons y que Nazareth resucitó con grandes resultados.

Otro gran acierto es "She Wears My Ring", que grabaría Elvis en su regreso, después de su ostracismo cinematográfico. Crying respira historia por todos lados y, si bien no está exento de rellenos, estos en ningún momento bajan de la marca de “más que decente”. Es bien sabido que los LP’s hasta bien entrados los sesenta eran concebidos de una manera distinta a como hoy los conocemos, agrupando singles de éxito con temas a las apuradas. En Crying esto último no se nota; el nivel general es altísimo. ¿Quieren más? Para cerrar, una perla de esas que no se olvidan: "Running Scared". Es la historia de la pareja infiel escapando del marido celoso (¡y cornudo!) que los persigue sin dar tregua. La música no puede ser más adecuada: una especia de bolero de Ravel reinterpretado para el siglo veinte. Aprovecha como pocas los ilimitados recursos de Orbison como cantante.

La carrera de Roy Orbison durante la década del sesenta fue más bien errática, con cambio de sello y partenaire compositivo incluídos (MGM y Bill Dees, respectivamente), pero siempre era bien recibido en Inglaterra, una especie de segundo hogar para el texano. Pero los discos mantuvieron el nivel, si bien eran ajenos a los cambios en el panorama musical que los rodeaba. También participó de los exitosísimos Travelling Wilburys y en un último guiño cruel del destino, no pudo cosechar el suceso impresionante de su disco más vendido, el excelente Mystery Girl: había muerto al finalizar las grabaciones. Bueno… “muerto”… depende del sentido que le asignemos a la palabra.







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Roy Orbison - Sings Lonely and Blue
Roy Orbison - The Orbison Way
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David Lebón (con Abel Pintos) - El tigre y el dragón

Abel Pintos estuvo durante muchos años en mi ranking de odiados, junto a Michael Jackson y Madonna. Tenía varios motivos. A mi ex le gustaba mucho, era una de las pocas cosas que escuchaba. 

Michael Jackson le gusta a mi hijo, ya con eso lo "perdono" y con la Reina del Pop, hace unos años en Brasil, MUY DROGADO, escuché el disco Music y me volvió loco. Un amigo me lo regaló pero ahí quedó, sin escuchar, me dá miedo, seguro que una vez más, me tendré que morfar mis pavadas.

Con Abel Pintos creo que me molestaba su enorme popularidad. Y su extrema blandura. ¿Todos temas de amor!??!?! ¿Todos? ¿No ves que hay pibes que no morfan? O que podés hacer letras intrincadas que no digan nada si lo que te interesa es cantar, como en el caso de Divididos. 
Anyway... todos esos absolutismos van pasando, sobre todo al darte cuenta de que no le importan a ABSOLUTAMENTE nadie. Que nadie va a recordar tu listita pedorra. A lo sumo, con mucha suerte, alguien se puede llegar a acordar de lo que sí te gustaba. 

Llegué a este temazo investigando la discografía de Lebón, de quien aprecio mucho su primer LP como solita. Me llamó la atención el título y ví que había video oficial. La melodía es hermosa, re contra difícil de cantar, David anda ahí justito, a Abel Pintos le sobra máquina, claramente. Ah! Y en el programa / concurso de cantantes, que cada vez que voy a lo de mis viejos está puesto, todas sus intervenciones me parecen acertadas, cariñosas, útiles y, dentro de todo, humildes.




Podés escucharla en YouTube.

Encontrala originalmente en:
¿Habrá que recordarle a alguien que David Lebón es un prócer? Está en esto desde el principio. Algunos hitos clave; bajista del debut de Pappo's Blues y en Pescado 2, entre otras apariciones. Sería equivalente a haber estado en Beggars Banquet y en el primero de King Crimson. Este tema ya lo había grabado en Déjà Vu, del 2009. 

Lebón & Co. Volumen 2 (2022)

5 Canciones 5: Cafrune, Elephant's Memory, Helloween, Pachuco Cadaver y Accept

Canto a mi pago
Jorge Cafrune

Sería el equivalente a Johnny Cash en el hemisferio sur. Un tipo que iba al frente, tenía unos huevos tamaño king-size y autor de una racha de música impecable. Desde mediados de los sesenta a principios de la década siguiente, sobre todo. No tengo la menor idea a qué subgénero del folclore pertenece este tipo de tema, pero lo he escuchado y nunca me había gustado. Acá me hipnotizó. Esto es música tribal, se me ocurren comparaciones con Fela Kuti, o esos temas raros que a veces hacía Buffy Sainte-Marie en Canadá.

Aparece originalmente en: Zamba por vos (1971)

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Don't Put Me On Your Trial No More
Elephant's Memory

Estos pueden contarle a sus nietos que fueron la banda de acompañamiento de Yoko y Lennon a principios de los setenta. En aquellos años de activismo político, ellos eran conocidos precisamente por eso, en el Greenwich Village neoyorquino. Acá hay un gran tema, la banda toca bien, hasta groovean, en una especie de funk anfetamíco al estilo Blood, Sweat & Tears o lo primero de Chicago. Encima se llama "no me pongas otra vez en tela de juicio". Listo. Adentro.

Aparece originalmente en: Elephant's Memory [1er. LP] (1969)

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The Saints
Helloween

Impresionante. A Helloween le podés criticar un costado medio jeropa, exhibicionista. El costado positivo es que los tipos hacen algo que es muy difícil. Tocan como muy pocos mortales pueden hacerlo, tienen mucho conocimiento de teoría musical (esto podría ser Wagner, o esos himnos de Händel) y, a mí al menos, me resulta divertidísimo. Sería el equivalente a... voy a ser honesto; no se me ocurrió ninguna comparación que no tenga que ver con el cuarto arte. ¿Como ver a los Globetrotters? Nah... malísima.

Aparece originalmente en: Gambling with the Devil (2007)

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Is Your Mother Still Dressing You?
Pachuco Cadaver

Banda formada en Madrid por Daniel Piccolini (ex-Toreros Muertos) y Roberto Pettinato, recién exiliado de Sumo, después de la muerte de Luca Prodan. La banda toma su nombre de un tema de Trout Mask Replica de Captain Beefheart, como para ir dandosé una idea. Pero tiene más que ver con el pop retorcido de XTC y el post-punk, en general. Así empezaba el segundo LP de estudio. "¿Te sigue vistiendo tu mamá? ¿Todavía usa esos acertijos alrededor tuyo?". ¿Eso dice? Eso parece. No importa.

Aparece originalmente en: Life In La Pampa (1992)

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Too High to Get It Right
Accept

El Back In Black que no miramos. Podría ser... ¿por qué no? Está "Too Drunk to Fuck" de los Kennedys, "Too High to Die" de Meat Puppets y "Demasiado drogado como para entender bien" de los alemanes metaleros Accept, con cantante enano incluído. La voz vendría a ser una especie de caricatura de Brian Johnson, el segundo cantante de AC/DC (por si recién naciste) quien a su vez ya era una caricatura. Lo tomas o lo dejas. Rock duro, hecho y derecho, sin vueltas ni dobleces.

Aparece originalmente en: Metal Heart (1985)

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5 Canciones 5: Scorpions, Van Morrison, Strangelove, David Bowie y Morricone

Another Piece of Meat
Scorpions

Hoy se diría que los Scorpions no estaban deconstruídos, antes de esto ya habían hecho una tapa con una nenita desnuda y el título era Virgin Killer. La tapa de Lovedrive la hizo el gran Storm Thogerson y fue prohibida en no pocos países, en su momento. El nombre de este tema se podría traducir como "otro pedazo de carne", como para seguir poniendo leña en el fuego. Las guitarras muerden fuerte y cuando llega el estribillo te ves casi obligado a hacer cuernitos al aire. Temazo.

Aparece originalmente en: Lovedrive (1979)

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Boffyflow and Spike
Van Morrison

Un instrumental en medio de un disco de uno de los cantantes por excelencia. ¿Por qué no? Habrá pensado Van Morrison, el hombre más malhumorado y huraño de la historia de la música popular. Justificado. El tipo se defiende con discos, con canciones, deja que hable la música y nunca le interesó ventilar su vida privada, vicio moderno si los hay. Esto podría definirse como una cruza entre Los Chieftans (una verdadera institución en Irlanda) y Dire Straits.

Aparece originalmente en: A Sense of Wonder (1984)

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Spiders and Flys
Strangelove

La canción al poder. Otra vez. Esto tiene mucho que ver con lo que estaba haciendo Morrissey en este mismo momento, con discos como Vauxhall and I o Your Arsenal. Probablemente compuesta al piano, es uno de los puntos altos del segundo LP de estudio de Strangelove, Love and Other Demons, una de esos grupos que podrían tildarse de "grandes bandas de segunda línea".El arreglo a pura orquesta del final no podría ser más adecuado. Emotivo y sensible en una época donde casi todo era cinismo e ironía.

Aparece originalmente en: Love and Other Demons (1996)

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When the Wind Blows
David Bowie

¿Cuando terminás de descubrir los grandes temas de Bowie? ¿Nunca? O, mejor dicho; ¿Alguna vez se termina de descubrir una discografía de cincuenta años de producción musical? Otro que tiene que ver con música para el cine. Este era el tema que abría el LP con la banda sonora de esta película, compartiendo cartel con Genesis, Roger Waters, Hugh Cornwell (de los Stranglers, claro) y Squeeze. Impresionante la melodía del Duque, la forma de elevar el estribillo a la estratósfera. Justo en una época en que no estaba en un gran nivel.

Aparece originalmente en: When the Wind Blows [banda sonora - varios artistas] (1986)

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Ondas de amor (Serenade)
Ennio Morricone

¿Un valsecito criollo? Una mejicaneada hermosa. Con voces y todo, a dúo, con hermosa armonía para su respectivo estribillo. Todavía para muchos Morricone es el de (imitar el chiflido obligatorio) Lo bueno, lo malo y lo feo y a lo sumo algún otro de los clásicos que musicalizó para las películas de Sergio Leone, a las que le puso la trucha Clint Eastwood. Es mucho más que eso. En su discografía, en el año '69 (por ejemplo) hay once títulos, en total hizo casi 400 bandas sonoras. La música de Tepepa no es de las más conocidas pero tiene un nivel muy parejo y no viene mal recordarla.

Aparece originalmente en: Tepepa (1968)

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Marvin Gaye - Here, My Dear

Un bongó y un pianito eléctrico son lo primero que se escucha. A los diez segundos entra la banda y la voz líder, con un tempo que tarda un poco en “acomodarse”, en convertirse en algo que se pueda bailar. O marcar el tempo con la patita, para los que son tímidos. Hay una línea de bajo sinuosa, tocada con un nivel de maestría que no suele escucharse en otros géneros, a lo sumo en el reggae. El estribillo cierra con un regreso a esa idea medio atonal y rara del principio. Todo eso pasa en apenas un minuto y algo de “Sparrow”, temazo de Here, My Dear, disco -¡doble!- de estudio número doce de Marvin Gaye.

Esta es la música que saca en plena fiebre de la era disco, yendo a contramano de una tendencia que él mismo había ayudado a definir. Para fines de la década del setenta ya llevaba casi veinte años de carrera y había sido uno de los artistas soul y R&B pioneros en hacer discos con un concepto irrevocable. Junto con Isaac Hayes y Curtis Mayfield estuvieron a la vanguardia y no sólo de un género, de la música popular en general. What’s Going On había sido su manifiesto social y un par de años después Let’s Get It On había cumplido esa función pero desde lo sexual. Todavía hoy es el disco elegido de miles de parejas de todo el mundo que deciden “ir a los bifes”.

Here, My Dear también tiene un concepto, es el disco de divorcio de Marvin Gaye, en boga en aquellos años con ejemplos famosos en Blood On the Tracks de Dylan o Blue, de Joni Mitchell. Con la diferencia de que el nivel de exposición acá es descarnado. Decide ir al hueso y en varios momentos deja de lado cualquier tipo de metáfora para contar su campana del asunto. En “You Can Leave, But It’s Going to Cost You” lo dice todo ya desde el título mismo, sería un “andá nomás, pero la platita la vas a tener que poner igual”. En el tema que da título, apenas empieza, recitando, le dice a su ex que las regalías van a ir a parar a sus bolsillos, que son para ella. Y hay varios ejemplos a lo largo de este doble, de difícil acceso, no fue un disco vendedor y nunca lo iba a ser. Es aventurero desde lo musical y cuesta pensar que muchas personas hayan querido escuchar a un héroe musical desangrarse como lo hizo Marvin Gaye, en otro de sus actos de valentía y audacia.

En los papeles esto suena horrible, si no fuese por la música, única, inigualable. De la misma manera que en What’s Going On, acá hay exploración, desafíos en la estructura de los temas, desde lo armónico y ni hablar de los arreglos, con momentos jugadísimos. Del dolor puede venir la inspiración y acá tenemos un caso. Único.





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Video de la Semana: The Jazz Butcher - The Jazz Butcher Meets Count Dracula

Gran "video" de la primera época de la banda de Pat Fish, más recordado como "El Carnicero del Jazz" (The Jazz Butcher), más cerca de The Damned que de lo que después sería el sonido más definido de la banda. Notable parecido a ciertos temas de Sumo, incluyendo el solo de saxo de cartón.

Este tema aparece en The Gift of Music, del '84.

(Haciendo click acá lo tenés con buena calidad de sonido)

Varios - Cries from the Midnight Circus (Ladbroke Grove 1967-78)

Los compilados se volvieron obsoletos hoy en día. Esos discos que traían un tema de cada artista, o dos a lo sumo, ya no se ven, ya no salen, nadie los escucha. 

Error. 

A nivel masivo puede ser, pero eso acá nunca nos importó. Están las cajas, los box sets, de tres discos para arriba, el lujo asiático del coleccionista ávido, que te las comprás para escucharlas poco y nada pero sabés que ahí están, a modo de consulta. Como una enciclopedia en la biblioteca, lista para acudir a ella en tiempos de sequía, o falta de red inalámbrica. Cuando son temáticos es cuando son realmente valiosos y este CD doble es uno de ellos, Cries from the Midnight Circus, documenta la escena del barrio londinense Ladbroke Grove, el Palermo del Reino Unido, el Soho de la tierra de la lluvia eterna, uno de esos lugares en donde pasaba todo lo que tenía que pasar. Estaban los pintores, los dealers, los artesanos… y los músicos. ¡Y qué músicos!

Un vistazo por la lista de temas revela una escena idiosincrática al máximo, con puntos en común pero con unas personalidades arrolladoras, gente que convivía en cierta armonía con propuestas que tenían poco y nada que ver entre ellas. Para la época que cubre esta compilación, fines de los sesenta / gran parte de la década siguiente, el sueño hippie ya se había hecho pedazos. Los que quedaban eran los sobrevivientes, los descreídos, los que vivieron para contarla. Los Pretty Things por ejemplo, que no faltan en ningún recopilatorio, perdedores hermosos, no le vendieron un disco a nadie en su momento pero son una de las bandas más apreciadas, queridas y longevas que dio el viejo continente, le dan nombre a este rejunte con el temazo de Parachute. No faltan los agitadores, los propagandistas, los que siempre que podían hacer un escándalo lo hacían, los que giraban en torno a Mick Farren -algo así como un prócer de aquella escena- como los apestosos Deviants o los ultra rockeros Pink Fairies, que acá aparecen con su himno generacional “Do It”, más tarde versionado por Black Flag. Los Hawkwind eran reyes absolutos del vecindario y por eso hay dos temas; “Hurry On Sundown” y “Lord of Light”, de Hawkwind y Do Re Mi Fasol Latido, respectivamente. También aparecen sus amigotes y derivados como el poeta de ciencia a ficción Michael Moorcock y Robert Calvert como solista, haciendo “Ejection”, un temazo de su disco conceptual como solista Captain Lockheed and the Starfighters, del ’74. Por supuesto que el gran Ian Lemmy Kilmister dice “presente” y en dos facetas, con los psicodélicos Sam Gopal, con quienes grabó su primer LP y haciendo “Louie Louie”, con la banda que lo hizo inmortal. Otros que se prendían en todas eran los Edgar Broughton Band, representados acá por el brillante “Evening Over Rooftops”, un temazo enorme, original del tercer LP homónimo de la banda. Larry Wallis sale con “Police Car”, un tema que solo salió en single y que costaría unos cuantos billetes conseguir.

Para “tapados” hay de sobra en este doble, está Twink, baterista de los Pretty Things y Tomorrow (la banda de Steve Howe antes de Yes, que también aparecen acá), el gran Arthur Brown, los retorcidísimos High Tide, Junior’s Eyes y hasta The Action, otros que suelen aparecer en este tipo de discos. Como panorama es perfecto, abarcativo, muy escuchable y bien secuenciado, casi de manera cronológica. Encima las notas del librito las escribe el mítico periodista Nigel Cross. Para tener en cuenta.







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