David Bowie - Pin Ups

En la contratapa hay un breve párrafo -manuscrito- anunciando que "Estas canciones están entre mis favoritas del periodo de Londres entre el '64 y el '67". Cuenta como era la escena y menciona lugares clave, en donde "estaba el agite". "Algunos todavía están con nosotros. Pretty Things, Them, Yardbirds, Syd's Pink Floyd..." mencionando como si nada a The Merseys al lado de gigantes como the Who. Hay algo de intencionalidad en esas letritas rojas inocentes, para quienes gustan de leer entre líneas.

Se trata de Pin Ups, el disco de covers de David Bowie, controversial, discutido y a la vez admirado y defendido. Viene después del impresionante Aladdin Sane (en el mismo año) y antes de Diamond Dogs. Algunos le bajan el pulgar porque está hecho para llenar una obligación contractual con RCA. Además justo después de semejantes alturas, los hitos que fueron Ziggy Stardust y su secuela, que venga un disco de covers... no pocos lo consideraron un retroceso artístico, como que no se lo bancaron.

Puntos a favor, por empezar, hoy con el siglo veintiuno bien entrado, a nadie le importa si vino antes o después de lavarse el culo o dejar las manitos en Hollywood. Además del mérito de ser el primer disco de covers con el concepto moderno, el que quedó instaurado para los rejuntes de versiones. Porque, por ejemplo, los discos de Elvis o Sinatra eran discos de covers técnicamente, pero no eran considerados como tal, ni siquiera se mencionaba el tema. Acá la idea tiene que ver con homenajear, saludar y agradecer. Hasta es contemporáneo al doble Nuggets que compiló Lenny Kaye. A pesar de las diferencias obvias, coincide en idiosincrasia, intención y espíritu.
Ni hablar de que la banda que graba y toca acá son los Spiders from Mars, el combo rocker por excelencia de Bowie. El único cambio es que se va Woody Woodmansey y entra el el sesionista estrella por definición de Inglaterra en la batería; Ainsley Dunbar.

El repertorio es, como mínimo interesante, llamativo. Tiene dos temas de los Pretty Things, que son "Rosalyn" y "Don't Bring Me Down", ambos del primer disco, el debut homónimo del '65. También tiene dos de The Who, "I Can't Explain" y "Anyway, Anyhow, Anywhere" y dos de los Yardbirds. Dejando bien claro por dónde estaba el amor corazón musical de Bowie en la década del 60. Tiene "Where Have All The Good Times Gone" de los Kinks para cerrar. En el medio no faltan los "rescates", con bandas perdidas como The Merseys, Sorrows y The Mojos. A su manera y quizás sin pretenderlo, hasta con Pin Ups estaba trazando el camino. Si es un trabajo menor lo dejamos para quienes se preocupan por ese tipo de cosas.





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David Bowie - The Man Who Sold the World

Un personaje tan grande, polémico e inabarcable que es casi más grande que su propia música, David Bowie ha sabido manejar sus cambios de imagen con tanta habilidad que es prácticamente intocable, sabiendo disimular sus momentos menos inspirados y siendo objeto de cierta adoración un tanto snob por parte de gente que, en realidad, nunca escuchó detenidamente sus discos.

Un detalle no menor es el hecho de que tardó muchísimo en “pegarla”, venía grabando desde mediados de los sesenta, con diferentes bandas y estilos e incluso sus primeros discos importantes -Space Oddity y este- no fueron grandes sucesos. La cosa cambiaría radicalmente a partir de Ziggy Stardust.

Ya con el simple “Space Oddity”, su primer temazo en serio, se veía venir que el tipo era un talento impresionante y después vendría The Man Who Sold the World, en el ’70, uno de los que más duro roquea de todos los que grabó en su vida, de los más pesados, prácticamente un disco de hard rock. Pero Bowie es demasiado inteligente para subirse a una movida e imitarla descaradamente, sin aportarle su personalidad al conjunto y por eso es un LP interesante, raro. A pesar del famosísimo cover (respetuoso) que hizo Nirvana en su Unplugged del tema que dá título, sigue siendo un ítem relativamente inexplorado en la extensa discografía del Duque Blanco.

Acá aparece Tony Visconti por primera vez, que además toca el bajo, quien sería el productor de varios de sus grandes trabajos y el gran Mick Ronson, uno de los héroes anónimos de la historia del rock ‘n’ roll, encuentra su sonido de guitarra patentado, ese sonido gordo e inoxidable forjado a partir de muros de acordes distorsionados, solos simples y directos, llenos de gancho. Hay que escucharlo en el final de “Black Country Rock” para entender la grandeza de Ronno -su apodo- como guitarrista. Es uno de los trucos más perfectos de Bowie; empezar una canción aparentemente simple y llevarla lejos en cuestión de minutos. “The Width of a Circle” abre el disco a guitarrazo limpio, tema épico si los hay, ocho minutos de rock poderoso, pocas veces volvió a sonar de manera tan agresiva y convincente Bowie, al menos no en los discos que importan. En “After All” muestra su faceta de folkie interestelar, componiendo a partir de la guitarra acústica pero yendo sin escalas a otra galaxia, repitiendo un poco el truco de “Space Oddity” llevándolo más lejos. Casi está demás decir que Bowie es un letrista enorme, sabe disfrazar, ser enigmático sin pasarse de la raya y conoce a la perfección las técnicas para capturar la atención. Se puede decir que recién acá, en este disco, encuentra su voz como escritor, como poeta alucinado, jugando con el idioma con mucha elegancia.

Algo que pocos dicen es que a Bowie también tuvo altibajos, los fanáticos acérrimos le soportan cualquier porquería y se bajan los pantalones incluso cuando se tira un eructo. Pero nadie le puede restar el mérito por todo lo que hizo, cambiando de géneros como nadie y haciendo todo bien. Son por lo menos diez discos indispensables. No cualquiera.

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5 Canciones 5: Howard Jones, The Four Tops, Peter Murphy, David Bowie y Bliglietto per L'Inferno

Equality
Howard Jones

Uno de los capos y pioneros de lo que se conoce como pop de sintetizadores -o synth-pop- y un temazo de su disco debut. A diferencia de Depeche Mode o Soft Cell, cínicos e influenciados por el descreímiento que trajo el punk, Howard Jones tenía una cosa más humanista en las letras y el concepto general, acá hace referencias a la crisis del apartheid en Sudáfrica. A bailar, pero a conciencia.

Aparece originalmente en: Human's Lib (1984)

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No Sad Songs
The Four Tops

Tuvieron una verdadera seguidilla de éxitos en la década anterior. Pero lejos de quedarse en el molde, se dejaron influenciar por lo que pasaba a mediados de los setenta en la música soul y R&B. Funk. Base firme, con esos bajos que son una muestra de habilidad y buen gusto. Lo mismo que hicieron los Temptations; un lavado de cara a nivel sonoro. Atención al solo de guitarra bien gomoso que aparece pasando los tres minutos.

Aparece originalmente en: Meeting of the Minds (1974)

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Roll Call (Reprise)
Peter Murphy

Otro que supo moverse, avanzar, salir del lugar cómodo. Siempre con criterio y con una coherencia asombrosa. Bauhaus fue una pincelada de genialidad pero... ¿a dónde iban a ir a parar después de Burning from the Inside? Este temazo es de su tercer LP como solista. Cuando pensás que viene el solo de guitarra, el tema va a parar a la dimensión desconocidad. O mejor dicho a un clima de música oriental extraordinario. Siempre dentro del formato canción, pero expandiendo un poco las fronteras. Temazo.

Aparece originalmente en: Deep (1989)

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Cygnet Committee
David Bowie

Primero salió como David Bowie a secas, más tarde se volvió a editar como Space Oddity, por el tema que cualquiera que habita este mundo debería escuchar al menos una vez. Este milagro musical es la oda al viaje interestelar del Mayor Tom. Acá Bowie todavía estaba tanteando el terreno, probando y viendo qué tipo de artista quería mostrar, cómo iba a pararse frente a un público que todavía no tenía. La genialidad ya estaba, como lo demuestra esta balada alucinógena de casi diez minutos de duración.

Aparece originalmente en: David Bowie [mas tarde relanzado como 'Space Oddity'] (1969)

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L'amico suicida
Biglietto per L'Inferno

Es sabido que los italianos tienen (¿o tenían?) una predilección por el rock progresivo / sinfónico. Había bandas buenísimas (PFM, Le Orme, Banco del Mutuo Soccorso, entre otros) y marcianos como Van der Graaf Generator eran muy apreciados en la península. Lo hacen a su manera, por supuesto. Con identidad y -algo fundamental- en su idioma. Esta bestialidad diabólica aparece al final del único disco de Biglietto per L'Inferno. Te lleva a lo profundo del abismo, te transporta de inmediato, con un millón de ideas musicales bien pensadas, a las que no se le notan las costuras. Cosa que a veces pasa en el género.

Aparece originalmente en: Biglietto pel L'Inferno (1974)

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David Bowie - ★ [Blackstar]

Varias cosas pasan por primera vez acá; primer llegada al número uno en ventas en su larguísima carrera, una de las pocas veces -si no es la única- en que alguien saca un nuevo trabajo y pasa a mejor vida en cuestión de días, en este caso menos de un mes. Se podría decir que es la primera vez que alguien se despide con una obra de esta naturaleza, con un disco no sólo a la altura de su inmenso legado, uno que se puede medir con cualquiera de sus hitos. Es David Bowie e incluso en su última gran jugada, no iba a dejar de sorprender.

Unas cuantas preguntas vienen a la mente ante la escucha de un disco tan valiente, desafiante, único y delirante. ¿Sabía o no sabía? Algunos de los temas pueden llegar a dar a entender que sí, que esto tiene sabor a epitafio, aunque tratándose del Duque, las cosas nunca son del todo directas, sino más bien oblicuas, retorcidas. Otra es… ¿cómo puede ser que el tipo que fue moderno hace cuarenta años, haga el disco más aventurero que se ha escuchado en mucho tiempo y que no deje de ser rock? Bowie siempre fue un tipo en prestarle mucha atención al concepto, hasta el punto de darle más importancia que a las canciones (o composiciones) en alguna que otra oportunidad. 

Acá el balance es perfecto. 

Supuestamente intentó no hacer un disco de rock, pero esto es más rock que cualquier cosa que se te pueda llegar a ocurrir en veinte minutos por lo menos. Comentar las canciones a tan poco tiempo de la aparición no tiene demasiado sentido, siempre conviene dejar que un disco decante, se asiente sobre sí mismo y vaya acostumbrándose al oído. Pero es muy evidente que acá hay sustancia, riqueza sonara, un concepto fuertísimo, ideas musicales innovadoras, coqueteos con el jazz más moderno y recóndito, en fin; todo lo que tiene que tener un disco actual para destacarse de la impresionante andanada de música mediocre que nos rodea todos los días.

Vuelve el histórico Tony Visconti para la producción, al igual que en el disco anterior, The Next Day, pero mientras el disco de 2013 era elegante, tenía buenas canciones (este no es un disco de canciones estrictamente hablando) y sonaba impresionante, este es un paso al frente en cualquier sentido. El primer tema, el que titula el LP, ostenta una cantidad de ideas musicales dignas de envidia en sus… ¡más de diez minutos de duración!

Bowie, qué saludo, qué forma de irse hacia la eternidad, cuánto nos dejaste, cuánto te vamos a extrañar.







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5 Canciones 5: David Bowie, White Zombie, Redondos, Blind Melon y Eddy Grant

Battle for Britain (The Letter)
David Bowie

Otra vez Bowie vampirizando la música que no le corresponde generacionalmente. Quizás sea la clave de su vigencia, debe haber sido por esta actitud joven que nunca perdió relevancia. No deja de ser una canción, con otro maquillaje, ese costado oscuro de la personalidad de El Duque Blanco sigue ahí, presente, latiendo cerca. Las guitarras están afiladas, listas para rebanarte la sien. Atención al solo de piano, una obra en sí misma.

Aparece originalmente en: Earthling (1997)

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Blood, Milk and Sky
White Zombie

No puedo decir que este disco "me guste" realmente. Pero... ¿qué es lo que a uno le gusta hoy? ¿Qué significa e implica? Para muchos no tiene demsiada importancia (para otros tantos ninguna) pero siempre me interesó pensar en esas cuestiones. Sí me llama la atención, eso seguro. Veo -escucho- que hay algo diferente. En este tema particularmente, una cosa medio "Kashmir" de Led Zeppelin pero con otro nivel de pudrición, de reviente mental, de enfermedad y psicosis.

Aparece originalmente en: Astro-Creep: 2000 [Songs of Love, Destruction and Other Synthetic Delusions of the Electric Head] (1995)

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Espejismo
Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota

La letra es lo de siempre. Una cosa críptica, oblicua, no se puede decir que sepamos de qué habla. Yo lo prefiero, necesito que la película tenga una cuota de autoría propia. En la música está la clave. Tema lento, medio arabesco, cuando aparece ese violín gitano la atmósfera termina por enrarecerse de una vez y para siempre. "Contra las cuerdas vas a desafinar". Me gusta mucho cómo está usado el saxo, o cualquiera sea ese instrumento de bronce, Tommy Iommi metió la cola.
Aparece originalmente en: Lobo suelto - Cordero atado (1993)

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Glitch
Blind Melon

Nunca fué una banda a la que le presté atención, el hit radial que todos conocemos, en su momento lo odiaba, ese tema tan buena onda, hippie al máximo, sin las mejores características de la buena música hippie... en fin. Uno va creciendo y, con suerte, se va haciendo un poco menos estúpido. Esto es música de drogas, hecha bajo los efectos y para ser escuchada bajo los efectos. Mete miedo por momentos. África, las tribus del Sahara, la flauta, la percusión, esto te puede llevar lejos. Acérquese con precaución.

Aparece originalmente en: Nico (1996)

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We Are
Eddy Grant

Tuvo su primer hit a los veinte años, cuando estaba en The Equals (¿Se acuerdan de "Police On My Back" en Sandinista!?) y como solista, con este disco se cansó de vender. Pero esto está en un liga propia, una dimensión paralela. ¿Qué es? ¿Cómo se podría describir? Es música tribal electrónica, de otro planeta. Se puede bailar, tiene unos solos de guitarra extraordinarios y unas voces de ultratumba que lo relacionan con cierta música religiosa. Trascendental.

Aparece originalmente en: Walking On Sunshine (1978)

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5 Canciones 5: Richard Lloyd, The Velvet Underground, David Bowie, Ed Kuepper y Hanoi Rocks

Number Nine
Richard Lloyd

Si algo llama la atención en el primer disco solista del ex-Television, es la total falta de pretensiones arty que sí tenía su banda anterior. Esto es palo y a la bolsa, a divertise, sin ser tonto o simplón, al contrario, tiene su sofisticación. ¿Alguien dijo The Strokes? Escuchando este temazo puede surgir ese nombre. Velocidad, guitarras, una onda medio power pop y un cierto parentesco con bandas como The dB's o The Feelies.

Aparece originalmente en: Alchemy (1979)

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Guess I'm Falling In Love
The Velvet Underground

¡Qué energía! Hermoso cachetazo del rock más canchero posible, de la mano de la banda que lo inventó, se podría decir. Habría que ir dejando de lado aquel viejo lema que dice que las bandas que se reúnen están condenadas a la intrascendencia. Los años nos han demostrado lo contrario, con casos como el de Dinosaur Jr. o Slowdive. El sólo de guitarra parece detenido en el tiempo, un tiempo en que Velvet Underground le pavimentaba el camino a la mitad más uno.

Aparece originalmente en: Live MCMXCIII (1993)

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You Feel So Lonely You Could Die
David Bowie

Cuando salió The Next Day, los fans (que no es lo mismo que 'fanáticos') se ubicaban en diferentes veredas. Yo era un escéptico, más por miedo y soberbia de adolescente tardío que otra cosa. Después, mucho después, cuando realmente lo escuché no lo podía creer. ¿Cómo hizo Bowie para sacar de la galera un disco así? Si uno se pone a pensar, en realidad, nunca se fué. Qué pavada aquello de que Scary Monsters era su último gran disco, era cuestión de abandonar la pereza y sentarse a escuchar, con tiempo y dedicación, como El Duque lo merece. ¿Y esto? Esto es un milagro de canción, tiene la melancolía, esa sensación que solo él transmite, de que está diciendo algo importante, el título de movida ya es extraordinario. Del desarrollo melódico, de cómo la canta, de los cambios de acordes y de la atmósfera mejor ni hablemos.

Aparece originalmente en: The Next Day (2013)

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Everything I Got Belongs to You
Ed Kuepper

Co-fundador de una banda histórica, nada menos que The Saints, junto al gran Chris Bailey, leyendas de los confines del mundo, en Australia, para ser precisos. Canciones de entrega, de amor incondicional, ahí podría ubicarse este temazo, tarea nada fácil, hay que caminar encima de una línea muy delgada. Kuepper siempre supo manejarlo bien a ese asunto, en su larga y prolífica carrera solista.

Aparece originalmente en: Today Wonder (1990)

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Ice Cream Summer
Hanoi Rocks

Temazo del tercer disco de estudio de los finlandeses, cuarto si contamos la compilación de singles Self Destruction Blues. Producido por dos ex-miembros de Mott the Hoople (la duple Griffin / Watts) la banda de Michael Monroe, Andy McCoy y compañía se manda con uno de esos que son difíciles de olvidar. Una oda a un romance de verano, con una onda de rock de los cincuenta, con sus coros, teclados y saxo para la ocasión.

Aparece originalmente en: Back to Mistery City (1983)

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5 Canciones 5: Scorpions, Van Morrison, Strangelove, David Bowie y Morricone

Another Piece of Meat
Scorpions

Hoy se diría que los Scorpions no estaban deconstruídos, antes de esto ya habían hecho una tapa con una nenita desnuda y el título era Virgin Killer. La tapa de Lovedrive la hizo el gran Storm Thogerson y fue prohibida en no pocos países, en su momento. El nombre de este tema se podría traducir como "otro pedazo de carne", como para seguir poniendo leña en el fuego. Las guitarras muerden fuerte y cuando llega el estribillo te ves casi obligado a hacer cuernitos al aire. Temazo.

Aparece originalmente en: Lovedrive (1979)

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Boffyflow and Spike
Van Morrison

Un instrumental en medio de un disco de uno de los cantantes por excelencia. ¿Por qué no? Habrá pensado Van Morrison, el hombre más malhumorado y huraño de la historia de la música popular. Justificado. El tipo se defiende con discos, con canciones, deja que hable la música y nunca le interesó ventilar su vida privada, vicio moderno si los hay. Esto podría definirse como una cruza entre Los Chieftans (una verdadera institución en Irlanda) y Dire Straits.

Aparece originalmente en: A Sense of Wonder (1984)

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Spiders and Flys
Strangelove

La canción al poder. Otra vez. Esto tiene mucho que ver con lo que estaba haciendo Morrissey en este mismo momento, con discos como Vauxhall and I o Your Arsenal. Probablemente compuesta al piano, es uno de los puntos altos del segundo LP de estudio de Strangelove, Love and Other Demons, una de esos grupos que podrían tildarse de "grandes bandas de segunda línea".El arreglo a pura orquesta del final no podría ser más adecuado. Emotivo y sensible en una época donde casi todo era cinismo e ironía.

Aparece originalmente en: Love and Other Demons (1996)

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When the Wind Blows
David Bowie

¿Cuando terminás de descubrir los grandes temas de Bowie? ¿Nunca? O, mejor dicho; ¿Alguna vez se termina de descubrir una discografía de cincuenta años de producción musical? Otro que tiene que ver con música para el cine. Este era el tema que abría el LP con la banda sonora de esta película, compartiendo cartel con Genesis, Roger Waters, Hugh Cornwell (de los Stranglers, claro) y Squeeze. Impresionante la melodía del Duque, la forma de elevar el estribillo a la estratósfera. Justo en una época en que no estaba en un gran nivel.

Aparece originalmente en: When the Wind Blows [banda sonora - varios artistas] (1986)

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Ondas de amor (Serenade)
Ennio Morricone

¿Un valsecito criollo? Una mejicaneada hermosa. Con voces y todo, a dúo, con hermosa armonía para su respectivo estribillo. Todavía para muchos Morricone es el de (imitar el chiflido obligatorio) Lo bueno, lo malo y lo feo y a lo sumo algún otro de los clásicos que musicalizó para las películas de Sergio Leone, a las que le puso la trucha Clint Eastwood. Es mucho más que eso. En su discografía, en el año '69 (por ejemplo) hay once títulos, en total hizo casi 400 bandas sonoras. La música de Tepepa no es de las más conocidas pero tiene un nivel muy parejo y no viene mal recordarla.

Aparece originalmente en: Tepepa (1968)

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Mott the Hoople - All the Young Dudes

A pesar de que ya tenían una identidad forjada, la mano de David Bowie para la época de All the Young Dudes fue un soplo de aire fresco para Mott the Hoople.
Vale recordar que, antes de la aparición del Duque Blanco, que en ese entonces disfrutaba del gran éxito de Ziggy Stardust, la banda estaba evaluando separarse. Bowie les iba a ceder una de sus canciones, ellos optaron por "All the Young Dudes" un himno rocker de letra sexualmente ambigua, ideal para el movimiento glam rock tan en boga en la primer mitad de los 70's. También iba a producir el siguiente álbum y los instaría a un aggiornamiento de imagen. Funcionó.

All the Young Dudes es un gran disco, la mano del productor pasa más bien desapercibida y ese es un gran acierto, a nivel sonoro (y lírico) la banda retoma la línea trazada en sus cuatro primeros trabajos; músculo, guitarras gordas, power chords a diestra y siniestra y la relectura del mejor Dylan que Ian Hunter patentó como propia. Bowie ya había hecho algo parecido con Lou Reed y su Transformer, elevando de la categoría de héroe de culto al ex-líder de Velvet Underground. Su "Sweet Jane" es la encargada de abrir este clásico, en una versión más osada, rockera. Un vistazo a los créditos revela que en Mott the Hopple eran democráticos a la hora de las composiciones, prácticamente todas las canciones son colaboraciones y "Momma's Little Jewel" tiene la firma Hunter/Watts, adornada con el saxo de Bowie, en uno de los tantos buenos momentos de la placa. En "Sucker" se lucen esos guitarrazos tan característicos de Mick Ralphs, alternados con unos riffs amenazantes del hammond de Verden Allen. A propósito, éste último firma otra de las grandes canciones de All the Young Dudes; "Soft Ground", sombría y paranoíca, condimentada por un gran arreglo de Ralphs en las seis cuerdas.

No solo fue un gran envíon para Mott the Hoople, también fue un mojón para el movimiento glam rock y significó giras agotadoras, groupies, drogas, peleas y todo lo que el éxito trae consigo. Después vendría Mott, otro gran disco conceptual sobre el ascenso, fama y caída de una banda de rock and roll (más autobiográfico imposible) y el lento e inevitable declive. Pero en el lustro -aproximadamente- en que funcionaron con todos los cilindros, Mott the Hoople dejó su impronta como una de las grandes bandas de la primer mitad de la década del setenta.








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David Bowie - Strangers When We Meet

¡Epa! ¿Cuántos temas de estos tiene El Duque? Se podría decir que este sí que es un tapado, al menos para mí, tuve este disco bajado toda la vida y, la verdad, no lo escuché nunca con atención hasta tenerlo en formato físico. Físico vs. Virtual... una discusión que ya hemos encarado más de una vez.

¿Depende o no una canción de su contexto? Sí y no. En el caso de "Strangers..." (el título no es un indicio de originalidad) aparece justo al final de un disco larguísimo, raro, retorcido y oscuro como es Outside y es un soplo de aire fresco después del manto negro que cubre el resto de las canciones. Un final feliz, digamos.

En realidad ya lo había grabado para The Buddha of Suburbia y ésta es una nueva versión. Fuera de su contexto, podría ser un tema radial de Bowie, podría sonar en FM Aspen sin desentonar demasiado con el resto de los temitas aptos para todo público. Bowie lo hizo otra vez. Sí señores.







Se puede escuchar online acá y es también el video oficial.

Encontrala originalmente en:
Atado a una época, a una década; los 90. Pero con miras al futuro, como el 90% de lo que hizo Bowie a lo largo de su carrera. Outside [nombre completo: 1. Outside (The Nathan Adler Diaries: A Hyper Cycle)] es un disco aventurero y sórdido. Tiene apenas tres temas pop: "Hallo Spaceboy", "I Have Not Been to Oxford Town" y "Strangers...". Un disco que tiene sus defensores acérrimos.
1. Outside (1995)

5 Canciones 5: Funkadelic, Last Shadow Puppets, Bowie, Peter Case y The Flirtations

Standing On the Verge of Getting It On
Funkadelic

Muchos conocen el tema en que Clinton le dijo a Eddie Hazel que toque como si su madre hubiese muerto, de Maggot Brain. Acá también, el guitarrista descolla, la pisa y la amasa. En uno de los discos más roqueros de P-Funk (otro podría ser One Nation Under a Groove, se me ocurre) y de la época en que George Clinton era el Rey de Midas; todo lo que tocaba -o casi- se convertía en oro. La traducción podría ser algo como "parado al borde de empezar a coger".

Aparece originalmente en: Standing On the Verge of Getting It On (1974)

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My Mistakes Were Made for You
The Last Shadow Puppets

Se puede decir que Alex Turner -de Arctic Monkeys- es la última gran estrella de rock de la era moderna, justo antes de la nebulosa extraña en que vivimos hoy en día, en que nadie compra un disco y nadie se gastaría -ni invertiría- la plata que hace falta para grabar un disco como el primero de su banda paralela, con Miles Kane. Cuando aflojan el nervio y el vértigo de ser Scott Walker por un instante es cuando el disco brilla de manera incandescente, como en este temazo. Brillante.

Aparece originalmente en: The Age of the Understatement (2008)

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The Secret Life of Arabia
David Bowie

¿Qué decir del Duque Blanco? Medir el peso de su gigantesca obra es imposible. Su influencia, sobre todo en músicas "subterráneas", su buen gusto, sus exploraciones... no hay mucho para aportar al respecto. Este temazo cierra el segundo disco de su famosa Trilogía de Berlín y es Bowie en su máximo estado de gracia y pureza. Una melodía marciana y una armonía más rara todavía. A pesar de eso el tema es perfectamente escuchable y hasta se podría decir que es pegadizo. La magia se hace presente.

Aparece originalmente en: "Heroes" (1977)

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Lost In Your Eyes
Peter Case

Siempre lo van a recordar por haber sido parte -y líder- de los Plimsouls, una de las grandes bandas de la era de oro del power-pop, pero como solista tiene un catálogo inmenso en donde da rienda suelta a su enciclopédico conocimiento de la música popular moderna. Bluegrass, rockabilly, baladas soul... todo le sale bien y con sello propio a Peter Case. Hasta algo bastante parecido a un tango, como este temazo de su séptimo disco de estudio como solista.

Aparece originalmente en: Flying Saucer Blues (2000)

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South Carolina
The Flirtations

El éxito de las Supremes, con Diana Ross a la cabeza, las Marvelettes, Vandellas, Gladys Knight y demás grupos de chicas con gusto a soul orquestado trajo un millar de imitadores. Algunos de cuestionable calidad y otros como las Flirtations, que tienen un disco debut buenísimo. La mayoría de las canciones del LP las escribe el dúo inglés Waddington / Bickerton. Éste no fue el single pero podría haber sido, con esa línea de bajo, las estrofas melancólicas y el estribillo emotivo. Temazo.

Aparece originalmente en: Sounds Like the Flirtations [también editado como Nothing But a Heartache] (1969)

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David Bowie - Ashes to Ashes

A esta obra maestra la conocí en la época en que todavía se usaba bajarse temas sueltos en vez de discos completos y, la verdad, no lo podía creer.

Uno de los temas enormes de Bowie tanto desde el punto de vista musical como desde el estrictamente lírico, desde el principio con el bajo ese medio pedorro pero que en la canción queda diez mil puntos, la estrofa, el cambio que hace antes de ir a parar al estribillo, el puente y, finalmente el esperadísimo estribillo, ese que te eleva a diez mil metros sobre el nivel del mar.

Por supuesto que el estribillo no "resuelve" de manera convencional y este es el gran chiste de Bowie para mi gusto, sus grandes canciones son pop, pop perfecto, sofisticado, pero van a parar a lugares que nosotros, los mortales jamás podríamos imaginar. Pero sí que lo disfrutamos... y mucho.






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Encontrala originalmente en:
Aparece en un disco clave en la carrera del Duque Blanco, justo antes de otro cambio de piel, antes del yuppie de Let's Dance y el descenso de Tonight y Never Let Me Down. Para algunos extremistas el último disco relevante que hizo. Eso podría tener sentido si no hubieran existido los dos últimos -enormes- discos de estudio que hizo antes de partir hacia la inmortalidad absoluta.
Scary Monsters (And Super Creeps) [1980]

Morrissey - Your Arsenal

Los Smiths habían sido la banda de guitarras más importante de la Inglaterra de los 80's, justo en una época que no se caracterizó por llevar las guitarras como estandarte. Su carrera solista había empezado bien; Viva Hate, los singles de la época pero de pronto… mucho, demasiado tiempo para darle una secuela adecuada. Incluso apareció una compilación de esas que tienen gusto a “bueno, a ver qué hago para ganar tiempo” y después… Kill Uncle que, sin ser un mal disco, no fue el que muchos esperaban.

Morrissey siempre fue un fan -y un propagador- del glam rock de principios de la década del 70. Es la música que lo hizo ser quien es, los New York Dolls, Bowie, T. Rex, the Sweet, etcétera. La elección de Mick Ronson como productor era lógica. El guitarrista más icónico de todos los que tuvo Bowie, el de los Spiders from Mars, de la época más querida y recordada de El Duque Blanco. Había también nuevos colaboradores, Morrissey siempre fue astuto a la hora de elegir laderos, no hace falta elogiar a Johnny Marr, todos sabemos lo que significa, pero esta vez el tándem guitarrero de Alan White (que aquí comparte los créditos de la mayoría de las canciones) y Boz Boorer no deja títere con cabeza.

Empezando con el arrollador "You're Gonna Need Someone On Your Side" con su introducción a medio camino entre el rockabilly y el spaguetti western modelo Morricone, Your Arsenal cubría las expectativas de todos. El rock de guitarras estaba de vuelta para quedarse y por supuesto que no faltaban los latigazos de la filosa lengua de Morrissey, un maestro en el manejo de la ironía. Los hits estaban por todos partes; "The National Front Disco" un verdadero himno, como solían ser "Panic", "There's a Light That Never Goes Out" o "Paint a Vulgar Picture", esas canciones gigantes de los Smiths, para corear en estadios, sin la chabacanería habitual en que suelen caer los temas para estadios. En "We Hate it when Our Friends Become Succesful" se burla con mucha altura de esa gente que se pudre de envidia cuando a un conocido empieza a irle bien, el estribillo es un “ha ha ha”, una risa de costado, sarcástica, envuelta en una progresión de acordes de esas que atrapan en la primer escucha. Después están esos mid-tempo irresistibles como "Certain People I Know" o "You're the One for Me, Fatty" (el que fuera el mayor hit de Your Arsenal) que tan bien le sientan a la voz de barítono de nuestro protagonista. El disco también acierta en esos temas largos, lentos y climáticos como "Glamorous Glue", "We'll Let You Know" y, sobre todo "Seasick, Yet Still Docked" que podría traducirse como “enfermo por el mar, y aun así, encallado”.

El disco acrecentó la estatura de Morrissey, sobre todo en Estados Unidos, en donde a los Smiths el éxito les había sido esquivo, e hizo que volviera a aparecer con frecuencia en los tabloides británicos, tan adeptos a las siempre polémicas declaraciones del cantante. A esta altura Morrissey ya era un clásico consagrado.






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Morrissey - Vauxhall and I

Iggy Pop - New Values

Cuentan que una vez se encontraron en un aeropuerto los Guns 'n' Roses con Nirvana, todos iban con sus séquitos y, al parecer, Cobain y Axl Rose se miraron feo o algo por estilo. Ahí fué que Courtney Love abrió su bocaza para proferir vaya-uno-a-saber qué improperios, o se cruzo con la modelo de turno de Axl, no importa. Lo cierto es que Rose no tuvo mejor idea que apelar a su ideología y lanzó un "shut your beach up!" dirigido al rubio frontman. La reacción instantánea de toda la gente que estaba del lado de los reyes alternativos fué una carcajada espontánea, humillante al máximo, incluso sin querer.
Traducido sería algo así como "decile a tu puta que se calle", por lo visto algo habitual en un banda y completamente ajeno en la otra. ¿A qué viene todo esto? No es todo lo mismo, amigos. La ideología importa y mucho, por más que no se haga bandera del asunto. Lo implícito, lo tácito es rock. O no.

Y eso es lo que diferencia a James Ostergberg de miles de rockeros que han intentado imitarlo a lo largo de los años, desde que partió la historia del rock 'n' roll de la mano del primer LP de The Stooges, allá lejos y hace tiempo. Un OVNI aterrizando en plena resaca hippie, a fines de los sesenta. Siempre fué distinto y tuvo algo para decir.
Funhouse... sin palabras, el número uno según Henry Rollins, incluso existe una caja que tiene todo lo que se grabó en las sesiones y consta de... ¡TRECE CDs!!! Después viene Raw Power y ahí ya podría haberse muerto tranquilo. igual tendría un lugar importante en todo este embrollo. Lo de siempre, reviente, años perdidos, nebulosa drogona y ahí es cuando reaparece David Bowie, alguien que le salvó las papas a más de uno. Chequear Mott the Hoople.

Iggy Pop sale al ruedo como solista con dos obras extraordinarias, definitivas; Lust for Life y The Idiot. Este último perteneciente a ese reducido grupo en el que conviven Astral Weeks, Artaud, The Soft Bulletin, What's Going On... momentos únicos e irrepetibles, mojones ineludibles en la historia de la música popular contemporánea. Después de Kill City (con James Williamson, otro ex-Stooges) viene este, New Values, casi en seguida, en el '79. Acá ya no está Bowie pero no es un problema, no se lo extraña para nada. Le pasa lo mismo que a Adventure de Television, por ejemplo, el único "problema" que tiene es que NO ES Marquee Moon, la eterna e ingrata comparación. ¿Querés un tema alienígena? Podés encarar sin miedo "The Endless Sea", podría intentar describirlo pero no quiero fracasar rotundo ni arruinar sorpresas. ¿Querés ironía y observaciones sociales corrosivas? Tenés "Girls", que sería la parodia de la anécdota reseñada en el primer párrafo, sino también está "Curiosity", casi al final, metiéndose con el tema del deseo como vehículo para la autodestrucción. Iggy siempre tuvo imagen de reventado, cualquiera podría pensar que fué el tipo más drogón del mundo, sin embargo su lucidez siempre fué algo a destacar. Tuvo discos malos, como cualquiera que tiene una carrera de más de cuarenta años, sin embargo sigue en pié y en muy buena forma, habiéndose dado el gusto de hacer de todo, salir del molde, probar y, sobre todo, ser Iggy Pop, una de las personalidades más fuertes de los últimos cincuenta años. En un mundo en donde los clones y las ovejas son la norma, no es poco.

¡Ah! Y en este disco están "I'm Bored" y "Five Foot One". Say no more.







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Iggy and the Stooges - Raw Power

La mezcla. Una parte esencial del proceso de grabación. El punto de conflicto de Raw Power, el tercer y último disco de estudio⁽¹⁾ de Iggy Pop y los Stooges. Hubo una mezcla inicial a cargo de David Bowie que nunca terminó de convencer a nadie, siempre se hablo de remezclarlo, finalmente se hizo, no se editó, se volvió a hacer, se editó, idas y venidas. Aburridísimo. James Williamson (guitarrista del disco) lo resume mejor: “…no hay mezcla, por arty o por lo que sea, que pueda ocultar el gran nivel de las composiciones y la forma en que está tocado el disco. Nada ha sonado como este disco ni antes ni después.” Y es muy cierto, Raw Power todavía patea como un burro, sigue teniendo músculo y puede evacuar una fiesta con invitados indeseados.

Es Iggy en el pico de sus poderes, es la base rítmica de los hermanos Asheton, esas canciones invencibles, los guitarras como serruchos, y, como a todo gran disco, lo rodea un halo de misterio, con miles de anécdotas de excesos, muchas de dudosa veracidad, pero la verdad indiscutida sigue estando al momento de los primeros segundos de "Search and Destroy".

Empezando con ese riff salvaje, totalmente descontrolado y ese solo introductorio de Williamson que es un cable pelado a punto de electrocutar a todos. Cuando entra Iggy a cantar es inolvidable: “Soy una chita caminando en las calles con el corazón lleno de Napalm. Soy un hijo fugitivo de la bomba nuclear ‘A’. Soy el tipo olvidado por el mundo, aquel que busca para destruir”. Si hay una manera de dejar las cosas claras desde el principio, pregúntenle a Iggy que seguro tiene algunas ideas. En "Gimme Danger" también, pasa algo parecido, es una declaración de principios en forma de canción, los Stooges estaban dispuestos a dejar cuerpo y alma por su arte, actuando temerariamente, en todo sentido. Es el toque Doors del disco. Iggy siempre se mostró fascinado por la figura de Jim Morrison y en esta balada sórdida lo muestra en otra faceta. "Your Pretty Face Is Going to Hell" tiene un sonido similar a la primer canción del disco; una guitarra podrida y machacante, una base rítmica monolítica y esta vez la voz es oir para creer: completamente desquiciado, afónico, gritando y aullando, La Iguana apelando a todo su repertorio de trucos, uno de los grandes cantantes de todos los tiempos, desbordado de personalidad y carisma. "Raw Power", el tema, empieza así: “Bailando al ritmo de los muertos-vivos, sueño liviano y bien lejos de la cama. El poder de la crudeza seguro vendrá corriendo en tu dirección.  No traten de decirme qué hacer, todo el mundo tratando de decirme qué hacer”. Nihilismo puro a unos años del estallido del punk rock. "I Need Somebody", un blues sucio y peleador, "Shake Appeal", "Penetration"… incluso "Death Trip"!!! Raw Power es impresionante, muy adelantado a su época y, como suele suceder, incomprendido por la gran mayoría.

Como todos sabemos, al cabo de unos años Strummer estaba declarando su amor incondicional por los Stooges en todos los medios, lo mismo los Ramones, Pistols, etc. Los Stooges se separaron casi en seguida, en medio de miles de problemas financieros, abandonados a su suerte por la compañía discográfica y en una espiral descendente de drogas y peleas internas. Iggy fue rescatado otra vez por Bowie al cabo de unos años, cuando ya estaba listo para recoger los frutos de su cosecha, ahí vinieron Lust for Life y The Idiot. Pero eso lo dejamos para la próxima.


⁽¹⁾ Los Stooges se reunieron para hacer un disco (The Weirdness) a mediados de la primera década de este nuevo milenio pero es difícil “acostumbrarse” a agregar un disco más a una discografía que permaneció intacta durante casi cuarenta años.







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Bryan Ferry - The Bride Stripped Bare

El eterno playboy y su quinto LP como solista. Un poco de recapitulación no viene mal. Bryan Ferry es, fue y será el capo, alma máter y fuerza creativa de una de las grandes bandas de la década del setenta; Roxy Music. Una que las hizo a todas, fueron exploradores sonoros, reyes del glam sin estar al borde de la caricatura, como les pasó a otros exponentes del género y astros del pop sofisticado con discos definitivos como Avalon o su hermano menor Flesh + Blood.

La banda se disuelve, quizás porque el considerable ego de Bryan Ferry le debe haber dicho algo como “bueno, ya está, es hora de que aparezca tu nombre en la tapa”. Lo cierto es que los primeros conatos en solitario convivieron amigablemente con los discos de Roxy Music, These Foolish Things, su debut “por afuera”, sale casi al mismo tiempo que Stranded, tercer álbum de la banda londinense. En el ’73. Tanto Foolish... como Another Time, Another Place eran discos de versiones, con una característica única; la elección del repertorio era cien por ciento idiosincrática. En el primero convivían sin drama los Beach Boys con Smokey Robinson o los Beatles con el clásico de Brill Building "It's My Party" y en el segundo estaba Dylan -una fijación de Ferry- al lado de "(What a) Wonderful World". Había una constante, la personalidad arrolladora del intérprete, su capacidad para hacer suyas las canciones, divertirse y conservar la elegancia y su aire de dandy decadente que siempre lo caracterizó.

En The Bride Stripped Bare también hay versiones pero, como para esta altura Roxy Music estaba a punto de extinguirse, tenía más tiempo y se puso a afilar la pluma. Es notable como fluyen las canciones, si no conocés los originales pueden pasar por temas propios sin mayores problemas. “Sign of the Times” y “Can’t Let Go” arrancan el disco y llevan su firma pero en seguida aparece “Hold On (I’m Coming)” de la dupla Porter / Hayes, famoso mundialmente por Sam & Dave. Otro acierto es incluir un “tapado” de J.J. Cale, “The Same Old Blues” y ni hablar de la versión de Al Green de “Take Me to the River”, que también hacían los Talking Heads. La deuda con Velvet Underground que tienen el ochenta por ciento de los músicos del mundo (incluso sin saberlo) está saldada con “What Goes On”, en una versión canchera al extremo, sobradora, un golazo en formato canción. ¿La sorpresa? "This Island Earth", al final, un temazo enorme.

Bryan Ferry tuvo más éxito como solista (a nivel ventas, claro está) que con Roxy Music, su banda de marcianos recién aterrizados. Sus discos son más accesibles, más aptos para todo público, pero nunca dejan de cumplir ciertos estándares de calidad a los que nos tiene acostumbrados. Aunque The Bride Stripped Bare es bueno para iniciarse, cualquier otro está bien. Ponele la firma.







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