Disco del Mes: Buddy Guy - Blues Singer

Buddy Guy
Blues Singer
2003










Silvertone Records / Jive / BMG

The Lemonheads - Car Button Cloth

Todos sabemos que los escándalos, las apariciones en revistas que no son de música y los flirteos con el jet-set no dejan de ser publicidad. Y la mala publicidad también vende discos. O vendía, mejor dicho, hoy los parámetros son otros. ¿Qué pasaba si Evan Dando no hubiese sido el pibe ideal para el poster de la adolescente que se niega a ser porrista? En una época andaba dando lástima con los hermanos Gallagher, sin tener demasiado que ver musicalmente, eran compañeros de drogas, de reviente. De hecho en este disco había una canción que se llamaba “Purple Parallelogram” que había sido compuesta por Dando y Noel Gallagher, en la habitación de un hotel. Al parecer el rubio carilindo ni se molestó en pedir permiso para usarla y el cejijunto no quiso saber nada. La sacaron de las siguientes ediciones.

Hay algo que es difícil de negar y es que Evan Dando era un muy buen escritor de canciones. Es cuestión de escuchar por ejemplo “Break Me” para entender dónde estaba el chiste con los Lemonheads. En plena fiebre del grunge y de la angustia existencial de la llamada Generación X, había un tipo que sabía bajar los decibeles, contar una historia y mostrar un costado sensible y vulnerable que no muchos tenían a mano.

Car Button Cloth es el séptimo disco de estudio de los Lemonheads, el que viene después de dos bombazos. En It's a Shame About Ray, el quinto LP, ya mostraban algo muy distinto a lo que venían ofreciendo y la rompieron, ayudados por los videos y la MTV, vale decirlo. Acá ya habían pasado por varias turbulencias, es el disco en que cuentan cómo fue que sobrevivieron a la fama y su tornado de almas. Por lo visto quedaron algunas heridas, como queda claro en temas como “Losing My Mind”, que no tendría nada que envidiarle a la tristeza oscura de bandas como Alice In Chains o Nirvana. Con la diferencia de que estos sabían hacer canciones. Agarrar las acústicas y pelar un estribillo folkie,  luminoso. “The Outdoor Kind” es un temazo, él le cuenta a la chica que conocío que, en realidad, no es de esas personas a las que les gusta hacer actividades al aire libre, que si se va de campamento tiene miedo de perderse algo en la tele. Con su chiste y su lectura entre líneas termina siendo casi un retrato generacional, el tema es de Tom Morgan, un amigote, cantante y líder de los australianos Smudge. De todas maneras es difícil imaginar a Evan Dando armando una carpa o prendiendo un fueguito. “Something’s Missing” es ese punk pop que tan bien les había salido en los discos anteriores, con desafinaciones incluídas, bien a tono con la época, las guitarras están en once, los vúmetros al rojo vivo, pero si despojás a la canción de su vestimenta, es una de esas que funcionarían perfecto con una voz y una guitarra.

Tiene un cover de los Vaselines y otro de los Louvin' Brothers (los de Satan Is Real) que sirven para mostrar cierta apertura mental no tan frecuente en aquellos años. Después de Car Button Cloth hubo un largo parate, diez años sin sacar música nueva. Otra de esas historias que quedarán pendientes, para la próxima.







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Chequear también:
The Lemonheads - Come On Feel the Lemonheads
Epic Soundtracks - Sleeping Star
Evan Dando - Baby, I'm Bored

5 Canciones 5: Bluetones, Louis Armstrong, Pink Floyd, Toad the Wet Sprocket y The Jazz Butcher Conspiracy

4 Day Weekend
The Bluetones

Algunos temas ya te lo hacen fácil desde el título mismo. Digamos que te predisponen para que te pongas de su lado. ¿Quién no quiere un fin de semana de cuatro días? Tiene mucha fuerza, esto podría describirse como una cruza imposible entre los Stone Roses de Second Coming con Geddy Lee (de Rush, por supuesto) en la voz líder.

Aparece originalmente en: Return to the Last Chance Saloon (1998)

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The Easy Part's Over
Louis Armstrong

Para algunos escuchar al gran Louis Armstrong haciendo un disco de versiones country es un idea ridícula. Algo de cierto hay, no deja de ser una curiosidad. Si te dicen que los Stones tienen un disco reggae... ¿no corrés a escucharlo? O que los Ramones de repente hicieron un disco de folk inglés. ¿Por qué no delirar un poco? Además este disco existe y es, paradójicamente, el último LP de estudio que grabó en su vida.

Aparece originalmente en: Louis 'Country & Western' Armstrong (1970)

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Paintbox
Pink Floyd

¡Que temazo por favor! Relegado a la cara B de un single, del ultra-barretiano "Apples and Oranges". Empiezan a surgir las preguntas... ¿Qué pasaba si lo dejaban componer más a Rick Wright? ¿Podria haber sido prolífico, como para componer más canciones? Podríamos haber zafado de ciertos bodrios, The Final Cut, por ejemplo. Esto es psicodelia inglesa cien por ciento, es lo que tomaron más tarde los XTC con los Dukes of the Stratosphear. Es una maravilla caleidoscópica de tres minutos y fracción. La letra es un tema aparte, merece atención, una breve cita: "abrí la puerta de un cuarto vació y después me olvidé".

Aparece originalmente en: cara B del single (1967) más tarde apareció en el compilado Relics (1971)

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Something's Always Wrong
Toad the Wet Sprocket

De alguna manera quedaron en la historia (¿quedaron?) como unos R.E.M. de la B, de segunda categoría. Un poco injusto el asunto, seguramente debe haber influído el nombre espantoso, impronunciable a menos que el inglés sea tu lengua nativa. Y aun así... Tenían un montón de canciones buenas, nobles, un sonido característico, siempre con ese colchón de acústicas y esa melancolía tan de los noventa.

Aparece originalmente en: Dulcinea (1994)

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Mr. Siberia (21^st Century Winter)
The Jazz Butcher Conspiracy

Esto es parodia, no puede ser otra cosa. Pero con conocimiento de causa. Como los Monty Python cuando hicieron el documental de los Beatles. Acá la gastada va para Massive Attack, Portishead y compañía. La letra, la música, una genialidad, cualquiera que conozca un poco al gran Pat Fish (el hombre detrás de todas las encarnaciones de The Jazz Butcher) va a reconocer su acidez y su sentido del humor corrosivo.

Aparece originalmente en: Rotten Soul (2000)

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5 Canciones 5: Mercedes Sosa

Oración al sol

Cantanta sudamericana. Disco conceptual. Acá se intenta una suerte de muestrario de la música popular al sur del río Bravo, con letras y música de Félix Luna y Ariel Ramírez, respectivamente. La "Oración al sol" es música andina, los Incas en la voz de Mercedes Sosa, con un arreglo para la ocasión. No era un género que encaraba con frecuencia, pero cuando lo hacía, como en este caso, era con un nivel impresionante.

Aparece originalmente en: Cantata sudamericana (1972)

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Marrón

Otro registro, otra manera de cantar. Los nenes pobres que se pelean por un rayo de sol, la vida en una villa miseria y su tristeza agobiante. No estoy seguro pero creo que esta canción fue compuesta para este disco, por la actualidad de la letra y los créditos de composición. Tiene un arreglo estilo Miralles, en los discos de la segunda mitad de la década del sesenta de J.M. Serrat.

Aparece originalmente en: A que florezca mi pueblo (1975)

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La arenosa

"Arenosa, arenosita, mi tierra cafayateña", uno de esos versos reconocibles al instante. La canción del Cuchi Leguizamón dejó de ser suya para siempre apenas la grabó Mercedes Sosa, pasando a ser del pueblo, de los ciudadanos del mundo. En este mismo disco hay una versión de "Balderrama" y otra muy hermosa de "El violín de Becho" de Zitarrosa. A esta altura ya era una estrella internacional y sus discos se editaban en Europa, Estados Unidos y hasta Japón.

Aparece originalmente en: Hasta la victoria (1972)

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Palomita del valle

Música del gran Eduardo Falú y letra de Ernesto Sábato. Este tema aparecía originalmente en el disco en que colaboraron, Romance de la muerte de Juan Lavalle, en donde Mercedes aparecía como invitada. Hermosa intruducción de guitarra, una vidala. Cuando entra la voz es una tormenta, un poder liberado a los cuatro vientos. "Hallarás la sangre, vidalita de mi pecho herido". Lo canta en su registro más agudo, algo no muy habitual.

Aparece originalmente en: Hermano (1966)

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Alfonsina y el mar

Clásico absoluto del cancionero popular, fue compuesta especialmente para este disco, igual que el resto de sus canciones, por la dupla Luna / Ramírez. La introducción de piano es de una belleza abrumadora, La interpretación vocal es de una delicadeza extraordinaria. Bien podría ser éste tema el elegido para mostrarle a alguien que jamás escuchó a Mercedes Sosa, a alguien que quizás venga del espacio exterior. "Si llama él no le digas nunca que estoy, dí que me he ido".

Aparece originalmente en: Mujeres argentinas (1969)

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Video de la Semana: Chris Bailey - Everything I Need

Christopher James Mannix Bailey (1957 - 2022)

De su extraordinario disco solista 54 Days at Sea, del '94.

The Who - Tommy

Lo primero que llama la atención es el lugar preponderante que ocupan las guitarras acústicas. En "Underture" están todos los temas que van a aparecer más adelante, a lo largo de la obra. Claro, es una ópera rock y en las oberturas tradicionales se exponen también los motivos principales. Y no hay voces, acá hay muy pocas.

Si bien la primer ópera rock fue S.F. Sorrow de los Pretty Things, los Who ya habían sido pioneros en el asunto con "A Quick One (While He's Away)", uno de los temas del segundo LP de estudio, cuando viendo que se quedaban cortos en cuanto a duración, decidieron armar ese Frankenstein musical.

“Es un niño Ms. Walker, un hijo”. Clásico. ¿De qué va el conflicto? Es rebuscado pero vale la pena hacer un intento de resumen. Un niño abusado se vuelve ciego, sordo y mudo, como escudo para poder sobrellevar la tragedia. Más adelante demuestra ser una suerte de mago de los flippers. Su impresionante habilidad lo convierte en un ídolo de masas y hasta llega a fundar su propia iglesia. Como el noventa por ciento (o más) de la producción artística de la humanidad, es un reflejo, hay mucho de auto-biografía y exorcismo de demonios en Tommy, el disco que convirtió a The Who en super-estrellas, casi de la noche a la mañana.

Merecidamente. En Tommy se alinean todos los planetas. Pete Townshend con la pluma afiladísima, convirtiendo el dolor en humor, pocos mencionan la enorme cuota de humor que derrochan estas canciones. ¿Habrá algo más doloroso que el abuso sexual de un menor? Probablemente no. ¿Cómo tratan el tema los Who en Tommy? Con "Uncle Ernie" y "Fiddle About", dos de los temas más divertidos e irónicos del catálogo de la banda inglesa. Hay cuelgue y psicodelia pero sobre todo rock, mucho rock. "Amazing Journey" y "Sparks", que en vivo se extendían por más de diez minutos, en zapadas de altísimo vuelo, son ejercicios de creatividad impresionantes. Es una banda llevando al extremo un formato, un género. Sin caer en ciertos excesos que más tarde terminarían apareciendo en el rock, casi por decantación. Otra gran virtud de Tommy es que, podés no tener la menor idea del enorme y agobiante andamiaje conceptual, e igual pasarla veinte puntos. Simplemente escuchando la música. El sonido de la voz humana incluso, sin saber qué es lo que canta Roger Daltrey, acá es donde finalmente encuentra su voz como cantante, pasando del susurro y la dulzura al aullido estridente, sin mayor dificultad. Entendió todo y cantó partes que Townshend ni en sueños hubiese podido interpretar. Ni hablar de Entwistle y Keith Moon, dos tipos con quienes, si te gusta escuchar rock, no te vas a aburrir jamás.

Hasta el cover de Sonny Boy Williamson cae como anillo al dedo, "Eyesight to the Blind", irreconocible con respecto al blues original. Acá está el Padre Nuestro del rock ‘n’ roll, en "We’re Not Gonna Take It", el momento epifánico de la obra, aquello de “a través tuyo comprendo la música, con vos entiendo la historia…” que en realidad aparece primero en "Go to the Mirror!" y después se repite, con otro nivel de intensidad.

Quizás se puede reprochar que algunos temas o los "separadores" musicales, no tienen más función que ayudar a cerrar el concepto, pero en todos hay algo que vale la pena escuchar, algún detalle que confirma que esta era una banda que se estaba prendiendo fuego al momento de registrar estas canciones. ¡Y todavía estaban por venir Who's Next y Quadrophenia!







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Chequear también:
The Who - Live at the BBC
The Who - The Who By Numbers
The Who - Live at the Isle of Wight Festival 1970

Slade - L.A. Jinx

Acá "compré" en seguida, escuchando esa línea de bajo. La que suena en las estrofas, cuando Noddy Holder aúlla eso de "Hurra! Los demonios han tenido su día, el voodoo ya tuvo su momento...", Jim Lea se la juega con unos arreglos que no tienen mucha relación con lo que todos conocemos de Slade.

Incluso se puede decir que es demasiado fino para ellos. ¿Sabías que Lea, el bajista, era el capo musical de la banda?

Cuando entran los guitarrazos en el estribillo ya estás de rodillas, solamente Noddy Holder puede competir con el quilombo que está haciendo la banda y asomarse por encima del ruido, con esa voz que es un huracán de volumen.






Se puede escuchar en YouTube acá.

Encontrala originalmente en:
Para mi gusto el último disco valioso de Slade, algunos se estiran uno más, hasta Whatever Happened to Slade y hay gente que se banca lo que vino en los ochenta. Acá hay una variedad musical inédita en la banda de Wolverhampton. Como mínimo hay seis temazos inapelables, pero ningún super hit, de esos temas de ellos que todo el mundo conoce. 
Nobody's Fools (1976)

The Romantics - In Heat

A veces pasa. In Heat me acompaña desde hace años, lo escucho mucho los Viernes o los días en que quiero un poco de acción. Pero no sé absolutamente nada de ellos. Ni cómo se llaman los músicos, ni de dónde provienen, ninguno de esos datos que sólo a cientos marcianos musicales nos importan. Sí me tomé el trabajo de escuchar otros discos y también tengo el primero, que es muy bueno, pero no me gusta tanto como este. Acá hay magia. O algo parecido.

¿Acaso el humor tiene que ver con la música? Eso se preguntaba Zappa mientras hacía rato que venía haciendo discos de comedia. Tiene que ver, hay que manejarlo con mucho cuidado pero se puede. Si ves un video de los Romantics lo vas a entender en seguida. Es caminar sobre una línea muy delgada, podés quedar como un estúpido sin que te des cuenta. No es el caso de ellos, están al borde, al límite, pero nunca terminan embarrándose.

La unidad conceptual que hay en este disco es admirable. ¿Habrá sido muy planeada o más bien espontánea? ¿Serían tan inteligentes? Todos los temas se relacionan perfecto, hay algo que podría considerarse “variedad musical” incluso. Uno de los temas por los que muchos los recuerdan es “What I Like About You”, incluído en el primer disco, un cachetazo de power pop canchero a más no poder, una relectura de aquellos temas de los Kinks tipo “You Really Got Me” o “All Day and All of the Night”. De esos hay un par acá. “Love Me to the Max” (¡que título!) o “Got Me Where You Want Me” podrían ser continuadores de ese sonido infalible. Fiesta, a bailar se ha dicho.

El super éxito de In Heat fue “Talking In Your Sleep”, que todavía hoy suena en algunas radios. Tiene un par de decisiones acertadas, la línea de bajo, la entrada de batería, los cambios de acordes... incluso la producción, muy de la época, envejeció bien, a diferencia de cosas similares. La cosa queda clara desde el principio mismo, con “Rock You Up”, te vamos a rockear, te vamos a dar vuelta con nuestra música. La letra es payasesca, ridícula por donde se la mire y sin embargo, funciona. Tiene un cover muy bien elegido y es “Open Up Your Door”, de Richard and the Young Lions, unos one-hit-wonders de los sesenta (están en los Nuggets) y también hay otra espectacular de “Shake a Tail Feather” que, si no le pasa el trapo a todas las que se han hecho, pega en el palo y sale afuera. A bailar el twist, el pato y, ya que estamos, el watusi. Los Romantics te lo ordenan.







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Chequear también:
The Records - Shades In Bed
20/20 - Look Out!
The Knack - ...But the Little Girls Understand

5 Tapas 5: Criaturas de la Noche (pt. 4)

Con: Klaus Schulze, The Norman Haines Band, The Dramatics, Pete Dello and Friends y The Residents.

5 Canciones 5: Jorge Cafrune, Ike & Tina Turner, Decemberists, Pearls Before Swine y White Water

Aguardiente cariñoso
Jorge Cafrune

Esa forma de tocar la guitarra... inconfundible. Temas sobre tomar alcohol, sobre ponerse en pedo, sobre escabiar, para decirlo con todas las letras. "El pobre chupa de encono y el rico de ligereza..." estos tipos tiraban esas frases de filosofía zen, sin que se les moviera un pelo, uno daría cualquier cosa por tener un décimo de la sabiduría que pelaban tipos como Cafrune, Larralde o Atahualpa.

Aparece originalmente en: Lindo haberlo vivido para poderlo contar... (1971)

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You Are My Sunshine
Ike & Tina Turner

Funk duro, en realidad esta canción ya la habían grabado en el '64, ya tenía casi una década cuando reaparece en Nutbush City Limits y es uno de los pocos covers del disco, el otro es una nueva versión de "River Deep, Mountain High". Tina la canta con alma y vida, a puro corazón, como casi siempre, Ike Turner hace lo suyo con esa guitarra rítmica atrás, que es una máquina de groove grasienta y aceitada.

Aparece originalmente en: Nutbush City Limits (1993)

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The Hazards of Love 2 (Wager All)
The Decemberists

Al principio no hay grandes diferencia con lo que ya conocíamos de los Decemberists, una buena canción, acústica, adentro de otro disco conceptual sobre los peligros del amor. El aire épico se puede ir adivinando, se ve venir. Y llega, claro. Este disco tiene unos toques de heavy metal que son una verdadera sorpresa, rarísimos pero quedan bien, de alguna manera los hacen encajar. No están en este tema particular, no los necesita.

Aparece originalmente en: The Hazards of Love (2009)

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Ring Thing
Pearls Before Swine

Algunos se empeñan en describir a la banda de Tom Rapp como folk y puede que algo de eso haya. Este temazo del segundo disco de estudio es imposible de encasillar. ¿Música para rituales satánicos en el Vaticano? A los dos minutos y medio frena y aparecen unos ruiditos como de radio mal sintonizada, que bien podrían no haber estado. El hallazgo es el clima siniestro que se plantea al principio. La letra es un extracto de Tolkien y El Señor de los Anillos.

Aparece originalmente en: Balaklava (1968)

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Storm In My Soul
White Water

Olor a Traffic, hay un evidente parecido de la voz líder con Steve Windwood y su costado de soulman. Esta gente sacó sólo un disco de estudio, antes de desaparecer sin mayor rastro de la faz de la tierra. Seria otra de las bandas que mezclaban rock con instrumentos de bronce, a la manera de Blood, Sweat & Tears o Chicago. Acá hay buenas canciones, está muy bien grabado. No será sufienciente para quedar en la historia. Al menos quedó Out of the Darkness, ahí, para quien quiera chequearlos.

Aparece originalmente en: Out of the Darkness (1973)

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Video de la Semana: Paul Kelly - Sonnet 18

De Seven Sonnets & a Song, EP del 2016 del prócer australiano Paul Kelly, quien esta hoy igual o más activo que nunca. Un capo.

Disco del Mes: Miles Davis - In Concert

Miles Davis
In Concert
1973










Columbia / CBS

5 Canciones 5: Richard Lloyd, The Velvet Underground, David Bowie, Ed Kuepper y Hanoi Rocks

Number Nine
Richard Lloyd

Si algo llama la atención en el primer disco solista del ex-Television, es la total falta de pretensiones arty que sí tenía su banda anterior. Esto es palo y a la bolsa, a divertise, sin ser tonto o simplón, al contrario, tiene su sofisticación. ¿Alguien dijo The Strokes? Escuchando este temazo puede surgir ese nombre. Velocidad, guitarras, una onda medio power pop y un cierto parentesco con bandas como The dB's o The Feelies.

Aparece originalmente en: Alchemy (1979)

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Guess I'm Falling In Love
The Velvet Underground

¡Qué energía! Hermoso cachetazo del rock más canchero posible, de la mano de la banda que lo inventó, se podría decir. Habría que ir dejando de lado aquel viejo lema que dice que las bandas que se reúnen están condenadas a la intrascendencia. Los años nos han demostrado lo contrario, con casos como el de Dinosaur Jr. o Slowdive. El sólo de guitarra parece detenido en el tiempo, un tiempo en que Velvet Underground le pavimentaba el camino a la mitad más uno.

Aparece originalmente en: Live MCMXCIII (1993)

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You Feel So Lonely You Could Die
David Bowie

Cuando salió The Next Day, los fans (que no es lo mismo que 'fanáticos') se ubicaban en diferentes veredas. Yo era un escéptico, más por miedo y soberbia de adolescente tardío que otra cosa. Después, mucho después, cuando realmente lo escuché no lo podía creer. ¿Cómo hizo Bowie para sacar de la galera un disco así? Si uno se pone a pensar, en realidad, nunca se fué. Qué pavada aquello de que Scary Monsters era su último gran disco, era cuestión de abandonar la pereza y sentarse a escuchar, con tiempo y dedicación, como El Duque lo merece. ¿Y esto? Esto es un milagro de canción, tiene la melancolía, esa sensación que solo él transmite, de que está diciendo algo importante, el título de movida ya es extraordinario. Del desarrollo melódico, de cómo la canta, de los cambios de acordes y de la atmósfera mejor ni hablemos.

Aparece originalmente en: The Next Day (2013)

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Everything I Got Belongs to You
Ed Kuepper

Co-fundador de una banda histórica, nada menos que The Saints, junto al gran Chris Bailey, leyendas de los confines del mundo, en Australia, para ser precisos. Canciones de entrega, de amor incondicional, ahí podría ubicarse este temazo, tarea nada fácil, hay que caminar encima de una línea muy delgada. Kuepper siempre supo manejarlo bien a ese asunto, en su larga y prolífica carrera solista.

Aparece originalmente en: Today Wonder (1990)

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Ice Cream Summer
Hanoi Rocks

Temazo del tercer disco de estudio de los finlandeses, cuarto si contamos la compilación de singles Self Destruction Blues. Producido por dos ex-miembros de Mott the Hoople (la duple Griffin / Watts) la banda de Michael Monroe, Andy McCoy y compañía se manda con uno de esos que son difíciles de olvidar. Una oda a un romance de verano, con una onda de rock de los cincuenta, con sus coros, teclados y saxo para la ocasión.

Aparece originalmente en: Back to Mistery City (1983)

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Gorillaz - Plastic Beach

“La revolución no será televisada” canta Snoop Dogg en “Welcome to the World of Plastic Beach”, parafraseando al gran Gil Scott-Heron, el primer tema cantado, rapeado en realidad, de Plastic Beach, tercer disco de estudio de Gorillaz, la banda virtual, el invento genial de Damon Albarn y Jamie Hewlett.

En su momento hicieron que muchos prejuiciosos pusieran el grito en el cielo, tipos quejándose y diciendo que esta no es forma de presentar una banda y demás acusaciones que no tenían mucho que ver con la música en sí. Puede que esa haya sido la premisa inicial atrás de esta idea; hacer que los que todavía piensan en ese tipo de cuestiones se alejen, de entrada, de movida.

Esto es una genialidad, Bashy y Kano, invitados a rapear en un tema que mezcla flautas, música clásica, un crescendo orquestal alucinante… no cualquiera se animaría a una fusión como esta, acá hay algo que no se ha hecho anteriormente, si te cuesta clasificarlo o acomodarlo dentro de un esquema, ese es tu problema. Este es un mundo de fantasía en donde todo está permitido. La voz de Albarn recién se escucha en el cuarto tema, “Rhinestone Eyes”, uno de los pocos en donde no hay invitados, en realidad la voz del ex-Blur está ahí, medio disfrazada con un vocoder, o algún otro efecto deformador. ¿Cómo hacen para conseguir a toda esta gente? ¿Arriesgamos una respuesta? ¿Por qué no? Cualquiera con dos dedos de frente puede darse cuenta de que esto es una pequeña revolución. ¿Quién va a negarse a participar? Es agarrar el hip hop y sus novedades y mezclarlos con la ideología, la manera de pensar “tradicional” del rock y del pop. Una alianza improbable entre lo que parece imposible de mezclarse, acá queda claro que no es así. “Stylo”, uno de los cortes de defusión, con Mos Def al micrófono, es Bowie para el siglo veintiuno, ni más ni menos. ¿De La Soul y el líder de los Super Furry Animals? ¿En la misma canción? Sí señor, y qué bien queda ese estribillo luminoso, en donde el tema se abre y muestra sus posibilidades.

Y el baile recién empieza, si seguís escuchando, en un disco al que cuesta sacarle la atención de encima, te vas a encontrar con Mark E. Smith, alma máter de The Fall, una figurita difícil si las hay, nada menos que Lou Reed, haciendo lo suyo en “Some Kind of Nature” y hasta el gran Bobby Womack, super astro del soul, quién resurgió de las cenizas de la mano de Albarn, productor de aquel discazo-despedida que fue The Bravest Man in the Universe. Nunca deja de sonar un halo de melancolía, en “Empire Ants” vuelve el Albarn triste y melancólico que habíamos escuchado en Everyday Robots, pero entra la banda y puede escucharse una fiesta al mejor estilo Flaming Lips. El futuro ya llegó, hace rato.







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Chequear también:
Gorillaz - Demon Days
Damon Albarn - Dr. Dee
The Good, The Bad & The Queen - Merrie Land

Echo and the Bunnymen - History Chimes

Que no te agarre con la guardia baja. Te puede dar un golpe fuerte al cuore.

Me gusta pensar que los Bunnymen, o lo que quedó de ellos, tenían más o menos la edad que tengo ahora cuando hicieron "History Chimes", una de las canciones más preciosas que escuché en mi vida.

La tenía bajada en mp3's, conseguir los discos de ellos fué una tarea ardua, llevó años y a este lo conseguí hace poco, igualmente el tema estaba impreso en mi ADN, de por vida.

Me gusta mucho la voz de madura de Ian McCulloch, siempre fué un buen cantante, quizás no tan bueno como él creía. Admito que jamás le dí bola a la letra, todavía no sé bien de qué va el asunto, en una parte dice algo como "hasta mañana, pero ese es otro momento, otro momento problemático" y con eso me basta.






Se puede escuchar en YouTube acá.

Encontrala originalmente en:
Extraordinario título. Acá hay un cambio, radical, no sólo con respecto a los primeros cinco dorados de Echo and the Bunnymen, incluso comparado con Evergreen, el anterior. Cómo hicieron para ir a parar a esto es la gran pregunta. Tan grande como esa de... ¿Qué es lo que vas a hacer de tu vida?
What Are You Going to Do With Your Life? (1999)