martes, 20 de enero de 2009
The Flaming Lips - Yoshimi Battles the Pink Robots
La pregunta que se habrán hecho a la hora de encarar el sucesor del aclamado Soft Bulletin puede haber sido “¿Y ahora qué hacemos?”. Después de diez discos de pop retorcido, juguetón, ruidoso e innovador, es probable que la respuesta haya sido; “Bueno, hagamos otro gran disco”.
Yoshimi Battles the Pink Robots es un triunfo en varios apartados, haber grabado un excelente LP que sigue a una obra maestra. O seguir consecuentes con una carrera y un sonido sin alejarse de lo que la banda significa.
Wayne Coyne, líder y cabeza visible del grupo, es el Brian Wilson del nuevo milenio, porque lo que consiguen con cada una de las composiciones puede entrar dentro de lo que el genio de los Beach Boys denominaba “Sinfonías para Adolescentes”, con todos los condimentos y adelantos tecnológicos brindados por la tecnología actual. No hay que olvidar que todo el arsenal de recursos desplegados en el estudio de grabación, que son muchos y muy atractivos, son sólo un agregado extra, un poco de almíbar auditivo ya que las canciones de Yoshimi Battles the Pink Robots se sustentan por si solas y podrían funcionar a la perfección con una voz y una guitarra acústica.
El balance entre experimentación y clasicismo pop es otro de los puntos clave, cuando las secciones instrumentales mas disparatadas parecen estar a punto de caerse a pedazos, aparece una canción inolvidable como sucede en los primeros compases de "In the Morning of the Magicians", una brisa de aire fresco que contrasta cierta brusquedad producida por la búsqueda sonora del anterior. Lo mismo pasa después del paseo intergaláctico que propone "It’s Summertime", cuando los primeros acordes de "Do You Realize??" nos dejan vislumbrar una de las grandes canciones en lo que va del siglo. No estaría fuera de lugar en cualquiera de los grandes discos de Neil Young de la década del setenta, de hecho la voz de Wayne Coyne tiene mas de un punto en común con el canadiense.
Freak Out de Zappa, Sgt. Peppers o Skylarking de XTC tenían grandes pretensiones conceptuales como punto de partida, pero al igual que lo que sucede en aquellos discos legendarios, en Yoshimi… aquel criterio conceptual es difuso y puede reconocerse en apenas cuatro o cinco canciones. Igual funciona como unidad, tiene sentido escucharlo completo. Se va perfilando lentamente como un clásico, como un mojón a superar y seguramente, muchos están en sus habitaciones intentando aprender las canciones o maravillándose con las sorpresas sonoras que deparan los Flaming Lips en esta entrega.
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Chequear también:
The Flaming Lips - The Soft Bulletin
Mercury Rev - Deserter's Songs
Spiritualized - Ladies and Gentleman, We're Floating In Space
jueves, 3 de marzo de 2022
Video de la Semana: The Flaming Lips - Will You Return / When You Come Down
De American Head, del 2020, disco de estudio número dieciséis de los Flaming Lips, a esta altura, clásicos indiscutidos.
miércoles, 20 de enero de 2010
5 Canciones 5: Waterboys, 20/20, Aquelarre, Elvis Brothers, Flaming Lips
The Waterboys
Alejándose de la megalomanía del período de This Is the Sea, más cerca de la cultura celta y el rock de raíces. Mike Scott y compañía aprendieron que la sutileza puede ser una aliada. Los instrumentos son muchos pero todos contribuyen a crear un clima, nostálgico, muy sentido.
Aparece originalmente en: Room to Roam (1990)
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20/20
Pop perfecto y cierto aire disco en esta joya de una de las bandas insignia del power-pop de fines de la década del 70 / principios de la década siguiente. Imposible no sentirse atraído por los coros y las líneas de bajo, precisas y casi bailables. Aparece en Look Out!, el infravalorado segundo LP de estudio de 20/20.
Aparece originalmente en: Look Out! (1982)
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Aquelarre
"Si las luces se cruzan al azar, es mentira el silencio marginal, de tu seguridad, el miedo de una noche, que la naturaleza tiene en vos" decía el segundo tema del tercer disco de Aquelarre. Pintando con una poesía hermética el convusionado momento socio-político de aquellos años. La música es todo lo contrario; mostrando la destreza acústica de un grupo que no conocía límites en cuanto a ejecución y originalidad compositiva.
Aparece originalmente en: Brumas (1973)
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The Elvis Brothers
En esta canción se acercan más a Buddy Holly que a Mr. Elvis Aaron pero en el resto del disco los "falsos hermanos" (a la manera de los Ramones, portaban el mismo apellido) se pasean por varios estilos. Siempre fieles a la idea de diversión, de fiesta. Una banda que merece más reconocimiento del que tiene.
Aparece originalmente en: Movin' Up (1983)
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The Flaming Lips
Una obra maestra dentro de un disco del que algún día se escribirán páginas enteras. Las lecciones de Jesus and Mary Chain con la distorsión guitarrera más sucia, más la batería en el estilo de Bonham y un cantante alla Neil Young / Jon Anderson. Son una muestra de cómo exceder las influencias, cómo apoderarse de un legado y ser completamente originales sin perder fuerza.
Aparece originalmente en: In a Priest Driven Ambulance (1990)
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miércoles, 2 de enero de 2019
Video de la Semana: The Flaming Lips - Christmas at the Zoo
Del excelente Clouds Taste Metallic, séptimo disco de estudio de los Flaming Lips.
domingo, 21 de junio de 2026
The Flaming Lips - The Gash
Nunca olvidaré cuando escuché este disco por primera vez. Hacía poco que había salido y me lo trajo mi viejo de España, junto con Veedon Fleece de Van Morrison, porque en aquel entonces estaba enloquecido con Nick Cave y más de una vez lo había eschado decir que ese era su disco favorito de Van the Man. Y Slow Train Coming, de Dylan!
Cuando lo puse y estalló esa batería, seguramente previa pasada por las bondades del cannabis, aluciné. Acá había algo nuevo. Y a la vez remitía a cosas viejas que me gustaban mucho como Neil Young, Pet Sounds e incluso Yes. Después supe que tenían un montón de discos antes, que venían de hace rato, de modo que fuí uno de los tantos ciudadanos del mundo que se enteró de la existencia de los Flaming Lips por el éxito unánime de críticas que fué en su momento The Soft Bulletin. Sí, en aquel entonces yo todavía le daba bola a la prensa musical, compraba revistas y me la pasaba incorporando data con una voracidad que hoy admiro y añoro.
"The Gash" resume la revolución psicodelica alegre, nerviosa y un poco naïf que proponían ellos ya desde "She Don't Use Jelly", el primer indicio de que la iban a pegar. Es ese momento del vieja en que entra la duda, en el que necesitás ayuda en caso de invalidez. La herida, el tajo, es la lucha por la salud mental que menciona en ese estribillo en que parece que todo va a estar bien. SIEMPRE.
Podés escucharla en YouTube.
Tengo varios de los anteriores, Hit to Death... tenía hasta hace poco In a Priest Driven Ambulance, conservo también Transmissions from the Satellite Heartbeat (el que tiene "Jelly...". Discos que algunos veneran y los hacen mirar de reojo esta etapa "popular" y de reconocimiento de sus loser-héroes. A mi el único que me provoca algo es Cloud Taste Metallic. Y hasta por ahí nomás. Por Bulletin y Yoshimi... pongo las manos en el fuego. He dicho. JA!
The Soft Bulletin (1999)
domingo, 8 de septiembre de 2024
5 Canciones 5: Black Sabbath, Marley, Motorpsycho, Tim Maia y Thin Lizzy
Black Sabbath
Está bien, sí, concedido. En la época de Ozzy había algo que no se podría definir ni explicar. No nos pongamos metafísicos, pero algo de magia, de gente tocada por una varita mágica... algo de eso anduvo dando vueltas. Y lo mismo para DIO, sobre todo en Heaven and Hell y Mob Rules. Acá el cantante es Tony Martin, claramente un hijo de Ronaldo Jaime Padavona y el tipo la rompe. Dicen que en vivo arrugaba pero ese es otro asunto. ¿Y el tema? La composición es impecable, pesado, con la guitarra del gran Tony Iommi. Hay un riff bien malvado mientras la voz parece ser engullida por un remolino infernal. Black Sabbath, por decirlo con pocas palabras.
Aparece originalmente en: Headless Cross (1989)
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Bob Marley & the Wailers
Kaya tiene el super hit "Is This Love", uno de esos cuarenta o cincuenta temas que TODO EL MUNDO conoce. También "Easy Skanking" y el gran "Sun Is Shining", de esos medio raros que dos por tres salían de la galera de Marley. Este viene casi al final del disco y tiene algo diferente, que lo destaca. Muestra cabal de que los Wailers siempre andaban en la senda, cumplían y tocaban al servicio de la canción. Algo que muchos defienden a la hora de la teoría y terminan olvidando en la práctica, a la hora de los bifes.
Aparece originalmente en: Kaya (1978)
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Motorpsycho
Los noruegos Motorpsycho son de esos que tienen una amplitud de criterio y estilos que hacen que clasificarlos sea tarea ingrata. Los tipos pueden hacer lo que se les cante. Y todo les sale de bien para arriba. Son una banda de rock pesado, medio progresivos, pero también saben bajar un cambio y pelar una canción como esta. Parece un tema del Neil Young más folkie o los Flaming Lips de Yoshimi... y The Soft Bulletin. Parece. Hay sorpresas. Hay un relato y un desarrollo. Y una cantidad asombrosa de ideas. Impresionante temazo.
Aparece originalmente en: Still Life With Eggplant (2013)
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Tim Maia
Este está un poquito inflado, me parece. Es bueno, no se puede negar. En Argentina, la llamada MBP era muy popular a mediados de los setenta y de Tim Maia ni noticias. No vas a encontrar jamás un disco de el en las bateas de usados. Cuando sí podés encontrar mucho de Buarque, Vinícius, Maria Bethânia o Elis Regina. Vale decir que esto salía del molde, un poco lo que pasaba con algunos trabajos del gran Marcos Valle, no eran tradicionales, incomodaban, en el mejor sentido. Esto dá título al segundo y último volumen de la serie Racional. Un delirio hermoso.
Aparece originalmente en: Racional Vol. 2 (1975)
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Thin Lizzy
No estoy seguro, creo que a este no lo tocaban en vivo. Y es impresionante. Thin Lizzy es de esas bandas con las que podés buscar tranquilo afuera de los clásicos, bucear en busca de perlas... y encontrarlas. Me hace acordar a "Romeo and the Lonely Girl" (de Jailbreak) y algún otro que ahora no recuerdo. Son tres o cuatro ideas ubicadas con el oficio que caracteriza a la pandilla de Phil Lynott. En un momento hay un middle eight, puente o como quieras llamarle, que deja claro que esta gente sabía muy bien lo que hacía. Y la voz esa puede recitar una lista de supermercado y sonar convincente. Te puede vender un buzón. Y no lo dudás.
Aparece originalmente en: Fighting (1975)
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lunes, 23 de marzo de 2026
The Soundtrack of Our Lives - Communion
Trascendente. Palabra que aplica acá. Escuchás The Who, Tommy, Quadrophenia y puede ser que ahí se te venga la palabra a la mente. O algunas cosas de Flaming Lips, lo último de Johnny Cash… el disco solista de Dennis Wilson. Estos tipos por momentos llegan a alturas de vértigo. Más allá de si se lo plantearon o no, lo cierto es que hay canciones de The Soundtrack of Our Lives que parece que están hechas para una vida en el más allá o para mandarlas al espacio a que las escuchen nuestros vecinos y probarles que hay sangre y cojones en nuestro planeta.
Algunos ejemplos anteriores, por ejemplo “The Flood” de Behind the Music, que suena ideal para escuchar a la hora de que se termine el mundo. O dos que aparecen en el compilado de singles A Present from the Past, “Galaxy Gramophone” y “Dow Jones Syndrome”, que no tienen nada que envidiarle a los más bestia de The Stooges o al Hawkwind más cósmico.
Los suecos sacaron seis discos en un periplo relativamente corto, una década más o menos, de los cuales cuatro son dobles. Este es uno de ellos. Es el quinto y ante último disco de estudio, se llama Communion y la tapa parodia (o padece) eso que nos intentan vender con la publicidad, este ideal sospechoso de felicidad obtenida a través de la tarjeta de crédito. Esto es también el arte interno, no solo la tapa. Y lo mismo pasa con el contenido.
Traduzco el título de algunas como para que nos hagamos una idea del concepto general de la obra. Están intentando algo que no sea pasajero, de dejar una marca. 'Enciende Babel', el primer tema. La falsa ilusión del ego. La segunda oportunidad de la vida. Fotos de la juventud. Todo lo hermoso debe morir. Profetas perdidos en vano. Parecen sentencias, manifiestos. Eso ya nos va metiendo en tema.
Cumbres borrascosas vamos a mencionar tres para no hacerla muy larga y no ponernos pesados. “Second Life Replay” empieza con un clima medio narcótico y denso, melancólico. Va subiendo la batería de a poco y termina con un estallido guerrero impresionante, un ataque sónico / sensorial. Hay una versión excelente de un tema de Nick Drake… justo ellos y un tema de un cantautor folkie torturado… sí, y lo hacen bien a su manera. Es “Fly”, original de Bryter Layter y lo que hace Soundtrack for Our Lives con la versión es oír para creer. Por último, una arrolladora es “Saturation Wanderers”, que son tres acordes y que son los mismos de siempre pero puestos de la manera adecuada. Algo que nunca morirá.
Para los que nunca los escucharon, vale la pena intentar una descripción de lo que hace TSOOL. Es rock clásico... cien por ciento moderno. Este disco no podría haber sido grabado en el '75 o en el '69, para rebatir el argumento de los que los critican por ser “demasiado rockeros”. Sí es rock clásico, pero actual. No son muchos los grupos que van por esta senda, ellos lo logran y con altísimo nivel. Para quienes todavía piensan que el rock está muerto.
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Union Carbide Productions - Financially Dissatisfied, Philosophically Trying
The Soundtrack of Our Lives - Extended Revelations
Ebbot Lundberg & The Indigo Children - For the Ages to Come
viernes, 1 de noviembre de 2019
5 Canciones 5: John Hiatt, The Guess Who, Portugal. The Man, Camel y Astrud Gilberto
John Hiatt
En el video él corta el teléfono, se muestra afligido, niega con la cabeza y se prende un Marlboro porque, claro... ella ama al imbécil. ¡Qué gran título! ¿A quién no le pasó? El corte de difusión de Riding with the King, cuando John Hiatt todavía era uno de los jóvenes enojados junto con Costello, Graham, Parker, etc. Canción clásica en todo sentido, podría haber quedado bárbaro en cualquiera de los discos de Roy Orbison de la década del sesenta.
Aparece originalmente en: Riding With the King (1983)
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The Guess Who
Notas de piano inquietantes antes de que salga la banda lenta y tenebrosa, al estilo Alice Cooper en la época de Welcome to My Nightmare. Mucho más fino y delicado, se trata de los Guess Who y la melodía de los versos de Burton Cummings, un cantante extraordinario, es única. Sale la máquina de escribir después del primer estribillo y hay un solo de guitarra con wah-wah antes de volver a la segunda estrofa. Esto es una clase gratis de producción y arreglos. Vamos con una teoría; los canadienses Guess Who son la banda de rock and roll clásico más infravalorada de la historia. ¿Puede ser?
Aparece originalmente en: Road Food (1974)
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Portugal. The Man
Sonido grande, enorme, producción hecha sin escatimar nada, todo a lo grande. ¿Herederos de los Flaming Lips y el primer disco de MGMT? La voz aguda a lo Robert Plant también los relaciona de manera directa. Hay una idea lúdica, juguetona, con un costado melancólico ineludible atrás de las canciones de Portugal. The Man que hace que algunos no los tomen del todo en serio. Pero acá hay calidad, vuelo creativo, ideas. Ideas, sobre todo.
Aparece originalmente en: In the Mountain In the Cloud (2011)
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Camel
Uno de los casos en que la influencia de The Wall sirvió para algo. La idea en Nude es contar la historia de un soldado japonés que vivió décadas en una isla, creyendo que la segunda guerra mundial seguía, escondiendosé y liquidando a algún que otro enemigo. "Captured" es un instrumental nervioso e hiperquinético, podría ser el equivalente a "Run Like Hell" de la obra de Pink Floyd, aunque en este disco no sobra nada (si me permiten).
Aparece originalmente en: Nude (1981)
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Astrud Gilberto con Stanley Turrentine
¿Qué es lo que hace el capo del jazz Stanley Turrentine en este disco? No mucho se podría decir, tranquilamente. Astrud se había hecho famosa cantando "Garota de Ipanema" en el disco que le dió entidad internacional a la bossa nova de una vez y para siempre. A principios de la década siguiente hacía rato que había dejado de ser la mujer de João Gilberto. En este temazo hay unos solos de guitarra a los que les responde el piano eléctrico, cuando se va en fade, al final, te quedás con ganas de más. Delicioso.
Aparece originalmente en: Gilberto With Turrentine (1971)
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jueves, 28 de octubre de 2010
Fleet Foxes - ídem [1er. LP - 2008]
A todos nos gusta descubrir música nueva. Ir a decirles a nuestros amigos “escuchá esto, no te lo podés perder” y cosas de ese estilo. Mientras más recóndito sea el hallazgo más dulce el sabor del éxito. Con los Fleet Foxes no pudimos darnos ese lujo. Se hicieron famosos casi de la noche a la mañana, todo el mundo hablaba de ellos, estaban en la tapa de una buena cantidad de revistas especializadas y muchos colegas músicos se deshacían en elogios. Desconfiar era lógico. Era entendible. En los últimos diez o quince años han aparecido una asombrosa cantidad de bandas rutilantes que hoy en día nadie recuerda. Más vale no dar nombres pero cuando la prensa (inglesa sobre todo) decide “inflar” a un grupo, generalmente, ya sabemos lo que pasa: nada.
No es el caso de los Fleet Foxes. Los tipos son buenos. Son buenos en serio. Son jóvenes y no tienen un millón de influencias como muchos de los grupos actuales pero sí tienen varias y las combinan con una habilidad sorprendente. Son fanáticos de los Zombies y se nota (¡Odessey and Oracle!), les gusta Neil Young y lo transmiten. Bill Withers, el soft-rock californiano del Fleetwood Mac de fines de los setenta, Donovan, Dylan, etcétera. Y un detalle que no debe pasarse por alto: saben cantar. Son excelentes a la hora de arreglar las voces. Saben armar una armonía de tres partes sin que suene remanida, hay mucha escucha atenta al Brian Wilson post-Pet Sounds y es evidente. Robin Pecknold, el compositor principal, confesó haber digerido varios bootlegs del Smile que nunca fue y es claro que le pegó y muy fuerte. Como mucha de la mejor música de rock, tienen un halo de misticismo, de cierta religiosidad difícil de explicar. Recordemos; The Who, algunas cosas de los Flaming Lips, Harrison… en sus momentos de alto vuelo logran un matíz cósmico y los Fleet Foxes por momentos lo consiguen. Escuchar sino "Your Protector" para comprobarlo. Es envolvente, es distinto y el estribillo se eleva de una manera que convence al más reacio. “Mientras yaces para morir a mi lado, yo soy el del juego de disparos ¿Acaso vas a esperarme a mi, el otro?” dice la letra en medio de un clima de folclore andino lleno de instrumentos, muy bien producido y grabado. Inapelable.
¿Qué irá a pasar con los Fleet Foxes de ahora en más? Imposible saberlo. No la tienen fácil, hay que decirlo. Tienen un disco debut con futuro de clásico, eso no es poco.
¿Van a cambiar la historia de la música popular? O mejor… ¿Necesita ser cambiada la historia? La respuesta a estas dos preguntas puede que sea un “no” rotundo. ¿Pueden asegurarnos cuarenta minutos de música hermosa y trascendente? Garantizado.
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Simon & Garfunkel - Bridge Over Troubled Water
Joni Mitchell - The Hissing of Summer Lawns
Fleet Foxes - Sun Giant [EP]
viernes, 3 de abril de 2020
5 Canciones 5: The Monks, Scorpions, Sepultura, The Shins y Ides of March
The Monks
No confundir con los Monks de los 60s. Estos son ingleses, con algunos ex-miembros de la banda de rock progresivo The Strawbs. El primer disco se llama Bad Habits y en la tapa hay una monja atrapada in fraganti, fumando y poniendosé medias de red. En el segundo -y último- disco de estudio también aparece la monja relajándose en el espacio exterior y este tema que bien podría describirse como unos Ventures new wave, o algo por el estilo. Un instrumental a cargo de una banda que hacía canciones. Estilo es lo que le sobra.
Aparece originalmente en: Suspended Animation (1980)
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Scorpions
Love at First Sting será siempre recordado por ser el que trae "Still Loving You" y, en menor medida, "Rock You Like a Hurricane". Acá podría pensarse que la historia viene por el mismo lado; tema lento que explota. Pero... ¡cómo explota! A pura velocidad, a puro trash. Con mucha melodía, con los chillidos de guitarra que tienen que estar, plagado de lugares comunes, digamos. Pero es rock duro y así es como tiene que ser. Las estrofas de la parte rápida son un gancho en sí mismas. Inolvidable.
Aparece originalmente en: Love at First Sting (1984)
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Sepultura
Bueh... Sepultura... Roots... ¿qué se puede agregar? Que fueron la banda sudamericana que más lejos llegó está fuera de discusión. Que en Roots finalmente incorporan elementos del folclore indígena de Brasil y cuando lo hacen queda extraordinario. Peligro, violencia, agresión, ideas nuevas. Todo lo que tenía que tener un disco revolucionario. Escucharlo hoy en día produce el mismo efecto que cuando salió, casi veinticinco años atrás. Un clásico. En serio.
Aparece originalmente en: Roots (1996)
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The Shins
La banda liderada por James Mercer nunca pudo volver a hacer un disco que se acerque a Chutes Too Narrow, uno de esos que definen y marcan a una generación. Los Flaming Lips, Pavement, Neutral Milk Hotel... son bandas que vienen a la mente a la hora de escuchar esto, compañeros de generación, con no pocas coincidencias estéticas. "Por supuesto fuí criado para juntar coraje de esas ricas historias tan gastadas como verdaderas". Guitarrita acústica, voz y algún que otro arreglo. No necesita más.
Aparece originalmente en: Chutes Too Narrow (2003)
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Ides of March
Otros grandes candidatos a banda perdedora, losers a más no poder, al mejor estilo Spinal Tap. Probaron todo, intentaron casi todo, todo les salía más o menos bien y sin embargo... no pudo ser. "Baby's..." bien podría ser un tema de Badfinger o de Wings. Hay melodía, está bien grabado y tocado. Se pueden encontrar cosas de muy buena calidad en las llamadas "bandas de segunda línea". Acá tenés un ejemplo perfecto. Hay más ideas en este tema que en ciertas carreras enteras que más vale no mencionar.
Aparece originalmente en: World Woven (1972)
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miércoles, 12 de febrero de 2014
Ian Skelly - Cut from a Star
Es más; a lo largo de este debut no hay batería en varios de los temas, sí hay percusión y miles de instrumentos de color (oboes, flautas, teclados, etc.) y cuando aparece la batería está grabada con un nivel de sutileza que sorprende, nada haría pensar que estamos ante el disco solista de un baterista. Skelly es claramente un compositor de canciones, hecho y derecho.
Bueno… y ¿de que va musicalmente el disco? Es pop psicodélico, de alto vuelo. Tiene un pequeño regusto retro pero en ningún momento suena a disco viejo, a refrito, es claramente un álbum hecho con miras al futuro, un intento de actualizar el sonido de los Zombies, del primer Scott Walker, de Barrett, pero para el siglo veintiuno, sin ignorar todo lo que pasó entre medio, el post punk de Echo & the Bunnymen (otros coterráneos) y la neo-psicodelia de los noventa de Beta Band o los mismos Flaming Lips.
Si bien la manera de componer y de cantar de Ian Skelly parece tener como punto de partida a varios de los que nombramos anteriormente, en ningún momento sus canciones suenan convencionales o remanidas, es solo cuestión de escuchar “Paper Sky” o la elegantísima “Nickel and a Dime” para darse cuenta que esto es algo nuevo, que es difícil encontrarle comparaciones o puntos de referencia. En “D.N.A.” incluso, uno de los puntos altos indiscutidos, hay una interesante mezcla entre los primeros Moody Blues y el spaguetti-western de Morricone, todo bañado por una pátina de misticismo oriental que termina siendo un verdadero álmibar auditivo. No esperan guitarrazos ni estridencias en Cut from a Star, lo de Skelly viene por el lado del arreglo inteligente, del cambio de ritmo inesperado y por el sacrificio en pos de una totalidad; la canción.
En esta era en que sabés que si alguien te dice que esta es la “banda del momento” sabés que tenés que desconfiar de manera automática, que alguien haga un disco sin más aspiraciones que hacer canciones hermosas, que seguir su musa a ciegas sin importarle el resultado, porque es clarísimo que este disco no aspira a ningún tipo de masividad, es más que meritorio. Chapeau por Ian Skelly, el baterista de The Coral.
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Chequear también:
The Moody Blues - A Question of Balance
The Coral - Butterfly House
Bill Ryder-Jones - A Bad Wind Blows In My Heart
martes, 22 de marzo de 2022
Gorillaz - Plastic Beach
“La revolución no será televisada” canta Snoop Dogg en “Welcome to the World of Plastic Beach”, parafraseando al gran Gil Scott-Heron, el primer tema cantado, rapeado en realidad, de Plastic Beach, tercer disco de estudio de Gorillaz, la banda virtual, el invento genial de Damon Albarn y Jamie Hewlett.
En su momento hicieron que muchos prejuiciosos pusieran el grito en el cielo, tipos quejándose y diciendo que esta no es forma de presentar una banda y demás acusaciones que no tenían mucho que ver con la música en sí. Puede que esa haya sido la premisa inicial atrás de esta idea; hacer que los que todavía piensan en ese tipo de cuestiones se alejen, de entrada, de movida.
Esto es una genialidad, Bashy y Kano, invitados a rapear en un tema que mezcla flautas, música clásica, un crescendo orquestal alucinante… no cualquiera se animaría a una fusión como esta, acá hay algo que no se ha hecho anteriormente, si te cuesta clasificarlo o acomodarlo dentro de un esquema, ese es tu problema. Este es un mundo de fantasía en donde todo está permitido. La voz de Albarn recién se escucha en el cuarto tema, “Rhinestone Eyes”, uno de los pocos en donde no hay invitados, en realidad la voz del ex-Blur está ahí, medio disfrazada con un vocoder, o algún otro efecto deformador. ¿Cómo hacen para conseguir a toda esta gente? ¿Arriesgamos una respuesta? ¿Por qué no? Cualquiera con dos dedos de frente puede darse cuenta de que esto es una pequeña revolución. ¿Quién va a negarse a participar? Es agarrar el hip hop y sus novedades y mezclarlos con la ideología, la manera de pensar “tradicional” del rock y del pop. Una alianza improbable entre lo que parece imposible de mezclarse, acá queda claro que no es así. “Stylo”, uno de los cortes de defusión, con Mos Def al micrófono, es Bowie para el siglo veintiuno, ni más ni menos. ¿De La Soul y el líder de los Super Furry Animals? ¿En la misma canción? Sí señor, y qué bien queda ese estribillo luminoso, en donde el tema se abre y muestra sus posibilidades.
Y el baile
recién empieza, si seguís escuchando, en un disco al que cuesta sacarle la
atención de encima, te vas a encontrar con Mark E. Smith, alma máter de The Fall,
una figurita difícil si las hay, nada menos que Lou Reed, haciendo lo suyo en “Some
Kind of Nature” y hasta el gran Bobby Womack, super astro del soul, quién
resurgió de las cenizas de la mano de Albarn, productor de aquel
discazo-despedida que fue The Bravest Man in the Universe. Nunca deja de sonar
un halo de melancolía, en “Empire Ants” vuelve el Albarn triste y melancólico
que habíamos escuchado en Everyday Robots, pero entra la banda y puede
escucharse una fiesta al mejor estilo Flaming Lips. El futuro ya llegó, hace
rato.
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Gorillaz - Demon Days
Damon Albarn - Dr. Dee
The Good, The Bad & The Queen - Merrie Land
jueves, 17 de marzo de 2011
Gris Gris - For the Season
La tapa lo dice todo: cuatro tipos que apenas se ven, en un cuarto oscuro, alrededor de una flor amarilla grande y luminosa perpetrando algún ritual non sancto. La música es un correlato perfecto para esa imagen fuerte y desaliñada.
Breve retrospectiva: Greg Ashley, alma máter de Gris Gris, es un niño prodigio de esos que a los quince años ya estaba haciendo grabaciones caseras y revolviendo curioso los discos de sus padres. Todavía adolescente forma The Mirrors con quienes hizo dos discos de psicodelia irreverente. Este es el segundo disco de Gris Gris, tras un muy buen debut homónimo. Vamos directo al grano.
Tema uno: "Ecks Em Eye" empieza con un freak out instrumental de otra galaxia y casi en seguida desemboca en un ritmo insistente que tiene mucho que ver con Pink Floyd circa A Saucerful of Secrets. Saxos que entran y salen, las voces a coro, la batería redoblando... ¡Vaya manera de empezar! Para la coda hay unos acordes arpegiados bien diabólicos. El ambiente macabro sigue de la mano de "Peregrine Downstream". Acordes menores, atmósfera enrarecida, esta vez la velocidad disminuye pero el clima denso aumenta con un teclado Hammond bien al frente. En seguida, con un fundido, hay un golpe de timón con "Cuerpos Harán Amor Extraño" (Sí, en español). Esta vez hay acordes mayores, un poco de luz no venía mal para el desarrollo del disco y es justo lo que ofrece este tema. Justo cuando parecía que la cosa era demasiado amable todo se degenera en un caos de guitarras podridas y acoples a todo volumen. Cuando parece que termina va a parar a una especie de mantra tibetano narcótico, por si todavía había dudas de que la cosa con Gris Gris viene en serio. También pegado viene "Down with Jesus", un tema acústico de fogón con sus reglamentarios porros para la ocasión. Greg Ashley casi siempre utiliza el recurso de doblar sus pistas vocales con muy buen resultado. Suena tétrico por momentos y bastante colocado casi siempre. En "Big Engine Nazi Kid Daydream" la banda demuestra sus habilidades en una especia de interludio que se mezcla con el encargado de cerrar la cara A; "Year Zero", un estallido de violencia eléctrica digno de los viejos Flaming Lips. Brillante.
"The Nonstop Tape" mete miedo. Uno de esos… ¿temas? para escuchar en soledad y darle rienda suelta al masoquista que todos tenemos adentro. Gritos, aullidos, cintas al revés, fantasmagoria en sepia para quien guste oir. En seguida viene el alivio que proporciona "Medication #4", la cancioncilla en apariencia más inocente de For the Season, un tecladito de feria hace la melodía y después una guitarra chirriante la repite para asegurarse que el oyente no se sienta del todo cómodo. "Skin Mask Cat" es quizás el gran hallazgo: una marcha fúnebre que logra unir a Tim Burton con el Tom Waits de Bone Machine. Efectos raros, paso lento y lúgubre. Impresionante. "Pick Up Your Ray Gun" tiene un riff de guitarra que le sacaría una sonrisa ladeada al mismísimo Tommy Iommi. Lento, ominoso, oscuro y de pronto… ¡Sorpresa! Un subidón de energía tremendo, tambores marcando el ritmo, rock de garage sucio, hipnótico.
Ashley tiene una carrera solista, Gris Gris ya no existe pero sigue explorando su particular entendimiento de la psicodelia de una manera completamente única, mezclando influencias y haciendo lo imposible para que su propia personalidad se asome en cada nota, en cada estribillo. ¡Prolífico el muchacho!
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The Mirrors - A Green Dream
Gris Gris - Live at the Creamery
Greg Ashley - Medicine Fuck Dream
miércoles, 7 de julio de 2010
Electric Light Orchestra - Out of the Blue
Electric Light Orchestra. ELO para los amigos. La banda de Jeff Lynne para los íntimos. Los autores de "Last Train to London" para los fans casuales. Pero todos aquellos con un poco más de curiosidad saben que hay mucho más bajo la punta del iceberg. El balance perfecto entre accesibilidad inmediata y refinamiento musical, son autores de una considerable cantidad de discos clásicos, esenciales.
Después de la consagratoria gira de A New World Record, en vez de descansar en los laureles, Lynne alquiló una cabaña en los Alpes suizos, dispuesto a componer las canciones para el nuevo trabajo de estudio. Había pasado una semana y los resultados eran prácticamente nulos. Según cuenta la leyenda, en el primer día de sol radiante la fuente de la inspiración empezó a fluir; "Mr. Blue Sky" fue la primera de una gran cantidad de canciones impecables. ¿El resultado final? Nada menos que Out of the Blue, un disco doble monumental, inigualable.
Grabado en Munich, Alemania, con la misma formación del LP anterior, después de tres meses de trabajo en el año 1977, Out of the Blue es un triunfo en todo sentido. La producción, a cargo del mismo Lynne, es soberbia. Las canciones son excepcionales. Hay de todo y para todos los gustos. "Turn to Stone" con su aire disco, "Mr. Blue Sky", pop beatlesco de excelente factura, "Wild West Hero", relegado a último tema en el LP original y "Sweet Talkin' Woman" fueron los elegidos para ser editados en formato de disco simple. Pero este es uno de esos casos en que cualquiera de las canciones podría haber ocupado ese lugar. Los estribillos inolvidables abundan, los puentes audaces están a la orden del día y los arreglos orquestales (una característica clásica en ELO) originales aparecen desperdigados por todas partes. "Across the Border" con su momento de trompetas mariachis, "Night in the City" con su guiño evidente a "Pinball Wizard" de the Who o el aplastante "Birmingham Blues" son ejemplos elocuentes. ¿Quieren originalidad sin dejar de lado el sentido del humor? Ahí está "Jungle", simpático y medio ridículo pero con unos arreglos muy imaginativos. ¿Necesitan experimentos de vanguardia? Es sólo cuestión de poner "The Whale" con su uso novedoso de sintetizadores (¿Flaming Lips veinte años antes?). Out of the Blue tenía de todo, para todos, no podía fallar de ningún modo… y así fue.
Terminó de consagrar a la Electric Light Orchestra como uno de los grupos más importantes y exitosos de la época (los Beatles de los 70's, según Lennon), arrasando con todos los premios habidos y por haber y convirtiéndose en un suceso de ventas impresionante. Diez millones de copias vendidas a lo largo y ancho del planeta. Tenían un show pirotécnico y entretenido, eran reyes en Estados Unidos y -lógicamente- todo lo que sube… tiene que bajar. Fue el mejor momento de ELO. Out of the Blue, fue el punto de máximo esplendor de Jeff Lynne y sus cómplices.
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Electric Light Orchestra - Face the Music
Fleetwood Mac - Tusk
The Yeah You's - Looking Through You
lunes, 24 de diciembre de 2018
The Brian Setzer Orchestra - Boogie Woogie Christmas
Sin separar al trío, en el ’85, saca su primer disco como solista, The Knife Feels LikeJustice, en donde daba rienda suelta al power pop, a las canciones de estribillos poderosos y a las guitarras de doce cuerdas al estilo The Byrds. Siempre con su sello, sus solos de guitarra patentados y una voz con presencia y fuerza.
A mediados de los noventa da un giro a lo que venía haciendo; se separan los Stray Cats y arma la Brian Setzer Orchestra, una big band como las de las grandes orquestas de la era del swing, un Duke Ellington con guitarras gordas de caja. Acertó otra vez. En el ’98 sale The Dirty Boogie, un disco que le gustó a todos, metaleros, punks, amas de casa, etcétera. Setzer de repente tenía más éxito que nunca, más que el que había tenido con los Stray Cats, la banda por la que será eternamente recordado. Podía hacer lo que se le cantaba, dicho sea de paso.
¿Qué onda con la navidad? ¿Por qué le dan tanta importancia en Estados Unidos? Todos sabemos más o menos o tenemos una explicación al respecto. Lo que nos importa acá es que nos ha dado canciones, miles de ellas, muchísimas. Varios discos navideños también, con mayor o menor nivel de oportunismo lo han hecho los Beach Boys, Elvis, Flaming Lips, Cheap Trick y hasta Mercedes Sosa, sin ir más lejos. Este es el primero de la Brian Setzer Orchestra -hay otro que viene después- y fue una pegada importante cuando salió, a principios de este siglo. Tiene el polémico “Baby, It’s Cold Outside” y lo canta con Ann Margret, está el que hacía El Rey en uno de sus propios Christmas Albums, “Blue Christmas”, que roquea duro y parejo y hasta mete un original, de la mano de “So They Say It's Christmas”, al mejor estilo Sinatra.
El cuestionamiento de lo que significa o deja de ser la navidad, con discos como este, divertidos, fiesteros, sin más pretensión que la de pasar un rato bailando, riéndose o con la música de fondo, puede esperar al año que viene. ¡Mazel tov!
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The Brian Setzer Orchestra - Dig That Crazy Christmas
Varios - A Christmas Gift from Phil Spector
Elvis Presley - Elvis Sings the Wonderful World of Christmas
martes, 25 de enero de 2022
My Morning Jacket - It Still Moves
Histórico, diferente, rompedor de esquemas, It Still Moves es el tercer disco de estudio de My Morning Jacket y es uno de esos que quedan en la memoria de los seguidores y con el que comparan cada uno de los lanzamientos. Ya saben; aquello de “es el mejor desde…”
Las grandes bandas modernas, los grupos actuales valiosos, los que quizás mañana sean clásicos (en un mundo que se niega a seguir agregando clásicos) son esos que suenan como un millón de bandas pero a la vez como ellos mismos. Se puede detectar un aire o una influencia pero está mezclada e incorporada junto a otras cientas o miles. Se puede decir que It Still Moves es rock clásico pero esto no podría haber sido hecho antes, esto pertenece a sus tiempos, al primer lustro del siglo veintiuno.
Tienen un elemento característico muy fuerte en la voz de Jim James, una suerte de predicador alucinado, un creyente a ultranza en el poder redentor del rock and roll, un tipo místico, con los pies en la tierra, si es que esas dos cosas pueden estar juntas en una sola persona. Su voz es aguda, al extremo, sería un Jon Anderson (de Yes, por las dudas) que pueden escuchar los millenials sin salir corriendo despavoridos.
Música cósmica
de raíces. También, dos cosas que no suelen ir acompañadas o de la mano, acá
sí. Un buen ejemplo es el segundo tema, se llama “Dancefloors” y pasa por
varios estadíos, es un ritmo funk medio trabado pero pegadizo al máximo, hay
groove y, como su título bien indica, pista de baile. En un momento entra en una
suerte de trance, del que sale de repente con una sección de bronces que podría
no tener nada que ver, sin embargo funciona y a la perfección, el tema parece
flotar en una nube de… música extraterrenal. En “Golden” las cosas parecen
volverse un poco más normales. Hasta que entra la batería y por ende, la banda.
La melodía que tienen ahí es de una belleza incomparable, celestial. Está Neil
Young, los Flaming Lips, se pueden encontrar referencias aunque nunca de manera
directa, el asunto está filtrado, con astucia, oficio y espontaneidad, acá nada
suena forzado o traído de los pelos. En este disco está el tema emblema de la
banda, es “One Big Holiday”, una explosión guitarrera extraordinaria de más de cinco
minutos. Es de esos que los que van a verlos están esperando para sacudirse un
rato y -¿Por qué no?- tirar algún que otro cuernito al aire al mejor estilo
Ronnie James Dio.
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Mercury Rev - All Is Dream
Band of Horses - Infinite Arms
My Morning Jacket - Z
lunes, 10 de noviembre de 2008
Dennis Wilson - Pacific Ocean Blue
Según dice la leyenda, Brian Wilson, el genio creativo de los Beach Boys, estaba encantado con este disco. Nadie esperaba que Dennis, famoso por ser el fiestero de la banda, el amigote del tristemente célebre Clan Manson, el único verdadero surfista de la banda, podía llegar a pergeñar una obra maestra como Pacific Ocean Blue, y mucho menos en el momento en que se dieron las circunstancias. Es importante recordar que, a mediados de los 70’s, los Beach Boys estaban lejos de sus épocas de esplendor, habiendo editado algunos trabajos que no estaban a la altura de sus pergaminos y cayendo en desgracia para el status quo musical de aquel entonces.
Grabado en varias sesiones a lo largo de todo el principio de la década, Pacific Ocean Blue desapareció sin rastro (a nivel comercial) a pesar del casi unánime éxito de críticas. La música en cuestión es lo verdaderamente sobresaliente aquí, canciones que se abren paso lenta y majestuosamente, con toques de gospel, rythym & blues y poderosas orquestaciones, cantadas por una voz cascada por vaya uno a saber que excesos, pero pletórica de sentimiento y rodeada de un halo de misterio difícil de explicar con palabras. “Dreamer” es un claro ejemplo de lo antes mencionado; un tempo lento y un arreglo denso y sobrecargado que de repente estalla en mil pedazos en un estribillo francamente conmovedor que implora “Deja que el viento se lleve lejos tu tristeza, es todo lo que estoy tratando de decir ¿Qué tal un mejor día? Enamorarse” al borde del desborde emocional. En ningún momento puede vislumbrarse que se trata de un disco de un baterista, cosa que suele suceder en muchos discos de integrantes de bandas que deciden aventurarse en terrenos solistas, en este caso el énfasis está puesto en un cien por ciento en la canción, como forma de comunicación, como manera de desnudar el alma. Es claro que el disco -como suele suceder- no pasó inadvertido para los oídos atentos. Sus huellas pueden notarse claramente en algunos trabajos de los geniales Mercury Rev o en las obras mas recientes de los Flaming Lips por citar algún ejemplo.
La reedición aparecida recientemente no hace mas que recordar el valor de Pacific Ocean Blue, con infinidad de tomas que quedaron afuera, versiones e instrumentales varios, todo coronado con el obligatorio librito repleto de fotos y textos ad hoc.
Otra prueba cabal de que éxito comercial y logro artístico no siempre van de la mano.
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The Beach Boys - The Beach Boys Love You
The Beach Boys - Carl and the Passions
Mercury Rev - All Is Dream
martes, 24 de noviembre de 2020
Las Pelotas - Brindando por nada
“Casi sin ver como las cosas surgen, sin importar cúal es el camino final, hoy te diría tantas cosas bellas que son mejor que ayer” canta Daffunchio en “Algún dia será mejor”, la canción con que empieza Brindando por nada, el disco número diez en la carrera de Las Pelotas, editado a principios del 2016. ¿Sería el disco en que la banda muestra que ya está “de vuelta” de todo? ¿El consagratorio? Algo de eso hay acá. Ya no tienen nada que probarle a nadie, a esta altura es difícil que consigan nuevos adeptos, hacen lo que saben hacer, con admirable nivel de solvencia y aplomo. Tienen que concentrarse en las canciones individualmente y el resto sale más o menos solo.
Y las canciones en Brindando por nada son hermosas.
“Víctimas del cielo” es el segundo tema y tiene destino de hit, es de esos que tienen olor a himno, que va a pasar a formar parte del repertorio en vivo, los fanáticos lo van a aceptar y corear, es un medio tiempo clásico en más de un sentido, un tema típico de Las Pelotas si se quiere, pero tiene algo especial, algo que lo separa un poco del resto. “Era” es un hallazgo, un tema novedoso, tempo de batería distinto, bien pensado, arman una trama con las guitarras, los coros y los colchones de teclados para que, al momento en que llega el estribillo, haya una explosión sensorial. Y el estallido llega. Temazo.
“Como una estrella” podría haber estado en cualquiera de los discos de Bowie de este milenio, en Hours o Heathen por ejemplo, rock elegante y maduro, sin urgencias, la letra parece ser un homenaje, un mensaje conciliatorio para el ángel caído de Las Pelotas, Alejandro “Bocha” Sokol. Vale recordar que esta es una banda con historia grande y rica, en caso de que recién hayas aterrizado en el Planeta Tierra, los dos líderes históricos habían estado en Sumo, recibiendo lecciones de todo tipo de una persona que dejó varias enseñanzas, hablamos de Luca Prodan, por supuesto. Los dos primeros discos de Las Pelotas son el patrón con que hacen el resto y los que los definen para siempre; Corderos en la noche y Máscaras de sal. En el camino hubo de todo, deserciones, éxitos, ascenso, caída y no pocos hits radiales (“Esperando el milagro”, “Para qué?”, etcétera) siendo una fija en festivales y teloneros de conciertos insólitos (¡KISS en River!).
Por eso que
una banda salga, después de semejante camino recorrido e infinidad de heridas
de guerra, en un país como Argentina, con canciones como las que se escuchan en
Brindando por nada, no deja de sorprender. Admirable. En todo sentido.
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The Flaming Lips - Yoshimi Battles the Pink Robots
Las Pelotas - Cerca de las nubes
Pernice Brothers - Yours, Mine & Ours































