Amon Düül II - Phallus Dei

La pregunta en este caso es... ¿Cómo hicieron? Ante la escucha de Phallus Dei uno se pregunta cómo es posible que exista esta música. Para empezar a enumerar su lista de virtudes es importante tener en cuenta qué tan actual suena el disco debut de Amon Düül II. Todavía hoy en día existen pocos puntos de comparación, sigue asombrando y ni la propia banda ha conseguido igualarlo. Se pueden intentar algunas explicaciones, los Amon Düül II vivían en comunidad en la Alemania de fines de los 60's. Radicalizados políticamente y con un manifiesto similar al de las escuelas artísticas de principios de siglo, eran varios integrantes y, sin ser virtuosos en el manejo de sus instrumentos, tenían un vuelo creativo pocas veces alcanzado. La vieja historia de contenido por sobre forma.

Phallus Dei, que podría traducirse como “Pene de Dios”. Es revulsivo desde el título mismo y muchas veces las voces no hacen otra cosa que “cantar” en una jerga ininteligible, diabólica. Cuando sí es posible entender, es probable que se desee seguir en la ignorancia porque las temáticas no son lo que se dice “amables”. En "Dem Guten, Schönen, Wahren" (sería el bueno, bello, genuino) hablan de una leyenda medieval germana cuyo protagonista es un abusador de niños al borde del cadalso. Como ejemplo es más que suficiente.

Es en la música en donde las cosas se vuelven indiscutibles porque en Phallus Dei estamos ante un paseo por los siete infiernos del Dante, una verdadera tour de force macabra, alucinada y alucinante. En "Kanaan" está todo claro desde el vamos, unos acordes menores lentos dan apoyo a unos arabescos de cítara, el ritmo es un free-jazz demoníaco ejecutado con precisión, sin caer en el virtuosismo onanista. En Amon Düül II siempre está la idea por encima del lucimiento a nivel ejecución. Aparece la voz líder, casi recitando, con unos coros de mujeres fantasmales. El tempo cambia, va y viene varias veces y desemboca en una especie de caos atonal. En el ya mencionado "Dem Guten…" continúa el descenso a las profundidades y el clima es una especie de continuación de lo propuesto anteriormente. "Luzifers Ghilom" ('El Shilom de Lucifer') hace gala de un riff ominoso y tenaz, si encima tenemos en cuenta que está condimentado con una percusión y coros ad hoc cierra por donde se lo mire. De repente irrumpe una voz que recuerda a Damo Suzuki y su trabajo en los primeros discos de Can, no en vano eran compatriotas trabajando simultáneamente. ¿A dónde van a parar esas voces? A una suerte de clímax tribal y psicodélico, difícil de explicar con palabras, por eso dejemos que en este caso, cada oyente capte sus propias impresiones. Algo similar pasa con el tema del título, "Phallus Dei" que en la edición original en formato LP ocupaba toda la cara B. Nada menos que veinte minutos de delirio sónico, para deleite de los que gusten del buceo en estos abismos cósmico-auditivos.

Phallus Dei es considerado, junto con Monster Movie de Can, uno de los discos iniciadores del movimiento kraut rock, pero sería reduccionista encasillarlo dentro de un estilo; es único e inigualable. Ni siquiera es comparable a los álbumes más laureados (y reconocidos) de la banda alemana como Yeti o Tanz der Lemminge, en donde mejoraron mucho a nivel instrumental y compositivo pero perdieron un poco en cuanto a espontaneidad y frescura. Nada mal para un disco debut.

Como casi siempre tratándose de Amon Düül II es casi inevitable que reaparezca la pregunta... ¿Cómo es posible?






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Amon Düül II - Tanz Der Lemminge

Algunas preguntas surgen después de escuchar cualquiera de los tres primeros discos de Amon Düül II… ¿Cómo fue posible grabar una monstruosidad semejante? ¿Cómo fue que estos freaks convencieron a una compañía discográfica para que editaran un material como este? ¿Cómo salieron estas ideas? ¿Bajo la influencia de qué drogas? ¿Cómo hacían? Sabemos que vivían en comunidad en la Alemania de fines de los sesenta, que esa comunidad se separó en dos bandas diferentes y no mucho más. Tampoco es que todo ese bagaje de datos aporte mucho a la hora de la escucha, a decir verdad.

Pensar que estos pibes eran hijos -la mayoría- de gente que había tenido que ver con el nazismo, es reafirmar la identidad de una música y un género que hizo lo posible por renegar de un pasado de espanto, para reafirmar una nueva identidad nacional exenta de atrocidades. Cualquiera sea el contexto, la música del kraut-rock en general y la de Amon Düül II sobre todo, ha superado el test del paso del tiempo. Nunca se volvió a hacer música con este nivel de desfachatez y vuelvo creativo.

Tanz Der Lemminge, que podría traducirse como “la danza de los Lemmings”, es el tercer disco de estudio de la banda, apareció en formato doble en 1971, fue editado originalmente por el sello Liberty en Alemania, por United Artists en países como Estados Unidos, el resto de Europa (en Italia se llamó ‘viaje a través de un sueño’) y hasta Nueva Zelanda. Estaba dividido por cada una de sus cuatro caras; la primera “Syntelman’s March of the Roaring Seventies”, una suerte de suite demoníaca, un descenso a los infiernos mentales y musicales, con guitarras acústicas y eléctricas peleando por alterarte los sentidos, teclados y sintetizadores macabros y voces de ultratumba que más que cantar parecen invocar a quién sabe qué demonios. Más o menos lo mismo sucede con “Restless Skylight – Transistor-Child” y con, la tercera y última parte, “Chamsin’s Soundtrack”, cuya primer sección (“The Marilyn Monroe-Memorial Church”) ocupaba originalmente la totalidad de la cara tres del disco. Los últimos tres temas, relativamente cortos, que forman parte de esa supuesta banda sonora, se despegan un poco del resto de lo que veníamos escuchando, a modo de alivio para el oyente que soportó los ataques sonoros estoicamente. Tampoco son canciones que podrían sonar en cualquier FM, eso seguro.

Que el disco haya sido relativamente exitoso al momento de su aparición, nos habla a las claras de otros tiempos, de otra época. Por suerte para nosotros todavía podemos conseguirlo, en varios formatos.







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Amon Düül II - Surrounded by the Stars

Me había olvidado pero hoy me acordé que al principio detestaba el kraut rock, como me pasó muchas veces con cosas nuevas o desconocidas. Me parecía el último resquicio del rockero snob. Y lo es. Pero... ¿cuál es el problema en reconocerse un poco snob? Todos lo somos de una forma u otra.

Igual, de todas las bandas del movimiento (Can, Popol Vuh, Faust, etc.) los Amon Düül II son los más rockeros, si vamos al caso es, realidad, una banda de rock psicodélico, una banda extraordinaria, eso sí.

Phallus Dei y Yeti son las biblias y excelentes puntos de ingreso. Pero a mi, la verdad, me gustan cuando son un poco más convencionales, si es que ese término aplica para estos marcianos. "Surrounded..." es una obra maestra, cuando mete ese cambio de acorde y el tema está listo para despegar a los confines de la estratósfera, es uno de esos momentos en que la música muestra su impresionante poder de trascendencia. No muchos lo han logrado, los Amon Düül II sí. Y en varias oportunidades.

Se puede escuchar -y ver a la banda ROMPIÉNDOLA en vivo- acá.

Encontrala originalmente en:
Ya en el anterior, en Carnival In Babylon, habían mostrado una faceta más amable, más accesible, se podría decir. Nunca es tan sencillo cuando se trata de los germanos en general y de Amon Düül II en particular. Todavía dentro de este disco hay cosas extraterrestres. Indispensable.
Wolf City (1972)

Julian Cope - Dark Orgasm

Ex-niño mimado de la prensa, crítica musical, o como se le prefiera llamar, Julian Cope ha sido abandonado de manera misteriosa por esta gente en los últimos diez años, aproximadamente. No sería nada raro que ese abandono tenga que ver con que sus últimos discos de estudio están por fuera de cualquier circuito, salen por su propio sello, se venden a través de su sitio de Internet y no hacen ningún tipo de concesiones, ni líricas ni musicales.

Mr. Cope parece estar inmerso en una cruzada contra sus propios molinos de viento; la religión organizada, las sociedades patriarcales, la música “inofensiva”, las drogas que no son consideradas como tales (la TV chatarra, la alienación producida por la tecnología, etcétera). Se puede decir que a los que manejan el mundo, las grandes corporaciones, las que dictan qué escuchar, no les conviene que esté en boca de todos alguien que no se cansa de disparar verdades. Nunca lo sabremos pero es una teoría.

Lo que sí viene el caso es que, después de Interpreter, abandonó cualquier intento de producción “tradicional” en pos de un sonido crudo, a lo bestia, con grabaciones espontáneas a una sola toma, con la banda acertando (y errando) en vivo en el estudio. Dark Orgasm es el segundo disco aparecido en el año 2005, el anterior había sido el extraordinario Citizen Cain’d, que tenía una cara de rock feroz, de dientes apretados y la otra mostrando una faceta más acústica y cancionera. Dark Orgasm se inclina por la primer opción, es un disco de rock and roll, de guitarras fuertes y canciones breves y efectivas. Acá Cope no se anda con vueltas y mientras que la cosa parece sencilla, a nivel ideas hay una pequeña novedad que vale la pena destacar; una mezcla inédita. Las guitarras y los riffs recuerdan a sus amados Stooges mientras que los arreglos y las bases tienen que ver con cierto rock progresivo, oscuro y malvado de bandas como Amon Düül II o Tangerine Dream, con ese melotrón omnipresente. A veces no puede con su genio y, por más que intente boicotear y sepultar sus instintos para la melodía y el gancho pop, en algunos temas hay puntos de agarre muy claros como en “White Bitch Comes Good” o la excelente “I've Found a New Way to Love Her”. En el disco dos (todos sus últimos discos son dobles, pudiendo entrar en sólo un CD) está “Death & Resurrection Show” en donde le da rienda suelta a todas sus indulgencias y caprichos en veinticinco minutos mucho menos improvisados de lo que parece a simple escucha.

Qué va a pasar con estos discos de acá a quince o veinte años, cuando caiga irreverente el martillo del paso del tiempo no lo sabemos. Pero nadie en su sano juicio va a negar que a Julian Cope le falta algo fundamental en el rock ‘n’ roll: coraje.







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Amon Düül II - Carnival In Babylon
Agitation Free - Malesch

Julian Cope - You Gotta Problem with Me

Gila - ídem [1er. LP - 1971]

Los últimos años de la década del sesenta y la primera mitad de la siguiente en Alemania, deben haber sido los años más fructíferos y creativos en la historia de la música popular del siglo veinte. Se podía hacer cualquier cosa y prácticamente todo lo que se intentaba tenía un envidiable nivel de calidad, considerable apuesta en cuanto a originalidad e indudable valor en cuanto a identidad. Eran los pibes que querían borrar lo que había hecho la generación anterior y el vehículo era hacer una música que no tuviera nada que ver con lo hecho hasta entonces.

Gila se fundó en el ’69 y este, el LP homónimo debut, también conocido como Free Electric Sounds, es del ’71 y, si bien puede agruparse dentro de la inmensa bolsa del krautrock, poco tiene que ver con Faust, Can o incluso Amon Düül II, por citar algunos de los grupos emblema del género. Si hay algo que los emparenta es la capacidad para improvisar, la habilidad técnica siempre puesta al servicio de las composiciones y cierta tendencia a la oscuridad, a los acordes menores, en busca de un sonido tétrico o tenebroso. En ese último apartado los Gila son maestros, en generar climas asfixiantes y hasta terroríficos.

Con quienes más se los puede llegar a emparentar son con los Amon Düül II de Phallus Dei, temas larguísimos, prácticamente improvisados, sin una estructura rígida y, cuando hay voces, están utilizadas para acentuar los climas y no para cantar letras o comunicar ideas líricas. Un buen ejemplo para entender lo que pasa en Gila son los primeros minutos de “Individualität”, último tema del disco; una percusión rapidísima, desenfrenada, el resto de los instrumentos saliendo y entrando de la mezcla fantasmagóricamente. Esta no es música que vas a escuchar en una fiesta o en un boliche, esto lo tenés que escuchar sólo, en el estado que prefieras pero buscando el momento justo, requiere de tu atención, no es para escuchar de fondo. “Kollaps” es otro ejemplo de música funesta, ideal para asustar vecinos (ese… ¿bebé? llorando es escalofriante) y es la tónica dominante a lo largo del LP. Pero ojo, no todas son espinas en el camino de Gila, también hay momentos en donde se puede salir a respirar y ahí está lo que diferencia a un grupo bueno de uno malo, en esto de “meter miedo”. Estos tipos también saben llevarte a la campiña a planear en un estado de relajación absoluta.

Los Gila sacaron un disco en el mismo año que este, Bury My Heart at Wounded Knee, con una formación un poco diferente y se separaron sin pena ni gloria. Hasta el ’99 no hubo novedades, cuando salió un disco en vivo de aquella época, Night Works. Pero la posta está acá, en el primero, el del monstruo en la tapa.







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Ash Ra Tempel - Schwingungen
Golem - Orion Awakes

5 Canciones 5: Nacho Vegas, Sérgio Mendes & Brasil '66, Amon Düül II, Paul McCartney y Barbara Mason

Crímenes cantados
Nacho Vegas

El agua y el aceite. El español puso en la coctelera dos elementos que a priori no deberían mezclarse. El hedonismo y el compromiso. Jesus and Mary Chain y Víctor Jara, por dar dos nombres. Incluso se anima con una teoría; la pobreza es delito y quien lo perpetra es el gobierno, el estado, las autoridades. Samba y Mohamed (los dos personajes de la canción) son víctimas. Acá hay una vuelta de tuerca, en más de un sentido, en una era en que jugársela políticamente está mal visto. Y la clava en el ángulo.

Aparece originalmente en: Violética (2018)

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Crystal Illusions (Memorias de Marta Sare)
Sérgio Mendes & Brasil '66

Easy listening le dicen a esto. Como sea. No es tán fácil el asunto. Este tema se encarga de cerrar y titular el quinto LP de Sérgio Mendes y compañía. Hay misterio, un clima medio sombrío, sin llegar a ser Velvet Underground o alguna banda oscura californiana. Pero se despega de lo habitual y la producción no escatima recursos, con una orquesta haciendo malabares atrás de los cambios. Que son varios y muy interesantes. Una lección de armonía en siete minutos y fracción.

Aparece originalmente en: Crystal Illusions (1966)

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Mozambique
Amon Düül II

Hablando de lecciones... estos tipos sí que hacían lo que algunos han llamado sinfonías para adolescentes. Yo prefiero llamarle Música Clásica de la Era Moderna. Ideas amontonadas con el mejor criterio, unificadas vaya uno a saber cómo. ¿De dónde venía la inspiración de esta gente? ¿Hongos alucinógenos? Lo que sí importa; eran unos capos. Querían despegarse de la generación anterior, sus padres, muchos de ellos responsables directos de las atrocidades cometidas por la Alemania de Segunda Guerra Mundial. Lo lograron. Este es un ejemplo perfecto.

Aparece originalmente en: Vive La Trance (1973)

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Run Devil Run
Paul McCartney

Macca se da el gusto y graba su disco de covers de rock and roll de los cincuenta. Sus influencias. Lo hace con gusto, con clase y sin el tufillo retro-boludo que esto podría haber tenido. Hay una cosa punk rock acá. Escuchá este tema y decime si no es así. Tratándose de Paul McCartney y su gigantesco ego, no pudo dejar pasar la oportunidad y metió algunos propios. El que dá título la rompe, hay que decirlo. Y si lo tenés al enorme Ian Paice en la batería, ya corrés con ventaja.

Aparece originalmente en: Run Devil Run (1999)

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Your Sweet Love
Barbara Mason

¡VAAAAAAAAAAAAAMOS todos a la pista! ¿Por qué no bailamos con ESTA música hoy? En lugar de esto bailamos con una música estúpida que insulta nuestra inteligencia y sensibilidad. Rebajando a las mujeres a un nivel tan triste como sorprendente. No quiero decir que todo tiempo pasado fué mejor, pero sí estoy seguro de que nos estamos dejando atropellar por la ola de imbecilidad reinante. Todos somos cómplices, de una forma u otra. Hay que ver hasta qué punto.

Aparece originalmente en: Love's the Thing (1975)

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Nektar - Journey to the Centre of the Eye

Nektar. Expatriados ingleses trabajando en Alemania a principio de la década del setenta. No es mucho lo que se puede decir de ellos desde el punto de vista extra-musical pero es muchísimo lo que sí se puede decir en el terreno estrictamente discográfico. El contenido de sus trabajos es la clave y a eso nos abocaremos.

Este es un disco conceptual que cumple sus promesas. ¿De qué se trata todo? El secuestro de una nave espacial terráquea, originalmente destinada a Saturno, perpetrado por alienígenas de un planeta desconocido. Todo esto sirve de excusa para varios comentarios de tipo político y sociológico, con observaciones sobre los comportamientos humanos, sus errores y miserias cotidianas.

Una empresa difícil de llevar a cabo, gracias a la música de Journey to the Centre of the Eye, el todo termina funcionando y el contenido está por encima de la forma. El rock espacial de Nektar está bien ejecutado y pensado, hace que el hecho de que no hayan inventado nada nuevo, sea secundario. Lo que hacen, lo hacen muy bien, con oficio, combinando sabiamente los elementos. Por momentos es rock psicódelico, hay kraut-rock, rock sinfónico/progresivo, etcétera, pero todo está dosificado y administrado con inteligencia.

Tomemos como ejemplo "The Nine Lifeless Daughters of the Sun" (que sería algo así como "Las nueves hijas sin vida del sol"), en algo menos de tres minutos pasan tantas cosas que podrían haber hecho que dure diez minutos sin aburrir ni un segundo, hay una sección improvisada, un crescendo guitarrero agresivo y unas voces al unísono que ponen la piel de gallina. El final casi no se nota porque se funde con el tema siguiente: "Warp Oversight", que podría formar parte de la cara experimental de Ummagumma de Pink Floyd con total comodidad. "The Dream Nebula" parece ser algo así como una especie de sección central, por su ubicación en el disco y porque está dividido en dos partes muy diferenciadas; la primera alterna violentísimos power-chords con momentos de sosiego pero, en la secuela, el tema central aparece un poco más desarrollado, incluyendo una suerte de vals sicodélico con unos soberbios efectos de guitarra. No vale la pena seguir insistiendo con el análisis individual de los temas de Journey… ya que como muestra sobra un botón pero sí hace falta aclarar que abundan momentos asombrosos (¡El subidón adrenalínico de "Burn of My Eyes"!!!), sorpresas y secciones reposadas en un disco que lo tiene todo.

Después de este, el primer larga duración de la banda, vendría A Tab in the Ocean al cabo de unos pocos meses, lo que habla de un ritmo de trabajo y una disciplina poco frecuente en este tipo de bandas. Más tarde …Sounds Like This, Remember the Future, (mucho más volcados al rock sinfónico) y así hasta fines de la década, donde deciden separarse, sobre todo por falta de éxito. Después vendrían las reuniones de rigor. Nadie les quita lo bailado.







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Kraftwerk - Radio-Aktivität

Empieza con unos sonidos de interferencia, de la mano de “Geigerzähler”, un minuto de duración, como para ir metiéndonos en el concepto del disco. En la que quizás sea la banda que más hincapié ha hecho en el concepto, en las ideas, en la parte estética y visual. Cuando empieza el tema que da título ahí sí, ya te das cuenta de que estamos sumergidos en el mundo futurista de Kraftwerk.

Radio-Aktivität (o Radio-Activity para el resto del mundo) es el quinto disco de estudio de los alemanes. El que viene después del famoso Autobahn, que es el momento en que finalmente encontraron el sonido, la identidad. Donde los planetas finalmente se alinearon, después de un principio de carrera interesante pero tentativo, hay que decirlo.

¿Y el kraut-rock? Las bandas emblema (Can, Faust, Amon Düül II, etcétera) rechazaban el término. Venían de un mismo país, en un determinado momento. Sí compartían el deseo de hacer una música de quiebre, revolucionaria. Querían separarse de la generación, del holocausto, para hacerla corta. Coincidían en la intención de romper con la hegemonía anglosajona, en generar algo propio, nuevo.

“Radioland” es impresionante. ¿Con qué se lo puede comparar? Ni siquiera con otros temas de Kraftwerk. El nivel de oscuridad y sordidez que transmite es algo difícil de explicar con palabras. Casi no hay ritmo, son capas de sintetizadores que se entrelazan, entran, salen, algo único. Si todavía hay gente que cree que no se puede transmitir emociones a través de la música electrónica, hay que hacerle escuchar esto. Puede llegar a ser agobiante, es precisamente la idea. Radio y radioactividad. No es joda, tener miedo es la reacción natural, el futuro ya llegó y no muestra una cara amigable. “Ätherwellen” suena más familiar, más típico de Kraftwerk si se quiere, a pesar de que la sensación de incomodidad, de paranoia, sigue ahí, latente.

De los discos clásicos de Kraftwerk, Radio-Aktivität es el menos “amable”, pero a la hora de la verdad es posible que sea uno de los más influyentes. No es casualidad que “Die Stimme Der Energie” suene a post-punk, anticipándose en algunos años a Magazine y los paisajes congelados de Secondhand Daylight, por citar un ejemplo. Esta es música que marcó a varios, sentó un precedente y, a pesar de los intentos, nunca volvió a igualarse.







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Status Quo - On the Level

Se ve que uno de jovato va cambiando sus preferencias. Los Status Quo siempre fueron tomados medio para la joda por los artys. Hay gente que necesita oponer, a toda costa, como esto es recontra cabeza, simple y (hay que admitirlo) hasta ramplón, no vale la pena. Mejor es PiL, Amon Düül, Tortoise, CAN… Esos que corren los límites y que encontrar el momento adecuado para someterse a ellos, es más difícil que la tabla del ocho. En cambio esto puede andar casi siempre; si necesitás bailar en una fiesta roquerita, si querés tocar la guitarra arriba de algo bien sencillo, si vas en la ruta o caminando a la línea J del tranvía.

Este debe ser el quinto o sexto de una banda que tardó en encontrar lo que querían, hasta dicen que mucho de Spinal Tap está basado en la colorida historia loser de los Quo. Bien de pibes la pegaron con “Pictures of Machstickable Man” en pleno auge psicodélico. Pasaron unos años en una nebulosa de no venderle un disco a nadie y eso que no estaban nada mal. Malkmus de Pavement (otro arty) dice que Ma Kelly' Greasy Spoon es una obra maestra. En esta seguidilla de disco hechos con una hoja de calcar está lo que iban a hacer el resto de sus vidas. Piledriver tiene “Paper Plane”, Blue for You tiene “Mistery Song” y “Ring of a Change” y este, el gran On the Level, tiene cinco o seis de esos. Y los fillers, que en ellos siempre son evidentes, son recontra escuchables. Van los que me acuerdo ahora:

 1) "Over and Over". El tema que le muestro a alguien a quien deseo introducir al maravilloso mundo de rock sabiola de Status Quo.

 2) "Down, Down". En realidad también puede ser esta bomba de power pop beatle anfetamínico, por suerte nunca nadie te va a tener a preguntar esas boludeces, que uno piensa que un día vendrán. Un gancho atrás del otro. 

 3) El tema con que empieza el disco. Ahora no me acuerdo como se llama. BOMBA

 4) El cover de Chuck Berry, el OBLIGATORIO tema del soretón pionero, cierra el disco a puro jedbanguin. Hetfield probablemente apruebe.

 5) "I Saw the Light" es de los buenos, pero estoy muy drogado para describirlo.

Lo que yo haría es agarrar los dos o tres grandes temas de estos años de gloria y en el CD 2 pondría uno de cada disco de los que vinuieron después. Siempre, incluso en los más pedorros, se las arreglan para meter un bombazo. Yo lo hice y lo perdí. Puedo recuperarlo si alguien me transfiere 0.50 U$D a mi alicaída cuenta carcelaria.






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5 Canciones 5: el sello Dawn

Hotel Room
Prelude

Claramente influenciados por Neil Young (en la edición US de este disco aparecía una versión de "After the Gold Rush") CS&N y el folk de la costa oeste, los Prelude podrían entrar en la bolsa de grupos como Eggs Over Easy o los magníficos Help Yourself, aunque tienen el toque inglés inconfundible que los diferencia y caracteriza. "Hotel Room" tiene unas armonías vocales envidiables, entre otras virtudes.

Aparece originalmente en: Dutch Courage (1974)

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White Eyes
Fruupp

¿Que hubiera pasado si los Fruupp hubieran sido ingleses o alemanes en vez de Irlanda del Norte? Hoy en día estaríamos hablando de ellos como si fueran la gran banda perdida, al mejor estilo Can, Amon Düül II o Cressida. A nivel merecimientos están por encima de grupos mucho más famosos de rock progresivo / sinfónico; tienen millones de ideas interesantes, arreglos raros e inesperados y cuatro discos de estudio de un nivel parejísimo. Los cuatro aparecidos en el sello Dawn, por cierto.

Aparece originalmente en: Seven Secrets (1974)

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Hall of Bright Carvings
Titus Groan

El nombre de la banda viene de la novela fantástica de Mervyn Peake, que algunos dicen que es superior a El Señor de los Anillos. Tienen un sólo disco de estudio y es uno de esos "tapados" que vale la pena buscar. Folk inglés malvado, diabólico por momentos. "Hall of Bright Carvings" es la suite épica infaltable, en donde la banda muestra lo que sabe. Son un poco más de diez minutos y pasa de todo. Imperdible.

Aparece originalmente en: Titus Groan (1970)

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The Seller of Stars
Donovan

Sin dudas el artista más famoso y recordado del sello, el gran Donovan Leitch editó dos discos a través de Dawn; Open Road y éste, HMS Donovan. Un LP doble para niños, muy ambicioso, mayormente acústico, con letras de W. B. Yeats y Lewis Carroll (entre otros) y varias de su autoría. Fue un fracaso rotundo y hoy en día es uno de los más caros y difíciles de conseguir de toda su discografía. Vale la pena como cuadro aunque sea, con unas ilustraciones increíbles en interior y exterior de la lujosa portada tipo gatefold en que venía envuelto el original.

Aparece originalmente en: HMS Donovan (1971)

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I Would Be Confessed
David McWilliams

McWilliams siempre será recordado sobre todo por "The Days of Pearly Spencer", versionada por Marc Almond, los neocelandeces The Avengers y hasta Ana Belén. En Lord Offaly aparece esta pequeña maravilla de cinco minutos y fracción, una interesante mezcla entre lo clásico de Dylan, misticismo celta y el primer Elton John. Con una letra contemplativa y llena de ambigüedad culposa. Por si fuera poco, tiene una coda de piano hermosa.

Aparece originalmente en: Lord Offaly (1972)

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Spiritualized - Ladies and Gentlemen We Are Floating In Space

Spiritualized surgió de las cenizas de Spacemen 3, aquellos rockeros espaciales comandados por Pete "Sonic Boom" Kember. Apegados a los mantras hipnóticos, a los tonos sombríos y cierta reivindicación constante de las sustancias alteradoras de la percepción, Spacemen 3 se disolvió en la habitual lucha de egos y usos y abusos de todo tipo. Kember formaría Spectrum y participaría en varios proyectos parelelos y todavía hoy sigue produciendo bandas.

Siempre al mando de Pierce, acompañado por quienes estén dispuestos a tolerar los manejos despóticos, Spiritualized hizo dos discos siguiendo la línea trazada por su banda anterior. Algo pasó después de Pure Phase, el segundo opus de la banda británica: Pierce rompió con su pareja de entonces y las consecuencias no pudieron haber sido mejores. De esa ruptura surge Ladies and Gentlemen…, del dolor, del sufrimiento insoportable, de la pena del alma que sólo la música puede ayudar a sortear con éxito.

Los preparativos al despegue empiezan con el tema que dá título y ya la suerte está echada: “Todo lo que necesito en esta vida es un poco de amor que se lleve el dolor” dice la letra en un colchón de teclados psicodélicos al borde del sopor y el entumecimiento. El mensaje es claro: es el amor como forma de redención del espíritu, como método de elevación por sobre lo ordinario. Y el desamor como fuente de todos los problemas, lógico. En "Come Together" aparecen las verdaderas intenciones del álbum y el sonido que lo caracteriza. Una tormenta eléctrica descargada sin piedad, con una base instrumental monstruosa, es el muro de sonido de Phil Spector revisitado. El hombre está destrozado y se encarga de manifestarlo intentando ocultar la óptica autobiográfica, usando el recurso de la tercera persona. "I Think I'm In Love" va creciendo despacio, a partir de una base sencilla, hasta llegar a un estallido a toda orquesta con coros multitudinarios que se destacan entre un verdadero despliegue de recursos. El órgano tubular introduce "All of my Thoughts" dándole al tema un cariz medio religioso, pero en seguida llega una tormenta sónica, con varios instrumentos de bronce y guitarras aullantes. Se desarrolla entre esta dinámica de suave/violento hasta llegar a un final calmo. 

"Stay with Me" es el pedido al borde del desbarranco que hace quien sabe que ya tiene todo por perder. Musicalmente emparentado con aquellas composiciones de los Pink Floyd previas al mega-éxito de Dark Side…, tranquilo, sin batería, con muchos teclados pero con un costado sombrío y algo tétrico. Otra descarga de adrenalina es la que aporta "Electricity", sin lugar a dudas el momento más rockero y efervescente del disco. Acá muestran las influencias de los primeros Hawkwind, Jesus and Mary Chain y las descargas auditivas de Sonic Youth. Ruido blanco desplegado con talento y eficacia.

También hay lugar para las exploraciones porque "The Individual" cae dentro de esa categoría y acá están filtrados Sun Ra, Amon Düül II y John Cale en unos breves cuatro minutos. "Broken Heart" es quizás el momento más emotivo de Ladies and Gentlemen… Apela a una textura de cuerdas cinematográfica a la manera de John Williams, va creciendo y avanza para apoyar uno de los momentos confesionales más desoladores de la carrera de Spiritualized. El narrador se muestra desnudo, honesto y vulnerable en un acto de sinceridad heroico. Sin metáforas, es directo, va al grano. El cierre, con Dr. John como invitado al piano, tiene algo de perverso. Invitar al gran Mack Rebennack para tocar dos notas en un tema de casi veinte minutos puede parecer un desperdicio, pero el maestro se da el lujo de mostrar todo lo que se puede hacer sin pirotecnia ni acrobacias. El viejo axioma de “menos es más”.

Y sí, Ladies and Gentlemen… fue un éxito. Merecidísimo. En el mismo año de Urban Hymns de The Verve o OK Computer de Radiohead, la revista NME lo consagró Disco del Año, vendió muchísimos ejemplares y dejó otro gran aporte para la historia de las grandes tapas; el packaging del disco estaba pensado para imitar una caja de medicamentos, con su correspondiente prospecto y contraindicaciones. Lo que se llama reforzar el concepto, digamos.








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Spiritualized - Let It Come Down
The Verve - A Northern Soul
Mercury Rev - See You On the Other Side

Buzzcocks - A Different Kind of Tension

Los Buzzcocks no necesitan presentación. Igual nunca viene mal una breve refrescada. Fueron uno de los tantos grupos que se formaron después de ver en vivo a los Sex Pistols, en esa especie de Gira de Evangelización que hizo que muchos salieran disparados a comprar instrumentos. Primero contaban con Howard Devoto, con quien registraron el fundamental EP Spiral Scratch, producido por el ineludible Martin Hannet. Devoto se iría casi en seguida para formar Magazine y los Buzzcocks quedarían en manos de Pete Shelley y Steve Diggle.

Son vistos hoy en día como una banda de hits en formato de disco simple, esas bombas de tres minutos a toda velocidad, con mucha melodía, coros y ganchos pop desparramados a diestra y siniestra. Con letras cínicas y descreídas pero con un indudable tinte romántico. Ese preconcepto está ayudado por lo que significa actualmente el fantástico Singles Going Steady, que recopila varias de esas perlas indispensables y que es, sin dudas, el disco más famoso y recordado de los de Manchester.

El que hoy nos ocupa ayuda mucho a disipar esa idea simplificada que se tiene de los Buzzcocks; A Different Kind of Tension, el tercer y último larga duración de la primera etapa de la banda. Seguro, también están los temas que todos esperamos y adoramos como "You Say You Don't Love Me", "I Don't Know What to Do with My Life" y "I Believe". Pero al igual que en los dos primeros trabajos de estudio (Love Bites y Another Music In a Different Kitchen) es en los discos donde todas las facetas de la banda se ponen en evidencia. El amor por Kraftwerk, Roxy Music y el kraut-rock siempre se deja ver en esos album tracks de corte experimental, en donde se juegan con alguna que otra ficha inesperada. En A Different… este costado está más acentuado que nunca. Hay más producción, más detalles finos, es un disco más difícil… todo lo “difícil” que puede llegar a ser un disco de los Buzzcoks. Vamos, esto no es Amon Düül II, esto es punk rock, con una vuelta de tuerca muy interesante, pero punk rock al fin y al cabo. Por ejemplo "I Believe", que, a pesar de su extensa duración, fue utilizado para aparecer como un simple, es una excelente muestra de lo que consiguen; combinan la inmediatez de unas estrofas recordables al instante (con Shelley haciendo una lista de todas las cosas que ama), con unos trucos de estudio interesantes. Terminan las estrofas y aparece un torbellino de guitarras que suben y bajan, se entremezclan, teclados y un largo etcétera. Una pequeña y modesta obra maestra.

Como guinda de la torta, en la reedición de lujo, además de los tradicionales temas de descarte, las tomas de estudio y en vivo, aparece entero el último EP de los Buzzcocks, el excelente Parts 1, 2, 3 que tiene los últimos tres simples con sus respectivas caras B. Los ecos de la ineludible influencia de los Buzzcoks se pueden rastrear en una buena cantidad de grupos y solistas actuales. Algunos los entendieron mejor que otros, pero la huella que han dejado es grande y eso es lo que importa.







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Descendents - I Don't Wanna Grow Up
Supergrass - I Should Coco
Buzzcocks - All Set

Goat - Commune

Bandas “de diseño”. Con un concepto atrás muy fuerte, una idea rectora que define lo que sí se puede hacer... y lo que no, también. De eso se trata lo de Goat, un concepto muy bien pensado. Se trata de una banda que mezcla la psicodelia y el acid-rock de la era de oro del género, con los ritmos tribales de la música africana, con letras espirituales de religiones paganas y un show en vivo con disfraces, bailes y una estética explosiva. Más de uno saldría corriendo espantado ante una descripción semejante, otros no verían la hora de prestarles atención.

¿Funciona el asunto? Sin dudas. Es un pasaporte directo para entrar en trance, podés dejar de lado las letras vudú de iluminación shamánica (a pesar de que lo proponen no está nada mal) y concentrarte sólo en la música y levitar. Tenés que hacerte cómplice, claro, como siempre sucede en estos casos. Si dejás de lado el cinismo y los prejuicios que nos bombardean a todos hoy en día, esto te puede llevar lejos, muy lejos. Goat se formó hace menos de diez años en Suecia, en donde aparentemente el estado financia a los pibes que demuestran tener una banda y se dedican a la música, les ayudan a comprar equipos, grabar y todo lo que hace falta para hacer andar un proyecto. Con el primer LP de estudio, World Music del '12, la cosa estaba clarísima de entrada y con este, Commune, que salió dos años después, el concepto terminó de redondearse. Acá suenan más afianzados, las composiciones tienen más filo, por momentos hasta asustan, cuando se meten en un groove se zambullen sin pensarlo y allá van; hacia el infinito y más allá. Un buen ejemplo sería “The Light Within”, en donde ya el título habla de las intenciones líricas de los muchachos, la música es una mezcla entre Black Sabbath y Tinariwen, oriundos de Mali, en el corazón de África y banda sonora oficial del desierto del Sahara. El patrón de batería es raro e insistente, los riffs de guitarras podridas le contestan a unos coros femeninos endiablados… depende de cómo te agarren, te pueden llegar a dar un buen susto. “To Travel the Path Unknown” (sería algo así como ‘viajar por el camino desconocido’) también tiene ese clima etéreo y asfixiante, bien de bad-trip, a la altura de los mejores Amon Düül II, los de Wolf City o incluso antes, cuando zapaban y apretaban el botón de grabar, en Phallus Dei. Es un instrumental corto, pero tiene onda, plantea un clima y sirve para preparar el despegue que propone el disco a partir del tema siguiente, el ominoso “Child Star”.

Nunca va a ser una música que va a tener un alcance masivo, digamos. De ningún modo van a reemplazar a U2 o a los nuevos reyes del supuesto pop actual, manufacturado de acuerdo a estudios de mercado. A pesar de eso, Goat tuvo una recepción relativamente auspiciosa, tocan en  muchos festivales europeos y cierta prensa especializada se cansó de elogiarlos. ¿Qué les depara el futuro? Ya lo veremos…







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Goat - Requiem
Brainticket - Cottonwoodhill
Grobschnitt - ídem [1er. LP - 1972]

Queen - Greatest Hits II

Este podría entrar en la categoría "ningún snob admitiría disfrutarlo". Una vez Carca dijo algo maravilloso, educativo se podría decir. Le preguntaron cúales eran sus placeres culposos a la hora de escuchar música. Respondió al instante; "no tengo, el acto de escuchar música, bajo ningún punto de vista me podría generar culpa de ningún tipo". Cosas que uno empieza a ver de grande, pasada cierta edad. Cuando te das cuenta que escuchar música es un acto extremadamente solitario. Muy pero muy pocas veces tuve la oportunidad de escuchar música en compañía, una vez con un amigo fumamos un porro y nos echamos a disfrutar de Phallus Dei, el escalofriante debut de Amon Düül II. Nadie dijo una palabra, acatamos la regla previamente impuesta y cuando terminó nos miramos atónitos, sin poder creer del todo lo que habíamos experimentado. Yo nunca más lo volví a escuchar, sabiendo que no existe la chance de llegar tan lejos (sin moverse) y por otro lado, ese costado oscuro, la cara diabólica de esos temas en particular, son rincones a los que no conviene visitar con frecuencia. Eso mismo podría aplicar a muchos discos de Hawkwind, la etapa eléctrica de Miles Davis, varios de Beefheart, Pornography de The Cure, La hija de lágrima... son obras que requieren de una cuota grande por parte del oyente. Directamente proporcional al nivel de satisfacción y adrenalina que genera haber desentrañado ese laberinto. Armaste el rompecabezas, valió la pena, ahora tengo más herramientas, soy otra persona, pasé una prueba de fuego, lo logré.

La verdad es que a la hora de la frecuencia, de revisitar una series de canciones, uno suele optar por algo que te haga bailar, divertir, hacer guitarras aéreas, cantar desafinado arriba como un loco. Nadie quiere ser puesto a prueba todos los días. Greatest Hits II fué mi primer CD, venía de regalo con el equipo de música que habían comprado mis viejos. El formato era nuevo y tenía muy buena pinta. Queen. Banda que con frecuencia es ignorada a la hora de hacer listas históricas, nombrar favoritos o dedicar páginas en publicaciones de esas que nadie lee. ¿Por qué? Muy simple, son muy famosos. Demasiado. Y contemporáneos, algo que no ayuda, por esa tendencia que tenemos los seres humanos de despreciar lo que se hace mientras nuestras vidas transcurren y glorificar épocas pasadas, eso que tan bien retrata Woody Allen en Una noche en París. Encima tienen muchísimos hits, cosa que al nariz parada promedio le enerva la crisma, aquellos por quienes ponemos las manos en el fuego tienen que ser bien "de nicho", nada de compartirlo con el oyente promedio. Acá tenés "Headlong", "Hammer to Fall", el impresionante "Under Pressure" con Bowie, el rescate del disco malo Hot Space. Si querés escuchar a Brian May soleando tenés "Breakthough" o "One Vision" y si querés a Freddie en plan megalomanía total podés ir con "I'm Going Slightly Mad" o "Who Wants to Live Forever". 

Cuando fuí conociendo el resto de la discografía, la parte de la carrera de Queen que abarca El de la Tapa Azul, fué quedando un poco relegada, vaya uno a saber por qué. De cada una de estas canciones no me voy a olvidar nunca. ¿Culpa? Ni en pedo... gratitud eterna. 





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Rolling Stones - Jump Back: The Best of the Rolling Stones
Queen - Live at Wembley
Eric Clapton - Unplugged

5 Tapas 5: Amon Düül II

Cladio Gabis - ídem [2do. LP - 1974]

“Musicalmente está inspirado en el ágil estilo de R&B propio de Ray Charles, pero la letra, compuesta durante uno de los numerosos conflictos bélicos que enfrentaron a Israel y los países árabes, tiene un tono pesado y apocalíptico”. Eso dice su autor sobre la primera canción de su segundo LP como solista. Suerte que terminaban haciendo algo propio con la música que escuchaban, porque no se nota para nada la influencia de Ray Charles, ni queda claro a qué conflicto bélico se refería, la letra es oblicua, cosa que termina jugando a favor de la inmortalidad de esta música. Esta gente vivía en un planeta propio.

Tema dos; “Blues de la Tierra Supernova”. Impresionante. Psicodélico al máximo, la guitarra de Gabis es un vehículo para el despegue a la estratósfera, si lo escuchás con auriculares es música para levitar. Son siete minutos de un blues rock marciano. El final podría haber estado en cualquiera de los grandes discos de Amon Düül II, Agitation Free, o cualquier banda similar de aquella época. Led Zeppelin era muy popular en la primera mitad de la década del setenta y la onda del tercer disco de estudio de Page, Plant y compañía (Led Zeppelin III, del ’70) parece evidente en “Danza del mago”, que se fusiona al final del lado A con “Tema de Sonia”; vayamos al campo, aflojemos un poco con la electricidad y agarremos las acústicas, a ver qué sale. Precioso, definitivo.

Estos son más o menos los mismos músicos que habían acompañado a Gabis en su primer aventura solista, después de la separación de Manal, los que conformaban La Pesada y grabaron varios de los grandes discos de rock de aquel lustro. De hecho, en “Bajando a Buenos Aires” canta Claudio Medina, cuya voz puede reconocerse de inmediato, en un blues podrido que podría haber sido parte del repertorio de la banda que compartían. En esa vena también está “Blues de un Domingo lluvioso”, mostrando que la relectura del blues que hacían estos tipos era válida, tenía fuerza y sangre, al nivel de Savoy Brown, Fleetwood Mac o cualquier grupo de blues rock contemporáneo del hemisferio norte.

Para el final, hay sorpresa y el postre viene de la mano de “Me voy lejos de la ciudad”. A pesar de que la parte lírica es cien por ciento hippie, atada a su momento en más de un sentido, la música es impresionante. Rock. Fuerte. Rápido, palo y a la bolsa, una especie de proto-punk con mucha melodía, como si los MC5 se hubieran dado una vuelta por la city porteña, se hubieran puesto a chillar en el micrófono con Charly, Lebón y todos los que deben haber metido coros para la ocasión. Claudio Gabis y su segundo LP -homónimo- de estudio. Vale la pena redescubrirlo.







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Mu - ídem [1er. LP - 1971]
Arco Iris - Tiempo de resurrección
Andromeda - ídem [1er. LP - 1969]

 

5 Canciones 5: Krokodil, The Church, Cheap Trick, Lito Nebbia y Johnny Thunders

Odyssey In Om
Krokodil

Se podría decir que Alemania en la década del setenta era hervidero de actividad cultura. Había banda de todos los colores. Muchas de esas entrar por decantación en la venerada categoría conocida como kraut-rock. La verdad es que no tiene mucho que ver con CAN, Kraftwerk o Faust. Acá a lo sumo se puede encontrar algún paralelo con Amon Düül II, los más rockeros en esa bolsa de gatos, con obras maestras como Yeti o Tanz Der Lemminge. Esto es un viaje al Himalaya| en busca de una colisión espiritual. Música para viajar sin moverse (*).

Aparece originalmente en: An Invisible World Revealed (1971)

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City
The Church

A lo mejor Gold Afternoon Fix podría servir para cerrar la etapa clásica de The Church. Por suerte, tratándose de los australianos, había mucha música después que se les dejó de prestar atención a nivel "gente que va a vender muchos discos". Tema suave, mostrando el costado tierno de Kilbey. Si tenés ganas de leer anécdotas musicales, podés entrar al blog de Marty Willson-Piper y enterarte de todo tipo de detalles de la grabación de este y los álbumes anteriores. Si tenés mucho tiempo libre, claro...

Aparece originalmente en: Gold Afternoon Fix (1990)

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Like a Fly
Cheap Trick

¿Cuántos años tienen los integrantes de Cheap Tick? Vale mencionar que salvo el batero, el gran Bun E. Carlos, son los mismos que grabaron el primero -homónimo- allá lejos y hace tiempo. No se me ocurre otra banda que venga de aquellos años y rockea con semejante nivel de desesperación y hambre de gloria. Robin Zander es, fué y será uno de los grandes cantantes de la Historia del Rock and Roll y conmueve escucharlo en tan buena forma, aullando y retorciéndose como un veinteañero a punto de devorarse el mundo.

Aparece originalmente en: We're All Alright! (2017)

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El otro cambio, los que se fueron
Litto Nebbia

"Corta un pedazo de torta y dame, vamos hasta la esquina a ver qué pasa". Lito Nebbia y su Tommy, su disco conceptual, una perla en una discografía enorme, inabarcable. Esto sería pop de cámara, piano, cuerdas y esa voz. Que puede gustarte o no, pero nadie puede negar que tiene una personalidad grande. Acá toca uno de los temas más dolorosos para los argentinos, el exilio, tener que irse de país y dejar atrás a los seres queridos. A muchos nos tocó de cerca el asunto y duele, vaya si duele. Acá se refleja ese sentimiento, cien por ciento.

Aparece originalmente en: Muerte en la catedral (1970)

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London Boys
Johnny Thunders

¡Al fin la encontré! Esta la escuchaba muchísimo, en la época en que uno se bajaba temas sueltos de Internet. La usaba para excitarme, antes de salir , ese tipo de cosas. Te suministraba un subidón de adrenalina muy fuerte. Después, cuando conseguí So Alone, me entristecía escuchar la versión anémica, desalmada, que había de este tema. Nunca supe de dónde había salido la que yo escuchaba. Hasta que le pregunté a un amigo muy fan de Thunders y me sacó la duda. Gratitud eterna.

Aparece originalmente en: Born Too Loose (The Best of Johnny Thunders) (1999)

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Hawkwind - In Search of Space

Con un simple vistazo al arte de tapa de In Search of Space, segundo opus de los geniales druidas del llamado space rock británico Hawkwind, se puede llegar a establecer una idea bastante acertada del contenido de uno de los grandes discos de estos marcianos terrestres.
El texto de la contratapa dice “Technicians of space ship earth, this is your captain speaking, your captain is dead” que podría traducirse como “Técnicos de la nave espacial Tierra, les habla su capitán, su capitán está muerto” y es una clarísima pista y mas si está colocado al lado de una foto completamente movida de Stacia, la famosa bailarina que condimentaba las primeras actuaciones en vivo de la banda… completamente desnuda!!!.

Un chequeo rápido por el sobre interno muestra una especie de diario de viaje, incomprensible desde donde se lo mire, ciencia ficción y balbuceos astrales por doquier y, como broche de oro, las fotos de los músicos que muestran que los Hawkwind ERAN lo que grababan, vivían en una suerte de mundo parelelo con poca o ninguna conexión con la realidad. ¿Cómo lo conseguían? Mejor dejarlo librado a la imaginación del oyente. "You Shouldn’t Do That" es el puntapié inicial del disco, o mejor deberíamos decir el punto de despegue por que precisamente de eso se trata. In Search of Space es un viaje intergaláctico que no termina sino al final del disco; ritmos machacantes, voces reiterativas, infinidad de artilugios y pirotecnia sonora y letras sacadas de un cómic de Marvel son solo algunas de las herramientas que utiliza Hawkwind para conseguir el paseo por el cosmos que el disco plantea.
Otro repaso por la lista de títulos no hace mas que reforzar todo lo expuesto hasta ahora; "Master of the Universe" (épico y malvado como pocos), "Adjust Me" o "Children of the Sun", por mencionar solo algunos.

Los temas agregados a la reedición en CD son un verdadero lujo, los simples del período -que de otra forma hubieran sido completamente inconseguibles- entre los que se destaca el legendario "Silver Machine", el sencillo mas exitoso de la carrera de Hawkwind, cantando nada mas y nada menos que por el no menos legendario Lemmy, guerrero de mil batallas, que tuvo un fugaz pero decisivo paso por las filas de la banda. Otra joya es una versión en vivo de "Born to Go", mas beligerante y agresiva que la original versión de estudio.

Previa cuenta regresiva y ajuste de cinturones, In Search of Space es satisfacción garantizada.








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Nektar - Journey to the Center of the Eye
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