James Brown - Hell

Un ritmo demoledor. Así empieza la fiesta, de la mano de “Coldblooded”. Un groove demencial. La banda “trabada” ahí, tocando encima de un acorde, sin cambiar. En un momento desciende rápido y corta, para volver prácticamente en seguida, a unos arreglos de bronce que son una delicia. Después hay un cambio de tonalidad, un clima diferente, algo no tan habitual, se nota que hubo una atención especial a los arreglos. El bajista es una suerte de demonio de las cuatro cuerdas, Fred Thomas, acá todavía no existían pavadas como el bajo de seis cuerdas, los tipos no pensaban tanto en el lucimiento personal. La cosa pasaba por hacer encajar engranajes y que no se muevan de su orden establecido, un mecanismo aceitado al máximo. Y hacer bailar, claro, de más está decirlo.

Todo el mundo conoce a James Brown, es tan famoso como cualquier otro músico que se te venga a la cabeza, Lennon, Mozart, Leonard Bernstein, Kendric Lamar… el que se te ocurra. Su obra es enorme, inabarcable y está llena de recovecos, de rincones inexplorados. Cualquiera conoce “I Got You (I Feel Good)” o “Funky Drummer” pero Hell, supuestamente el disco número treinta y ocho del “trabajador más incansable del negocio de la música” (uno de sus apodos) no es tan famoso. Y no por falta de méritos.

James Brown venía de grabar The Payback, un disco doble exitoso, le fue bien tanto a nivel ventas como desde el apartado críticas. Era una cosa diferente, tenía un concepto fuerte, musicalmente había una unidad evidente entre los temas y hasta se animaba a tomar partido por temáticas ríspidas. Incluía críticas sociales, el tipo veía que el mundo se caía a pedazos y la contaba. Hell vendría a ser una continuación, una parte dos. Con algunos puntos en común, también era un LP doble, el infierno no estaba bajo tierra ni en otra dimensión. Estaba a la vuelta de la esquina, con las drogas, las pandillas, el racismo, los abusos de poder y la corrupción política. Cualquier similitud con la realidad actual… Vigencia absoluta, digamos.

La diferencia es que en Hell hay mayor amplitud musical, con algunos experimentos que algunos consideran fallidos. Nunca supe bien por qué. Problema de ellos. La primer sorpresa viene de la mano de la versión en plan jazz latino de uno de sus super clásicos, nada menos que “Please, Please, Please”. Das vuelta el primer disco y aparece una versión de “When the Saints Go Marchin’ In”. Puede que no sea la elección más acertada pero los tipos tocaban -y grababan- con un nivel de profesionalismo y calidad que son difíciles de encontrar en otros géneros. Incluso dentro del funk, el R&B o como quieras llamarle a lo que hace James Brown que, en realidad, es un género en sí mismo.







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5 Canciones 5: música de películas

Witch
Goblin

La mayoría de las grabaciones de los prog-rockers italianos Goblin fueron para musicalizar películas de terror y esta joya de Suspiria no fué la excepción. En uno de los grandes clásicos de Darío Argento, alguien ingresa a una escuela de ballet para darse cuenta de a poco que detrás de la fachada se oculta algo siniestro. "Witch" es la banda sonora perfecta del infierno, con aullidos de ultratumba y sintetizadores malévolos ad hoc.

Aparece originalmente en: Suspiria (1977)

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The Look of Love
Dusty Springfield

Clásica película de James Bond con todos los lugares comunes del género. Pero con Peter Sellers y Ursula Andress. La música corrió por cuenta de la brillante dupla Hal David / Burt Bacharach. La versión de "The Look of Love" a cargo de la diva del soul inglés Dusty Springfield es motivo más que suficiente para pasar una hora y media frente a la pantalla.

Aparece originalmente en: Casino Royale (1966)

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Happy for the Poor
James Brown

El Padrino del Soul no se iba a quedar sin su propia banda sonora para película blaxploitation (drogas, putas, drogas, mafia y más drogas) a la manera de Shaft o Super Fly. Eso es exactamente lo que hace acá, pasando por el "filtro James Brown", obviamente. "Happy for the Poor" es una versión aggiornada de un simple de principios de la década. Pero funciona y a la perfección. Como casi todo lo que hacía JB en esta época.

Aparece originalmente en: Slaughter's Big Rip-Off (1973)

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Nobody But Me
Naz Nomad & the Nightmares

Acá hay trampa; la película que inventaron los Damned para hacer su disco de versiones nunca existió y durante un tiempo nadie supo que Naz Nomad & the Nightmares eran Vanian, Captain Sensible y compañía. ¿El contenido? Tremendas versiones de clásicos Nuggets de rock de garage de los sesenta. La del hitazo de Human Beinz abre el LP a pura fiesta, a toda velocidad, como para ir preparando el terreno para lo que se viene.

Aparece originalmente en: Give Daddy the Knife, Cindy (1985)

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That Woman's Got Me Drinking
Shane MacGowan & the Popes

Dirigida y protagonizada por un Steve Buscemi todavía no tan famoso, Trees Lounge tiene una banda sonora acorde a su película. Se trata mayoritariamente de standards de jazz y oldies de rock de la época pre-Beatles. Pero en el medio aparece este arrebato de furia confesional en clave punk rock, a cargo de Shane MacGowan (ex-Pogues) y su banda de forajidos. Para sacudir un poco el tedio (muy bien logrado, por cierto) del film.

Aparece originalmente en: Trees Lounge (1996)

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Parliament - The Clones of Dr. Funkenstein

Es mucha la información que podemos sacar de nuestros prejuicios, de nuestras presunciones, de la data que anda por ahí, por todos lados dando vueltas. Del mismo modo en que esto muchas veces nos traiciona y nos juega en contra, otras nos ayuda y nos hace dar en el clavo.

Mirás la tapa, Bootsy Collins y George Clinton disfrazados de marcianos (o la interpretación de ellos de la palabra “marcianos”)… hasta ahí todo bien. Medio que todos sabemos quiénes son estos dos personajes. Uno de los dos tiene corpiño y está esposado. La cosa pinta bien. Das vuelta el disco y mirás la fecha de lanzamiento, algo importantísimo. 1976. Viento a favor. Leés los títulos de los temas. “Dr. Funkestein”, “Do That Stuff” y otro que se podría traducir como “Te estuve mirando (mover tu cuerpo sexy)”. Ahí es cuando decís “sí, no puede fallar”.

Y no falla.

The Clones of Dr. Funkestein es el quinto LP de estudio de esta máquina funky y psicodélica y tiene todo lo que tiene que tener un gran disco de P-Funk; los mismos chistes tontos, las mismas letras absurdas y la misma música adictiva y demencial que caracteriza la década brillante de Clinton, tanto con Parliament como con Funkadelic. En teoría Dr. Funkestein... es un disco conceptual, pero hay que estar muy loco para ponerse a descifrar de qué va la cosa, esto es quedarse pegado a los ritmos, al groove, a los arreglos. En eso son maestros, inigualables. Dentro de lo que podría parecer un género acotado, los tipos se encargan de demostrar precisamente lo contrario. Es escuchar cualquiera de las canciones (saquemos esa intro medio al pedo) para darse cuenta de que esto, que ha sido imitadísimo, es inigualable. Por momentos suenan al Zappa (¿sería mutua la influencia?) de Overnight Sensation o Apostrophe (‘), vienen de James Brown y toman cosas de Sly & the Family Stone, pero el prisma de Clinton está clara y saludablemente deformado. El tipo habitaba una galaxia propia y nosotros somos los principales beneficiados de esa demencia.

No son todos iguales los discos de Parliament, nada tiene que ver este con el primero, con el extraordinario Osmium o con Motor Booty Affair (el último gran disco), en cada uno se encargan de generar un momento único, con muchísima personalidad. ¡Y encima se puede bailar!







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Joe Tex - From the Roots Came the Rapper

Este sí que las peleó a todas. Venía batallando seriamente desde mediados de la década del cincuenta, recién pudo asomar la cabeza -en esta época léase: tener hits- a mediados de los sesenta. Vendría a ser lo que muchos llaman “soul sureño”, una variante más sucia y menos arreglada del R&B. Pero no vamos a detenernos en estilos y etiquetas que no es lo nuestro, vamos. Mucha gente conoce el éxito por el que muchos recuerdan a Joe Tex, que es “I Gotcha”, un funk sudoroso y pegadizo que bien podría haber sido de James Brown (fueron rivales durante años), Curtis Mayfield o cualquiera de los que estaban con aquello del blaxploitation, a principios de la década del setenta.

From the Roots Came the Rapper es el disco de studio número doce de Joe Tex y es justo el que viene antes del mencionado super-hit. ¿A que viene el título? Se podría traducir como “de las raíces vino el rapero”. Simple; fue pionero en eso de los monólogos y no sólo en el escenario, también en estudio. Más tarde lo hicieron todos… Marvin Gaye, Millie Jackson y especialmente Isaac Hayes. Este último es una influencia clave (al parece era mutua) en eso de hablar antes de los temas. Un ejemplo perfecto acá sería la versión de la dupla Bacharach / David, otra coincidencia con Hayes, de “I’ll Never Fall In Love Again”, hay una intro hablada, cuando arranca la canción te lleva de los pelos, directamente. En este caso también hay monólogo en medio del tema, con flautas, cuerdas y todo ese acompañamiento lujoso, tan típico de las producciones de soul y R&B de la época. Son once minutos y fracción en total, con final a puro grito y orquesta, lo tomas o lo dejas, como suele suceder en estos casos.

Lo que sorprende en este disco es lo moderno que suena, cuanto tiene que ver con -por ejemplo- What’s Going On y todo lo que estaban haciendo tipos más jóvenes que Joe Tex, que venía de otra época y, por ende, de otra generación y otra forma de comprender la música. Otra constante en los discos del hombre de Rogers, Texas era la mezcla de temas propios con versiones. En este caso hay covers de Don Covay, Jerry Williams y otro héroe de culto que vale la pena investigar; Eugene McDaniels, quien firma el temazo con que empieza el LP, “Lovin’ Man”. Otro ejemplo, en el lado B, el primer tema es “Oh Me Oh My (I'm a Fool for You Baby)”, también con su introducción hablada, cuando entra la canción propiamente dicha, te mata, te desarma, quedás rendido. Si habrá sido calculado o no este recurso es una buena pregunta para hacerse, pero funciona y muy bien.

Un disco de culto, muy a tono con lo que se hacía en el momento, grabado y producido como los grandes exponentes del género, sin escatimar absolutamente nada. Todavía no ha sido rescatado por los revivalistas de esta era, en que todo lo que tiene más de veinte años es fetiche. Acá va nuestro granito de arena.







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Pete Brown & his Battered Ornaments - A Meal You Can Shake Hands with in the Dark

¡Como cambiaron los tiempos! Habría que pensarlo ahora. ¿Qué pasaría si hoy alguien se acerca a un sello discógrafico con un disco como A Meal You Can Shake Hands with in the Dark? Por empezar habría que ver si alguien se acercaría en primer lugar a una discográfica y segundo si esa discográfica existiría. Y en el hipotético caso de que eso suceda, lo más probable sería una palmadita en el hombro o alguna que otra reacción más violenta.

Pero aquellos días de fines de la década del sesenta eran diferentes, recién aparecía un sello subsidiario del gigante EMI, ideado para dar lugar a propuestas más arriesgadas, nada menos que el magnífico sello Harvest, que albergó a gigantes como Pink Floyd o Deep Purple pero también a héroes de culto como Barclay James Harvest, Babe Ruth o Gryphon.

Pete Brown era un poeta y músico aficionado por aquel entonces. Ya había trabajado con Cream, escribiendo varias letras de temas que hoy son clásicos, cualquier que haya prestado atención a los créditos de Disraeli Gears o Wheels of Fire seguramente vió su nombre en un buen puñado de composiciones. El tipo tenía habilidad con las palabras, podía ser crítico, cínico, corrosivo y cómico y muchas veces en la misma estrofa. Títulos, grandes títulos, algunos memorables: este disco por ejemplo podría traducirse como “Una cena a la que se le puede dar un apretón de manos en la oscuridad” o “Las cosas pueden ir y venir pero el baile de la escuela de arte estará por siempre”. ¿Otro? “La mañana lucía bastante bien en teoría” o “Camina hacia la caridad, corre hacia el dinero”. ¿La música? Rock progresivo mala onda, retorcido, freak, hasta diabólico por momentos. La banda, los Battered Ornaments, que por esos años contaban con el gran Chris Spedding en la guitarra, es competente y puede lidiar con el jazz, el hard rock y las zapadas deformes sin que les mueva un pelo.

A Meal… empieza con "Dark Lady", un riff sincopado y maligno, unos Black Sabbath con ganas de pasar por el conservatorio y apenas empieza a sonar uno agradece a Harvest o a quienquiera que haya dicho “está bien, vamos a sacar y apoyar este disco”. "The Old Man" sigue en la misma tónica pero en "Station Song" el tempo baja y las malas vibras aumentan. Suena parecido a algunos temas de Cream como "We're Going Wrong" pero con una atmósfera enrarecida, más lúgubre. "The Politician" empieza con un recitado muy histriónico de Brown y va a parar a una extensa zapada en donde los músicos muestran lo que son capaces de hacer; un jazz rock desquiciado, a toda velocidad en donde se luce especialmente el saxo de Dick Henstall-Smith.
En la cara B la tónica se mantiene; eclecticismo total, buenas interpretaciones, letras surrealistas ("Sandcastle"... ¡gran tema!) y para terminar otro tema largo, épico "Travelling Blues".

Los Battered Ornaments tuvieron su cuarto de hora cuando fueron invitados a participar del recordado concierto al aire libre en el Hyde Park, cuando Jagger recitó a Wilde en honor al recientemente fallecido Brian Jones, pero para ese momento Brown ya se había alejado para armar su siguiente banda, Piblokto! con quienes grabaría aún más música imperecedera. Ese capítulo lo dejamos para la próxima…

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5 Canciones 5: "tapados" soul y R&B

You Make Me Feel Brand New
The Stylistics

Hablemos de feel, de soul, de agarrar una canción y cantarla como si no hubiese un mañana. La primera estrofa la canta la voz barítono, a diferencia de la mayoría de Stylistics, en donde la voz líder es tenor, con Russell Thompkins Jr. encargándose. Cuando viene la repetición que toda canción necesita, vuelve esa voz grave y es un contraste de esos que suman. Los tres primeros son clásicos de lo que se conoce como philly soul, Let's Put It All Together es el cuarto y no se queda atrás. Ideal para ir metiendosé en la cama, acompañado.

Aparece originalmente en: Let's Put It All Together (1974)
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I Ain't Giving Up
Millie Jackson

El la despreció y la tenía "en el freezer". En un momento las cosas se dieron vuelta. Ahí ella ya no estaba, se había hartado. ¿Cuántas veces la escuchamos a esta historia? El tema es el cómo, no el qué, otra vez, como suele suceder. Además Millie Jackson fue pionera en eso de desnudar las miserias cotidianas de las relaciones amorosas. Empieza con un WOOOOOO bien sucio, fiel a su estilo. Ejemplo: en la tapa de Back to the S..t! está sentada en el inodoro... y haciendo fuerza!!! Este es su disco debut y todavía no se atrevía a tanto. ¿Y la música? Soul sureño grasoso del mejor, tocado como los dioses.

Aparece originalmente en: Millie Jackson (1er. LP - 1972)
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1,200 Miles from Heaven
Flaming Ember

Detalle curioso, esto se editó en Argentina en tiempo y forma en Argentina,  y por medio de Fania, el sello de salsa por excelencia. Famoso por haber editado a Héctor Lavoe, Tito Puente, Celia Cruz, Willie Colón... todos los próceres del género. Estos son de Detroit y tienen una cuota de rock considerable en el cóctel, se podría comparar con Hendrix post-Experience, con un cantante rasposo, a la manera del gran Wilson Pickett o Bobby Womack. Four on the floor, batería bien derechita y a bailar se ha dicho.

Aparece originalmente en: Sunshine (1978)
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Ride the Rhythm
Kool & the Gang

Ya habían pegado fuerte con "Jungle Boogie", uno de esos que conoce todo el mundo y suena en el ochenta por ciento de los casamientos. Aún así, todavía no había dado el giro caretón que iba a venir, acá todavía eran freaks, super ultra mega funkies, más cerca de P-Funk y James Brown que con la disco music que estaba por inundar las pistas de baile. Repetición, groove, bajos pegajosos de esos que te golpean la panza... y unas cuantas sustancias en el torrente sanguíneo, psicodelia... la tapa lo le queda como anillo al dedo. En este tema se nota que le estaban prestando mucha atención a Sly and the Family Stone.

Aparece originalmente en: Spirit of the Boogie (1975)
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You Don't Know Me
Joe Simon

El año anterior a la salida de este, había pegado un hitazo con Drowning in the Sea of Love, el disco clásico de Joe Simon, a la hora de los bifes. En el siguiente se la juega, como estaba cómodo tanto dentro del R&B más crudo (el sureño) se anima a sumarle música de raíces a su propuesta. Simon Country, el título ya lo anuncia. No hay muchos ejemplos de esto -¿alguien dijo Elvis?- a principios de los setenta todavía eran muy rígidas las etiquetas. En gran parte para acomodar a los artistas en las radios.

Aparece originalmente en: Simon Country (1973)
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The Common People - Of the People / by the People / for the People from the Common People

El único disco de los californianos The Common People también pertenece a ese selecto grupo que ha ganado aprecio y reconocimiento con el paso de los años y han sido ayudados por el boca a boca y por un fenómeno tan extraño como indiscutible; Internet.

Como muchos que pueden inscribirse dentro de este inmenso grupo, que crece increíblemente, el disco de The Common People está lejos de ser perfecto, de acercarse siquiera a un Forever Changes o a un Odyssey and Oracle. Pero en sus fallas reside un parte importante de su atractivo; es gente que no tenía miedo a experimentar, conscientes o no de sus limitaciones, temerarios trabajando en una era en donde se le entregaban grabaciones extrañísimas a los ejecutivos de las discográficas, en aquel entonces en su mayoría señores entrados en años y vestidos de saco y corbata. Estos señores escucharían el acetato, con caras incrédulas y sí, decidían seguir adelante y lanzar el proyecto al mercado. A la vuelta de la esquina había un cambio enorme, pero The Common People, durante su brevísimo período de existencia se benefició de esta situación.

También se beneficiaron notoriamente de la ayuda de un gurú musical: David Axelrod. Productor, arreglador y compositor, trabajó en una innumerable cantidad de discos aportando buen gusto, excentricidad y, sobre todo, ideas, muchas. Lamentablemente la participación de Axelrod en Of the People, By the People, For the People se limita a los primeros tres temas. Según la leyenda, la mujer del productor tuvo un accidente que lo hizo abandonar las sesiones, aunque lo más probable es que las cuestiones presupuestarias hayan sido el terrenal motivo de la renuncia.

Es así como Of the People... se divide claramente en dos partes; esos tres primeros temas, solemnes, majestuosos, hiper-arreglados, con la participación de músicos que habían trabajado con Love, en Lumpy Gravy de Zappa y en el mismísimo Pet Sounds. Pero cuidado, que los temas “no orquestados” no están nada mal. Es cierto, sí, se hubieran beneficiado con el tratamiento dado a "I've Been Alone" o "Those Who Love" pero así y todo no dejan de ser dignísimos exponentes del garage rock californiano de fines de los 60's y todos los sub-géneros que caían dentro de esa bolsa. "Go Every Way" es raro, un proto punk aullado con todas las agallas y la personalidad de su cantante, compositor y guitarrista, Denny Robinett, con un gabinete de guitarra fuzz típico y un piano que salta por todos lados. ¿La batería? Bien, gracias, apenas un bombo en corcheas. Quién sabe si esto fue una decisión de producción pero termina dándole un toque de originalidad. También está la obligatoria “novelty song”, como "All Together Now" de Yellow Submarine o todo el primer disco de la Bonzo Dog Band, en este caso es "They Didn't Even Go to the Funeral". "Land of a Day", con su inteligente manejo de los acordes menores podría estar tranquilamente en los primeros discos de Neil Young y el teclado macabro de fondo es sin duda un plus, así como los bronces del último tema, "This Life She Is Mine", podrían formar parte del repertorio de un hipotético James Brown lisérgico y fuera de control.

Ninguno de los Common People ha dado señales de vida y es muy poco lo que se sabe de las actividades de sus miembros después de la separación de la banda, cosa que sucedió (sí, adivinaron) inmediatamente, tras el rotundo fracaso comercial de Of the People…
Como siempre, el tiempo pasa, llegan los revival, los ciclos se repiten y acá estamos, ante otra banda que merecía más; The Common People.

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Death - ...For the Whole World to See

Acá hay gato encerrado, no me jodan. ¿Vieron cuando se comenta que el acceso que tenemos los mortales (o bien "los normales") a la Inteligencia Artficial es apenas la punta del iceberg de las posibilidades completas del asunto? Cualquiera hoy sabe que, con un par de indicaciones bien colocadas, podés obtener una canción completa, con arreglos, letra y todo.

Completa.

Sí señor. Si te lo decían diez o veinte años atrás no te lo creías. No te lo creías cuando salió a la calle este disco, cuando todavía importaban las reediciones y había venta -magra- de unidades físicas. De discos hermano, digamosló con todas las letras.

¿Se acuerdan lo de Rodríguez? La historia era increíble, de novela, casi inverosímil. Me atrevo a decir que sin dicha historia, la música (que estaba bien y no mucho más) hubiese pasado de largo, sin pena y mucho menos gloria. Y así había varios, sobre todo en el mercado de las reediciones... Euphoria, uno de los integrantes fué el primero en hacerse un cambio de sexo, Arzachel, el disco que se grabó en una cueva prehistórica en Rusia. Y acá hay algo parecido, la historia es de no creer. La vamos a resumir bien breve. Cuatro pibes negros de Detroit se juntan para hacer una música por lo menos diez años adelantada a la época, a medidados de los setenta el noventa y nueve por ciento de los veinteañeros de esa clase social estaba enloquecida con los Temptations, James Brown, Motown y el R&B que no paraba de brillar. El otro uno por ciento jugaba en la NBA. Estos se juntaban en una sala de ensayo a apretar los dientes, poner los instrumentos a todo volumen y armar unos temas demenciales, tocados a toda velocidad y con no poca detreza.

Y acá pasa al revés, podés ignorar la historia o no conocerla en absoluto porque la música está buenísima. Esto vendría a ser algo así como unos descendientes de High Time de MC5, con Love It to Death de Alice Cooper, sumando a los Bad Brains... que en el '74... ¡no existían! Precursor cien por ciento. Agresividad, velocidad, agallas, actitud. ¿Punk rock? Podría ser. Tocan demasiado bien para entrar ahí pero sí, dale ¿por qué no? O podría ser el Little Richard que regresa a fines de los sesenta (King of Rock and Roll, Second Coming) con un poco más de LSD en las venas, como confirma un tema como "Let the World Turn". 

El mundo no cambió en lo más mínimo y menos para Death, quienes rebotaron en Columbia por negarse a cambiar el nombre (supuestamente) con siete canciones grabadas. Es lo que sale en el 2009, con el título de ...For the Whole World to See. Tarde pero seguro.






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5 Canciones 5: Yes, Eumir Deodato, Juan Ravioli, Mikis Theodorakis y The Afghan Whigs

The Gates of Delirium
Yes

Alguna vez escuché que el primer tema de Relayer era un intento de musicalizar La Guerra y la Paz, la obra magna de León Tolstoi. Si lograron hacerlo o no es otra discusión pero lo que sí alcanzaron es una suerte de paraíso rocker y ultra-deforme. A esta altura no vamos a ponernos a defender a Yes. Cuando la música llega a escalar estas cumbres, algo que no es frecuente, uno no puede menos que cerrar el pico y rendirse ante la evidencia, la grandeza o, si se quiere, grandilocuencia. Para llevar a cabo una empresa como "The Gates..." no sólo hay que tener huevos, también estudios, capacidad técnica, vuelo creativo y un largo etcétera. 

Aparece originalmente en: Relayer (1974)

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Skyscrapers
Eumir Deodato

Deodato tenía apenas veintiseis tiernos añitos cuando produjo el segundo disco de la dupla Sinatra / Jobim, el pelo largo y era mirado con desconfianza. Su talento les hizo bajar la guardia al instante. En su segundo LP como solista hace una música cinematográfica, difícil de describir. Este tema en particular vendría a ser una mezcla entre música de películas de policías de los setenta, Fela Kuti y James Brown. Buen intento, pero no alcanza; hay que escucharlo.

Aparece originalmente en: Deodato 2 (1973)

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Los últimos tres
Juan Ravioli

Elliott Smith, los Beatles de la última etapa, Luis Alberto Spinetta... algunas referencias claras. "Yo se que debe ser duro estar lejos de casa" canta, en una de las grandes canciones de su primer LP como solista. Cuando parecía que estaba todo dicho aparece una sección instrumental, a cargo de un cuarteto de cuerdas, que es de una belleza sobrenatural. Talento de sobra.

Aparece originalmente en: Álbum para la juventud, Vol. 1 [París 1980] (2006)

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Cafe Rock
Mikis Theodorakis

Guitarra fuzz bien al frente, con un riff de esos que parecen derretirse y hacen pensar en el Sunset Strip, con chicas bailando a go-go, desquiciadas. Pero esto corresponde a la banda sonora de Z, la película de suspenso político de Costa-Gavras, compatriota del que algunos han llamado "El Morricone griego". Esa definición le queda un poco corta al maestro, quien se ha dado el gusto de dejar una obra extensa y llena de sorpresas.

Aparece originalmente en: Z [banda sonora original de la película] (1969)

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Fountain and Fairfax
The Afghan Whigs

¿Entran o no entran en la categoría grunge? ¿Tiene algún sentido esa discusión? ¿Es ALGO el grunge al fin y al cabo? Lo cierto es que la banda liderada por Greg Dulli tiene algo que ver con ese rock alternativo tan de la década del noventa. Hicieron al menos cuatro discos indispensables y Gentlemen es, sin duda, uno de esos. Hay sordidez, amargura, trastorno psicológico, un alma atormentada exorcizando demonios a los cuatro vientos, eso seguro. ¡Y con guitarras!

Aparece originalmente en: Gentlemen (1993)

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Spirit of Atlanta - The Burning of Atlanta

Este sería uno de esos discos hechos para “subirse al tren del éxito”. Blaxploitation. Por ahí viene la mano. El género que surge a partir de Super Fly, de Curtis Mayfied. Sería una música que relataba las penurias y vivencias de la comunidad afroamericana en la primer mitad de la década del setenta. En su momento fue furor, incluso artistas como James Brown hicieron sus intentos por este lado, con la banda sonora de Slaughter's Big Rip-Off, aunque se podría decir que es un poco lo que venía haciendo. Se podrían chequear álbumes como The Payback y Hell, más o menos aparecidos en esta misma época.

A diferencia de otros proyectos como este, que podrían activar de inmediato las barreras del prejuicio, acá hay una calidad indiscutible. Si esto es imitación, que tranquilamente podría ser cierto, hay que reconocer que está tan bien hecho que uno puede olvidarse de ese detalle menor.

Apenas empieza, con un instrumental demoledor, con esas guitarras metralleta tan típicas de los policiales de San Francisco, con coches feos saltando en las esquinas, se nota que el asunto va en serio. “Hunter Street” tiene algo genérico por un lado, pero hay un momento musical en que la banda se queda en un acorde y levantan vuelo. Hay conocimiento de causa. En el segundo tema, “Buttermilk Bottom” el cantante cuenta una historia de reviente, con una advertencia, es un cachetazo de realidad. Callejero al máximo.

Si das vuelta el disco y ves la contratapa, terminás de entender todo. Cinco tipos vestidos como los Temptations de la época en que eran vanguardia, de la mano de las producciones del gran Norman Whitfield, con discazos como The Sky’s the Limit, Masterpiece o Psychedelic Shack. Abajo hay cinco columnas listando los músicos, bronces, cuerdas, voces, sección rítmica y vientos (maderas). En total deben ser treinta personas, como mínimo. Y se nota en cada uno de los surcos, por ejemplo en “Vine City”, otro instrumental encargado de cerrar la cara A del LP original, en donde los arreglos son impresionantes. Te marean, psychedelic soul le dicen algunos a esto y algo de sentido tiene la etiqueta esta vez.

Al parecer esto fue el proyecto del productor Thomas Stewart, quien estuvo al servicio de gente como Clarence Carter, Millie Jackson, Johnnie Taylor y demás luminarias de esta música extraordinaria. Un mundo en el que, una vez que te metés, no salís más. Y te podés llegar a encontrar cosas como esta, el único disco de The Spirit of Atlanta.






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Parliament - Mothership Connection

Acá es donde empezó todo. Estos son los tipos que inventaron esto del funk. En realidad EL tipo. George Clinton, el alma máter, el titiritero al comando de este monstruo, el cerebro detrás de esta gigantesca agrupación de músicos que llegaban a ser hasta cincuenta arriba del escenario. ¡Y todos vestidos de la manera más marciana posible!

Hemos escuchado esto mismo ochocientas millones de veces pero… mal hecho. Muchos creen que es fácil pero no, todo lo contrario. Y para comprobarlo, nada mejor que escuchar prácticamente cualquiera de los discos de Parliament (o de Funkadelic, la banda paralela) de la década del setenta y después poner a cualquiera de sus millones de imitadores. Unos son inapelables y los otros no son más que una copia deslucida. Funkentelechy Vs. the Placebo Syndrome o The Clones of Dr. Fankestein de Parliament o Hardcore Jollies de Funkadelic, cualquiera de esos discos destroza a todos los malos intérpretes de las enseñanzas de Mr. Clinton. El groove es la piedra angular de este género, tomando como partido a James Brown y Sly Stone, añadiendo un pizca de psicodelia, humor fumón absurdo y una producción original se logra este cóctel. Puede no gustar, es cierto, pero no se puede negar que esto es la raíz del asunto.

Tomemos por ejemplo "Supergroovalisticprosifunkstication" (¡qué título!). En medio de los cinco minutos -y fracción- que dura, aparece una sección instrumental que bien podría haber sido de Yes o de un disco de Emerson, Lake & Palmer. Una especie de interludio espacial en medio de un funk espeso, pegajoso. Golpe de batería y, otra vez, de vuelta a la pista de baile. En Mothership Connection Bootsy Collins se luce como nunca, haciéndose cargo de varios instrumentos además del bajo, y se nota, claramente. Por lo demás, los bronces brillan a lo largo y ancho de la placa, subrayando, apareciendo y desapareciendo en los momentos justos. A veces cuesta creer que haya tanta gente tocando al mismo tiempo, un ejemplo de democracia musical, todos tocan lo que hace falta, nadie se interpone y todo está puesto al servicio del total, nadie intenta sobresalir, salvo en los momentos en que hace falta.

La fórmula encontrada por Clinton y los suyos dio muchísimo resultado, sobre todo a nivel económico y supieron sacarle a la gallina de los huevos de oro todo el provecho posible. Para la primera mitad de la década, P-Funk tenía en su haber casi diez discos sumando a las dos agrupaciones.
Concluyendo: parece fácil. Pero no lo es.






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5 Canciones 5: Nada Surf, Wire, Freddie King, Ray LaMontagne y Eddie and the Hot Rods

Armies Walk
Nada Surf

El principio es un homenaje a The Who, a Keith Moon. Después va a parar a otro terreno, a uno más propio. La voz del cantante tiene algo único, es femenino y tiene un tono agudo, alto. La estrofa arranca suave, con unos acordes de guitarra apenas sugeridos, cosa que hace que el estribillo realmente estalle. Llegando al final el baterista se aferra al ride (la campana o como prefieras) con firmeza, como para ir tirandosé de un edificio, manejando por una autopista en contramano o robar un banco.

Aparece originalmente en: The Weight Is a Gift (2005)

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Wire

Tercer disco de Wire, obra maestra, al igual que los dos anteriores. En 154 hay momentos de una oscuridad impresionante, pocas han llegado a lo que hicieron estos tipos, tanto antes como después. Este tema es rarísimo, es nervioso, para nada amable, pero sin embargo tiene un costado pop innegable. Desde el título ya es una genialidad, son coordenadas. Párrafo aparte para la letra: "Interrumpiendo mi fluído de pensamiento, líneas de longitud y latitud definen y refinan mi altitud". Maestros. YouTube me acaba de notificar que hay una versión muy buena de My Bloody Valentine.

Aparece originalmente en: 154 (1979)

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Wide Open
Freddie King

¿Se acuerdan de "El Tropezón" en aquel disco de Pappo? La original era de este muchacho, "The Stumble". ¡Qué mal envejeció Blues Local, por cierto. Nos vamos por las ramas. De los reyes, Freddie es quizás el menos famoso. Están B.B. King y Albert King, no se si son parientes, no creo ni importa. Otro instrumental, con una onda medio James Brown, trompetas respondiendo como latigazos a la guitarra. Funky, marchoso, bailable... como gustes.

Aparece originalmente en: Freddie King Is a Blues Master (1969)

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Smashing
Ray LaMontagne

El Van Morrison de la generación iPhone. No. Eso suena feo y un poco injusto para con el pobre Ray. Este tema tiene un costado cósmico, como suele pasar en la obra del cantautor de Nashua, en New Hampshire. Canta en una especie de susurro, como si te estuviera hablando al oído, a veces en falsetto. Los arreglos están pensandos, producidos, cuándo cantar de tal forma, cuándo cambia la batería y aparecen las cuerdas o teclados (sintetizadores) para marcar un acento o cierta sección del tema.

Aparece originalmente en: Supernova (2014)

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Beginning of the End
Eddie and the Hot Rods

¿Quién es el que aparece en la tapa? ¿El baterista? Nevermind... Estos tenían más que ver con Dr. Feelgood que con el punk rock con el que se los terminó identificando. En realidad estaban todos más o menos en la misma. Querían vértigo, tenían las pupilas dilatadísimas y tocaban con cierto nivel de destreza. En este temazo hay que hacerle un monumento al baterista, por quedarse quieto, por entender a la perfección la canción, por subir y bajar cuando hace falta. Y a ESE ritmo. Ocho minutos y fracción. Épico.

Aparece originalmente en: Life On the Line (1977)

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5 Canciones 5: Metallica, The Jackson 5ive, Rahsaan Roland Kirk, Shudder to Think y Ray LaMontagne

Disposable Heroes
Metallica

No es mucho lo que se puede decir de Metallica en general y de Master of Puppets en particular. Una de las bandas más grandes del planeta, del género seguro. Se han cansado de vender discos, todavía siguen llenando estadios, a pesar de que hace años que no hacen nada que le llegue ni a los tobillos a la etapa clásica del grupo. De este disco podés agarrar cualquiera de sus temas, o mejor dicho, batallas épicas.

Aparece originalmente en: Master of Puppets (1986)

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Hum Along and Dance
The Jackson 5ive

Cuando el gran Norman Whitfield empezó a tomar las riendas de los discos de los Temptations o The Undisputed Truth, haciendo temas largos, raros y exploradores, marcó un precedente y ensanchó las fronteras de lo que se podía hacer con la musica soul y el R&B. No pasó inadvertido y su influencia aparece por todos lados. ¿Ocho minutos de duración en un tema de los Jackson 5ive? Casi diez minutos de un funk bailable y explosivo, con no pocas influencias de James Brown. Para ir directo a la pista.

Aparece originalmente en: Get It Together (1973)

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Day Dream
Rahsaan Roland Kirk

Inclasificable. En el mejor sentido de la palabra. ¿Es jazz? Y... no se sabe. Roland Kirk siempre fué un marciano total, tocaba varios instrumentos en el escenario, incluso con la nariz. Acá hay una melodía llevada adelante por algo que parece una flauta dulce, el acompañamiento no tiene nada que ver, plantea un clima entre siniestro y divertido, lúdico. El piano tampoco sabe bien qué hacer... ¿o estará planeado también? Ahí está la clave acá; no se entiende pero... ¿hace falta entender?

Aparece originalmente en: Natural Black Inventions: Root Strata (1971)

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The Hair Pillow
Shudder to Think

Sonic Youth, rock alternativo de los noventa, con una vuelta de tuerca retorcida. Algo así sería Shudder to Think, una banda que siempré costó encasillar. El tiempo es raro, medio frenado, hay una especie de melodía pop atrás del ruido, cambios de ritmo y acordes a la orden del día pero el asunto cierra, por todos lados. Tuvieron su momento de apogeo a lo largo de la década del noventa, con discos como Funeral at the Movies, Pony Express Record y este, claro.

Aparece originalmente en: Get Your Goat (1992)

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Within You
Ray LaMontagne

Claramente un fanático de los clásicos, Dylan, Van Morrison, Neil Young... el cánon de los grandes escritores de canciones del siglo veinte, digamos. Con una voz cascada y evocativa, también ha sabido moverse de su zona de confort, metiendo psicodelia y rock espacial. Acá todavía estaba en sus primeros discos pero ya se veía que el tipo la tenía clara. Hay un crescendo muy bien armado en este tema, no tira todas las ideas en seguida, se hace esperar, rogar. Gran balada de corazones rotos, transmite todo lo que quiere decir sin necesidad de ver o escuchar la letra. Con el título ya alcanza.

Aparece originalmente en: Till the Sun Turns Black (2006)

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5 Canciones 5: Sly & the Family Stone, Sun Dial, Jon Spencer Blues Explosion, Beth Carvalho y Count Basie

Everybody Is a Star
Sly & the Family Stone

Sylvester Stewart -Sly para los amigos- tuvo una década en la que brilló incandescente, le salían todas. Pero todas. Era un DJ muy apreciado en San Francisco y producía bandas cuando era un pibito recién salido de la secundaria. El Greatest Hits de Sly & the Family Stone no es cualquier compilado, es uno de esos históricos, indispensables. Sale después de Stand! el tercero de la primer banda interracial importante y tiene tres que no están en otro lado; "Hot Fun In the Summertime", "Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)", más tarde versionado por Magazine. Esta es la cara B, una balada cachonda que anticipa a Massive Attack. Y a varios más...


Aparece originalmente en: Greatest Hits (1970)

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Magic Potion
Sun Dial

Que hermosos losers los autores de esta maravilla mugrienta, ideal para tocarla con tu banda de garage a un volumen escandaloso. Es el único tema recordado de The Open Mind, banda londinense de fines de los sesenta que llegó a grabar un disco homónimo antes de borrarse del mapa. ¡Y "Magic Potion" NO ESTÁ en el disco! Sun Dial en Return Journey, armado con sesiones del semi-clásico debut Other Way Out, lo usa para empezar, como primer tema, haciendo una versión respetuosa, más larga y zapada, eso sí. ¡PLAY IT LOUD!. 


Aparece originalmente en: Return Journey (1993)

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High Gear
The Jon Spencer Blues Explosion

Me acuerdo que se lo presté a un amigo apenas salió. Me lo devolvió con un gesto despectivo y una sentencia; "no encontré las canciones acá". A lo que tendría que haber respondido con algo del tipo "¿Y dónde están las canciones de James Brown, las del primero de Dr. John o en A Love Supreme?" Ni hace falta decir que no se me ocurrió. Gran parte del atractivo de esta gente es el groove demencial de Judah Bauer, un baterista de esos que te dejan NO TENER canciones. Tiene un riffito muy canchero, como esos bien sencillos de New York de Lou Reed, que tienen la magia de atraparte con muy poco. Cuando explotan las guitarras... agarrate.


Aparece originalmente en: Acme (1998)

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Fim de sofrimento
Beth Carvalho

La impresionante cantidad de cantantes buenos que han salido de Brasil es algo admirable. Además hay voces femeninas que no suenan como las típicas voces de mujeres del resto del mundo, sobran ejemplos, Maria Bethania, Gal Costa... Y lo Beth Carvalho viene por ese lado. Este es un disco de samba más bien tradicional, no hay innovaciones como las que podrías encontrar en un disco de Elis Regina de estos años, por citar a alguien conocido. Igualmente le sobra pasión, oficio y conocimiento de causa. No es poco. 


Aparece originalmente en: Prá seu govêrno (1975)

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Lester Leaps
Count Basie

¡Cómo tocan estos hijos de puta! Y que pedazo de clásico el en vivo en Newport de Count Basie, por ahi el presentador la hace un poco larga en más de una oportunidad, pero cuando la banda se lanza a tocar, es una cosa de locos. Están en el aire, flotan, levitan. La base rítimica está adherida con cemento de contacto, vale la pena escuchar lo que está haciendo el contrabajista, a una velocidad de vértigo. No se pasa de la raya con el virtuosismo, pero a su modo, se luce, dibuja y lleva a la banda al estado de euforia que se puede oler en sus apenas tres minutos de duración. Temazo. 


Aparece originalmente en: Count Basie at Newport (1958)

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