5 Canciones 5: "tapados" soul y R&B

You Make Me Feel Brand New
The Stylistics

Hablemos de feel, de soul, de agarrar una canción y cantarla como si no hubiese un mañana. La primera estrofa la canta la voz barítono, a diferencia de la mayoría de Stylistics, en donde la voz líder es tenor, con Russell Thompkins Jr. encargándose. Cuando viene la repetición que toda canción necesita, vuelve esa voz grave y es un contraste de esos que suman. Los tres primeros son clásicos de lo que se conoce como philly soul, Let's Put It All Together es el cuarto y no se queda atrás. Ideal para ir metiendosé en la cama, acompañado.

Aparece originalmente en: Let's Put It All Together (1974)
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I Ain't Giving Up
Millie Jackson

El la despreció y la tenía "en el freezer". En un momento las cosas se dieron vuelta. Ahí ella ya no estaba, se había hartado. ¿Cuántas veces la escuchamos a esta historia? El tema es el cómo, no el qué, otra vez, como suele suceder. Además Millie Jackson fue pionera en eso de desnudar las miserias cotidianas de las relaciones amorosas. Empieza con un WOOOOOO bien sucio, fiel a su estilo. Ejemplo: en la tapa de Back to the S..t! está sentada en el inodoro... y haciendo fuerza!!! Este es su disco debut y todavía no se atrevía a tanto. ¿Y la música? Soul sureño grasoso del mejor, tocado como los dioses.

Aparece originalmente en: Millie Jackson (1er. LP - 1972)
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1,200 Miles from Heaven
Flaming Ember

Detalle curioso, esto se editó en Argentina en tiempo y forma en Argentina,  y por medio de Fania, el sello de salsa por excelencia. Famoso por haber editado a Héctor Lavoe, Tito Puente, Celia Cruz, Willie Colón... todos los próceres del género. Estos son de Detroit y tienen una cuota de rock considerable en el cóctel, se podría comparar con Hendrix post-Experience, con un cantante rasposo, a la manera del gran Wilson Pickett o Bobby Womack. Four on the floor, batería bien derechita y a bailar se ha dicho.

Aparece originalmente en: Sunshine (1978)
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Ride the Rhythm
Kool & the Gang

Ya habían pegado fuerte con "Jungle Boogie", uno de esos que conoce todo el mundo y suena en el ochenta por ciento de los casamientos. Aún así, todavía no había dado el giro caretón que iba a venir, acá todavía eran freaks, super ultra mega funkies, más cerca de P-Funk y James Brown que con la disco music que estaba por inundar las pistas de baile. Repetición, groove, bajos pegajosos de esos que te golpean la panza... y unas cuantas sustancias en el torrente sanguíneo, psicodelia... la tapa lo le queda como anillo al dedo. En este tema se nota que le estaban prestando mucha atención a Sly and the Family Stone.

Aparece originalmente en: Spirit of the Boogie (1975)
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You Don't Know Me
Joe Simon

El año anterior a la salida de este, había pegado un hitazo con Drowning in the Sea of Love, el disco clásico de Joe Simon, a la hora de los bifes. En el siguiente se la juega, como estaba cómodo tanto dentro del R&B más crudo (el sureño) se anima a sumarle música de raíces a su propuesta. Simon Country, el título ya lo anuncia. No hay muchos ejemplos de esto -¿alguien dijo Elvis?- a principios de los setenta todavía eran muy rígidas las etiquetas. En gran parte para acomodar a los artistas en las radios.

Aparece originalmente en: Simon Country (1973)
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Spirit of Atlanta - The Burning of Atlanta

Este sería uno de esos discos hechos para “subirse al tren del éxito”. Blaxploitation. Por ahí viene la mano. El género que surge a partir de Super Fly, de Curtis Mayfied. Sería una música que relataba las penurias y vivencias de la comunidad afroamericana en la primer mitad de la década del setenta. En su momento fue furor, incluso artistas como James Brown hicieron sus intentos por este lado, con la banda sonora de Slaughter's Big Rip-Off, aunque se podría decir que es un poco lo que venía haciendo. Se podrían chequear álbumes como The Payback y Hell, más o menos aparecidos en esta misma época.

A diferencia de otros proyectos como este, que podrían activar de inmediato las barreras del prejuicio, acá hay una calidad indiscutible. Si esto es imitación, que tranquilamente podría ser cierto, hay que reconocer que está tan bien hecho que uno puede olvidarse de ese detalle menor.

Apenas empieza, con un instrumental demoledor, con esas guitarras metralleta tan típicas de los policiales de San Francisco, con coches feos saltando en las esquinas, se nota que el asunto va en serio. “Hunter Street” tiene algo genérico por un lado, pero hay un momento musical en que la banda se queda en un acorde y levantan vuelo. Hay conocimiento de causa. En el segundo tema, “Buttermilk Bottom” el cantante cuenta una historia de reviente, con una advertencia, es un cachetazo de realidad. Callejero al máximo.

Si das vuelta el disco y ves la contratapa, terminás de entender todo. Cinco tipos vestidos como los Temptations de la época en que eran vanguardia, de la mano de las producciones del gran Norman Whitfield, con discazos como The Sky’s the Limit, Masterpiece o Psychedelic Shack. Abajo hay cinco columnas listando los músicos, bronces, cuerdas, voces, sección rítmica y vientos (maderas). En total deben ser treinta personas, como mínimo. Y se nota en cada uno de los surcos, por ejemplo en “Vine City”, otro instrumental encargado de cerrar la cara A del LP original, en donde los arreglos son impresionantes. Te marean, psychedelic soul le dicen algunos a esto y algo de sentido tiene la etiqueta esta vez.

Al parecer esto fue el proyecto del productor Thomas Stewart, quien estuvo al servicio de gente como Clarence Carter, Millie Jackson, Johnnie Taylor y demás luminarias de esta música extraordinaria. Un mundo en el que, una vez que te metés, no salís más. Y te podés llegar a encontrar cosas como esta, el único disco de The Spirit of Atlanta.






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Chequear también:
Isaac Hayes - Shaft
Gil Scott-Heron / Brian Jackson - Winter In America
Melvin Van Peebles – Sweet Sweetback's Baadasssss Song (An Opera)

Margie Joseph - Phase II

Todos necesitamos etiquetas. No entremos en ese terreno, resbaladizo como poco. Así que sí, este es un disco de soul / R&B. Se puede meter ahí adentro, va a estar medio incómodo pero sí, metele nomás.

Son unos diez años más o menos en que todo lo que lleva el logo de Stax/Volt, es garantía de calidad. ¿Qué pasaba ahí? ¿Tendrían un filtro o estándar de calidad muy alto?

El debut -...Makes a New Impression- ya era especial, notable y Phase II, el siguiente LP de estudio de Margie Joseph, es impresionante. Vale resaltar el hecho de que salen los dos en el '71, sugiriendo una ética de trabajo diferente o que hubo personas que apostaron fuerte por un artista. Apenas pasadas las primeras dos canciones es claro que esto no va a ser música para dejar de fondo, no va a andar para el barcito cool en el barrio de moda. No señor, demasiada intensidad. 

Phase II es un breakup record, uno más de los tantos, sí, concepto que en aquellos años era relativamente nuevo, Blue, Blood On the Tracks y la lista podría extenderse un buen rato. Mientras el de Joni Mitchell va por el costado de la reflexión y el de Dylan resignación mezclada con bronca, acá podría decirse que la desesperación es la vía de escape. El tono de las canciones, las orquestaciones, las melodías extremas con notas inalcanzables y las letras refuerzan la idea. Por favor volvé, arreglemos las cosas, esto duele mucho y no aguanto más. 

"My World Is Empty Without You" lleva la rúbrica Holland-Dozier-Holland, dato no menor para cualquiera que haya asomado su hocico por estos pagos. Lo que se escucha acá bien se podría describir como un torbellino, un tornado de emociones, muy bien subrayado por la orquesta, que se encarga en más de un sentido, de setear el tono, el nivel de intensidad. Acá no hay introspección, hay una heridad abierta y una necesidad urgente. "Strung Out" cierra el lado A. En la jerga drogona es lo que se usa para referirse a la abstinencia, a la falta de la sustancia, la locura y angustia que viene de la mano de la ausencia repentina. En este caso de la persona, del ser amado. 

De modo que si estás en una situación similar y vas a recurrir a la música para que te sirva de muleta espiritual, no es aconsejable que recurras a Phase II, te va a llevar al borde del abismo. Pero si querés ver hasta qué extremo puede llegar la locura del amor o mejor dicho, la falta de, esto es perfecto. Y no son muchas las veces que se le puso música al dolor. Mucho menos de este modo, como sí lo hizo Margie Joseph.





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Chequear también:
Margie Joseph - Margie Joseph Makes a New Impression
Etta James - Come a Little Closer
Millie Jackson - It Hurts So Good

Joe Tex - From the Roots Came the Rapper

Este sí que las peleó a todas. Venía batallando seriamente desde mediados de la década del cincuenta, recién pudo asomar la cabeza -en esta época léase: tener hits- a mediados de los sesenta. Vendría a ser lo que muchos llaman “soul sureño”, una variante más sucia y menos arreglada del R&B. Pero no vamos a detenernos en estilos y etiquetas que no es lo nuestro, vamos. Mucha gente conoce el éxito por el que muchos recuerdan a Joe Tex, que es “I Gotcha”, un funk sudoroso y pegadizo que bien podría haber sido de James Brown (fueron rivales durante años), Curtis Mayfield o cualquiera de los que estaban con aquello del blaxploitation, a principios de la década del setenta.

From the Roots Came the Rapper es el disco de studio número doce de Joe Tex y es justo el que viene antes del mencionado super-hit. ¿A que viene el título? Se podría traducir como “de las raíces vino el rapero”. Simple; fue pionero en eso de los monólogos y no sólo en el escenario, también en estudio. Más tarde lo hicieron todos… Marvin Gaye, Millie Jackson y especialmente Isaac Hayes. Este último es una influencia clave (al parece era mutua) en eso de hablar antes de los temas. Un ejemplo perfecto acá sería la versión de la dupla Bacharach / David, otra coincidencia con Hayes, de “I’ll Never Fall In Love Again”, hay una intro hablada, cuando arranca la canción te lleva de los pelos, directamente. En este caso también hay monólogo en medio del tema, con flautas, cuerdas y todo ese acompañamiento lujoso, tan típico de las producciones de soul y R&B de la época. Son once minutos y fracción en total, con final a puro grito y orquesta, lo tomas o lo dejas, como suele suceder en estos casos.

Lo que sorprende en este disco es lo moderno que suena, cuanto tiene que ver con -por ejemplo- What’s Going On y todo lo que estaban haciendo tipos más jóvenes que Joe Tex, que venía de otra época y, por ende, de otra generación y otra forma de comprender la música. Otra constante en los discos del hombre de Rogers, Texas era la mezcla de temas propios con versiones. En este caso hay covers de Don Covay, Jerry Williams y otro héroe de culto que vale la pena investigar; Eugene McDaniels, quien firma el temazo con que empieza el LP, “Lovin’ Man”. Otro ejemplo, en el lado B, el primer tema es “Oh Me Oh My (I'm a Fool for You Baby)”, también con su introducción hablada, cuando entra la canción propiamente dicha, te mata, te desarma, quedás rendido. Si habrá sido calculado o no este recurso es una buena pregunta para hacerse, pero funciona y muy bien.

Un disco de culto, muy a tono con lo que se hacía en el momento, grabado y producido como los grandes exponentes del género, sin escatimar absolutamente nada. Todavía no ha sido rescatado por los revivalistas de esta era, en que todo lo que tiene más de veinte años es fetiche. Acá va nuestro granito de arena.







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Chequear también:
Joe Tex - Spills the Beans
James Brown - Hell
Isaac Hayes - Hot Buttered Soul

5 Canciones 5: Michael Nesmith, Gwen McCrae, Barenaked Ladies, Queen y Silverchair

Bonaparte's Retreat
Michael Nesmith and the Second National Band

Un tema country tradicional, originalmente era instrumental y más tarde se le agregó la letra, el ex-Monkees la versiona en su cuarto LP como solista. Esto es para acostarse en la hamaca, o en tu sillón preferido y dejar que los sentidos fluyan al compás de esas pedal steel sensacionales, típicas del género, del country-rock que Nesmith ayudó a desarrollar y difundir. La parte instrumental super psicodélica merece especial atención.

Aparece originalmente en: Tantamount to Treason, Volume One (1972)

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It Keeps On Raining
Gwen McCrae

Lo primero que llama la atención es la línea de bajo, sinuosa, sugerente. En seguida entra la voz y es de esas que no se olvidan con facilidad. Una voz que no tiene nada que envidiarle a Aretha Franklin. La primer mitad de los 70s fue el reinado de las divas de soul y R&B, Margie Joseph, Millie Jackson... había miles y todas eran de buenas para arriba. Bueno, al menos las que sobrevivieron al paso del tiempo.

Aparece originalmente en: Gwen McCrae [aka: Rockin' Chair] (1974)

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Too Little Too Late
Barenaked Ladies

Quinto disco de estudio de los canadienses, este es el sucesor de Stunt, uno que en su momento, se cansó de vender. Power pop! Una de esas bandas que, de tan eclécticas, terminaban ganandosé enemigos, podían hacer de todo y tenían un costado medio en joda, jocoso. Acá sacan a relucir las guitarras, con un riff entrecortado medio Rolling Stones.

Aparece originalmente en: Maroon (2000)

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The Loser In the End
Queen

Nunca fué una banda tímida, con miedo a probar cosas nuevas, experimentar, exagerar y tirar toda la carne al asador. Queen II es para muchos la connoisseurs choice a la hora de poner un disco de los ingleses. Tema de Roger Taylor, quien solía tener una tendencía a rockear y bien fuerte y "The Looser..." no es la excepción. ¡Y cómo cantaba! Con una garra demoledora. Como suele pasar, Brian May se luce con un solo de guitarra alucinante. TEMAZO.

Aparece originalmente en: Queen II (1974)

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Abuse Me
Silverchair

Una banda un poco risible, medio "inventada", se les veían los hilos del titiritero. Hechos para responder al boom del grunge en general y de Nirvana en particular. Encima eran australianos, muy jóvenes y carilindos. Para la altura de Freak Show la cosa ya era un poco más seria, habían aprendido un par de trucos y eran más... creíbles. Lo cierto es que hoy suenan muy bien e invitan a meterse los prejuicios bien adentro, en algún lugar muy profundo.

Aparece originalmente en: Freak Show (1996)

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