Dr. John - In the Right Place

Si Lou Reed es Nueva York, Caetano es Bahía y Ray Davies Londres, entonces Mac Rebennack, más conocido como Dr. John, es Nueva Orleans. En ese punto del universo en donde la música es un cóctel explosivo de soul, música de África, blues, voodoo, música criolla y todo lo que se te venga a la mente, alguien supo entender y mezclar los géneros, supo hacerlo con categoría y conocimiento de causa.

Habían pasado varios años desde Gris Gris, aquel bombazo de rock pantanoso del infierno con el que pateó el tablero y se ganó la inmortalidad definitiva, no era un disco para intentarlo en casa, te podía explotar en la cara y quizás por eso debe haber evitado hacer lo mismo, auto-plagiarse. Estaba bien así. The Sun, Moon & Herbs y Babylon tienen un poco de esa magia negra, pero ya se veía venir por dónde iba a venir el trabajo musical de Dr. John en la década del setenta. Alguien tuvo la gran idea de juntarlo con The Meters y de esas sesiones surge su sexto LP de estudio, In the Right Place, el disco más exitoso comercialmente de su carrera.

Ayuda el hecho que de que para este disco había preparado un set de canciones impecable (“Qualified”, “Such a Night”), si a las composiciones se les suma el valioso aporte de los Meters, Allen Toussaint y demás luminarias que anduvieron dando vueltas a la hora de las sesiones, el resultado es inapelable. Seguramente no somos pocos los que conocimos “Right Place Wrong Time” por el disco Acme de Jon Spencer Blues Explosion, pero escuchar el original, encargado de abrir el disco, es otra historia, muy diferente, esto es la “cosa real”, el meollo de la cuestión. "I Been Hoodood", casi al final, es uno de los momentos cumbre; lento, demoníaco, con coros femeninos que ayudan a enrarecer la atmósfera y con el maestro rompiéndola en las teclas, siempre priorizando el clima y el trabajo en pos de la canción.

Puede que In the Right Time no sea el disco más importante o influyente de Dr. John, es un asunto para el debate eterno y son demasiados los candidatos, pero si vas a tener cuatro o cinco discos de un tipo fundamental en la historia y el desarrollo de la música del siglo veinte, a este lo vas a tener que escuchar.







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Dr. John - Goin' Back to New Orleans
The Meters - Cabbage Alley
Dr. John - Locked Down

5 Canciones 5: Mötley Crüe, Elastica, Jon Spencer Blues Explosion, The Monkees y The Knack

Red Hot
Mötley Crüe

¿Serán tan estúpidos como los pinta la película? ¿Cómo fué que aprobaron que se los muestre así? ¿O serán de esos que se hacen los boludos para pasarla bien? Esto último es lo más probable. Esto tiene la pregunta de gran parte de la música pesada... ¿estúpidamente genial o genialmente estúpido? ¿Qué vino primero... el huevo o la gallina?
Estamos jodiendo, que nadie se ofenda.
El satanismo de Mötley Crüe (la tapa está buena igual) es tan creíble como el pastor que decía que vanía el lobo. Y acá de repente el lobo apareció. Velocidad extrema, machaques, voces super agudas y gancho, mucho gancho. En tres minutos dijo todo lo que tenía que decir y a otra cosa, mariposa.


Aparece originalmente en: Shout at the Devil (1983)

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Smile
Elastica

Rockeando durísimo en este temazo del primero de Elástica. Después hubo un segundo, varios años más tarde. Esto tranquilamente podría ser de una de las bandas de Seattle de aquellos años, mediados de la década del noventa. El claim to fame era que una de las chicas era la novia de Damon Albarn, de Blur. Quien, si mal no recuerdo, metió mano en algun que otro tema. Quedaron pegadas al hecho de que el hit ("Connection") era prácticamente idéntico a "Three Girl Rhumba", del extraordinario Pink Flag, disco debut de Wire. Se parece bastante, para mí lasifica en la categoría R.G.G. (robo con guante gris).
Se puede perdonar, claro que sí.


Aparece originalmente en: Elastica (1er. LP - 1995)

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Hold On
The Jon Spencer Blues Explosion

En un momento medio que se hizo norma invitarlo al gran Mack Rebennack, más conocido como Dr. John, a grabar en tu disco. Lo llamaron en Ladies and Gentlemen... de Spiritualized, los Black Keys y Van the Man (menos sorprendente desde lo generacional) en Three Chords and the Truth. Plastic Fang en su momento no le gustó a nadie, no me acuerdo bien el motivo, quizás se queda medio corto en cuanto a canciones. Se basa demasiado en los grooves asesinos que mete el batero. Y este tema no es la excepción, salvo por un estribillo canchero, bien al estilo Jon Spencer. ¿Qué habrá hecho Dr. John? Debe tener a mano un dealer buenísimo, bien vooodoo, fiel a su estilo. 


Aparece originalmente en: Plastic Fang (2002)

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Can You Dig It
The Monkees

Los Monguis... ¡perdón! Los Monkees deciden rebelarse ante sus titiriteros -tarde pero seguro- y sacan una película demente y psicodélica. Una suerte de gran fuck you a todos los que se reían de ellos y cuestionaban su autenticidad. Peter Tork, algo así como el figurón de la banda, pela esta maravilla con aires orientales. Podría estar a la altura de cualquier tema de LSD de bandas como Kaleidoscope [US], Jefferson Airplane o los temas externos de Underground, de Electric Prunes. Esto es lo que parodia / homenajea XTC cuando se ponen el traje de The Dukes of Stratosphear, por ejemplo.


Aparece originalmente en: Head (1968)

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Can't Put a Price On Love
The Knack

Para responder a la campáña de desprestigio que terminó volteando a The Knack, acusándolos de sexistas y pedófilos, le ponen al segundo ...y las nenitas entendieron, metiendo el dedo en la llaga. Basicamente es la parte dos de Get the Knack, el primero. Hay un tema que se parece a "My Sharona", otro a "Good Girls Don't"... se entiende la idea. ¿Para que arreglar lo que no está roto? Acá la cuota Springsteen aumenta y sacan a relucir una canción en la que demuestran que también tenían sentimientos. Temazo.


Aparece originalmente en: ...But the Little Girls Understand (1980)

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Spiritualized - Ladies and Gentlemen We Are Floating In Space

Spiritualized surgió de las cenizas de Spacemen 3, aquellos rockeros espaciales comandados por Pete "Sonic Boom" Kember. Apegados a los mantras hipnóticos, a los tonos sombríos y cierta reivindicación constante de las sustancias alteradoras de la percepción, Spacemen 3 se disolvió en la habitual lucha de egos y usos y abusos de todo tipo. Kember formaría Spectrum y participaría en varios proyectos parelelos y todavía hoy sigue produciendo bandas.

Siempre al mando de Pierce, acompañado por quienes estén dispuestos a tolerar los manejos despóticos, Spiritualized hizo dos discos siguiendo la línea trazada por su banda anterior. Algo pasó después de Pure Phase, el segundo opus de la banda británica: Pierce rompió con su pareja de entonces y las consecuencias no pudieron haber sido mejores. De esa ruptura surge Ladies and Gentlemen…, del dolor, del sufrimiento insoportable, de la pena del alma que sólo la música puede ayudar a sortear con éxito.

Los preparativos al despegue empiezan con el tema que dá título y ya la suerte está echada: “Todo lo que necesito en esta vida es un poco de amor que se lleve el dolor” dice la letra en un colchón de teclados psicodélicos al borde del sopor y el entumecimiento. El mensaje es claro: es el amor como forma de redención del espíritu, como método de elevación por sobre lo ordinario. Y el desamor como fuente de todos los problemas, lógico. En "Come Together" aparecen las verdaderas intenciones del álbum y el sonido que lo caracteriza. Una tormenta eléctrica descargada sin piedad, con una base instrumental monstruosa, es el muro de sonido de Phil Spector revisitado. El hombre está destrozado y se encarga de manifestarlo intentando ocultar la óptica autobiográfica, usando el recurso de la tercera persona. "I Think I'm In Love" va creciendo despacio, a partir de una base sencilla, hasta llegar a un estallido a toda orquesta con coros multitudinarios que se destacan entre un verdadero despliegue de recursos. El órgano tubular introduce "All of my Thoughts" dándole al tema un cariz medio religioso, pero en seguida llega una tormenta sónica, con varios instrumentos de bronce y guitarras aullantes. Se desarrolla entre esta dinámica de suave/violento hasta llegar a un final calmo. 

"Stay with Me" es el pedido al borde del desbarranco que hace quien sabe que ya tiene todo por perder. Musicalmente emparentado con aquellas composiciones de los Pink Floyd previas al mega-éxito de Dark Side…, tranquilo, sin batería, con muchos teclados pero con un costado sombrío y algo tétrico. Otra descarga de adrenalina es la que aporta "Electricity", sin lugar a dudas el momento más rockero y efervescente del disco. Acá muestran las influencias de los primeros Hawkwind, Jesus and Mary Chain y las descargas auditivas de Sonic Youth. Ruido blanco desplegado con talento y eficacia.

También hay lugar para las exploraciones porque "The Individual" cae dentro de esa categoría y acá están filtrados Sun Ra, Amon Düül II y John Cale en unos breves cuatro minutos. "Broken Heart" es quizás el momento más emotivo de Ladies and Gentlemen… Apela a una textura de cuerdas cinematográfica a la manera de John Williams, va creciendo y avanza para apoyar uno de los momentos confesionales más desoladores de la carrera de Spiritualized. El narrador se muestra desnudo, honesto y vulnerable en un acto de sinceridad heroico. Sin metáforas, es directo, va al grano. El cierre, con Dr. John como invitado al piano, tiene algo de perverso. Invitar al gran Mack Rebennack para tocar dos notas en un tema de casi veinte minutos puede parecer un desperdicio, pero el maestro se da el lujo de mostrar todo lo que se puede hacer sin pirotecnia ni acrobacias. El viejo axioma de “menos es más”.

Y sí, Ladies and Gentlemen… fue un éxito. Merecidísimo. En el mismo año de Urban Hymns de The Verve o OK Computer de Radiohead, la revista NME lo consagró Disco del Año, vendió muchísimos ejemplares y dejó otro gran aporte para la historia de las grandes tapas; el packaging del disco estaba pensado para imitar una caja de medicamentos, con su correspondiente prospecto y contraindicaciones. Lo que se llama reforzar el concepto, digamos.








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Spiritualized - Let It Come Down
The Verve - A Northern Soul
Mercury Rev - See You On the Other Side

Nina Simone - It Is Finished

¿Hasta qué punto es importante cuando se hace una versión? Importantísimo, fundamental. Si alguien está interpretando un tema que no le pertenece, que no es de su autoría, significa que está “endosando” al compositor. Una suerte de validación, una forma de decir “este tipo escribe unas canciones fenomenales, por eso acá estamos tocando una”. Mucha gente considera que si un artista no es autor tiene menos mérito. Depende. Sinatra, Elvis y por supuesto Nina Simone. Los dos primeros son personajes discutidos, mientras que la Gran Sacerdotisa del Soul es muy apreciada hoy en día. Tuvo su merecido revival. Quizás en su momento no llegó más lejos por su manera de manejar su carrera, por jugársela siempre a nivel ideológico y porque su vida privada era un verdadero caos.

Puede ser un detalle menor. Y lo que sí importa, que es su obra, es colosal. Hay al menos diez discos de estudio que son fantásticos, cinco -como mínimo- que son imprescindibles. Después está la discografía en vivo. En el caso de Nina Simone son álbumes que son mucho más que una excusa para vender el último LP de turno. Por un lado están los más viejos como At Newport, Nina Simone at Town Hall o At the Village Gate y por otro los de mediados de los sesenta en adelante. Momento en que las cosas cambian y el mundo ya no sería el mismo. Acá tenemos Nina Simone In Concert, como para empezar, ‘Nuff Said, Black Gold o el impresionante Emergency Ward!

Y después está It Is Finished, cuyo título funciona como un presagio. Acá los problemas ya eran demasiados, bien entrada la década del setenta, Nina Simone ya había hecho todo, se había ganado el cielo musical para siempre. Pero antes…

Exuma era el nombre artístico de Tony McKay, nacido en las Bahamas, sus cuatro o cinco primeros trabajos de estudio son increíbles. Único. Como punto de referencia se podría citar a Gris Gris de Dr. John, pero en el Caribe. Música hipnótica, un hechizo poderosísimo. Acá hay dos versiones, “Dambala” y “Obeah Woman”. Algo pasa en el medio del show, en el intervalo. Qué es lo que habrá consumido nunca lo sabremos. Lo cierto es que el ambiente cambia y es notorio, el clima se enrarece, se convierte en un ritual pagano indescriptible.

La fiesta arranca con “The Pusher”, de Steppenwolf y se puede encontrar una de las versiones definitivas del clásico de Jerry Jeff Walker “Mr. Bojangles”, una de las grandes canciones del siglo veinte. Hay un tema propio, que había sido grabado en el clásico Nina Simone Sings the Blues, es “I Want a Little Sugar In My Bowl”. It Is Finished puede no ser un punto de entrada ideal en la obra de una artista inigualable. Igualmente podés no tener idea del contexto o la parte histórica y pasarla bomba. Como suele suceder con La Gran Música.







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Nina Simone - Fodder On My Wings

5 Canciones 5: Sly & the Family Stone, Sun Dial, Jon Spencer Blues Explosion, Beth Carvalho y Count Basie

Everybody Is a Star
Sly & the Family Stone

Sylvester Stewart -Sly para los amigos- tuvo una década en la que brilló incandescente, le salían todas. Pero todas. Era un DJ muy apreciado en San Francisco y producía bandas cuando era un pibito recién salido de la secundaria. El Greatest Hits de Sly & the Family Stone no es cualquier compilado, es uno de esos históricos, indispensables. Sale después de Stand! el tercero de la primer banda interracial importante y tiene tres que no están en otro lado; "Hot Fun In the Summertime", "Thank You (Falettinme Be Mice Elf Agin)", más tarde versionado por Magazine. Esta es la cara B, una balada cachonda que anticipa a Massive Attack. Y a varios más...


Aparece originalmente en: Greatest Hits (1970)

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Magic Potion
Sun Dial

Que hermosos losers los autores de esta maravilla mugrienta, ideal para tocarla con tu banda de garage a un volumen escandaloso. Es el único tema recordado de The Open Mind, banda londinense de fines de los sesenta que llegó a grabar un disco homónimo antes de borrarse del mapa. ¡Y "Magic Potion" NO ESTÁ en el disco! Sun Dial en Return Journey, armado con sesiones del semi-clásico debut Other Way Out, lo usa para empezar, como primer tema, haciendo una versión respetuosa, más larga y zapada, eso sí. ¡PLAY IT LOUD!. 


Aparece originalmente en: Return Journey (1993)

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High Gear
The Jon Spencer Blues Explosion

Me acuerdo que se lo presté a un amigo apenas salió. Me lo devolvió con un gesto despectivo y una sentencia; "no encontré las canciones acá". A lo que tendría que haber respondido con algo del tipo "¿Y dónde están las canciones de James Brown, las del primero de Dr. John o en A Love Supreme?" Ni hace falta decir que no se me ocurrió. Gran parte del atractivo de esta gente es el groove demencial de Judah Bauer, un baterista de esos que te dejan NO TENER canciones. Tiene un riffito muy canchero, como esos bien sencillos de New York de Lou Reed, que tienen la magia de atraparte con muy poco. Cuando explotan las guitarras... agarrate.


Aparece originalmente en: Acme (1998)

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Fim de sofrimento
Beth Carvalho

La impresionante cantidad de cantantes buenos que han salido de Brasil es algo admirable. Además hay voces femeninas que no suenan como las típicas voces de mujeres del resto del mundo, sobran ejemplos, Maria Bethania, Gal Costa... Y lo Beth Carvalho viene por ese lado. Este es un disco de samba más bien tradicional, no hay innovaciones como las que podrías encontrar en un disco de Elis Regina de estos años, por citar a alguien conocido. Igualmente le sobra pasión, oficio y conocimiento de causa. No es poco. 


Aparece originalmente en: Prá seu govêrno (1975)

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Lester Leaps
Count Basie

¡Cómo tocan estos hijos de puta! Y que pedazo de clásico el en vivo en Newport de Count Basie, por ahi el presentador la hace un poco larga en más de una oportunidad, pero cuando la banda se lanza a tocar, es una cosa de locos. Están en el aire, flotan, levitan. La base rítimica está adherida con cemento de contacto, vale la pena escuchar lo que está haciendo el contrabajista, a una velocidad de vértigo. No se pasa de la raya con el virtuosismo, pero a su modo, se luce, dibuja y lleva a la banda al estado de euforia que se puede oler en sus apenas tres minutos de duración. Temazo. 


Aparece originalmente en: Count Basie at Newport (1958)

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Aretha Franklin - Young, Gifted and Black

Esta es la gran música norteamericana del siglo veinte. Mientras otra música hecha en el hemisferio norte parece hecha para reclutar gente que quiere inmolarse por el petróleo (el pop manufacturado, el noventa por ciento de la música pesada actual, etcétera) existe otro universo en dónde la música está hecha por el placer de hacerla, por la nobleza de este arte milenario, por su eterna capacidad de torcer el destino y salvar vidas, a la pasada.

Podés agarrar cualquiera de los discos que hizo Aretha para el sello Atlantic, los que produjo el gran Jerry Wexler, los comprendidos entre I Never Loved a Man… del ’67 y Hey Now Hey (The Other Side of the Sky) del ’73, y escuchar la música invencible del siglo veinte, la que todavía hoy sigue influyendo a intérpretes, arregladores y compositores. No sólo de soul y R&B, de muchos géneros de música contemporánea. Son casi diez discos clásicos de los cuales hay, por lo menos, cinco indispensables.

Si le pegás una mirada a los créditos de Young Gifted and Black podés ir a parar a mil lugares diferentes. Hay una verdadera galería de invitados de lujo; Donny Hathaway toca teclados en todo el disco, las hermanas Erma y Carolyn Franklin hacen coros, Dr. John toca percusión, Al Jackson Jr. atrás de los parches, Billy Preston al hammond y la lista podría seguir un buen rato. Todos sumando para hacer un LP enorme como es este. Tiene un balance perfecto entre versiones y originales, a diferencia de -por ejemplo- This Girl's in Love with You en donde son casi todos covers, en este caso el asunto está más repartido. Está el himno generacional y combativo de Nina Simone para dar título, en una versión que pone la piel de gallina, el inmortal “I've Been Loving You Too Long” de Otis Redding, en donde Aretha se las arregla para darle una nueva lectura a un tema que ha sido interpretado por medio mundo, el infaltable tema Beatle de la mano de “The Long and Winding Road” (conmovedor también) y hasta “April Fools” de la dupla Bacharach / David.

En sus originales Aretha brilla como nunca, en “All The King's Horses” se luce como cantante de gospel, creciendo de a poco y explotando como sólo ella sabe hacerlo, en “First Snow in Kokomo” entona una de sus grandes baladas lacrimógenas, sin rozar ni de cerca la sensiblería, un pecado habitual en ciertos cantantes. En “Rock Steady” se deshace en un funk sudoroso y grasiento que nada tiene que envidiarle a los grandes del género. Porque ella es uno de esos grandes. Casi está de más decirlo a esta altura.







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Aretha Franklin - Lady Soul
Aretha Franklin - Spirit in the Dark
Aretha Franklin - Amazing Grace

The Vibrators - Pure Mania

La escena inglesa de fines de la década del setenta era un hervidero de actividad. Jamás el recambio generacional fue tan drástico, potente y necesario a la vez. No vamos a caer en el facilismo ese de que el punk rock vino a destruir al rock progresivo/sinfónico que tantas veces se ha repetido. Lo que sí es cierto es que hacía falta un lavado de cara, un poco de irreverencia y menos pomposidad, menos solemnidad y mas energía primal.

Dentro de esa camada de grupos pioneros están los Vibrators, que se han encargado con el paso de los años de dilapidar todo resto de credibilidad reformándose millones de veces, grabando material de calidad cuestionable y, en definitiva, masacrar el legado del punk rock primigenio. Pero cuando la banda liderada por Ian "Knox" Carnarchan funcionaba a todo motor eran una cosa seria, digna de ser tenida en cuenta. No les faltan credenciales tampoco; fueron apadrinados por el inolvidable John Peel, apareciendo varias veces en su programa radial, estaban ahí bien a principios del asunto. Puede decirse que es otro caso de estar en el lugar y momento adecuados, ya que fueron teloneros de Iggy Pop en su gira británica del '77 y su primer sencillo ("We Vibrate") fue producido por el legendario Mickie Most, productor de los Animals y Donovan, entre otros.

¿Y la música? Como suele ser, es lo que cuenta y vale. "Into the Future" es la canción con que empieza este disco debut, Pure Mania, y deja claras las intenciones de la banda; un sonido sucio pero compacto, rápido y ajustado, un cantante con personalidad y una lírica nihilista, llena de desparpajo. La protagonista es una chica que está “bastante reventada para tener sólo 23 años”. "Yeah Yeah Yeah" es la relectura de la generación punk del "She Loves You" de los Beatles, en vez de amor adolescente inocentón, es amor enfermizo no correspondido, ella lo usa y lo tira. Los instintos pop de Knox salen a la luz en "Sweet Sweet Heart", con un estribillo ganchero, muy pegadizo y un motivo de guitarra atractivo. Si no fuera por la suciedad inherente a las decisiones de producción del album podría haber sido un estándar de radio FM contemporánea. John Ellis, el guitarrista, es quien firma "Keep It Clean", que es el obligatorio tema sobre drogas, es mas que nada un retrato de lo que se vivía en la época porque la canción es una advertencia.

"Baby Baby", que fuera retomado varios años mas tarde por los alemanes Die Toten Hosen para su disco de versiones, es el himno, quizás el momento mas imperecedero del disco. Una progresión de acordes tocada con arpegios introduce la melodía de voz, que es sutil, simple y amenazadora. Es un ruego casi desesperado, una canción de amor en letras mayúsculas, de esas que se escuchan una vez y ya no hace falta mas nada. “Las chicas londinenses me están defraudando / No puedo imaginarme viéndolas corriendo por ahí” dice "London Girl" el tema libidinoso que no podía dejar de estar presente. Un riff con mas de una deuda al movimiento inmediatamente anterior; nada menos que el pub rock de Dr. Feelgood, Eggs Over Easy o Brinsley Schwarz. "Stiff Little Fingers" (si, la canción que dio nombre a los irlandeses) es una fábula mórbida de alienación urbana con una letra escalofriante; “nunca miraste más allá de tus cuatro paredes / es una pena que nunca hayas visto la luz / pero ahora te pasaste de la raya / y vas a tener que empezar de abajo otra vez”.

A Pure Mania le fue bien al momento de su aparición, con el paso del tiempo sería incluso más reconocido, siendo mencionado en todas las inefables listas de las revistas inglesas, elogiado por igual tanto por músicos de generaciones posteriores, periodistas y amantes de la música en general. Los Vibrators de la primera época siguen con el prestigio intacto.








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The Vibrators - V2
999 - Separates
The Adverts - Crossing the Red Sea with the Adverts

The Roland Shaw Orchestra - Themes from the James Bond Thrillers

La valoración de este disco puede depender del nivel de apreciación que pueda tenerse sobre las películas de detectives, el cine en general y las míticas películas de James Bond en particular. Personalmente nunca me interesaron demasiado las películas de este tipo, a pesar de que entiendo el chiste, veo que hay una gran cuota de humor e ironía, pero nunca me tomé la molestia de explorar el género o subgénero, en realidad. A pesar de eso, la música es extraordinaria, innovadora, creativa y fílmica en el mejor sentido de la palabra.

Música de orquestas, pero cualquiera de los temas que aparecen acá te remite inmediatamente a persecuciones, tipos de frac atrás de una pared, con la pistola en alto, peleas a trompadas de lo más ridículas, inmersiones en submarinos de ciencia-ficción, en fin; todo lo que parodió Mike Myers de manera exquisita en Austin Powers, a principios de este siglo. Es música con una inserción cultural tan grande que resulta imposible separarla de las escenas mentales, pero uno puede no haber visto Todo o nada y disfrutar sin inconvenientes del temazo que se hizo para esa película.

Gran parte del mérito lo tiene el compositor inglés Roland Shaw, que hizo arreglos de estos temas patentados, parodiados e imitados hasta el cansancio. Versiones de los clásicos de John Barry, Monty Norman, etcétera. Basicamente el disco abre y cierra con dos que definieron como pocos el género; “The James Bond Theme”, inapelable, reconocible al instante y cierra con “007 Theme”. En el medio tiene temas de tres grandes clásicos de la filmografía de Bond; nada menos que Goldfinger, De Rusia con amor y Dr. No. Todas hoy en día consideradas “de culto”, estandartes de una época de oro del cine de acción.

Acá están todas las características de una música inmortal, las estocadas rápidas y medio surf de las guitarras, los arreglos en staccato de los instrumentos de bronce, los crescendos vertiginosos de los violines, los acordes menores y las baterías jazzeras, a puro swing. Una música que trasciende la connotación medio kitsch que le ha dado el paso del tiempo y los propósitos para los que fue compuesta, inmortal, trascendente.








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Roland Shaw and His Orchestra - The Return of James Bond In Diamonds Are Forever and Other Secret Agent Themes
Henry Mancini - Number One!: Music from the Film Score
Ennio Morricone - Una lucertola con la pelle di donna

Spirit - The Family that Plays Together

¿Por qué Spirit es una banda prácticamente olvidada? Es una de las grandes injusticias de la historia de la música popular del siglo veinte, pero hay algunos puntos clave que ayudaron. Mucho. Se perdieron Woodstock en el momento en que mejor estaban a nivel creativo. Tenían una competencia simplemente extraordinaria y eran demasiado eclécticos e idiosincráticos como para ser masivos. Pero como todos sabemos, esas mismas razones pueden ser positivas a la luz de nuestros días. Y si, es así, son autores de una seguidilla de discos interesantísima, desde el magnífico debut homónimo a la obra maestra Twelve Dreams of Dr. Sardonicus producido por el mismísimo David Briggs (Neil Young, Nick Cave, etc).

Otra de las llamadas bandas del Laurel Canyon, fueron uno de los pocos grupos en tener entre sus filas integrantes de diferentes generaciones ya que el baterista Ed “Cass” Cassidy, era el padrastro del guitarrista y principal compositor Randy California, así apodado por su amigo y mentor Jimi Hendrix. Hay quienes sostienen que incluso Jimmy Page “tomó prestado” el riff de "Taurus", lo escuchó varias noches, mientras Led Zeppelin oficiaba de telonero en la primera gira por Estados Unidos. ¿El resultado? "Stairway to Heaven".

Empieza con "I Got a Line On You", lo más parecido a un hit que tuvieron, un rock para la ruta que es una delicia de principio a fin, con unos coros armonizados espectaculares y la guitarra de Randy California (también autor del tema) respondiendo a las frases con buen gusto y talento. "It Shall Be" ya es una muestra perfecta; nadie hacía esta música en la California de fines de los 60's, una extraña mezcla entre jazz, rock y climas acústicos. La letra alude al conflicto bélico que tanto tuvo que ver con los jóvenes de aquel entonces; Vietnam. Algo similar pasa con "Poor Richard", a simple vista podría ser un tema de relleno de cualquiera de los cuatro primeros de Jefferson Airplane, pero a medida que avanza es claro que es mucho más que eso. Todos los integrantes rebosan musicalidad y en los pasajes instrumentales abundan las ideas interesantes y exploradoras. "Drunkard" es un típico ejemplo de la dificultad para clasificar a Spirit. ¿Qué es? No es pop, parece música de películas, es rock, definitivamente… es todo a la vez pero no se deja encasillar fácilmente y eso -precisamente- lo convierte en atractivo. Se puede decir que "It's All the Same" es el tema más “convencional” del disco, con una estructura más bien reconocible, pero la gran calidad de los músicos de Spirit hace que se destaque, por oficio, por calidad en la interpretación y por los solos (guitarra y batería, respectivamente). El piano de John Locke se destaca en "Dream Within a Dream" pero al fondo, bien al fondo de la mezcla hay una guitarra sucia (y desprolija) que realmente merece una escucha atenta. Para el final, una joya: "Aren't You Glad", del cantante Jay Ferguson, que formaría Jo Jo Gunne junto con Mark Andes, el bajista de estos primeros cuatro larga duración.

Sardonicus, ayudado por un fuerte boca a boca, al cabo de unos años se convirtió en disco de oro y durante mucho tiempo fue el único álbum de Spirit que seguía en circulación. Pero California y Cassidy fueron los encargados de mantener viva la llama con diferentes niveles de intensidad hasta la muerte prematura del guitarrista en un accidente. Hasta el "rescate" de Epic/Legacy a fines de los 90's, claro está. Como nota al pié se puede decir que los bonus tracks de las reediciones en CD rescatan unas cuantas joyas perdidas e inconseguibles, caras A y B de los simples, temas que quedaron afuera, tomas en vivo, etc. En el caso de Spirit… valen la pena.







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Spirit - Clear
Jo Jo Gunne - So... Where's the Show?
Randy California - Kapt. Kopter & The (Fabulous) Twirly Birds

Kevin Ayers - Yes, We Have No Mañanas

Hace poco salió una preciosa cajita de cuatro CD's, Songs for Insane Times, compilando la era de oro de Kevin Ayers, incluyendo material desde Joy of a Toy, su primer disco solista después de su paso por los fundamentales Soft Machine, hasta That's What You Get, Babe del '80. No alcanzó. No fue suficiente para despertar el revival, para situarlo en el lugar que merece. El tema es… ¿Qué lugar merece? ¡Ni él lo sabe! Y seguro que tampoco le interesa. Inclasificable, eterno holgazán, borrachín, lector voraz, divertido, irónico, retorcido… Como siempre; nada mejor que escuchar los discos para entenderlo.

Kevin Ayers hacía escapadas frecuentes a Mallorca, en las islas Baleares, por eso el bronceado de la foto de tapa y el título de este disco; Yes, We Have No Mañanas. La palabra “mañanas” para hacer referencia a otra palabra que Ayers usaba mucho para describir algo así como “delirios” o “extravagancias”: bananas. Recordar el disco Bananamour en donde las frutas amarillas aparecían hasta en la portada. Este es el disco en que regresa al sello Harvest, después de un breve flirteo con Island, en donde intentaron venderlo como una especie de astro glam, algo que no cerraba por ningún lado. ¡En esas condiciones hizo el espectacular Confessions of Dr. Dream and Other Stories!

Tal era su desencanto con la industria discográfica en este período que si hay una temática que predomina en …Mañanas es precisamente esa. En "Star", al principio, ya lo deja bien claro: “Si querés ser una estrella empezá a brillar, brillá de una vez”. El solo de guitarra de su fiel ladero Ollie Halsall también es digno de mención. También hay palos repartidos para los buitres en "Mr. Cool" y en "Ballad of Mr. Snake" y de manera no tan explícita en "The Owl". Es importante remarcar que, quienes esperen bizarreadas sonoras como "Song from the Bottom of a Well" de Whatevershebringswesing o cualquiera de las suites sinfónicas de Shooting at the Moon, no se van a encontrar con lo mismo. Esta vez el tono elegido es un rock suave, muy personal, divertido y hasta jocoso, tocado con muchísima onda y personalidad, no es el mismo Ayers de "The Lady Rachel", para bien y para mal. Pero por supuesto que hay lugar para la experimentación y la locura, incluso en temas en apariencia convencionales como "Love's Gonna Turn You Around", hay arreglos geniales, de esos que son su marca registrada. Escuchen sino "Help Me", en donde Ayers deja claro que fue uno de los pocos de su generación que no miró con desdén el punk y la new wave que ya pisaban fuerte para este entonces. Sobre todo con discos como Rainbow Takeaway o Diamond Jack and the Queen of Pain. “¿Quieren un tema new wave? Ok, tengo este”. Incluso a media máquina le sobra para demostrar su talento. "Ballad of Mr. Snake" directamente empieza con un claro bostezo. ¿Aburrido? De ninguna manera, pero muy irónico, eso seguro. Siempre desafiante, el último tema es la joya del disco; "Blue" es una de esas composiciones que ya para esta época no hacía Bowie, con una producción a todo trapo (a cargo de Halsall y el mismo Ayers) y un verdadero caleidoscopio de ideas musicales. Tema portador de un magnífico solo de guitarra, por cierto.

Despues de …Mañanas siguió, casi en seguida, Rainbow Takeaway, pero Ayers, cada vez más frustrado con el panorama musical, se fue desvaneciendo en un mundo que ya no tenía lugar para tipos como él, sacando discos a medio terminar cada dos, tres y hasta cuatro años. En los noventa, con todo lo que fue el movimiento neo-piscodélico, muchos lo nombraban en entrevistas y decidió volver al ruedo con el excelente The Unfairground. El círculo se cierra otra vez.








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Kevin Ayers, John Cale, Eno & Nico – June 1, 1974
Lady June – Lady June's Linguistic Leprosy
Kevin Ayers – The Unfairground