5 Canciones 5: Iggy Pop, Jade Warrior, Ultrasound, The Temptations y Steppenwolf

Vulture
Iggy Pop

Me costó "comprar" con este disco. Igual puntos para La Iguana por seguir sonando relevante en pleno siglo veintiuno. Es innegable, Post Pop Depression es valioso. Guitarra acústica, Iggy en lo más bajo de su registro, cuando entra la banda es una cosa rarísima, atmosférica, climática. El buitre del título (vulture) es él mismo, me atrevo a asegurarlo. Puntos por dejarse ayudar por el colorado de Queens of the Stone Age, en este tema la producción es un acierto rotundo.

Aparece originalmente en: Post Pop Depression (2016)

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Land of the Warrior
Jade Warrior

Brusco cambio de diracción para Jade Warrior, una de las grandes bandas semi-olvidadas del prog-rock de la era de oro del género. Esto no tiene nada que ver con lo que habían hecho en discazos como Last Autumn's Dream o Floating World. Esto sería música para que te hagan masajes, de la buena, no de la irritante e intrascendente. Acá si prestás atención están pasando cosas a nivel musical. Tiene un poco que ver con el Japan de Tin Drum y esa guitarrita ahí de fondo haciendo ruido y mugre está buenísima.

Aparece originalmente en: Kites (1976)

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Everything Picture
Ultrasound

Parece uno de esos temas medio depresivos de Radiohead. Parece. Después nada que ver. En su momento de apogeo hicieron un sólo LP... ¡pero qué disco! Mucho después hubo una secuela, más de diez años tardaron en sacarlo a la luz. Tiene muchas de las cosas que detesto de cierto música inglesa, de todas maneras nadie puede negar que los tipos tenían agallas. Más de veinte minutos dura esto. ¿Se podría haber acortado? Seguro. Recién a los cinco minutos estalla. El primer estallido de varios. Épico.

Aparece originalmente en: Everything Picture (1999)

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You've Got My Soul On Fire
The Temptations

Para el '73, el año en que sale este disco, los Temptations eran expertos, la tenían clarísima. Tenían un carrerón, habían pasado por absolutamente todo. Cambios de integrantes (una especialidad de la casa) exploraciones musicales, evolución, adaptarse a los cambios, etcétera. Y acá se mandan un funk rabioso, mala onda, calentón, con un gran Dennis Edwards en la voz líder. Temazo.

Aparece originalmente en: 1990 (1973)

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What Would You Do (If I Did That to You)
Steppenwolf

¡Qué discazo Monster por favor! Si me preguntan cúal es el legado de Steppenwolf, no es ni "Born to Be Wild" ni "Magic Carpet Ride". Es Monster, el disco que contine este temazo. Parece uno de los temas que cantaba Eric Burdon con WAR, con un claro aire soul, funk, R&B. El baterista lleva un groove descomunal y el hammond no se queda atrás. Atención con la coda, en el último minuto, en donde meten un cambio que queda buenísimo.

Aparece originalmente en: Monster (1971)

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Riff - Que sea rock

Grandes grupos cuya influencia termina siendo negativa. Nirvana, Ramones, los Redondos ni hablar, los Stones, Calamaro… puede ser una lista larga. Son esos que hacen que parezca fácil. Un ejemplo; si vas a tomar como referencia a los Stones, ponele algún otro ingrediente porque de lo contrario quedás como un payaso. O alguien destinado a quedarse a mitad de camino. De hecho las grandes bandas de rock actual, moderno, contemporáneo (o como quieras) son esas que son difíciles de rastrear, que no vas a decir “ah, claro esto suena a Beatles con un poco de The Cure”. Nos fuimos por las ramas. Hay muchos imitadores de Riff, pocas veces escuché alguno que les llegue a los tobillos.

Tienen un par de recursos que los separan de la horda de bandas similares. Por empezar tienen sentido del humor. Y muy fino. No sé cómo habrán hecho para cantar “ella fue princesa en un harem de Agadir, hasta que una noche lo conoció a Lalo Mir” sin morirse de risa. O algo como “ahora te aconsejo, relájate, puesto que es mucho mejor que sufrir”, en una obra maestra del rock duro como “Bienvenida a mi lado oscuro”. Como bien decía Freud, todo chiste tiene visos de realidad y, si lo vemos desde ese lado, la letra de este temazo es de otro planeta. ¿Accidente feliz? Puede ser, seguramente no eran tipos que iban a darle muchas vueltas a una letra y eso vale doble. Sin pretensiones, dice lo que tiene que decir y es muy claro, con un nivel de elocuencia que no pasa por el lado de la bajada de línea, del “yo la viví y te la cuento”. Es magistral. Por supuesto que a nadie le importa un carajo lo que dice cuando la música es un rock and roll rutero a la altura de cualquiera de los grandes del género. Léase Creedence, Steppenwolf, AC/DC, Kyuss, Status Quo, lo que se te ocurra.

Algunos dicen que Que sea rock es el primer disco de Riff (y de Pappo incluso) que suena bien. No es tan así. El anterior, Zona de nadie, era una grabación muy decente. Más si lo comparamos con los tres primeros, que están al borde de la categoría “insalvables”. Menos mal que tienen esas canciones. Sí es -quizás- el disco más redondo que hicieron. En una época tenía mis favoritos y salteaba varios, pero si uno lo escucha con atención, en todos los temas hay algo para aportar y tiene la variedad musical que necesita un LP de este género, para que no sea repetitivo o cansador.

El tema que dá título podría pensarse como un tema que imita a AC/DC. Puede ser. Angus y Malcolm no hacen un tema con ese nivel desde la época de The Razors Edge, como mínimo. “No obstante lo cual”, ya con el título merece la gloria. “En la ciudad del gran río”, “Reza duro”… impresionante. ¡Qué canciones! A veces los grupos de cuero negro y tachas invierten mucho tiempo en ropa y equipos. Son las canciones muchachos. Eso es lo que separa a los grandes del resto.






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Slade - Slade Alive!

No se puede tomar demasiado en serio a Slade. Algo que en cualquier otro grupo podría ser un defecto, en Slade se convierte en virtud de manera automática. Claro, es rock 'n' roll sin compromisos pero con diversión, con fiesta. Slade representa la idea de rock entendido como motivo de reunión, de festejo, de baile… y a otra cosa. Mañana, al otro día, de vuelta al trabajo y a esperar otra vez el fin de semana.

Ellos sabían lo que sus fans querían y no se hacían rogar ni un segundo.

Formados en la segunda mitad de los 60's, tardaron en encontrar el rumbo, la personalidad. Primero se llamaron Ambrose Slade, pero el nombre fue acortado por sugerencia de Chas Chandler, ex-Animals y más conocido como manager y “descubridor” de Jimi Hendrix. Él fue quien los aconsejó para seguir el camino del movimiento que se estaba gestando a principios de la década siguiente; el glam rock. A pesar de que Slade tenía poco que ver con T. Rex, Bowie y demás patriarcas del género, fue dentro de esa etiqueta cuando los hits empezaron a aparecer. Y fueron varios. Antes de la andanada de éxitos mal escritos (uno de los chistes característicos del primer período) como "Gudbuy t'Jane" o "Mama Weer All Crazee Now" salió Slade Alive!, este ladrillo de brutalidad sonora, una descarga de altísimo voltaje eléctrico en donde los enormes pulmones de Noddy Holder están más inflados que nunca. Al borde del descarrilamiento pero siempre al servicio de otra noche de fiesta. Según comentarios “extra-oficiales” Slade Alive! recibió no pocas ayudas en el momento de la posproducción, aumentando y sincronizando el volumen del público y corrigiendo algún que otro defectillo en las interpretaciones de los músicos. Lo cierto es que Slade Alive! da en el blanco y con mucha fuerza. El pre-punk rock / proto-metal y el ruido blanco que por momentos logran no se habían escuchado antes, y, la verdad, pocas veces se ha vuelto a oír. El repertorio elegido se apoya mucho en las versiones, así es como el puntapié inicial está dado por "Hear Me Calling" de la pluma de Alvin Lee, de Ten Years After. Irreconocible es "Darling Be Home Soon" de John Sebastian, líder de los inolvidables Lovin' Spoonful, en donde Holder se da el gusto de despacharse con un sonoro eructo que es celebrado sin disimulo por la audiencia. Mención aparte para la versión que cierra la placa; "Born to Be Wild" de Steppenwolf, extendida a casi diez minutos y donde Slade demuestra que, para el ataque sónico brutal y ensordecedor, son mandados a hacer.

Después vendría Slayed?, disco emblema de la banda inglesa, el típico ascenso y caída, la remontada vertiginosa de la mano de las versiones de Quiet Riot (muy exitosas al otro lado del Atlántico) y los vaivenes típicos de cualquier banda histórica. Slade Alive! es el testimonio clave de cuando empezaban a torcer su propia historia, a encontrar el rumbo que los haría inolvidables.








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The Dictators - Bloodbrothers

Nina Simone - It Is Finished

¿Hasta qué punto es importante cuando se hace una versión? Importantísimo, fundamental. Si alguien está interpretando un tema que no le pertenece, que no es de su autoría, significa que está “endosando” al compositor. Una suerte de validación, una forma de decir “este tipo escribe unas canciones fenomenales, por eso acá estamos tocando una”. Mucha gente considera que si un artista no es autor tiene menos mérito. Depende. Sinatra, Elvis y por supuesto Nina Simone. Los dos primeros son personajes discutidos, mientras que la Gran Sacerdotisa del Soul es muy apreciada hoy en día. Tuvo su merecido revival. Quizás en su momento no llegó más lejos por su manera de manejar su carrera, por jugársela siempre a nivel ideológico y porque su vida privada era un verdadero caos.

Puede ser un detalle menor. Y lo que sí importa, que es su obra, es colosal. Hay al menos diez discos de estudio que son fantásticos, cinco -como mínimo- que son imprescindibles. Después está la discografía en vivo. En el caso de Nina Simone son álbumes que son mucho más que una excusa para vender el último LP de turno. Por un lado están los más viejos como At Newport, Nina Simone at Town Hall o At the Village Gate y por otro los de mediados de los sesenta en adelante. Momento en que las cosas cambian y el mundo ya no sería el mismo. Acá tenemos Nina Simone In Concert, como para empezar, ‘Nuff Said, Black Gold o el impresionante Emergency Ward!

Y después está It Is Finished, cuyo título funciona como un presagio. Acá los problemas ya eran demasiados, bien entrada la década del setenta, Nina Simone ya había hecho todo, se había ganado el cielo musical para siempre. Pero antes…

Exuma era el nombre artístico de Tony McKay, nacido en las Bahamas, sus cuatro o cinco primeros trabajos de estudio son increíbles. Único. Como punto de referencia se podría citar a Gris Gris de Dr. John, pero en el Caribe. Música hipnótica, un hechizo poderosísimo. Acá hay dos versiones, “Dambala” y “Obeah Woman”. Algo pasa en el medio del show, en el intervalo. Qué es lo que habrá consumido nunca lo sabremos. Lo cierto es que el ambiente cambia y es notorio, el clima se enrarece, se convierte en un ritual pagano indescriptible.

La fiesta arranca con “The Pusher”, de Steppenwolf y se puede encontrar una de las versiones definitivas del clásico de Jerry Jeff Walker “Mr. Bojangles”, una de las grandes canciones del siglo veinte. Hay un tema propio, que había sido grabado en el clásico Nina Simone Sings the Blues, es “I Want a Little Sugar In My Bowl”. It Is Finished puede no ser un punto de entrada ideal en la obra de una artista inigualable. Igualmente podés no tener idea del contexto o la parte histórica y pasarla bomba. Como suele suceder con La Gran Música.







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Love and Rockets - ídem [4to. LP - 1989]

Love and Rockets desciende de la diáspora de otra banda importante, de las cenizas de Bauhaus, pioneros del rock gótico de la primer mitad de los ochenta. Por un lado, el cantante, Peter Murphy, arrancó su carrera solista y Daniel Ash y David J, guitarrista y bajista respectivamente, forman Love and Rockets, cuyos primeros cuatro discos de estudio son fundamentales para entender el rock de aquella década mítica.

Love and Rockets, cuarto LP de estudio y el último de la considerada etapa clásica, tiene algunos detractores insólitos que lo consideran un intento de disco “vendedor”, hecho para pegarla en las radios yanquis, algo bastante descabellado si se considera que lo único remotamente apto todo público del disco es “I’m Alive”. Que sí, vendió en cantidades, merecidamente, es T. Rex bien entendido y adaptado a la época, insistente, casi industrial, podrido, con un riff de guitarra para cabecear en la ruta y escuchar a todo volumen. No siempre los hits son una mierda. Por lo demás es un disco aventurero, moderno, sucio, luchador, guitarrero, una continuación y evolución natural de todo lo sugerido -y logrado- en los tres primeros álbumes.

También es el primero en donde los dos compositores empiezan a escribir por separado, cada cual con su estilo y se nota, en el buen sentido. Las canciones son diferentes, hay variedad pero suman a la totalidad, sin desentonar en ningún momento. “Motorcycle” debió haber sido el himno oficial de los Hell Angels, si estos no tuvieran la cabeza remachada con Creedence y ese tema de Steppenwolf, un trip roquero con alguna que otra influencia de los primeros Jesus and Mary Chain. “The Purest Blue” es el Brian Eno de los discos ambient, pero en este caso no vas a necesitar de la almohada ni el despertador porque dura lo que tiene que durar. Después de la pausa necesaria, de la mano de “I Feel Speed”, en donde parecen flotar en un estado de narcosis auto-inducida, viene otro sacudón de rock del pantano; “Bound for Hell” es la reencarnación de un blues acelerado de los 50’s, el pasado bien interpretado para hacer la música del futuro. Love and Rockets suena moderno, actual, podría haber sido grabado ayer, no envejeció, sobre todo comparándolo con otras cosas que sonaban en aquel entonces. No son muchos los que los han tomado como referentes y eso ayuda a que esto suene original y fresco, a casi treinta años de su aparición en las bateas.

Después de Love and Rockets los dos capos de la banda se dedicaron a sus carreras como solistas y dejaron en el freezer a este proyecto, para ponerlo nuevamente en marcha un par de años más tarde. Historia que dejamos, como de costumbre, para la próxima.







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Bauhaus - Burning from the Inside
Tones On Tail - Pop
Love and Rockets - Express

Mad River - ídem [1er. LP - 1968]

Las drogas y la música. O la música y las drogas. Vaya uno a saber cuál era el orden de prioridades de esta gente, si es que había algún tipo de preferencia. Claramente hay una influencia. Esta no es música que se puede hacer estando sobrio. O quizás se puede haber grabado en sobriedad, pero compuesto bajo los efectos de algún estimulante. Nunca lo sabremos, tampoco es que importa. Sí vale destacar que los tipos sacaban algo de la experiencia, es cuestión de estuchar el primer LP de estudio de Mad River para comprobarlo. Se traían algo del viaje, además de los pedos mentales de siempre. 

La banda es de Ohio, pero se mudan a San Francisco, en donde lo que hacían iba a tener un poco más de aceptación, de hecho, los dos discos que llegaron a terminar salieron por el sello Capitol, nada menos. Sacan un EP en el ’67, hoy en día muy apreciado y buscado por coleccionistas, el debut llega un año después. Coincide y representa un momento particular socio-cultural. El tan mentado Verano del Amor, el optimismo y el poder de las flores ya se notaba que no iban a aportar soluciones, más bien lo contrario. Acá está la otra cara, el miedo, la paranoia, esto anticipa a Altamont, el concierto caótico que algunos toman como símbolo del fin de una era.

La foto de la contratapa (porque en la de la tapa se ve poco y nada) muestra a unos hippies que de “buena onda” tenían muy poco, si querés una relación con otras bandas más famosas, la extraordinaria tipografía la hizo el gran Rick Griffin, quien trabajó mucho con los Grateful Dead, Man, Steppenwolf, etcétera. Como muestra cabal de este costado oscuro del asunto drogón, tenés el principio de “Amphetamine Gazelle”, con el típico speed-freak hablando a toda velocidad, con poco sentido y sin que se le entienda nada. Después hay una suerte de canto de monjes, antes de que la batería marque el pulso acelerado e hiperquinético de uno de los temas emblemáticos de Mad River. La voz de Lawrence Hammond ayuda a cerrar el concepto, a redondear el conjunto, una voz chillona, altísima, al borde del descarrilamiento, tiene poco que ver con los cantantes de las bandas con las que pudieron haber compartido escenarios. Y después están las guitarras, podría ser el lado salvaje de Quicksilver Messenger Service, con notable predilección por las disonancias, el ruido y la atonalidad, hay un parentesco, un enlace directo a Trout Mask Replica, de Captain Beefheart y su Banda Mágica.

Al parecer, los Mad River no le vendieron un disco a nadie, no era una propuesta fácil de digerir, estaban al menos diez años adelantados a su época. Quizás por eso el segundo LP de estudio, Paradise Bar and Grill del ’69, es mucho más convencional y “bajado a tierra”. No pudo ser.






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Kaleidoscope [US] - A Beacon from Mars
Blue Cheer - Outsideinside
The Collectors - Grass and Wild Strawberries

5 Canciones 5: The B-52's, Galaxie 500, Richard Hayman, Grand Funk y Guided by Voices

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The B-52's

Para los fanáticos de las canciones que recitan números en su estribillo (¡Tommy Tutone!). El primer disco de los de Athens, Georgia es una obra maestra y en varios sentidos. Es un experimento pop / naïf / kitsch que funciona a la perfección, con la ironía puesta al servicio de unas canciones nerviosas, espasmódicas. Nunca volvieron a repetirlo, si bien siguieron haciendo música y tienen una carrera interesante, lo que pasaba acá era una mezcla de suerte, inteligencia y un puñado de decisiones acertadas. 

Aparece originalmente en: The B-52's (1979)

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Plastic Bird
Galaxie 500

Tres discos, palo y a la bolsa. Pero... ¡Qué discos! Música de ensueño, para levitar, si te dejás llevar por esto podés ir lejos, muy lejos. "Plastic Bird" es una de las grandes canciones del segundo LP de estudio de Galaxie 500. No es muy diferente a cualquier otra canción que agarrés de ellos pero sin embargo tiene algo que cautiva. Puede ser la línea de bajo, la voz al borde de la desafinación de Dean Wareham o ese cambio de acorde a los dos minutos y fracción, en donde entra en una especie de trance. Podrían haber seguido uno o dos minutos más, sin problemas.

Aparece originalmente en: On Fire (1989)

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Magic Carpet Ride
Richard Hayman

Un arreglador y director de orquesta que también hizo la música de gran cantidad de películas. También hizo arreglos para gente como Barbra Streisand y Liza Minelli. La música podría describirse como una mezcla entre un Kraftwerk prehistórico y Herp Albert & the Tijuana Brass, con unos ruiditos extraños muy simpáticos. Acá se manda con una versión medio hawaiana del super clásico de Steppenwolf. Para escuchar en la playa abrazado al cóctel de tu preferencia.

Aparece originalmente en: Electronic Evolutions (1973)

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Someone
Grand Funk

Para los descreídos, para los que en su momento se burlaban de ellos, en gran parte, por el éxito arrasador que tenían a nivel ventas, era simple; los pibes los amaban. Un poco lo que también le pasaba a Black Sabbath, en su momento. Este bien podría haber sido un tema de los grandes discos de Traffic (Mr. Fantasy, John Barleycorn Must Die, etc) hasta que viene el estallido, o mejor dicho, la parte de tensión. Hay alivio también, un ida y vuelta extraordinario entre los dos extremos, como para que quede claro que los tipos eran inteligentes para componer.

Aparece originalmente en: Phoenix (1972)

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Portable Men's Society
Guided by Voices

Acá Pollard todavía metía al menos cinco o seis temazos por disco. ¿Lo seguirá haciendo? A mí se me fueron las ganas de seguir chequeando y supongo que lo mismo le habrá pasado a varios. Esto parece un tema de los primeros dos discos de Pink Floyd, tiene ese clima siniestro de -por ejemplo- "Set the Controls for the Heart of the Sun" pero a su modo, al estilo de Guided by Voices. Un tema distinto, con una cosa heroíca, diferente. Cuando mete el cambio de atmósfera es conmovedor. Tremendo solo de guitarra, por cierto.

Aparece originalmente en: Mag Earwhig! (1997)

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