The Jesus and Mary Chain - Darklands

El truco era prácticamente infalible. Una banda con una actitud escénica belicosa, tocando de espaldas al público, dando entrevistas con un acento incomprensible y unas canciones de pop efervescente sepultadas bajo toneladas de guitarras sucias, distorsionadas. Los críticos compraron casi sin vacilar, el público… también.

Después de Psychocandy, aquel debut que más de uno llevó a su disquería amiga al son de “me parece que está mal, me lo vendieron fallado”, los hermanos Reid se tomaron un descanso y se dedicaron a escribir canciones. En ese interín Bobby Gillespie dejo su puesto de baterista “de parado”, formó Primal Scream. Por esa época apareció una compilación de rarezas y caras B llamada Barbed Wire Kisses para matizar la espera de un sucesor propiamente dicho.

Lo primero que salta a la vista (o al oído para ser precisos) es el sonido, completamente renovado, más radial y depurado. Atrás quedaron las baterías llenas de cámara, las guitarras “pegadas” en la mezcla y las voces saturadas de reverb. El acento está puesto en las composiciones, no hay tanta mugre, hay sutilezas, arpegios narcóticos y cambios de dirección inesperados. Siempre dentro del espectro en el que se mueven William y Jim Reid, claro. No esperen arreglos sinfónicos ni tiempos musicales ajenos al 4/4 tradicional, ellos son expertos en el dominio de la canción pop, y dentro de ese esquema se mueven como peces en el agua.

Empiezan con "Darklands" un medio tempo relajado que va creciendo lentamente pero sin llegar a estallar en ningún momento. "Deep One Perfect Morning" es lenta y reflexiva, uno no puede menos dejarse arrullar por las voces aún detectando la ironía que subyace en los textos, nada es tan simple en las “tierras oscuras”. “Hablando rápido sin poder decir nada, yo me afeitaría la piel por vos. Hablando rápido al borde de la nada, me rompería la espalda por vos” dice "Happy When It Rains", un verdadero himno a la soledad, al estar en contra de todo “porque sí”, siempre conservando un costado romántico, soñador. "Down On Me" y "Fall" son sacudones eléctricos violentos, para no desentonar del todo con lo que nos habían acostumbrado pero una joya como "Cherry Came Too"… ¡eso no lo esperábamos! Es en esa canción que se entiende perfectamente de qué se trata Jesus and Mary Chain; son los Beach Boys, los Ramones y los grupos de chicas de los primeros 60's, todo tamizado por el sarcasmo de los 80's: “Cherry me lleva a ese lugar ahí arriba, con besos de cables pelados y su amor, Cherry y yo somos tan extremos, haciendo el amor al son de un grito”.

Después de Darklands el camino fue un constante “cuesta arriba”, cada uno de sus discos era comparado (un poco injustamente) con sus dos primeros álbumes. Pero también hay que decir que en todos hay buenos momentos y a lo largo de más de una década siempre han sabido meter un respetable puñado de canciones geniales. No es poco.








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Disco del Mes: The Jesus and Mary Chain - Automatic

The Jesus and Mary Chain
Automatic
1989








Blanco y Negro / Warner Bros.

5 Canciones 5: The Records, k.d. Lang, Mark Knopfler, Calexico y Jesus and Mary Chain

Girl
The Records

Me acuerdo que una vez, en una disquería porteña atendida por un niño rico con tristeza, el pibe me preguntó medio desafiante; "¿A qué te referís con power pop?" mientras yo pensaba algo del tipo "¿y vos tenés una disquería?". Más allá del comentario malicioso / resentido creo que tendría que haberle recomendado el primero de The Records. Homónimo en USA y al otro lado del gran charco salió como Shades In Bed, con una tapa magnífica y un EP. Además tiene el tema insignia del género, el gran "Starry Eyes". El resto es un hit tras otro, "Girl" es un buen ejemplo.

Aparece originalmente en: The Records / Shades In Bed (1979)

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It's Happening With You
k.d. Lang

Invincible Summer es una suerte de oveja negra en la carrera de k.d. Lang. En realidad tampoco es que se vuelve heavy metal o canta tangos, hay cierto espíritu de búsqueda en los temas y este puede servir de muestra. Arranca con unas guitarras deformes, ásperas, al mejor estilo XTC en la era White Music o Drums and Wires. El cambio, segunda idea o como gusten llamarle es un funk rápido. Eso, con esa voz gigante y esas melodías.... no puede fallar.

Aparece originalmente en: Invincible Summer (2000)

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Speedway at Nazareth
Mark Knopfler

Sailing to Philadelphia tuvo mucha difusión en su momento, justo antes de que se derrumbe la industria discográfica tal y como la conocíamos ¿Esto es hacer facha? Digo, porque tocar esto es muy difícil, hacen falta años y años de oficio, saber callarse y servir a la canción. No cualquiera. Sería un lento crescendo de unos seis minutos y monedas, tan sutil que casi no te das cuenta. Pero si comparás el principio con la intensidad con que termina, escalaron una montaña. O una sierra, mejor dicho.

Aparece originalmente en: Sailing to Philadelphia (1980)

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Tres avisos
Calexico

Otra mejicaneada de Calexico, una banda que se podría calificar de experta en la materia. Ahora podríamos nombrar el clásico "Minas de Cobre", de The Black Light. Este tiene un clima y atmósfera muy similar, aparece en Hot Rail y también incluye una frenada, con su correspondiente cambio de tempo. ¡Qué bien que les salen los instrumentales a esta gente! Vale recordar que los dos capos de la banda (Burns / Cupertino) vienen de la escuela de Howe Gelb, en los años inciáticos de Giant Sand.

Aparece originalmente en: Hot Rail (2005)

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Tumblesdown
The Jesus and Mary Chain

Que hermosa tonelada de guitarras. Son capas y capas, a medida que avanza se van agregando más todavía, generando esos armónicos raros que se producen si lo ponés al volumen adecuado. Altísimo, por supuesto. Para la época de Honey's Dead, cuarto trabajo de estudio de la banda de los hermanos Reid, los quince minutos de gloria ya habían pasado y el chiste ya no daba mucha gracia. Escucharlo hoy confirma que envejeció bien.

Aparece originalmente en: Honey's Dead (1992)

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5 Canciones 5: Stan Ridgway, Willard Grant Conspiracy, Gilberto Gil, Roy Orbison y Jesus and Mary Chain

Talkin' Wall of Voodoo Blues
Stan Ridgway

El que quedó ahí, grabado a fuego fue "Mexican Radio", el tema más conocido de Dark Continent, el segundo disco de Wall of Voodoo. Acá también se hace presente el único país del hemisferio norte (de América) hispano-parlante, en más de un sentido. Esto es un racconto de lo que vivió la banda, cuando algo bastante parecido a la fama les anduvo rondando. Se podría decir que el tipo es consistente, porque este es su décimo -aprox.- LP como solista y lo podés reconocer al instante.


Aparece originalmente en: Snakebite: Blacktop Ballads & Fugitive Songs (2004)

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Bring the Monster Inside
Willard Grant Conspiracy

Arpegio de guitarra acústica, acorde / tonalidad menor, fade-in, ruiditos inquietantes, el bajista empieza a deslizarse por el diapasón... vamos bien. El cantante entra susurrando y sabemos que la mano viene gótica. No en el sentido Bauhaus / Sisters of Mercy del asunto, sería en el sentido William Faulkner, yanquis del cinturón bíblico que pecan más que Satanás y esconden como para ganarse dos infiernos. Nick Cave también, sí, mucho Bad Seeds. Es el segundo disco de la banda que es, fué y será el vehículo que usa Robert Fisher para no poner su nombre en la tapa.


Aparece originalmente en: Flying Low (1998)

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O canto da Ema
Gilberto Gil

¡Cómo se la jugaban estos tipos en esta época! Desde fines de los sesenta a principios de los ochenta, la vanguardia brasileña de aquellos años, corrió límites, desafió convenciones y se divirtió. Creciendo en público. Lo que hicieron Caetano, Jorge Ben, Novos Bahianos... es admirable, indiscutible. No por nada estos discos se reeditan hoy en Europa y se agotan en seguida, los originales son difíciles de conseguir y son caros incluso en las disquerías de Brasil. Lo que está pasando acá a nivel rítmico y armónico anticipa música que recién se haría veinte años después. Y sin pecar de pretencioso o exhibicionista, cagandosé de risa y disfrutando.


Aparece originalmente en: Expresso 2222 (1974)

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Twinkle Toes
Roy Orbison

Hay una escena, en el documental de los Traveling Wilburys, en que están sentados alrededor de una mesa Tom Petty y Roy Orbison, relajadísimos, en plan casual. De repente, el capo de los Heartbreakers le espeta algo que recuerdo como "... entonces vos hoy en día serías el mejor cantante del mundo" a medio camino entre pregunta y afirmación. Siempre refugiado atrás de sus enormes gafas negras, el texano deja pasar dos o tres segundos y, sin que se le mueva un pelo, responde con un lacónico (medio tímido) "oh... yeah". Fin de la escena. 
No creo que el parámetro mejor / peor pueda usarse en la música, pero si hablamos de preferencias, coincido. Puede cantar cualquier boludez y convertirla en algo especial. Este sería un buen ejemplo.


Aparece originalmente en: The Classic Roy Orbison (1967)

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Happy Place
The Jesus and Mary Chain

El golpe inicial de los hermanos Reid fué efectista, planeado, incluso hasta medio trucho si se quiere. El concepto detrás de Psychocandy, que sólo podía durar UN DISCO, era casi manipulador. Pero tenían esas canciones como "Never Understand" o "My Little Underground", con un poder de seducción irresistible. Sabías que atrás de toda esa mugre guitarrera y los acoples había gente que amaba la música. Obsesivamente. Esta milagro pop quedó relegado a cara B. De otra maravilla que es "Happy When It Rains". Beach Boys, Ramones, Spector. Adolescencia eterna, en otros términos.


Aparece originalmente en: Happy When It Rains [single 7''] y en la compilación Barbed Wire Kisses (1987 - 1988, respectivamente)

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The Jesus and Mary Chain - Between Planets

Vale aclarar que no soy fanático de Jesus and Mary Chain, para nada, me gusta mucho Darklands y creo que tienen temas enormes en todos los discos. Dicen que la música que uno conoce y digiere entre los 15 y los 25 (aprox.) es la que queda para siempre y la que te va a gustar por el resto de tu vida.

Siempre me gustó mucho Eliminator de ZZ Top y en Automatic hay una especie de intento de hacer una cosa parecida, llevándola al estilo de la banda.

Nunca voy a olvidar una fiesta entre amigos en que alguien puso esta canción y yo no la conocía, inmediatamente salió todo el mundo a la pista de baile.

¿Por qué no bailamos con estas canciones en todos lados? ¿Por qué hay que escuchar mierdas horrendas hoy en día? Son preguntas imposibles de responder pero... ¿no son esas las mejores preguntas?






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Encontrala originalmente en:
Este disco tiene un buen puñado de canciones de relleno (para mi gusto, por supuesto) pero las buenas justifican tenerlo.
Automatic  (1991)

The Raveonettes - Pretty In Black

Increíble. Ya pasaron casi veinte años desde que salió este disco. ¿Cuándo pasaron? No nos dimos cuenta. Fue un abrir y cerrar de ojos. Sigo pensando que los discos de esta época son modernos. Son novedades. Sé que no es así pero me pasa eso. Sé de algunos a los que les pasa algo parecido. Todo lo que salió en los últimos veinte años no lo terminamos de incorporar, de digerir. Le pedimos mucho a la música post-fin de la industria discográfica. Sin embargo los tipos ahí están, después de Pretty In Black sacaron seis LP de estudio. Probablemente sin poder vivir de la música, o sin poder vivir de los Raveonettes. Se pueda dar clases de guitarra a pibes que van obligados por padres frustrados, eso sí.

Son de Dinamarca, y son el dúo chico / chica que se usaba bastante a principios del milenio. Sune Rose Wagner toca la guitarra y canta y Sharin Foo también hace voces y toca el bajo. Tomaron un par de decisiones y se nota. Hay una estética definida, es un grupo que viene bastante empaquetado, tienen una imagen fuerte, puede que alguno desconfíe ante los argumentos de venta de esta gente. Me pasó. Pero la música me hizo meterme los prejuicios en donde el sol no alumbra. Hacen uso de un manojo de influencias muy particular, mezclan bien. Acá te vas a encontrar con una cosa medio Jesus and Mary Chain con los grupos de chicas de los sesenta como las Shirelles o The Ronettes. Hay algo surfero, rockabilly, The Cramps, Ramones. Y por supuesto Velvet Underground. Capaz la banda de Lou Reed no les interesa para nada, pero el noventa por ciento de los grupos, y más los ruidosos, son deudores -quieran o no- de los neoyorquinos.

Hay un par de temas que se destacan mucho. “Love in a Trashcan” dice mucho ya desde el título, vamos al rescate de la basura, de lo que muchos consideran chatarra cultural. Y vamos al rescate del amor, con o sin ironía, no importa. El riff de guitarra es pegadizo al máximo y super sencillo. Después la elección de cover es muy acertada; “My Boyfriend’s Back” de The Angels, un poco más conocida por Martha & the Vandellas. ¿Chatarra? De ninguna manera. Esos “hey now, hey now” son casi una declaración de principios, es aniñado pero tiene un costado sórdido. Esa es la idea de los Raveonettes, la música entra por el lado inocente pero sabés que abajo de la alfombra hay un olor raro. “Somewhere In Texas” es el otro gran tema de un disco que se deja escuchar de principio a fin, que fluye sin problemas. Este tema es evocativo, para mirar al horizonte con la mirada perdida, es original sin dejar de sacarse el sombrero por la gente que los Raveonettes admiran. Pretty In Black se bancó el paso del tiempo. Y salió ileso.







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Spiritualized - Ladies and Gentlemen We Are Floating In Space

Spiritualized surgió de las cenizas de Spacemen 3, aquellos rockeros espaciales comandados por Pete "Sonic Boom" Kember. Apegados a los mantras hipnóticos, a los tonos sombríos y cierta reivindicación constante de las sustancias alteradoras de la percepción, Spacemen 3 se disolvió en la habitual lucha de egos y usos y abusos de todo tipo. Kember formaría Spectrum y participaría en varios proyectos parelelos y todavía hoy sigue produciendo bandas.

Siempre al mando de Pierce, acompañado por quienes estén dispuestos a tolerar los manejos despóticos, Spiritualized hizo dos discos siguiendo la línea trazada por su banda anterior. Algo pasó después de Pure Phase, el segundo opus de la banda británica: Pierce rompió con su pareja de entonces y las consecuencias no pudieron haber sido mejores. De esa ruptura surge Ladies and Gentlemen…, del dolor, del sufrimiento insoportable, de la pena del alma que sólo la música puede ayudar a sortear con éxito.

Los preparativos al despegue empiezan con el tema que dá título y ya la suerte está echada: “Todo lo que necesito en esta vida es un poco de amor que se lleve el dolor” dice la letra en un colchón de teclados psicodélicos al borde del sopor y el entumecimiento. El mensaje es claro: es el amor como forma de redención del espíritu, como método de elevación por sobre lo ordinario. Y el desamor como fuente de todos los problemas, lógico. En "Come Together" aparecen las verdaderas intenciones del álbum y el sonido que lo caracteriza. Una tormenta eléctrica descargada sin piedad, con una base instrumental monstruosa, es el muro de sonido de Phil Spector revisitado. El hombre está destrozado y se encarga de manifestarlo intentando ocultar la óptica autobiográfica, usando el recurso de la tercera persona. "I Think I'm In Love" va creciendo despacio, a partir de una base sencilla, hasta llegar a un estallido a toda orquesta con coros multitudinarios que se destacan entre un verdadero despliegue de recursos. El órgano tubular introduce "All of my Thoughts" dándole al tema un cariz medio religioso, pero en seguida llega una tormenta sónica, con varios instrumentos de bronce y guitarras aullantes. Se desarrolla entre esta dinámica de suave/violento hasta llegar a un final calmo. 

"Stay with Me" es el pedido al borde del desbarranco que hace quien sabe que ya tiene todo por perder. Musicalmente emparentado con aquellas composiciones de los Pink Floyd previas al mega-éxito de Dark Side…, tranquilo, sin batería, con muchos teclados pero con un costado sombrío y algo tétrico. Otra descarga de adrenalina es la que aporta "Electricity", sin lugar a dudas el momento más rockero y efervescente del disco. Acá muestran las influencias de los primeros Hawkwind, Jesus and Mary Chain y las descargas auditivas de Sonic Youth. Ruido blanco desplegado con talento y eficacia.

También hay lugar para las exploraciones porque "The Individual" cae dentro de esa categoría y acá están filtrados Sun Ra, Amon Düül II y John Cale en unos breves cuatro minutos. "Broken Heart" es quizás el momento más emotivo de Ladies and Gentlemen… Apela a una textura de cuerdas cinematográfica a la manera de John Williams, va creciendo y avanza para apoyar uno de los momentos confesionales más desoladores de la carrera de Spiritualized. El narrador se muestra desnudo, honesto y vulnerable en un acto de sinceridad heroico. Sin metáforas, es directo, va al grano. El cierre, con Dr. John como invitado al piano, tiene algo de perverso. Invitar al gran Mack Rebennack para tocar dos notas en un tema de casi veinte minutos puede parecer un desperdicio, pero el maestro se da el lujo de mostrar todo lo que se puede hacer sin pirotecnia ni acrobacias. El viejo axioma de “menos es más”.

Y sí, Ladies and Gentlemen… fue un éxito. Merecidísimo. En el mismo año de Urban Hymns de The Verve o OK Computer de Radiohead, la revista NME lo consagró Disco del Año, vendió muchísimos ejemplares y dejó otro gran aporte para la historia de las grandes tapas; el packaging del disco estaba pensado para imitar una caja de medicamentos, con su correspondiente prospecto y contraindicaciones. Lo que se llama reforzar el concepto, digamos.








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Spiritualized - Let It Come Down
The Verve - A Northern Soul
Mercury Rev - See You On the Other Side

Mazzy Star - Among My Swan

Mazzy Star es un dúo formado por David Roback, capo de Opal y Rain Parade y Hope Sandoval, sirena de voz hipnótica.

La producción de Mazzy Star es escasa; tres discos hasta la fecha en seis años. En Among My Swan, tercer y último trabajo, se refuerzan todos los elementos que mostraban en los anteriores. Esto puede ser utilizado como música de fondo, pero si prestamos la atención necesaria, encontraremos una música rica, sutil, oscura y psicodélica.

Pero poco tienen que ver con los íconos del rock de la era del flower power como los Grateful Dead o Jefferson Airplane, estan mas bien emparentados con lo que se podría llamar “la cara oscura del movimiento”, las canciones lentas y climáticas de Velvet Underground, los mid-tempo del Dylan mas verborrágico o las paisajes sonoros del primer Tyrannosaurus Rex. De todas maneras no estamos ante otra réplica, otro juego de “captar influencias”, no, Mazzy Star tiene un sonido propio, envolvente, reposado y hasta casi místico. Este se debe en gran parte a la cálida y limpia -pero a la vez poderosa- voz de Hope Sandoval. No hay rastros de estridencias de ningún tipo, los climas son lánguidos y sencillos y los arreglos minimalistas pero extremadamente efectivos, flirteando con elegancia con el blues, el folk y la sicodelia mas delicada, Roback es un maestro en el arte de generar texturas y climas sin apelar a recursos obvios o remanidos. Como curiosidad se puede mencionar que William Reid, de Jesus and Mary Chain aporta una guitarra con su sello en "Take Everything", que arranca abajo, muy abajo y va creciendo de manera lenta y elegante, sin estallar nunca del todo.

En su momento Among My Swan no provocó las mismas reacciones favorables que sí había conseguido el anterior (So Tonight that I Might See) sobre todo porque el factor sorpresa fue menor. En este caso, aquello de no arreglar algo que no está roto aplica, la química seguía intacta, no mostraba ningún signo de agotamiento y por eso hoy Among My Swan puede ser disfrutado como lo que es, un gran disco que sirve como despedida a un gran grupo; Mazzy Star.








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Opal - Happy Nightmare Baby
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Hope Sandoval & the Warm Inventions - Bavarian Fruit Bread

ZZ Top - Eliminator

Hay discos que patean el tablero en cuanto a sonido. En cómo fueron grabados. Tienen un concepto en cuanto al audio que es tan fuerte y definido, que en algunos casos termina siendo más importante que las canciones. Sería algo como lo que Guided by Voices -por ejemplo- puso en jaque, al mismo tiempo que los hizo formar parte también de esto que estamos hablando.

Vamos con algunos ejemplos. Psychocandy, el primero de Jesus and Mary Chain. Ahí la idea era llevar todos los volúmenes al rojo vivo, no calentarse por la saturación y la incomodidad que provoca, grabar las voces como si estuviesen dentro de una caverna, usar acoples y ruidos en lugar de solos. Si esas canciones no hubiesen sido grabadas de esa manera, a lo mejor no hubiese hecho el ruido (valga la redundancia) que hizo en su momento. El ejemplo opuesto sería I, Robot o cualquier otro de los primeros de Alan Parsons, con un nivel de detalle sónico tan cuidado y minucioso que hizo que las fronteras en cuanto a tecnología se hayan tenido que trazar de nuevo. Marcaron un hito, dejaron su huella. Vale mencionar que el autor, ingeniero y productor detrás de esto, fué el mismo que produjo The Dark Side of the Moon, que todavía hoy se sigue usando para probar equipos, testear parlantes y demás cuestiones técnicas en las que no vamos a profundizar.

Eliminator de ZZ Top es otro que entra en la categoría. Octavo álbum de estudio de los barbudos, sale en el ‘83, año en que las guitarras no eran lo que te iba a hacer sonar en las radios, eso ya era parte de un pasado (cercano) al que no muchos acudían. A un nivel subterráneo sí, porque las guitarras en realidad nunca pasaron de moda, no era lo que te iba hacer quedar como un moderno, un artista de vanguardia o como lo quieran llamar. Si te dicen que esta banda es la misma que hizo Tres Hombres o Rio Grande Mud no te la creés, o al menos te iba a sorprender en aquellos años. Los tipos fueron inteligentes, sabían que les hacía falta un poco de aceite en los engranajes, sobre todo si querían seguir siendo relevantes o hacer algo distinto a lo que venían sacando.

Lo que hicieron fué tan simple como efectivo. Agregarle al rock grasoso y sureño de siempre, una cuota de brillo new wave, una manito de pintura revitalizante, como el auto icónico que aparece en la tapa. Una cupé Ford del 33 tuneada por el mismísimo Billy Gibbons, pero como bien muestra la tapa de Afterburner (el que viene después) este tenía la particularidad de… ¡volar! No es una cuestión menor que, para promocionar los singles, hicieron unos videos medio bobos en apariencia, con una cuota sutil de ironía que MTV se cansó de hacer rotar. En la época en que el canal era importantísimo a la hora de hacer que una banda pase al nivel estrellato, masividad, estadios y la entrada a raudales de billetitos, claro. Esos tres cortes de difusión fueron “Sharp Dressed Man”, “Legs” y “Gimme All Your Loving”, el temazo con que arranca esta fiesta. Más tarde se hizo otro para “TV Diners”. Esos tres se convirtieron en clásicos instantáneos y eran de los que nunca faltaban en la lista de temas de los conciertos. Merecidamente.

También es cierto que sin la producción y la ingeniera sónica que hay detrás de Eliminator hay unos temas alucinantes, si los grababan como en cualquiera de los discos anteriores igualmente hubiesen funcionado. Pero a lo mejor no nos enterábamos y esa ya es otra cuestión.






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Love and Rockets - ídem [4to. LP - 1989]

Love and Rockets desciende de la diáspora de otra banda importante, de las cenizas de Bauhaus, pioneros del rock gótico de la primer mitad de los ochenta. Por un lado, el cantante, Peter Murphy, arrancó su carrera solista y Daniel Ash y David J, guitarrista y bajista respectivamente, forman Love and Rockets, cuyos primeros cuatro discos de estudio son fundamentales para entender el rock de aquella década mítica.

Love and Rockets, cuarto LP de estudio y el último de la considerada etapa clásica, tiene algunos detractores insólitos que lo consideran un intento de disco “vendedor”, hecho para pegarla en las radios yanquis, algo bastante descabellado si se considera que lo único remotamente apto todo público del disco es “I’m Alive”. Que sí, vendió en cantidades, merecidamente, es T. Rex bien entendido y adaptado a la época, insistente, casi industrial, podrido, con un riff de guitarra para cabecear en la ruta y escuchar a todo volumen. No siempre los hits son una mierda. Por lo demás es un disco aventurero, moderno, sucio, luchador, guitarrero, una continuación y evolución natural de todo lo sugerido -y logrado- en los tres primeros álbumes.

También es el primero en donde los dos compositores empiezan a escribir por separado, cada cual con su estilo y se nota, en el buen sentido. Las canciones son diferentes, hay variedad pero suman a la totalidad, sin desentonar en ningún momento. “Motorcycle” debió haber sido el himno oficial de los Hell Angels, si estos no tuvieran la cabeza remachada con Creedence y ese tema de Steppenwolf, un trip roquero con alguna que otra influencia de los primeros Jesus and Mary Chain. “The Purest Blue” es el Brian Eno de los discos ambient, pero en este caso no vas a necesitar de la almohada ni el despertador porque dura lo que tiene que durar. Después de la pausa necesaria, de la mano de “I Feel Speed”, en donde parecen flotar en un estado de narcosis auto-inducida, viene otro sacudón de rock del pantano; “Bound for Hell” es la reencarnación de un blues acelerado de los 50’s, el pasado bien interpretado para hacer la música del futuro. Love and Rockets suena moderno, actual, podría haber sido grabado ayer, no envejeció, sobre todo comparándolo con otras cosas que sonaban en aquel entonces. No son muchos los que los han tomado como referentes y eso ayuda a que esto suene original y fresco, a casi treinta años de su aparición en las bateas.

Después de Love and Rockets los dos capos de la banda se dedicaron a sus carreras como solistas y dejaron en el freezer a este proyecto, para ponerlo nuevamente en marcha un par de años más tarde. Historia que dejamos, como de costumbre, para la próxima.







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Tones On Tail - Pop
Love and Rockets - Express

Video de la Semana: The Jesus and Mary Chain - Head On

Clásico. Clásico inoxidable. Nótese la remerita de Love de William Reid en el año... ¡1989!

5 Canciones 5: Jane, Guru Guru, Gallon Drunk, Swervedriver y Melvins

How Does It Feel to Look Like Candy?
Swervedriver

En este temazo del tercer disco de Swervedriver, dejan de lado la temática velocidad/autos y no se olvidan de enchufar los amplificadores al máximo. Para lograr un muro de guitarras del que Spector hubiera estado envidioso. Tampoco se olvidan de tirar (medio al descuido) un estribillo memorable, con respuesta de bronces y todo. Una banda muchas veces olvidada cuando se habla de la movida shoegazer, no tienen nada que envidiarle a Ride o a los Jesus and Mary Chain de Honey's Dead.

Aparece originalmente en: Ejector Seat Reservation (1995)

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Series of Dreams
Gallon Drunk

Reventados, borrachines y nocturnos, los Gallon Drunk saben reconocer una canción genial, sin dudas. Agarran una de las mejores canciones de los últimos veinte años de Dylan (un descarte de Oh Mercy) y lo llevan para su propio terreno. "Estaba pensando, en una serie de cosas, nada demasiado específico, eran simplemente una serie de sueños". Cantada por James Johnston, que no por nada formó parte de los Bad Seeds, una banda con la que tienen más de un punto en común.

Aparece originalmente en: Fire Music (2002)

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Attitude
Melvins

Disco nuevo de covers de los Melvins. Extrañísima selección de canciones, más de una sorpresa, no esperábamos menos. Si mirás la lista de temas decís "los Misfits, lógico" pero no. Es la de los Kinks, de Low Budget, la etapa más mainstream de los hermanos Davies. A priori, nada que ver con Buzz Osbourne y sus compañeros de turno. ¿Y la versión? Tremenda, super punk roquera, gritada, aullada, muy buenos coros. Le devuelven la fuerza que la producción algo desteñida de la original había descartado.

Aparece originalmente en: Everybody Loves Sausages (2013)

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Woman Drum
Guru Guru

¿Qué tomaban los alemanes en la década del setenta? En el medio del cuarto disco -homónimo- de Guru Guru aparece esta cancioncilla medio en joda, medio en serio. Para levantar un poco la pata del acelerador ante tanta psicodelia de esa que exige concentración pero que paga... ¡y cómo!. Una especie de R&B deforme en donde no se privan, a pesar de la aparente simpleza, de dejar caer un buen puñado de ideas interesantes.

Aparece originalmente en: Guru Guru (1973)

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Rock 'n' Roll Star
Jane

Muchas veces etiquetados erróneamente como kraut-rockers, los alemanes de Jane tenían más que ver con el rock espacial de bandas como Hawkwind y el primer hard-rock. En "Rock 'n' Roll Star" le pegan unas cuantas pitadas a los porros y se mandan con esta semi-zapada fumona para elevarse a unos cuantos centímetro del suelo. Gran riff, un cantante especial, raro y una banda que sabía improvisar sin olvidarse que el público también se tenía que divertir. Incluye tremendo solo de guitarra intergaláctico.

Aparece originalmente en: Jane III (1974)

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Shoes - Tongue Twister

Dos acordes, más o menos los mismos de siempre, sin demasiadas vueltas. La introducción es lo mismo que la base de las estrofas, cuando entra el tercer acorde, se podría decir que es exactamente el que el oído estaba esperando. Las voces agudas, hasta femeninas en cierta forma, alguna que otra armonía en el estribillo y una letra que más de uno consideraría genérica. Si prestás atención (o buscás en Internet) la letra de "Your Imagination" es ambigua e inteligente. Parece que va para una chica que ya no aguanta las excusas. A la vez es el típico diálogo interno de alguien que se pasó de vueltas con alguna sustancia y entra en el período de culpa y arrepentimiento. Llega el solo de guitarra y es exactamente lo que tiene que ser, como dijo Mozart -cuando el emperador le cuestiona su composición en Amadeus- tiene lo que necesita, ni más ni menos.

Entonces… ¿Cuál es el chiste acá? ¿Cuál es la gracia del power pop? Estamos habituados a que, cuando algo es valioso es porque es difícil de clasificar, desafía los géneros y las convenciones o evita caer en lugares comunes. Acá es lo contrario. O eso parece. Esto es tonto a propósito. Es descarado, no tiene vergüenza y ahí radica su magia.
¿Alguna vez intentaron hacer una canción pop de tres minutos? Es dificílisimo. Pop en el sentido Beatles / Madness / XTC, vale la aclaración. Muchos músicos, incluso algunos que recién se inician, intentan tocar cosas complejas, por diferentes motivos, eso no importa. Algunos olvidan que primero hay que dominar los tres acordes y el arte de la melodía. Y si hablamos de melodía acá vas a tener para tirar para arriba. Esto es almíbar auditivo. Y los Shoes son expertos en eso. Van al extremo del asunto. Son los más melódicos, siempre caminando en la peligrosa frontera que separa la estupidez de la inteligencia, el buen gusto de lo ordinario, mersa, grasa. O como prefieras llamarle a la pesadilla más grande de muchos músicos. Ellos hacen gala de esas virtudes, que para muchos son defectos. Nosotros hemos decidido qué bando tomar hace rato, de lo contrario no estaríamos acá. Si uno se pone cómplice y empieza a entrar en este juego, la palabra “genialidad” puede pasar por ahí, lista para ser empleada.

Claro, esto es genial de la misma manera que The Cramps lo es, los primeros tres discos de Ramones o Psychocandy de Jesus and Mary Chain. Hay una decisión estética enorme, un concepto sonoro y compositivo definido, delineado con precisión quirúrgica. Además es una reacción a un montón de música que se basa en todo lo contrario a lo que esta gente muestra. Escuchas Tongue Twister o cualquier tema de Shoes y te das cuenta al instante que son ellos. Y eso, amigos, no tiene precio.

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The House of Love - The Fontana Years

Algunos dividen en dos la carrera de House of Love. Si bien es cierto que cambiaron de sello discográfico, en Creation sacaron un par de simples y un solo larga duración, la mayor parte de la carrera se hizo en el sello Fontana. De modo que The Fontana Years, es una selección de los cuatro discos que sacaron en ese sello y un buen puñado de simples que si no fuera por este hermoso disco doble, serían muy difíciles de conseguir.

La banda del supuesto dictador Guy Chadwick es de esas que no tuvieron la suerte de acertar con la situación de tiempo y lugar, no pertenecieron a ninguna escena claramente definida, demasiado jóvenes para entrar en la movida de los Smiths y demasiado viejos para tener que ver con los Stone Roses o los Happy Mondays. Ahora ya pasó el tiempo y todo eso pasa a segundo plano y sólo queda lo que realmente importa: la música. Contra ese argumento, a los House of Love no hay con qué darles.

El CD 1 depende mucho del primer trabajo para Fontana, el brillante The House of Love, también conocido como El Disco de la Mariposa, uno de esos que ocupan con comodidad un puesto altísimo en el hipotético podio de Grandes Discos Olvidados. De ahí vienen la muy ganchera "I Don’t Know Why I Love You", la excelente "Someone's Got to Love You", otra más para desterrar el viejo mito de la rivalidad que nunca debió haber sido de la mano de "Beatles and Stones" y la nueva versión de "Shine On", que había sido el primer simple. También hay canciones de A Spy in the House of Love, que vendría a ser algo así como una compilación en forma de nuevo álbum que reúne caras B y rarezas. De esas se destacan "Safe" (¡Temazo!), "Ray" y "D Song ‘89". Después vino otro disco que no tuvo la repercusión esperada y que terminó en las bateas de ofertas en un momento en que la música de House of Love iba un poco a contramano de Nirvana y Pearl Jam y el incipiente brit-pop, se llamo Babe Rainbow y es hora de que reciba sus justos laureles. De hecho, la canción que abre The Fontana Years, "The Girl with the Loneliest Eyes", uno de los mejores temas de la pluma de Chadwick, viene de ese disco y parece anticipar al mejor Radiohead, una escucha desprevenida delata que Yorke y los suyos estaban prestando atención. "You Don't Understand" era el que marcaba el pulso y daba el puntapié inicial en aquel LP y acá también dice presente; una especie de funk mutante al estilo Duran Duran con un estribillo memorable. Tampoco falta "Crush Me" (un “casi hit”) con sus arreglos de cuerda distintivos. El último que aparece representado en The Fontana Years es Audience with the Mind, de la mano de "Sweet Anatomy" (con esa atmósfera tan The Church), el tema que da título, "Hollow" y "You've Got to Feel". Para deleite de los completistas también hay inéditos de muy buen nivel como "Third Generation Liquid Song" o "Kiss the Fountain".

A mediados de la primer década del siglo veintiuno, Guy Chadwick hizo las paces con el que había sido el primer guitarrista de la banda, Terry Bickers, que se había ido de muy mala manera para el época del primer disco para Fontana. Juntos grabaron el muy decente Days Run Away y también hubo un disco solista de Chadwick. Otra historia que dejamos para más adelante.








No está en ninguna de las plataformas pero hay muchos temas en Spotify.







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The Boo Radleys - Giant Steps
The Trash Can Sinatras - Cake

Brian Jonestown Massacre - Take it from the Man!

Otra vez el tema de la credibilidad. Si, para hablar de Brian Jonestown Massacre tenemos que creer. Creer o reventar. O mejor dicho; escucharlos (o dejarlos pasar de manera indiferente). También es importante saber que a pesar de que no son innovadores, no han “dado un paso más allá” ni corrido las fronteras de lo posible, logran transmitir una seguridad que contagia en serio. Es simple; aquellos que deseen “novedades sonoras” probablemente tengan que buscar en otro lado. Pero para quienes aprecian el fervor, el fanatismo rockero y la adopción del género como una especie de doctrina religiosa, bien… esos oyentes estarán de parabienes. Felices de ver y oir una banda que se preocupa por hacer discos sin dobleces, sin mezquindades y con una convicción francamente envidiable.

Brian Jonestown Massacre se formó en San Francisco a mediados de la década del noventa. Pero el grupo siempre estuvo ligado a los vaivenes de ánimo, energía y predisposición de su líder, el controvertido Anton Newcombe, un verdadero personaje de esos que ya no abundan. Con sólo saber el dato de que por su banda han pasado más de cuarenta integrantes ya podemos darnos una idea aproximada de cómo funciona la química interna.

Obsesionados con los Rolling Stones de la época comprendida entre Out of Our Heads y Beggars' Banquet (la era “dorada” de Brian Jones, claro), las películas de segunda categoría y las sustancias de todo tipo. Etiquetarlos como meros “recicladores” de sonidos del pasado sería una simplificación. En su música encontraremos elementos de todo lo bueno que se ha hecho hasta hoy en día. Los mantras guitarreros de la última época de The Church, el Bowie más accesible, la psicodelia y el space-rock de Hawkwind, Nektar y el primer Be Bop Deluxe. Sumado al fanatismo por Lennon, Jesus and Mary Chain y el krautrock alemán de principios de los 70's. Es simple, semejante bagaje de influencias… no puede fallar. En Take it from the Man!, cuarto trabajo de studio, parecen despegar un poco del molde. Esta vez el abanico de posibilidades se abre considerablemente. Hablar de las canciones a nivel individual no tiene demasiado justificativo. En general, los discos de Brian Jonestown Massacre están armados como un todo, como una entidad. Transcurren en una especie de sopor narcótico, sin demasiados sobresaltos. Jamás dejan de ser canciones, con sus introducciones, estribillos y finales a la orden del día. Algún que otro pasaje épico, un tema largo y claramente improvisado puede que aparezca, de hecho el tema final, "Straight Up and Down", supera los diez minutos.

Cada oyente elegirá su perlita, su joya oculta, pero es poco probable que quienes se metan en el mundo de Newcombe y cia. o aquellos que ya conocen a la banda, tengan algo que reprochar a Take if from the Man!








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Brian Jonestown Massacre - And This Is Our Music
Dandy Warhols - Thirteen Tales of Urban Bohemia
Love & Rockets - Earth, Sun, Moon

My Bloody Valentine - Loveless

Es difícil continuar algo que rompe moldes. Al menos para Kevin Shields, el cerebro de My Bloody Valentine, ha sido imposible. Continuadores de una línea que se puede trazar desde Velvet Underground, Eno, Sonic Youth y Jesus and Mary Chain, se encargaron de llevar la posta del ruido utilizado de manera creativa un poco más lejos. Después de dos larga duración y unos cuantos EP's, se encerraron en el estudio a parir la que sería su obra maestra: Loveless. Después de una odisea de sellos discográficos y locaciones, se asentaron en Inglaterra y firmaron para el sello Creation de Alan McGuee.
Sus conciertos en vivo, en donde casi no se movían y prácticamente no interactuaban con la audiencia les hizo ganarse el apodo / etiqueta de Shoegazer, algo así como “los que se miran los zapatos”.

Desde los primeros acordes, el riff de dos notas de "Shallow" ya sabemos que estamos inmersos en un mundo diferente, distante y cálido. Son millones de capas de guitarras apiladas después de infinitas horas de sobregrabaciones en el estudio. Es un ruido envolvente y etéreo, como si los Cocteau Twins  pusieran en once las guitarras eléctricas. Pero no solo de ruido se trata todo; sepultadas bajo las capas de sonido aparecen unas melodías accesibles, un poco aniñadas, dejando en claro que la sensibilidad pop a la hora de componer estaba ahí, latente.

Las voces son de Shields y Belinda Butcher, siempre sugiriendo, susurrando. ¿Las letras? Bueno, son prácticamente indescifrables. El propio Shields se ha encargado más de una vez de aclarar que lo suyo es la melodía, que prefería subordinar los textos a la música en uno de sus típicos actos de perfeccionismo obsesivo. "Come in Alone" es otra de esas canciones propiamente dichas, hay un estribillo, hay versos, pero sí, también aparecen las características mencionadas, los loops de teclados y esos armónicos que surgen cuando se escucha esto al volumen correspondiente. No es otra cosa que el resultado de la acumulación, la distorsión al borde de la saturación, la suma de las partes. Loveless es uno de esos tantos discos en donde mencionar las canciones y hablar de ellas por separado no tiene demasiado sentido, en todo caso, son partes que forman una totalidad, para dejarse llevar, para sumergirse. Pero hay algo que aumenta la curiosidad, que contribuye a cimentar el mito de Loveless. Y son esos separadores que aparecen entre algunas de las canciones o en algunos finales. Son ruidos, inexplicables, seguramente consecuencia de la experimentación en el estudio. Pero no son ruidos “porque sí”, al contrario, combinan, tienen una belleza particular, como el momento después de "Loomer" en donde fácilmente podría confundirse con un canto de ballenas, un sonido celestial. Después del descanso, vuelven las descargas eléctricas.

Kevin Shields estuvo a punto de dejar en bancarrota al sello Creation, por la cantidad de horas invertidas, en donde matizaban la ansiedad del público y la prensa sacando EP's que dejaban vislumbrar lo que estaba por venir. A pesar de que fue un éxito casi unánime de críticas y ventas, McGuee recién pudo recuperarse del cimbronazo económico un par de años después con el boom de Oasis, pero Shields, a pesar de haber sido invitado a participar de varios proyectos interesantes y a tocar con unos cuantos grupos prestigiosos nunca pudo -hasta ahora- dar con una secuela acorde a Loveless. Son los riesgos de las obras maestras.







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Chequear también:
Sonic Youth - Confusion Is Sex
My Bloody Valentine - Isn't Anything
Lush - Spooky

5 Tapas 5: Starry eyes

Con: Big Star, La Renga, David Bowie, Neil Young y The Jesus and Mary Chain

5 Canciones 5: Nacho Vegas, Sérgio Mendes & Brasil '66, Amon Düül II, Paul McCartney y Barbara Mason

Crímenes cantados
Nacho Vegas

El agua y el aceite. El español puso en la coctelera dos elementos que a priori no deberían mezclarse. El hedonismo y el compromiso. Jesus and Mary Chain y Víctor Jara, por dar dos nombres. Incluso se anima con una teoría; la pobreza es delito y quien lo perpetra es el gobierno, el estado, las autoridades. Samba y Mohamed (los dos personajes de la canción) son víctimas. Acá hay una vuelta de tuerca, en más de un sentido, en una era en que jugársela políticamente está mal visto. Y la clava en el ángulo.

Aparece originalmente en: Violética (2018)

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Crystal Illusions (Memorias de Marta Sare)
Sérgio Mendes & Brasil '66

Easy listening le dicen a esto. Como sea. No es tán fácil el asunto. Este tema se encarga de cerrar y titular el quinto LP de Sérgio Mendes y compañía. Hay misterio, un clima medio sombrío, sin llegar a ser Velvet Underground o alguna banda oscura californiana. Pero se despega de lo habitual y la producción no escatima recursos, con una orquesta haciendo malabares atrás de los cambios. Que son varios y muy interesantes. Una lección de armonía en siete minutos y fracción.

Aparece originalmente en: Crystal Illusions (1966)

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Mozambique
Amon Düül II

Hablando de lecciones... estos tipos sí que hacían lo que algunos han llamado sinfonías para adolescentes. Yo prefiero llamarle Música Clásica de la Era Moderna. Ideas amontonadas con el mejor criterio, unificadas vaya uno a saber cómo. ¿De dónde venía la inspiración de esta gente? ¿Hongos alucinógenos? Lo que sí importa; eran unos capos. Querían despegarse de la generación anterior, sus padres, muchos de ellos responsables directos de las atrocidades cometidas por la Alemania de Segunda Guerra Mundial. Lo lograron. Este es un ejemplo perfecto.

Aparece originalmente en: Vive La Trance (1973)

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Run Devil Run
Paul McCartney

Macca se da el gusto y graba su disco de covers de rock and roll de los cincuenta. Sus influencias. Lo hace con gusto, con clase y sin el tufillo retro-boludo que esto podría haber tenido. Hay una cosa punk rock acá. Escuchá este tema y decime si no es así. Tratándose de Paul McCartney y su gigantesco ego, no pudo dejar pasar la oportunidad y metió algunos propios. El que dá título la rompe, hay que decirlo. Y si lo tenés al enorme Ian Paice en la batería, ya corrés con ventaja.

Aparece originalmente en: Run Devil Run (1999)

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Your Sweet Love
Barbara Mason

¡VAAAAAAAAAAAAAMOS todos a la pista! ¿Por qué no bailamos con ESTA música hoy? En lugar de esto bailamos con una música estúpida que insulta nuestra inteligencia y sensibilidad. Rebajando a las mujeres a un nivel tan triste como sorprendente. No quiero decir que todo tiempo pasado fué mejor, pero sí estoy seguro de que nos estamos dejando atropellar por la ola de imbecilidad reinante. Todos somos cómplices, de una forma u otra. Hay que ver hasta qué punto.

Aparece originalmente en: Love's the Thing (1975)

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