5 Canciones 5: The Beatles... algunas joyas perdidas

Slow Down

¡El costado hiper rockero de los Beatles! Cuero negro y tachas, Hamburgo, cargados de anfetaminas. A Paul le salían muy bien los aullidos al estilo Little Richard y John ya perfilaba su propia onda para encarar este tipo de temas. Con un costado de desesperación, como pidiendo ayuda, exigido, chequear "Twist & Shout", "Dizzy Miss Lizzy" o "Bad Boy". Este es un cover de Larry Williams, en la tercer estrofa, después del solo se vuelve loco y va al límite de su voz, incluyendo un aullido torturado que es puro coraje, una bravuconada del teddy boy de Liverpool.


Aparece originalmente en: cara B de "Matchbox" (1964)

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Everybody's Got Something to Hide (Except for Me and My Monkey)

Supuestamente los periodistas amarillos ingleses mostraban la hilacha cuando Lennon empezó su relación con Yoko y hasta se animaban a deslizar chistes racistas. Llegaron hasta a decirle "el mono". De ahí viene el título más largo del catálogo beatle, sería "todos tienen algo que ocultar, excepto yo y mi mono". Otro que traspira rock and roll por cada poro. Tiene un ritmo medio funky y es rapidísimo, con unos arreglos de guitarra bien filosos encima de las estrofas. Está cantado a grito pelado y tiene un clima general de jolgorio, de fiesta. La magia en el Álbum Blanco abunda. Acá hay un claro ejemplo. 


Aparece originalmente en: The Beatles (1968)

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I'm Gonna Sit Right Down and Cry (Over You)

Escuchá la versión del primer LP de estudio de Elvis, ese que la tapa es más famosa que su contenido y después poné esta, grabada en vivo en la BBC. Es la definición de una versión propia, irrespetuosa. ¡Cómo tocaban! Afiladísimos, muy ensamblados y Ringo la hace volar en el aire. Acá todavía tocaban mucho en vivo y se nota. Un atrevimiento; suenan muchísimo mejor que las zapadas desganadas que salieron a la luz en el documental de Let It Be. 


Aparece originalmente en: Live at the BBC (2002 - grabado en 1964)

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Old Brown Shoe

Otra en que rockean fuertísimo. De George, injustamente sepultada en un lado B, a lo último, cuando las grietas eran imposibles de tapar y ya no se aguantaban más. También tiene un ritmo fuera de lo común, otra vez gentileza de Ringo. ¿Se le habrá ocurrido a él llevarlo así al tema? Los cambios de acordes también tienen lo suyo y en el puente, la parte de "Me tienen escapando del zoológico...", Macca se manda con unos arreglos de bajo a puro vértigo. Virtuosismo bien entendido = Los Beatles. Siempre al servicio de la canción. Quizás el mayor legado (tácito) que dejaron.  


Aparece originalmente en: cara B de "The Ballad of John and Yoko" (1970)

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Polythene Pam

¿Se puede decir que un tema del medley de Abbey Road es una joya oculta? Discutible, como mínimo. Sí se puede afirmar que esta bomba de punk rock acústico no es de los más conocidos del mítico canto de cisne de George, Paul, Ringo y John. Es el disco de iniciación por excelencia, un poco porque ya suena moderno, contemporáneo. La grabación podría estar hecha ayer. Lennon cuenta la historia de una chica cuya afición era comer bolsita de polietileno (???) pero eso es lo de menos. La música es futurista, como casi todo lo que grabaron estos pibes.   


Aparece originalmente en: Abbey Road (1969)

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Girls - Father, Son, Holy Ghost

Con destino a clásico inmediato. Algo difícil de lograr y más en tiempos post-Internet. Se me ocurren algunos; The Soft Bulletin, el primero de los Strokes, Elephant de los White Stripes, Illinois de Sufjan Stevens… la lista no es muy extensa. El tercer trabajo de Girls apareció después de un EP que siguió al debut y cosechó críticas positivas por todos lados, en revistas, sitios web especializados y redes sociales. De esas que hacen desconfiar, a lo que algunos llaman “hype”, otros le llamamos “invento”, “mentira” o directamente “chamuyo”.

No era el caso esta vez, por suerte.

Escuchás los primeros tres temas y ya podés notar que acá hay algo especial, difícil de explicar, pero algo se transmite de manera inmediata. Se nota que el pibe tiene alma, un corazón de oro, que sufrió y vivió para contarlo. Supuestamente Christopher Owens, el alma máter de la banda fue criado en una secta o culto religioso, pero no vamos a detenernos en detalles cholulo/biográficos y vamos directo a la música. Lo que transmiten las canciones es una especie de clasicismo infrecuente, bien logrado. Uno podría decir que acá no hay nada nuevo, pero no es tan así. El disco suena increíble, por empezar, desde el punto de vista audio, sobre todo. Sólo se podría haber grabado hoy en día, es un disco cien por ciento moderno. Pero las influencias son palpables, se escuchan casi en seguida. Llama la atención que sean tantas, que haya guiños de todo tipo, habla de un conocimiento enciclopédico de la música popular, que en ningún momento se vuelve pedante, nunca te lo refriegan en la cara, más bien lo contrario; está todo tan incorporado en la música y en las canciones, que todo termina sumando al conjunto.

Pueden mezclar Black Sabbath con Fleetwood Mac en el mismo tema, sin que se noten las suturas, o arrancar en plan Neil Young de la primera época, para pasar a un Radiohead post-OK Computer. Otra a favor en Father, Son, Holy Ghost es el gancho. Hacía rato que no aparecía una colección de canciones tan coherente, todas tienen una unidad conceptual y sonora, sin embargo hay climas de todo tipo, se abordan varios géneros y en ningún momento es aburrido. Siempre está pasando algo interesante y es cuestión de escucharlo dos o tres veces para atesorarlo para siempre en las neuronas.

Si me apuran y tengo que elegir un tema optaría por “Vomit”, a mitad de camino en el disco. Empieza con un arpegio triste, al mejor estilo On the Beach, con una melodía vocal desoladora, para desembocar en un estribillo gospel a todo trapo, que bien podría haber sido del Spiritualized de los días de oro. Tiene un solo de guitarra bien podrido que le cae como anillo al dedo. Termina con un estribillo que podría haber estado en la cara B de Abbey Road. La elección es brava porque todos los temas tienen este nivel. Un disco que ya era clásico apenas había salido. Merecido.







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Girls - Broken Dreams Club [EP]
Mercury Rev - All Is Dream
American Music Club - Love Songs for Patriots

5 Canciones 5: Zappa, Beethoven, The Raspberries, Icicle Works y Allman Brothers

Little House I Used to Live In
The Mothers of Invention

Erik Satie, Chopin... por ahí viene la mano, en el principio de esta friqueada hermosa. El primero era ídolo de Zappa y lo ha dicho más de una vez, con menciones en los créditos y sobres de los discos. A los dos minutos aprox. entra la banda a hacer cosas raras para gente normal. El anteúltimo tema del sexto disco de los Mothers y el que viene justo después de Hot Rats. A los seis minutos la cosa se pone... "seria", música clásica intergaláctica, moderna a más no poder. Irrepetible.

Aparece originalmente en: Burnt Weeny Sandwich (1970)

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Introduzione (Adagio Molto)
Ludwig Van Beethoven

Acá nunca se había hablado de música clásica. No por una cuestión de falta de interés sino más bien por aquello de que "el que mucho abarca...". Ustedes saben a lo que me refiero. Como dijo Groucho Marx: "estos son mis principios, si no le gustan... tengo otros". Recuperé mi colección de música clásica y entré a redescubrir obras a las que, en su momento, no había prestado la atención suficiente. El segundo moviento, el lento, de la Waldstein, es conmovedor. Piel de gallina. ¿Quién puede decir que alguien como Beethoven -por ejemplo- está muerto?

Aparece originalmente en: Sonata No. 21 In C Major ["Waldstein"] (1804)

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Don't Want to Say Goodbye
Raspberries

Uno de los grandes temas del disco debut de los Raspberries, la banda de Eric Carmen, quien tuvo mucho más éxito (quizás no tuvo más reconocimiento) como solista. ¿Alguien se acuerda de "All By Myself"? Acá hay una balada beatle, al mejor estilo Abbey Road, armonías vocales de cuatro partes, orquesta, ambición, todo hecho, empaquetado y listo para enviarse. Varios cambios puestos en el lugar justo, como para "pelar" un poco a nivel composición. No sólo de power pop vivían los Raspberries.

Aparece originalmente en: Raspberries (1972)

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Little Girl Lost
The Icicle Works

La mayoría de los músicos que se humanizan tristemente a través de las redes sociales terminan dando lástima. No sería el caso de Ian McNabb, el líder y alma máter de los Icicle Works y de abultadísima carrera como solista. El tipo se la juega, opina fuerte, con sentido del humor y un irreverente e inoxidable amor por la música. Este es un temazo del cuarto y anteúltimo disco de estudio de la banda. De la escuela Bowie / Julian Cope / Echo and the Bunnymen. El estribillo se eleva, sube, trepa... impresiona.

Aparece originalmente en: Blind (1988)

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In Memory of Elizabeth Reed
The Allman Brothers Band

Uno de los grandes discos en vivo de la era clásica del rock and roll, el en vivo en el Fillmore, de los paladines del rock sureño. Pionero también en eso de que el disco sea doble, y eso que tenía apenas... ¡siete temas!. Una de Dicky Betts del segundo disco de la banda, Idlewild South, como bien anuncia la introducción. Acá va a parar hacia otro lugar, expandiendo considerablemente la original, la versión de estudio. Pocos podían zapar con la creatividad y el vuelo de los Allman Brothers, este sería un ejemplo perfecto; casi quince minutos de ideas y solidez musical.

Aparece originalmente en: The Allman Brothers Band at Fillmore East (1971)

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George Harrison - All Things Must Pass

Caso extraño el de George Harrison. Con los Beatles lo dejaban poner como mucho dos temas por disco, en el Álbum Blanco mete cuatro… matemática pura. Cuando por fin se saca de encima el cepo de la banda que lo hizo famoso, saca su primer LP como solista, una suerte de diarrea compositiva, que jamás vuelve a superar. Para ser honestos nunca vuelve ni siquiera a arrimarse a las alturas que trepó con All Things Must Pass.

El disco en su momento salió en una lujosa caja como las que envolvían los discos de ópera, que siempre fueron carísimos, aún así se cansó de vender y, por un momento, fue el ex-Beatle más exitoso, aclamado y reconocido. Era triple, pero no hay que olvidar que el tercer disco eran unas zapadas, que se grabaron con los músicos calentando motores, que nadie en su sano juicio necesita volver a escuchar dos veces, más que como una curiosidad, souvenir o como gusten llamar a este gesto indulgente, típico de rock star de los setentas. Otra maña en la que “el Beatle callado” empezaba a caer acá, era la de dar consejos en las canciones, el predicador. George había visto la luz y no podía hacer menos que esparcirlo a los cuatro vientos. Muchos se le cagaron de risa, como siempre sucede en estos casos, para colmo, en los discos siguientes esto se agravaría.

Pero hablemos de la parte positiva, que de eso hay mucho en All Things Must Pass, tiene que ver con la música, lo que realmente importa. Las canciones que tenía acá eran impresionantes. Se puede hacer una leve enumeración para no olvidarse de la grandeza de este LP. Están los dos temazos que compuso cuando era amigote de Dylan y el primero, una obra maestra abre el disco, “I’d Have You Anytime” y merece el puesto. “If Not for You” sólo ostenta la rúbrica de Mr. Zimmerman, también sale en New Morning y algunos recordarán la versión a dúo en el concierto para Bangla Desh. El muro sonoro de Phil Spector, encargado de la producción, esta vez llega hasta el cielo, en “Isn’t It a Pity” directamente construye una catedral, sobre todo al final del tema, con una coda a toda orquesta. Acá está “My Sweet Lord”, por el que se comió un juicio por supuesto robo, de parte de los Chiffons, quizás su tema más recordado como solista (¿el otro sería “Something”?). El delicioso y divertido “Apple Scruffs”, dedicado a las fans de los Beatles que los esperaban religiosamente, en la puerta de Abbey Road. Todos los temas valen la pena, todos tienen algo para decir. La galería de músicos famosos también sentó un precedente en All Things Must Pass, incluso se da el lujo de tener a los cuatro Badfinger solamente para grabar capas de guitarras acústicas.

Doloroso o no, la carrera de George Harrison desde acá en adelante, fue un lento declive, con grandes temas, eso sí, aunque esporádicos -también hay que decirlo- y nunca volvió a hacer un disco redondo e incuestionable como este, su debut, All Things Must Pass.








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Chequear también:
George Harrison - Living in the Material World
Bob Dylan - Self Portrait
Delaney & Bonnie - On Tour with Eric Clapton

Ringo Starr - Golden Blunders

Me pregunto si alguien le habrá dicho algo del estilo "che, mirá Ringo... acá hay unos pibes que tienen una onda muy beatle, fijate incluso cómo se llama el tema". ¿Cómo le habrá llegado? Sinceramente no creo que para esta altura de su vida anduviese con las antenas paradas, escuchando las radios "left of the dial", como decían los Replacements.

Siempre hay que andar defendiéndolo al ex-batero de la banda más importante de todos los tiempos. Creo que es como en la política; depende mucho de quién es el que está enfrente. Si vale la pena o no.

La canción es increíble, ya desde su grabación original, a cargo de The Posies, son dos chicos que se cagan la vida desde el secundario para todo el resto. De ahí el título, que sería algo así como "pifies de oro", en un guiño cómplice a "Golden Slumbers" de Abbey Road. Con ese estribillo que podría repetirse ad infinitum.






Podés escucharla en YouTube.

Encontrala originalmente en:
El tiempo lleva tiempo. O también podría ser "el tiempo se apodera del tiempo". Como sea, una frase bien al estilo Ringo, famoso por acuñar oraciones y maneras de decir sin demasiado sentido, medio ridículas. En este disco hay cuatro productores, diez mil invitados, están los infaltables Tom Petty y Jeff Lyne... como suele suceder en un disco de Ringo Starr. Desde que el tiempo es tiempo, valga la redundancia.
Time Takes Time (1992)

John Lennon - Rock 'n' Roll

Vilipendiado cruelmente al momento de su aparición, Rock ‘n’ Roll, el disco de versiones de clásicos de rock fifties de Lennon, ha recibido últimamente su justa reivindicación. Para colmo de males, cuando salió por primera vez a la venta, fue editado en las peores condiciones, con un pobre arte de tapa y a un precio irrisorio. Es de entenderse, se suponía que cada lanzamiento de los ex-Beatles tenía que expandir las fronteras de lo conocido, llevar el estado de las cosas a un nuevo extremo y sacudir los cimientos mismos de la civilización tal y como la conocemos.

Pero un disco de versiones tiene que ser visto como lo que es, un momento de distensión, de diversión y un homenaje (mas o menos respetuoso según el caso) a los artistas que marcaron un antes y un después en una carrera o -incluso- en una vida. Si lo vemos por ese lado el intento de Lennon sale airoso por donde se lo mire.

La génesis de Rock 'n' Roll es bien terrenal; todo empezó con un juicio por plagio. En este caso parece que "Come Together", la canción/himno que abría el majestuoso Abbey Road, se parecía demasiado a "You Can’t Catch Me" de Chuck Berry. El arreglo para no llegar a tribunales fue que Lennon grabara una versión. Las sesiones transcurrieron en medio del muy comentado “fin de semana perdido”, que no era otra cosa que parrandas interminables en Los Angeles con sus amigotes de turno, entre los que se contaban Harry Nilsson, Ringo, Keith Moon e incluso Alice Cooper. En la producción de algunos temas participó Phil Spector, pero después de más y más embrollos legales, sólo cuatro de las grabaciones acabaron formando parte de la placa. Pero lo que cuenta es que escuchar al "Beatle John" haciendo sus canciones favoritas de su infancia y adolescencia es todo un placer. Lennon siempre fue un eximio cantante de rock básico, el primigenio, el que dio origen a todo, como ya había demostrado en "Slow Down", "Dizzy Miss Lizzy", "Polytheme Pam" y tantos otros junto a los Fab Four.

Es imposible no imaginarlo cantando "Peggy Sue" de su héroe Buddy Holly con una sonrisa de oreja o oreja. O muriéndose de risa luego del Elvis medley de "Rip It Up" y "Ready Teddy", que seguramente salieron sin el menor esfuerzo. Acá es donde aparece por primera vez el "Stand by Me" que todo el mundo conoce, en donde Lennon grita con alma y vida en las notas altas, apropiándose de la canción, sufriendo por su amor eterno, Yoko, por supuesto, de quien estaba distanciado en aquel momento. La producción de Spector es un éxito indiscutido en esta canción particularmente, agregando cuerdas que subrayan la tensión inherente a esta joya de la pluma de Lieber / Stoller. De más está decir que la versión superaría ampliamente en popularidad a la de Ben E. King, que era la original.

Hoy en día, apartado de todas las circunstancias históricas que rodearon su concepción, Rock ‘n’ Roll suena fresco, desinhibido, con un joie de vivre contagioso y admirable a la vez. Una prueba clara del inmenso talento de Lennon que, incluso divirtiéndose, puede lograr momentos de inmensa trascendecia. ¡Rock ‘n’ Roll!








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David Bowie - Pin-Ups
Siouxsie & the Banshees - Through the Looking Glass
The Church - A Box of Birds

Paul McCartney - Memory Almost Full

Hay una tendencia a restarle importancia a toda la producción artística de los últimos diez o veinte años. Que no está al nivel de lo que se hacía antes, que ya no tiene relevancia y demás cuestiones que, al estar tan generalizadas, se terminan convirtiendo en verdades absolutas. Habría que ver a qué obedecen ese tipo de percepciones. Yo prefiero creer en el presente y pensar que Memory Almost Full, es un disco que bien podría estar a la altura de Ram, Band on the Run o cualquiera de los grandes discos que grabó Paul McCartney, ya sea con Wings, los Beatles o como solista. El título, que traducido podría ser “memoria casi llena” podría ser una alusión a esto que veníamos elaborando. Aunque sea sin querer.

De Macca nunca vas a esperar grandes revelaciones a nivel letras, no va a haber posiciones fuertes tomadas, ideas rebeldes o revulsivas ni nada de eso, lo de él pasa estrictamente por la música. Y en ese apartado el tipo la rompe, la pisa y la amasa. Por empezar inventó una forma de tocar el bajo, convirtió un instrumento que era más bien funcional en un arma melódica, una pieza fundamental en las composiciones. Si no lo creés pegale una escuchadita a “See Your Sunshine”, el tercer tema del disco, en donde el bajo hace que la canción vaya a un lugar en donde normalmente no estaría. Es muy simple, en la música de Paul siempre hay detalles que hacen que la escucha sea algo divertido, entretenido, placentero.

¿Qué es lo peor que le puede pasar a un disco solista de Paul McCartney? Que se le pase el nivel de azúcar, que se le vuelque el almíbar. Siempre tuvo una tendencia al edulcoramiento, en realidad camina con habilidad la delgada línea que separa lo empalagoso de lo disfrutable, más de una vez se ha pasado de la raya y muchos no se lo perdonan. Hoy, de grande, ya la sabe manejar con mayor delicadeza y logra evitar ciertos vicios del pasado. Al parecer en la actualidad, y sobre todo en este disco, se concentra en explotar las virtudes que siempre tuvo cuando está en llamas, cuando la inspiración le quema. Un ejemplo de esto sería “Only Mama Knows” en donde rockea, suena moderno, tiene fuerza, garra, corazón, relevancia y, por si fuera poco, a nivel musical pasa de todo. En sus apenas cuatro minutos de duración, hasta hay unos arreglos de música de cámara que están buenísimos. Algunos pueden decir que lo que intenta replicar es algo parecido a la histórica cara B de Abbey Road y puede que algo de eso haya en Memory Almost Full. Son esas canciones que te sorprenden, van a lugares inesperados, tienen arreglos que derrochan oficio y buen gusto, pero que nunca olvidan lo que son y no pretenden mucho más que ser grandes canciones pop. La canción como norte y como formato disparador en infinidad de direcciones.

Me cuesta pensar en otro geronte que esté al nivel de Paul McCartney, cómo sigue sorprendiendo sin traicionarse, cómo sigue curioso y con las antenas paradas. Decir que Memory Almost Full va a ser un Revolver o que sus canciones van a hablarle al oído a una generación es casi imposible. Hoy todo se percibe y se aprecia de manera diferente a treinta o cuarenta años atrás. La falta de calidad no es el problema, viene por otro lado el asunto.








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The Beatles - Past Masters
Wings - Wings Over America
Paul McCartney - Driving Rain

5 Canciones 5: Bee Gees

New York Mining Disaster 1941

Este fué el primer single internacional de los Bee Gees, después de que abandonaron Australia por Inglaterra, el primero con Colin Petersen en la batería y también el primero en ranquear a ambos lados del Atlántico. Es el sonido típico de la primer etapa en su esplendor; la voz quejumbrosa de Robin, los arreglos de orquesta recargados y melodramáticos y las armonías vocales patentadas de Barry y Maurice. Clásico por donde se lo mire. 

Aparece originalmente en: single / Bee Gees 1st (1967)

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Down to Earth

Los Bee Gees se animan a ponerse un poco oscuros (un poquito nomás) con este temazo de la pluma de Robin, con clarísima influencia Beatle de la era Revolver, arranca en acorde menor y se va iluminando cuando aparece el estribillo, pegadizo, almibarado al máximo y barroco, bien fiel al estilo Bee Gees de la primer etapa. Original de Idea, el tercero, en donde todavía le dejaban meter un temita al guitarrista Vince Meloney ("Such a Shame").

Aparece originalmente en: Idea (1968)

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Lonely Days

Un tema de 2 Years On, un disco infravalorado, compuesto por los tres hermanos. Fue un hit en su momento y al escucharlo es muy fácil descubrir que no podía fallar. Arranca lento y perezoso y el estribillo es un sing along clásico e irresistible. Tiene cierta similitud a nivel producción y sonido con algunos temas de Abbey Road, o los primeros trabajos como solistas de los Beatles. Era la época ¿No?.

Aparece originalmente en: 2 Years On (1970)

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And the Sun Will Shine

Otro de los singles exitosos de la primer etapa, "And the Sun Will Shine" aumentaba la apuesta a nivel drama y tensión. La melodía de voz que canta Robin es tan melancólica que puede llegar a ser insoportable para algunos. Paul Jones de Manfred Mann hizo una versión que también salió en single en donde Paul McCartney toca la batería (sin aparecer en los créditos). ¡Atención bitlefans!

Aparece originalmente en: Horizontal (1967)

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South Dakota Morning

Life In a Tin Can es el último LP antes del cambio definitivo de sonido y de estética, antes del cambio definitivo, representado por el álbum que vino inmediatamente después, Mr. Natural. A esta altura los Bee Gees eran una especie de anacronismo, haciendo casi el mismo estilo de cinco años atrás y era un poco lógico que no pasara nada a nivel comercial. Pero con el paso del tiempo y sin saber esos datos, es un disco completamente disfrutable.

Aparece originalmente en: Life In a Tin Can (1973)

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Gene Clark - No Other

Para algunos fué el integrante de los Byrds más talentoso, sin desmerecer la hidalguía de McGuinn, por haber mantenido viva a la banda a lo largo de diez mil formaciones. Tenía también un problema grande y un gran enemigo: él mismo. Inseguro, paranoico, con todos los vicios y comportamientos autodestructivos incorporados, Gene Clark tiene una carrera solista digna de atención, con picos muy altos y ultimamente se le está dando el reconocimiento que merece.

Como ejemplo basta decir, que este, No Other, su obra maestra de folk barroco-filosófico, del ’74, estuvo descatalogado y fue muy difícil de conseguir durante casi treinta años.

Al momento de su aparición fue considerado excesivo, sobre todo a nivel producción, se gastó mucha plata haciendo el disco (para desesperación de la compañía discográfica) y tubo una repercusión de ventas y crítica prácticamente nula. Pero en menos de dos años este mismo sonido, este mismo nivel de trabajo en el estudio, era el que acaparaba las FM a lo largo y ancho del país que le dio la espalda, con Fleetwood Mac a la cabeza. La pregunta es… ¿Dónde está la sobreproducción? ¿Cuál es el exceso? Empieza con “Life’s Greatest Fool”, que tranquilamente podría haber estado en cualquiera de los últimos tres o cuatro discos de los Byrds, es country-rock tranquilo, sedado casi, sin grandes sorpresas salvo a nivel lírico, con un Clark disparando máximas y reflexiones cual Confucio del siglo XX, nada nos prepara para lo que se viene.

Ya en “Silver Raven” se nota que hay trabajo, hay capas de grabación, coros, varios instrumentos pero… ¿esto es sobreproducción? En No Other los detalles sonoros, la complejidad -nunca agobiante- en los arreglos y las decisiones generales están bien tomadas, le suman mucho a las canciones, de hecho los arreglos elegantes del tema que da título, en ningún momento sepultan al cantante ni mucho menos, no hacen más que remarcar la atmósfera un poco siniestra de la letra, es una producción bien hecha, muy lograda. Esta es la “música cósmica americana” que imaginó Gram Parsons (y que -si me permiten- nunca llegó a concretar) cuando hizo que los Byrds grabaran Sweetheart of the Rodeo. Esta es una obra maestra, una alianza entre letra y música muy lograda, sobre todo teniendo en cuenta que Gene Clark, según cuentan quienes los conocían, no era un tipo que se la pasaba leyendo ni nada que se le parezca. El disco está lleno de momentos sublimes, “From a Silver Phial”, “Lady of the North” (el tema que cierra el LP) y la cumbre épico-psicodélica que es “Some Misunderstanding”, algo así como un Neil Young de “Cowgirl in the Sand” bien cantado (sin ánimos de ofender) y arreglado para poner la piel de gallina.

A Gene Clark le dolió mucho el fracaso de No Other y nunca logró recuperarse del todo, había puesto mucha energía y trabajo en las canciones y sabía que tenía bajo el brazo un disco brillante. Muy pocos supieron darse cuenta en su momento. Nunca es tarde, por suerte.

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Dillard & Clark - The Fantastic Expedition of Dillard & Clark
The Beatles - Abbey Road
Band of Horses - Infinite Arms

5 Canciones 5: Badfinger

Crimson Ship

Para la época de Magic Christian Music, todavía estaban muy asociados con los Beatles, incluso en esta película, en la que pusieron música, actuaba Ringo. Todavía se molestaban por ser metáforicos y tenían muchos temas con ese estilo medio pop, medio lisérgico de fines de los sesenta, a la manera de Odessa o Abbey Road. Los arreglos de guitarra que responden a las voces (perfectamente armonizadas, claro) en el estribillo y la coda psicódelica ya pagan el precio de la entrada.

Aparece originalmente en: Magic Christian Music (1970)

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It Had to Be

¡Si señores! ¡Mike Gibbins -el baterista- también componía! ¡Y cómo! Se movía comodamente dentro de varios estilos pero en "It Had to Be" se nota que es un pez en el agua. Tiene mucho que ver con esos temas medio balada que tan bien les salían a los otros miembros del grupo. Una canción de desamor, de ruptura, con la resignación que implica asumir el fracaso. Eso sí; la canta, como los dioses, Pete Ham.

Aparece originalmente en: No Dice (1970)

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Name of the Game

Bueno, de Straight Up... ¡Qué díficil elegir solo una!. Hay cuatro o cinco canciones de esas bien lacrimógenas (en el buen sentido de la palabra), de esas que mueven una fibra sensible hasta al más rudo y "Name of the Game" es una de esas. La letra derrota a "Let It Be" en su propio terreno, con tintes algo místicos y algunas frases tremendamente acertadas, con la melancolía a flor de piel, es imposible no conmoverse. Esto es Badfinger cien por ciento.

Aparece originalmente en: Straight Up (1971)

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Why Don't We Talk?

Empieza con unos pasos que se escuchan de fondo, se mueven unos muebles, una cosa un poco extraña. Pero en seguida viene lo mejor, un fade-in lento introduce unos coritos y directo al plato fuerte; una secuencia repetitiva de tres acordes que suenan bien pesados, una cruza entre Who's Next y Mott the Hoople, guitarras gordas. Este temazo lleva la firma de los dos compositores principales; Tom Evans y Pete Ham, que comparten también la voz líder. Atención al precioso solo de guitarra de Joey Molland.

Aparece originalmente en: Badfinger (1974)

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Keep Believing

Después del que quizás sea el GRAN DISCO de Badfinger, el fantástico Wish You Were Here, los tipos tenían material para... un disco doble! Grabaron este, Head First, que fue rechazado por Warner, la compañía grabadora. Es increíble... ¿Cuántos discos se han editado con canciones que no llegan ni a los tobillos de una preciosura como "Keep Believing"? Ham canta este himno a la esperanza con un nudo en la garganta, "éramos peones en el juego de otra persona". Le quedaban unos pocos meses de vida.

Aparece originalmente en: Head First (2000 [Grabado originalmente en 1975])

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5 Canciones 5: La Polla Records, Eric Burdon & the Animals, New York City, Mad Sin y The Adicts

Rata, parte II
La Polla Records

Para la época de Dónde se habla la banda de Evaristo (y compañía) ya era una cosa un poco más delicada, se permitían alguna que otra sutileza, como este tema, que poco tiene que ver con el sonido tradicional con el que muchos conocen a La Polla Records. Es la evolución del punk rock, cuando los tipos ya sabían tocar, arreglar, grabar y producir. Muy buenos riffs de guitarra para separar las estrofas. 

Aparece originalmente en: Dónde se habla (1988)

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Hotel Hell
Eric Burdon & The Animals

Hay gente que no tiene mucho aprecio por los discos de Burdon con la segunda formación de los Animals. Está bien que a nivel letras son un poco ridículos y que no envejecieron del todo bien. Concedido. Pero cuando acierta la clava al ángulo, como en esta maravilla de pop barroco, con clavicordio para la ocasión. "Y estoy muy lejos de mi hogar" con esas trompetas de corrida de toros. Extraordinario.

Aparece originalmente en: Winds of Change (1967)

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Quick, Fast, In a Hurry
New York City

Un motivo de guitarra muy ganchero abre este temazo del primer disco de New York City, lo que se conoce como philly soul, en su esplendor. Pasa algo parecido a lo que pasaba en Jamaica a mediados de los setenta. Practicamente todo el soul y el R&B que se hacía en la primer mitad de aquella década era de bueno para arriba. Para quienes gustan de acumular datos curiosos, el segundo y último LP de la banda tenía tapa-parodia-homenaje a Abbey Road.

Aparece originalmente en: I'm Doin' Fine Now (1973)

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Psycho Sideshow
Mad Sin

Alemanes, mezcla de The Cramps, Rancid, los Ramones y Motörhead. A toda velocidad, un cantante reventado y desquiciado, guitarras motosierra, estribillo pegadizo y para cantar en la cancha, todos borrachos. Rock and roll podrido para tomar cerveza. Palo y a la bolsa. ¿Alguna objeción? Imposible.

Aparece originalmente en: Survival of the Sickest! (2002)

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In the Background
The Adicts

Otro de la cosecha personal. Me compré el primero de los Adicts en una de las galerías sórdidas de Belgrano y este tema me pegó de inmediato. Una joya post-punk se podría decir. En un disco en que, en general, se dedicaban a escupir punk rock a toda velocidad y al borde del desbarranco. Acá sacan la pata del acelerador y se ponen más oscuros.

Aparece originalmente en: Songs of Praise (1981)

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Badfinger - Wish You Were Here

Es imposible pensar en Badfinger y no relacionarlos con la tragedia que terminó con el suicidio de dos de los integrantes más representativos: Pete Ham y Tom Evans se ahorcaron con una diferencia de menos de una década. Según las estadísticas, es la forma de suicidio más premeditada. Escalofriante, sí, pero por suerte la música de Badfinger no pasa por ese lado, está teñida por la melancolía, es verdad, pero nunca de un modo abrumador, al contrario, es más bien en un tono reflexivo.

Badfinger siempre estuvo asociado a los Beatles. Al principio eran The Iveys, pero se cambiaron el nombre apenas ficharon para Apple, el sello creado por los cuatro de Liverpool para difundir a los artistas que creían merecedores del “toque de Midas” que siempre los caracterizó. No fue así con Badfinger, por desgracia. Tuvieron todo tipo de problemas, financieros, administrativos, eran estafados con las regalías y demás mezquindades que más vale no recordar. No faltaron las alegrías, "Without You" fue un gran éxito en manos de Harry Nilsson, del que no vieron un céntimo, pero esa es otra historia.

Para Straight Up contaron con dos productores de lujo: nada menos que el gran Todd Rundgren y George Harrison. También aparecen al costado del escenario en el famoso concierto para Bangla Desh, empuñando guitarras acústicas. Para la época de Wish You Were Here era el momento de pegar el salto. Chris Thomas en la producción, que para aquel entonces había hecho grandes discos con John Cale, Roxy Music y Procol Harum. Nuevo sello, en este caso Warner Brothers. Pero no, otra vez la suerte les cerró la puerta en la cara. Una lástima, hoy en día cualquiera con dos dedos de frente puede notar que Wish You Were Here es un disco excelente, sin desperdicio. Empieza con "Just a Chance" y ahí ya se nota un pequeño pero importante cambio. El sonido es enorme, los power chords de guitarra al estilo the Who y las armonías de los Beach Boys combinados para formar un gran tema de apertura. En Badfinger todos escribían canciones y cantaban y "You're So Fine" es obra de Mike Gibbins, el baterista, que además de ser muy bueno en su instrumento, demuestra que como compositor no se quedaba atrás. Escuchar "Got to Get Out of Here" sin pensar en el trasfondo que rodeaba a la banda es díficil, esta vez la pluma la empuña Joey Molland, uno de los dos guitarristas: “Debo salir de acá, tiene que haber otros cerca, correr alrededor en círculos, no hay opción”. Es el tema más desnudo del disco, con apenas una guitarra acústica y un teclado Hammond como único acompañamiento. Lo mismo con "Know One Knows", una modesta obra maestra de Pete Ham, que mira al futuro con incertidumbre pero siempre dejando lugar para la esperanza. Como curiosidad, hay una cantante japonesa que recita un párrafo de la letra en su idioma. No faltan los temas ambiciosos en Wish You Were Here, esa es, quizás, la mayor novedad con respecto a los discos anteriores de Badfinger, son esos temas enganchados, a modo de suite orquestal, a la manera de la famosísima cara “B” de Abbey Road. Se trata de "In the Meantime / Some Other Time" y el encargado de cerrar la placa, el espectacular "Meanwhile, Back at the Ranch / Should I Smoke".

Por una serie de aburridos problemas legales, el disco fue retirado de las disquerías y prácticamente pasó inadvertido. Una tremenda injusticia, considerando el enorme esfuerzo que la banda puso en este trabajo y la calidad de sus canciones. Un año después aparecería muerto en su casa Pete Ham y en el '83 Tom Evans tomó la misma decisión, después de años de penurias. La banda había terminado de la peor manera posible.
Hoy en día, cualquier amante del power pop y del rock en general, sabe dónde mirar a la hora de reconocer a los padres, pioneros de todo este asunto. Todavía nos quedan los discos.








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Chequear también:
The Iveys - Maybe Tomorrow
Crabby Appleton - Rotten to the Core
Pete Ham - 7 Park Avenue

5 Canciones 5: ZZ Top, Los Rodríguez, Stravinsky, George Jones y D. Crosby & G. Nash

Burger Man
ZZ Top

El baterista de ZZ Top es el rey del groove. Por empezar.

Con Eliminator salen con algo inesperado y la pegan a lo grande. Un poco después viene Afterburner, que vendría a confirmar eso de que las segundas partes no suelen ser buenas. Igual tiene sus cuatro o cinco temazos, pero la producción envejeció mal. Recién en el '90 vuelven al ruedo con este, Recycler, en donde hacen más o menos lo mismo con un poco más de pudrición en las guitarras. Y la verdad... queda bárbaro.


Aparece originalmente en: Recycler (1990)

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Mi rock perdido
Los Rodríguez

La enorme influencia de los Stones de la era Some Girls, que sería algo así como punk rock hecho por tipos que tocan bien. Yo le hubiera bajado el tecladito y la voz a Calamaro y le hubiera dado rosca a esas guitarras divinas, sepultadísimas en la mezcla. En la mitad del tema... aparece otra idea, un puente que parece de otra canción, a la manera de Abbey Road. "Hay rock and roll de leones, también los hay de corderos". Bueh... Mejor bailemos y nos pongamos hincha huevos. 


Aparece originalmente en: Sin documentos (1993)

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The Firebird Suite IV: Infernal Dance of King Kastchei
Robert Shaw y la Orquesta Sinfónica de Atlanta

La música clásica que viene de un viaje de laúdano o algún otro alucinógeno es lo más. Me vienen a la cabeza Peer Gynt de Grieg, la suite El carnaval de los animales de Saint-Saëns o la genial Sinfonía Fantástica de Berlioz. Te llevan a lugares macabros sin hacerte descender al infierno. Sería un equivalente musical a las películas de Burton, hay oscuridad pero es tan buena onda que te hacés cómplice al toque. Stravinsky vino un poco después y dejó una huella con el Pájaro de Fuego, este es el cuarto movimiento.


Aparece originalmente en: The Firebird Suite, 1919 Version (1978)

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I Just Don't Give a Damn
George Jones

¿Por qué será que mucha gente que no es idiota disfruta de la música country? Con su escasez de recursos, su simpleza cretina y sus letras almibaradas, carentes de cualquier tipo de metáfora o doble lectura, muchos melómanos le escapan al género como pedo en una canasta. Es eso mismo, lo que muchos consideran defectos puede ser virtud, acá no hay rebusques intelectuales de ningún tipo, no hay pose, una nobleza a la hora de tocar y grabar y unos cantantes increíbles. Como George Jones, claro. 


Aparece originalmente en: Memories of Us (1975)

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Whole Cloth
Graham Nash / David Crosby

El recorrido de la familia CSN, con Neil Young en algunas locaciones, está lleno de recovecos y combinaciones. Para muchos el gran disco es Déjà Vu y pará de contar.
¡No señor!
Los dos primeros de Nash solista, la obra maestra que fué el debut de Cross, el doble de Manassas e incluso el de Young con Stills, están bastante bien. Este es el primero de esta dupla y vale la pena. Acá Crosby saca una de esas armonías rarísimas que ya pelaba en los Byrds ("Mind Gardens", "Triad") cuando lo dejaban. No tiene nada que envidiarle a los temas más chiflados de Todd Rundgren de esta epoca, cuando volaba altísimo en Runt o el doble Todd. 


Aparece originalmente en: Graham Nash / David Crosby (1972)

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5 Canciones 5: Poet and the Roots, Richard & Linda Thompson, Edgar Broughton Band, Steve Kilbey y Bob Dylan

Five Nights of Bleeding
Poet and the Roots

No sabía que el "roots" del título era el gran Dennis Bovell. Sí tenía el dato de que acá estaba Linton Kwesi Johnson, que vendría a ser el "poet". Como sea... ¡discazo! Si te gusta el dub, esto es para vos. A mí en general me gusta mucho, pero no tanto cuando no es cantado, así que esto me viene como anillo al dedo. De protesta, combativo. A pesar de que no creo que nadie escuche reggae (o ningún género en realidad) para salir a saquear el supermercado, acá la cosa tiene sentido; combina perfecto con cierta oscuridad que tienen los temas. Blood on the tracks, se podría decir.

Aparece originalmente en: Dread Beat an' Blood (1978)

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Back Street Light
Richard & Linda Thompson

Algo así como un blues. Una onda al Dylan evengelizador, el de Slow Train Coming, Saved y Shot of Love. Por ahí viene la cosa acá. Si ahí estaba Mark Knopfler en las seis cuerdas, acá está otro coloso; el enorme Richard Thompson. No tan conocido, lamentable e injustamente. Su solo en este tema es una cosa de locos, deforme, raro. A la vez corto, conciso y claramente estructurado. También hay algo de folk inglés, no podía ser de otro modo, tratándose de esta gente.

Aparece originalmente en: Shoot Out the Lights (1982)

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Green Lights
Edgar Broughton Band

Los que conocen Edgar Broughton Band quizás se inclinen por Wasa Wasa o el homónimo, el conocido como El Disco de la Carne, por su portada inconfundible. Oora vendría a ser el Abbey Road de estos tipos. Temas enganchados, mucha variedad musical. "Green Light" es la balada de corazones rotos. Y la sacan adelante con una cancha impresionante. La canta al nivel de esos temas de Badfinger que encaraba Pete Ham y que te destruyen el alma en tres minutos. Que te recuerdan que acá estamos de paso, apenas.

Aparece originalmente en: Oora (1973)

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Surrealist Woman Blues
Steve Kilbey

Impresionante. ¿De dónde saca esto el capo de The Church? Es totalmente atípico, nada que ver con lo que suele hacer, a su estilo, por decirlo de algún modo. En realidad los grandes escritores de canciones sorprenden y Steve Kilbey es uno de los grandes, más allá de si es o no reconocido. Debería. Esto bien podría ser una suerte de estándar, un tema de Cole Porter, Irving Berlin, esos tipos. No hace falta decir que cuando mete tercera, el cambio que ya se ve venir, ahí sí que surge la impronta. Es apropiación, tomar algo hecho y llevarlo para el costado propio, el creativo, el valioso.

Aparece originalmente en: The Slow Crack (1987)

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The Night We Called It a Day
Bob Dylan

Cuando Dylan encaró el primer disco con estas versiones, algunos no lo podían creer. Son temas muy difíciles de cantar. La mayoría en este, el primero de los tres LP que hizo con versiones de clásicos del American Songbook, las cantaba Sinatra. En este caso la original se puede chequear en un disco clásico; Where Are You?, del '57. Decir que la banda que acompaña el vejete es brillante, es como asombrarse con el equipo que armó el Barça para la nueva temporada. Si no puedo hacerlo el... ¿Entonces quién?

Aparece originalmente en: Shadows In the Night (2015)

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