Status Quo - In Search of the Fourth Chord

¿Qué pasa cuando una banda o un solista hace exactamente lo mismo durante cuarenta años? Generalmente es un embole absoluto. Repetir una fórmula puede ser un recurso irritante, pero los Status Quo se las arreglan para salir airosos del intento. ¿Cómo? Muy simple; riéndose de sí mismos y haciendo lo que saben hacer, con el oficio de una tonelada de años en la ruta y en los estudios de grabación.

La tapa y el título del disco ya lo dicen todo, están Francis Rossi y Rick Parfitt, los dos que están desde la era precámbrica, caricaturizados con la gráfica de El Arca Perdida de Indiana Jones y el disco se llama En busca del cuarto acorde, la "cuadradez" que siempre les criticaron y el mayor punto a favor para los que se paran en la vereda opuesta. Es raro, jamás nadie dijo esto de AC/DC o los Ramones, bandas con mucho consenso, sin embargo a los Status Quo se lo recordaban todo el tiempo. Al público general, por suerte, no le importo un bledo, vendieron millones de discos, tuvieron hits de esos que conoce hasta tu mamá, que jamás en su vida escuchó rock, sufrieron altibajos de todo tipo y acá están, en el 2007, LP de estudio número veintiocho, sacando un disco que está a la altura de los clásicos.

Si este disco lo hubieran hecho unos veinteañeros de peinados modernos, la prensa británica lo habría tildado de salvación del rock and roll, de banda del momento o cualquiera de esas exageraciones habituales, pero los muchachos ya están viejos, arrugados y es imposible que vendan un disco ayudados por la foto del poster. Empieza tirando toda la carne al asador, de la mano de "The Beginning of the End", un típico rock 'n' roll fiel al estilo de cualquiera de los clásicos, podría haber estado en Piledriver o Hello!. Cuando llega el estribillo, a puro power pop, con esos coros cantados en armonía... si no caíste rendido, andá buscando por otro lado, esto no es lo tuyo. La cosa sigue a la altura de las circunstancias de la mano de "Alright", a puro gancho desparramado a diestra y siniestra: "no hay manera de que me hagas bajonear, me dirijo a pasarla bien". "Ideología" (atención a esas comillas) Status Quo cien por ciento. No busques subtexto ni lecturas entre líneas acá, esto es diversión, ni más ni menos. El tercer tema es "Pennsylvania Blues Tonight", que podría emparentarse con aquel hit omnipresente, quizás el tema más famoso de estos ingleses, "In the Army Now". Pero cuando llega el estribillo hay un cambio de acorde muy bien ubicado y arrancan esos coros casi operísticos. Gancho. Puro.

Cualquier disco que tenga tres hits en potencia como los mencionados debería ser suficiente pero In Search... tiene, como mínimo, cuatro más, además de los mencionados. No está nada mal para una banda que ya tiene más de cuarenta años. Sorpresa total. ¡A buscar el cuarto acorde!

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Status Quo - On the Level

Se ve que uno de jovato va cambiando sus preferencias. Los Status Quo siempre fueron tomados medio para la joda por los artys. Hay gente que necesita oponer, a toda costa, como esto es recontra cabeza, simple y (hay que admitirlo) hasta ramplón, no vale la pena. Mejor es PiL, Amon Düül, Tortoise, CAN… Esos que corren los límites y que encontrar el momento adecuado para someterse a ellos, es más difícil que la tabla del ocho. En cambio esto puede andar casi siempre; si necesitás bailar en una fiesta roquerita, si querés tocar la guitarra arriba de algo bien sencillo, si vas en la ruta o caminando a la línea J del tranvía.

Este debe ser el quinto o sexto de una banda que tardó en encontrar lo que querían, hasta dicen que mucho de Spinal Tap está basado en la colorida historia loser de los Quo. Bien de pibes la pegaron con “Pictures of Machstickable Man” en pleno auge psicodélico. Pasaron unos años en una nebulosa de no venderle un disco a nadie y eso que no estaban nada mal. Malkmus de Pavement (otro arty) dice que Ma Kelly' Greasy Spoon es una obra maestra. En esta seguidilla de disco hechos con una hoja de calcar está lo que iban a hacer el resto de sus vidas. Piledriver tiene “Paper Plane”, Blue for You tiene “Mistery Song” y “Ring of a Change” y este, el gran On the Level, tiene cinco o seis de esos. Y los fillers, que en ellos siempre son evidentes, son recontra escuchables. Van los que me acuerdo ahora:

 1) "Over and Over". El tema que le muestro a alguien a quien deseo introducir al maravilloso mundo de rock sabiola de Status Quo.

 2) "Down, Down". En realidad también puede ser esta bomba de power pop beatle anfetamínico, por suerte nunca nadie te va a tener a preguntar esas boludeces, que uno piensa que un día vendrán. Un gancho atrás del otro. 

 3) El tema con que empieza el disco. Ahora no me acuerdo como se llama. BOMBA

 4) El cover de Chuck Berry, el OBLIGATORIO tema del soretón pionero, cierra el disco a puro jedbanguin. Hetfield probablemente apruebe.

 5) "I Saw the Light" es de los buenos, pero estoy muy drogado para describirlo.

Lo que yo haría es agarrar los dos o tres grandes temas de estos años de gloria y en el CD 2 pondría uno de cada disco de los que vinuieron después. Siempre, incluso en los más pedorros, se las arreglan para meter un bombazo. Yo lo hice y lo perdí. Puedo recuperarlo si alguien me transfiere 0.50 U$D a mi alicaída cuenta carcelaria.






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5 Canciones 5: Golden Earring, Green Day, Fleet Foxes, Status Quo y Guster

Tons of Time
Golden Earring

¿Y acá? ¿Qué pasó? A los holandeses Golden Earring todo el mundo los conoce por "Radar Love", la bomba hardrockera del disco anterior a este, Moontan. A esta altura ya eran veteranos de guerra y habían pasado por todas las experiencias de una banda luchadora con casi diez años en el lomo. Esto sería algo así como un anticipo de la new wave que explotaría muy pronto. Hay algo de reggae, de ska, de Paul y sus Wings, melodía, arreglos, solo de sintetizadores. Una verdadera ensalada auditiva. Capos.

Aparece originalmente en: Switch (1975)

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Letterbomb
Green Day

Jamás escuché Green Day por sus letras, a pesar de que hay algunas que están más que bien. Así que cuando salió este disco seguí de largo sin dudarlo un instante. Además a los yanquis que la van de izquierda o de rebeldes no les creo nada. Diez años después lo escuché y tiene sus joyas. Cuando van al terreno tradicional de lo que se puede esperar de un tema de ellos es cuando realmente convencen. Esto lo dominan de taquito. Velocidad, melodía, algún que otro cambio de ritmo y un puente inesperado, ahí es cuando la clavan al ángulo.

Aparece originalmente en: American Idiot (2004)

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Cassius, -
Fleet Foxes

Impresionante. Siempre que escucho algo actual o moderno me tomo el tiempo de defender el momento musical / cultural que estamos atrevesando. Hoy dejemos que hable la música. Tercer disco de estudio de Fleet Foxes. Llevan a un extremo el concepto de banda que ya tenían, las ideas que suelen usar habitualmente. Esto es ambicioso, alguien podría decir pretencioso y no estaría del todo errado. Cuando se es pretencioso y se tienen las herramientas para llevar a cabo la empresa, el mérito es doble. Y este es el caso. Yes sin tener nada que ver con The Fragile, Beach Boys y esos temas delirantes de los setenta... no se, no vale la pena comparar. Esto es único.

Aparece originalmente en: Crack-Up (2017)

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Blue Eyed Lady
Status Quo

En cualquier disco que agarres de Status Quo va a haber temas intrascendentes o medio desganados, como prefieras llamarle. Pero cuando salen con algo como esto es cuando te hacen hervir la sangre. Una mezcla maravillosa de melodía, actitud rocker, conservadurismo, potencia... inapelable. Esto te aplasta por su propio peso específico. Si no podés despojarte de tu costado intelectualoide a la hora de escuchar música, probá con este tema y ver qué sucede. Es buen experimento para saber si tenés (o no) sangre corriendo en las venas.

Aparece originalmente en: Hello! (1973)

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Amsterdam
Guster

Banda oriunda de West Somerville, Massachusetts, con un costado cancionero / super melódico. Los emparenta rápido con cosas como Fountains of Wayne, Nada Surf o cualquier otro grupo con guitarras al frente y preocupación por hacer que sus temas te queden pegados por el resto del día / semana / mes. Vienen de mediados de los noventa y están activos todavía hoy, llevan hechos casi diez LPs de estudio. Keep It Together es el cuarto y tiene este temazo para andar fuerte en bici e ir comiendo chicle.

Aparece originalmente en: Keep It Together (2003)

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Status Quo - Two Way Traffic

¿Se le puede seguir sacando sacando jugo a los tres acordes combinados más o menos de la misma manera en que se hacía en la época de Elvis, Eddie Cochran, etc.? Yo creo que si se hace con una actitud de auto-parodia y sin tomarse demasiado en serio sí se puede. Y en Status Quo son maestros en esas cuestiones.

Lo primero que escuché de ellos fué Dog of Two Heads o Ma Kelly's Greasy Spoon y el primer disco, el que traía "Pictures of Matchstick Men" (un temazo enorme) pero ninguno me impactó demasiado. Después llegó On the Level y ahí si que me parecieron magníficos, me pasé como cinco años buscando un disco que le llegue más o menos a la altura, sin éxito. Hasta que llegó In Search of the Fourth Chord y después este, que empezaba directamente con esta bomba, que, por supuesto, usa los mismos acordes de siempre.






Video promocional del tema en YouTube.

Encontrala originalmente en:
Pensar que vienen de la época de Sgt. Pepper es directamente escalofríante, verdaderos sobrevivientes del rock 'n' roll. De aquella formación sólo quedan Parfitt y Rossi. ¿Cómo hicieron para hacer un disco como Quid Pro Quo en el 2011? Misterios, verdaderos misterios de la historia de la música popular.
Quid Pro Quo (2011)

5 Canciones 5: Lone Justice, Stereolab, Status Quo, Gordon Lightfoot y Rolling Stones

Ways to Be Wicked
Lone Justice

Sorprende el hecho de que Maria McKee tenía unos tiernos veinte añitos a la hora de grabar el debut de Lone Justice. Suena como una cantante avezada, con experiencia, no se escucha el menor atisbo de duda o inseguridad en su voz. Poderosa voz, vale decir. Venían de la escena cowpunk de Los Ángeles, con los Blasters, Violent Femmes, Gun Club e incluso Social Distortion. Maneras de ser malvado, de ser turro, de ser hijo de puta, así se podría traducir el título de este temazo. Mucha garra.


Aparece originalmente en: Lone Justice (1er. LP - 1985)

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If You Remember I Forgot How to Dream, pt. 1
Stereolab

Tienen flamante disco nuevo, después varios años sin novedades, el último LP había sido Not Music, del 2010. Quince años no es nada, parafraseando al Zorzal Criollo. ¿Hay novedades? Sí y no. Stereolab siempre sonó más o menos igual, con una personalidad única y distinguible al instante. Al parece algunos ya se la juegan y anotan a este al lado de Dots and Loops, Emperor Tomato Ketchup o Margerine Eclipse. Tu dirás... 


Aparece originalmente en: Instant Holograms On Metal Film (2025)

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Mystery Song
Status Quo

Para mi gusto los Quo tenían problemas para editarse, ponían temas arrasadores al lado de rockitos ramplones que parecían hechos a medio bostezar, sin ganas. Pero cuando le ponían ganas, te arrancaban la cabeza. Y te la siguen arrancando, nadie suena así, sí se ha intentado varias veces pero como ellos... Y en la Golden Era la ponían más que Brad Pitt a los treinta. Desde Ma Kelly's Greasy Spoon hasta este inclusive, metieron una seguidilla de la San Puta. "Mystery Song" es para agarrar la ruta, a toda velocidad, desafiando las leyes, la física y a la Muerte misma.


Aparece originalmente en: Blue for You (1979)

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Blackberry Wine
Gordon Lightfoot

¿Cuántos discos buenos hizo Gordon Lightfoot? Yo tengo cinco o seis y escuché otros tantos y todos son excelentes. Algunos consideran a Shadows su último gran disco, habría que tener en cuenta la repuntada que protagonizó en su última etapa, sobre todo el último antes de dejar este plano, Solo, en plena pandemia. El cambio por acá viene de la mano de la adopción de sintetizadores, producción y arreglos adaptados a la época, principios de los ochenta. No le pasó lo que a muchos de sus contemporáneos o colegas, no se perdió en la merluza y los intentos de subirse al bondi de la MTV. Al igual que los Guess Who... ¿qué pasaba si no hubiese sido canadiense?


Aparece originalmente en: Shadows (1982)

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Ride On, Baby
Rolling Stones

Plena época misógina de las Majestades Satánicas. Recordar "Under My Thumb", "Stupid Girl" o "Please Go Home", entre varias otras. Esta fué grabada originalmente por Chris Farlowe, de quien hoy no se acuerda ni su tía. Algunas frases son puñales; "podría elegir tu cara de un archivo del FBI, podés verte linda pero no puedo decir lo mismo de tu mente" o "para cuando tengas treinta vas a parecer de sesenta y cinco". Igual acá la papa está en la música, con ese clavicordio (seguro que Nicky Hopkins o Brian Jones) y los cambios de Charlie en la batería, ese estribillo agresivo y ganchero. Criminalmente infravalorado.


Aparece originalmente en: Flowers (1967)

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5 Canciones 5: Madness, Darryl's Way Wolf, The Coral, Jane y Status Quo

Clerkenwell Polka
Madness

¡Qué discazo The Liberty...! Es el Arthur moderno. O podríamos decir que el Rise and Fall del siglo veintiuno. Flema inglesa cien por ciento. Ellos ya habían hecho algo parecido. Pero acá se la jugaron y fueron con todo, a lo grande. Sabían que tenían una colección de canciones muy poderosas y lo presentaron en un teatro lujoso tipo Albert Hall, con una película, una edición de lujo, etcétera. Esto es -como su título bien indica- una polca. A la manera de Madness, de más está decirlo.

Aparece originalmente en: The Liberty of Norton Folgate (2000)

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Two Sisters
Darryl Way's Wolf

Prog-rock inglés. Con ex-miembros de King Crimson (la banda con más ex-miembros de la historia) y Richard Darryl Way había sido un miembro importante de Curved Air antes de esto. Acá salen de la norma, este es un tema distinto. Es intrincado, rápido y pesado pero tiene un costado angelical infrecuente. La parte celestial viene de la mano de unos coros y una melodía muy ganchera. Y después está el violín loco. Paganini hizo el pacto con el diablo y revivió en pleno siglo veinte para tocar con esta gente.

Aparece originalmente en: Saturation Point (1973)

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Down by the Riverside
The Coral

"Ghost Riders in the Sky" pero al otro lado del Atlántico. Los Coral siempre tuvieron una fascinación con la música de raíces yanqui y se encargaron de incorporarla en sus canciones de una manera inteligente y original. Porque esto no podría ser otra cosa que un tema de The Coral. Sale en el disco gemelo a Sea of Mirrors y en teoría es un "trabajo menor", un compañero o un bonus. No es tan así, están en un nivel muy alto, el grupo tiene varios compositores y se deben sacar chispas para ver qué temas quedan y cuáles se descartan.

Aparece originalmente en: Holy Joe's Coral Island Medicine Show (2023)

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Hangman
Jane

Empieza y bien podría ser un tema de cualquier banda de segunda categoría de principios de los setenta. No hay nada que lo diferencie o haga destacar. Hasta que llega el primer estallido y ahí sabés que acá hay algo. Manejo de la dinámica, el teclado hammond (infalible) buenos arreglos, un cantante raro, distinto. Primer disco de los alemanes Jane, que en esa costumbre de categorizar los han metido en la bolsa de gatos del kraut-rock. Sin tener nada que ver con Can, Kraftwerk, Faust o cualquiera de los exponentes del género mas snob de la historia de la música popular grabada.

Aparece originalmente en: Together (1972)

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Shady Lady
Status Quo

Siempre los cargaron por ser cuadrados, sencillos, hacer temas con pocos acordes. A ellos les importó muy poco porque deben haber grabado al menos treinta discos de estudio y siempre supieron reírse de sí mismos. Hasta tienen un LP que se llama In Search of the Lost Chord. Este temazo está en uno que contiene un histórico, el super clásico "Whatever You Want". "Shady Lady" bien podría entrar en la categoría power pop, muy en boga en aquellos años. Coros, melodía, ganchos, guitarras fuertes... una maravilla de tres minutos y fracción.

Aparece originalmente en: WhateverYou Want (1979)

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Video de la Semana: Status Quo - Down Down

Descarado playback en Top of the Pops de uno de los grandes temas de un disco enorme de Status Quo, el magnifico On the Level.

Riff - Que sea rock

Grandes grupos cuya influencia termina siendo negativa. Nirvana, Ramones, los Redondos ni hablar, los Stones, Calamaro… puede ser una lista larga. Son esos que hacen que parezca fácil. Un ejemplo; si vas a tomar como referencia a los Stones, ponele algún otro ingrediente porque de lo contrario quedás como un payaso. O alguien destinado a quedarse a mitad de camino. De hecho las grandes bandas de rock actual, moderno, contemporáneo (o como quieras) son esas que son difíciles de rastrear, que no vas a decir “ah, claro esto suena a Beatles con un poco de The Cure”. Nos fuimos por las ramas. Hay muchos imitadores de Riff, pocas veces escuché alguno que les llegue a los tobillos.

Tienen un par de recursos que los separan de la horda de bandas similares. Por empezar tienen sentido del humor. Y muy fino. No sé cómo habrán hecho para cantar “ella fue princesa en un harem de Agadir, hasta que una noche lo conoció a Lalo Mir” sin morirse de risa. O algo como “ahora te aconsejo, relájate, puesto que es mucho mejor que sufrir”, en una obra maestra del rock duro como “Bienvenida a mi lado oscuro”. Como bien decía Freud, todo chiste tiene visos de realidad y, si lo vemos desde ese lado, la letra de este temazo es de otro planeta. ¿Accidente feliz? Puede ser, seguramente no eran tipos que iban a darle muchas vueltas a una letra y eso vale doble. Sin pretensiones, dice lo que tiene que decir y es muy claro, con un nivel de elocuencia que no pasa por el lado de la bajada de línea, del “yo la viví y te la cuento”. Es magistral. Por supuesto que a nadie le importa un carajo lo que dice cuando la música es un rock and roll rutero a la altura de cualquiera de los grandes del género. Léase Creedence, Steppenwolf, AC/DC, Kyuss, Status Quo, lo que se te ocurra.

Algunos dicen que Que sea rock es el primer disco de Riff (y de Pappo incluso) que suena bien. No es tan así. El anterior, Zona de nadie, era una grabación muy decente. Más si lo comparamos con los tres primeros, que están al borde de la categoría “insalvables”. Menos mal que tienen esas canciones. Sí es -quizás- el disco más redondo que hicieron. En una época tenía mis favoritos y salteaba varios, pero si uno lo escucha con atención, en todos los temas hay algo para aportar y tiene la variedad musical que necesita un LP de este género, para que no sea repetitivo o cansador.

El tema que dá título podría pensarse como un tema que imita a AC/DC. Puede ser. Angus y Malcolm no hacen un tema con ese nivel desde la época de The Razors Edge, como mínimo. “No obstante lo cual”, ya con el título merece la gloria. “En la ciudad del gran río”, “Reza duro”… impresionante. ¡Qué canciones! A veces los grupos de cuero negro y tachas invierten mucho tiempo en ropa y equipos. Son las canciones muchachos. Eso es lo que separa a los grandes del resto.






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Cocteau Twins - Victorialand

¿Como le podés “vender” esto a alguien que no los conoce? ¿Con qué tipo de argumentos? Uno podría ser el de la originalidad. Mucha gente valora mucho ese apartado y en ese sentido esto sí que no se parece a nada. A lo mejor hoy en día suena como ciertas bandas o solistas. Pero seguro vinieron después, fueron influenciados directamente por ellos y no al revés. ¿Qué había antes que se parezca a CocteauTwins? ¿De dónde sale esta invención?

Podés arrancar con que la chica que canta suena como un elfo al que le rompieron el corazón, el arco y la flecha o lo que sea. Algo está roto en el alma de Elizabeth Fraser, una de las cantantes con más personalidad de todos los tiempos. Se puede decir que es una suerte de diva de ópera demoníaca, casi nunca se entiende qué es lo que está diciendo. En realidad usa la voz más como un instrumento melódico, como si fueran cuerdas en una orquesta. Por ejemplo en “Throughout the Dark Months of April and May”, en donde hay otra melodía que responde a la principal, a la de la voz líder, es claro que la intención es más musical que una cuestión de dicción o de contar una historia. Es una atmósfera, un clima. Etéreo. Palabra odiosa y usada por todos lados, sin embargo sirve para describir a los Cocteau Twins en particular y al sonido del histórico sello 4AD en general. Ellos representan una estética, una forma de concebir la música, el arte, muy de una época, que vale decir ha sobrevivido muy bien al paso del tiempo y nunca fue del todo fagocitada por el sistema, el status quo (o como prefieras llamarle) como otros géneros o movimientos que fueron revolucionarios inicialmente.

Victorialand es el cuarto disco de estudio, es el que viene después del super clásico Treasure, el que traía “Ivo”, tema por el cual más de uno conoce a los escoceses. Pero atención porque en el medio no se quedaron en el molde. Tenían la costumbre de editar mucho en formato de EP y, entre medio de los dos larga duración, sacaron nada menos que cuatro; Aikea-Guinea, Tiny Dynamine, Echoes In a Shallow Bay y Love's Easy Tears. Hoy en día podés encontrarlos con la más holgazana facilidad en Internet, sin mover un músculo (ni una neurona, claro) pero, si todavía necesitás el objeto, algo tangible, podés ir a parar al compilado Stars and Topsoil: A Collection (1982-1990). Incluye una interesante selección de temas. Tanto de los discos como de los EPs, estos últimos considerados indispensables por los acérrimos y con sus buenas razones.

Victorialand es diferente a Treasure, a Head Over Heels, sin dejar de ser en ningún momento un clásico dentro de la discografía. Hay cierta atmósfera de calma, de reposo. No hay tanta tormenta y opresión. Sí están las marcas registradas, la guitarra de Robin Guthrie, que nunca se sabe bien si es una guitarra en realidad, los colchones de sonido, las nubes de humo y las voces que van y vienen, entran y salen. Si valorás que la música te transporte a otro mundo, esto es para vos. Ahí tenés un buen argumento de venta.







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Frank Black and the Catholics - Devil's Workshop

Podés decir cualquier cosa, te puede o no gustar o entusiasmar pero nadie en su sano juicio lo va a acusar de haragán, de persona que se "queda en el molde", mirando Netflix, agusanándose lentamente en su confortable sofá. Es a lo que el status quo, los poderosos o como prefieras llamarle, nos están acorralando lenta e indefectiblemente en esta Era Moderna. A limitarnos a ser simples espectadores de una realidad que ni siquiera sabemos si puede denominarse como tal.

Con los Pixies lo que hizo es directamente heróico. En su momento fueron cuatro discos definitivos, pero como cualquiera sabe, hay mucho más, singles, sesiones en la BBC, remixes, lo que busques. Como solista, con o sin los Catholics, se ha dado el gusto de probar absolutamente todo, desde su amor por el country alternativo, con trabajos como Honeycomb o Show Me Your Tears, a canciones con clara influencia del post punk en general y New Order en particular, con Grand Duchy, con quien hoy es su ex-esposa. 

Es tan prolífico que gran parte de su obra se pierde en la hiper abundancia con que nos aturdieron en los últimos veinte o treinta años, coincidiendo con la masividad de Internet, la supuesta desaparición de la industria discográfica y la oleada de indiferencia filistea que viene de la mano con estos procesos.
Eso fué más o menos lo que pasó con Devil's Workshop, aparecido en el año 2002, el mismo en que ya había lanzado Black Letter Days, a su vez este disco tuvo una secuela inmediata a los pocos meses de su salida al mercado.
Alguien como Frank Black siempre va a tener una suerte de nicho, esos fans que van a consumir absolutamente todo lo que lleve su nombre o se relacione de alguna manera y que incluso van a comprar el formato físico sin haber escuchado el contenido. Pero para el mundillo musical, las pocas revistas y los sitios de Internet que se dedican a difundir o comentar música nueva, esto pasó relativamente desapercibido. En un acto de injusticia, vale decirlo, porque sus canciones están a la altura de cualquiera que haya hecho, incluyendo a los Pixies. Claro, a nivel trascendencia o relevancia, no existen, no hay comparación. Cuestiones que hoy ya no deberían importar a la hora de elegir algo para ponerse a escuchar, en los escasos momentos que hoy nos quedan reservados para ese tipo de actividades. 

Si puedo aportar una apreciación personal, me animo a afirmar que nunca fuí adepto a Surfer Rosa, para muchos la obra maestra por excelencia de su ex -y actual- banda. En cambio los temas de Devil's Workshop los puedo escuchar casi en cualquier momento, la nobleza y falta de pretensiones de sus canciones son un punto enorme a favor y, sobre todo, la gran personalidad de Frank Black no deja de estar presente. Quizás algún día alguien coincida en que este es uno de sus cinco o seis grandes discos. Yo no lo dudo.






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Alfredo Zitarrosa - Zitarrosa en la Argentina

En la contratapa de este disco, con textos del poeta cuyo nombre figura también en la portada, hay una anécdota de cuando cantó “Chamarrita de los milicos” ante una audiencia de estudiantes cordobeses, que la cuestionaban por considerarla reaccionaria. Según el maestro uruguayo “la lucha de clases no cesa en la puerta de los cuarteles” aunque aclara que entiende perfectamente la otra postura, a la luz de lo que venía pasando en aquel entonces, año 1973. Zitarrosa venía de Chile y había visto los sucesos infames del 29 de Junio, los que terminaron con el derrocamiento de Salvador Allende, el clima en Argentina se enrarecía a diario y el mundo se partía al medio y para siempre.

Este disco se graba inmediatamente después de lo de Chile, con la memoria fresca, hay varios temas que son testimonios de época, por desgracia, más vigentes que nunca, en otra demostración de que los problemas del mundo son más o menos los mismos desde que el hombre es hombre. “El que no cambia todo no cambia nada” canta Zitarrosa en “Triunfo agrario”, un tema que hoy en día se consideraría obsceno, en un ambiente derechizado a nivel global, donde cualquier atisbo de reforma, cambio del status quo o como se le quiera llamar, es mirado automáticamente con desconfianza. Las notas de autor de la contratapa son seis o siete párrafos que valen casi tanto como la música que contienen. Sobre todo para conocer a un tipo de esos que parecían más sabios que el resto de los mortales, como Atahualpa (de quien hace una impecable versión de la milonga “Los hermanos”), el Dylan veinteañero o Tom Jobim. Cita textual “la verdadera división pasa entre el Imperio y sus colonias, entre el Pueblo y nuestras respectivas oligarquías apátridas, desde el Atlántico al Pacífico, aquí y allá, en Chile y en mi país…” cualquier parecido -o equivalencia absoluta- con la realidad de nuestros días... se podría decir que no es casual.

Nada de esto tendría sentido si la música de Zitarrosa no hubiera superado el paso tiempo y es ahí, precisamente, donde el andamio se mantiene firme, como nunca, su voz tiene la nobleza de un roble, a prueba del viento, su enunciación es impecable y su convicción incorrompible. Estos tipos eran héroes populares y deberían seguir siéndolo, nos vendría muy bien a todos.








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Dennis Wilson - Pacific Ocean Blue

Según dice la leyenda, Brian Wilson, el genio creativo de los Beach Boys, estaba encantado con este disco. Nadie esperaba que Dennis, famoso por ser el fiestero de la banda, el amigote del tristemente célebre Clan Manson, el único verdadero surfista de la banda, podía llegar a pergeñar una obra maestra como Pacific Ocean Blue, y mucho menos en el momento en que se dieron las circunstancias. Es importante recordar que, a mediados de los 70’s, los Beach Boys estaban lejos de sus épocas de esplendor, habiendo editado algunos trabajos que no estaban a la altura de sus pergaminos y cayendo en desgracia para el status quo musical de aquel entonces.

Grabado en varias sesiones a lo largo de todo el principio de la década, Pacific Ocean Blue desapareció sin rastro (a nivel comercial) a pesar del casi unánime éxito de críticas. La música en cuestión es lo verdaderamente sobresaliente aquí, canciones que se abren paso lenta y majestuosamente, con toques de gospel, rythym & blues y poderosas orquestaciones, cantadas por una voz cascada por vaya uno a saber que excesos, pero pletórica de sentimiento y rodeada de un halo de misterio difícil de explicar con palabras. “Dreamer” es un claro ejemplo de lo antes mencionado; un tempo lento y un arreglo denso y sobrecargado que de repente estalla en mil pedazos en un estribillo francamente conmovedor que implora “Deja que el viento se lleve lejos tu tristeza, es todo lo que estoy tratando de decir ¿Qué tal un mejor día? Enamorarse” al borde del desborde emocional. En ningún momento puede vislumbrarse que se trata de un disco de un baterista, cosa que suele suceder en muchos discos de integrantes de bandas que deciden aventurarse en terrenos solistas, en este caso el énfasis está puesto en un cien por ciento en la canción, como forma de comunicación, como manera de desnudar el alma. Es claro que el disco -como suele suceder- no pasó inadvertido para los oídos atentos. Sus huellas pueden notarse claramente en algunos trabajos de los geniales Mercury Rev o en las obras mas recientes de los Flaming Lips por citar algún ejemplo.

La reedición aparecida recientemente no hace mas que recordar el valor de Pacific Ocean Blue, con infinidad de tomas que quedaron afuera, versiones e instrumentales varios, todo coronado con el obligatorio librito repleto de fotos y textos ad hoc.
Otra prueba cabal de que éxito comercial y logro artístico no siempre van de la mano.







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Con: Mickey Newbury, Status Quo, The Delgados, The Albion Band y Sweet

Mercury Rev - Snowflake Midnight

Si la humanidad sobrevive algunos años más, unos cincuenta o cien, a esta época se la llamará “La Era de La Saturación”, como en las películas de ciencia ficción o cine catástrofe. Como cuando los sobrevivientes hablan de “antes de la gran crecida” o “después de los terremotos”, va a ser algo parecido a eso. Hoy en día estamos sumergidos en una época rarísima; por un lado está la gente que cree que ya no hay nada nuevo bajo el sol, por otro los que ignoran olímpicamente los pronósticos pesimistas y siguen saliendo de sus casas, abandonando sus computadoras, a hacer lo más peligroso para el status quo, el poder reinante, las corporaciones, o como quieras llamarle; juntarse. Humanos juntándose a hacer cosas. Un peligro.

Mercury Rev es un grupo que venía de antes de La Saturación, sabían lo que era lidiar con una compañía discográfica, hacer discos y que sean esperados por managers, tiendas de discos y fans. Siempre fueron caratulados como hermanos menores de los Flaming Lips, con un poco de razón, pero son más que eso, no vamos a entrar mucho en detalles, cualquiera que se haya expuesto a las bondades de Deserter’s Songs (el último disco de ellos que se podría decir que “importó”) o las tormentas guitarreras de Boces o Yerself Is Steam, sabe que son mucho más que eso.

Y entonces vino La Saturación…

Acá el panorama había cambiado, drásticamente. Todo el mundo tenía Internet en sus casas, te llegaban si querías veinte discos por día, por supuesto que podías digerir dos o tres como mucho, pero si tenías apetito o voracidad, te dabas una panzada. Y después el empacho, claro. Los tipos encargados de comentar discos en revistas o sitios web estaban hartos, no tenían tiempo, ni mental ni físico, pero tenían que seguir elogiando los discos de los viejos chotos porque sí, porque nadie se anima a hablar mal de un disco de Neil Young cuando apenas sale. Tampoco nadie se tomó el trabajo de escuchar Snowflake Midnight de Mercury Rev. Un disco innovador, aventurero, lleno de exploraciones sonoras, una evolución natural de una banda que nunca tuvo miedo de ir un poco más allá.

Si prestás atención en este disco pasa de todo, hay paisajes sonoros al estilo Brian Eno, marcados por la impronta indeleble de todo lo que hacen, hay electrónica furiosa, hay pastillas, viaje y psicodelia. Todo entendido y tamizado por una época confusa, extraña a más no poder, que es la que vivimos; La Era de La Saturación.







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