Nina Simone - It Is Finished

¿Hasta qué punto es importante cuando se hace una versión? Importantísimo, fundamental. Si alguien está interpretando un tema que no le pertenece, que no es de su autoría, significa que está “endosando” al compositor. Una suerte de validación, una forma de decir “este tipo escribe unas canciones fenomenales, por eso acá estamos tocando una”. Mucha gente considera que si un artista no es autor tiene menos mérito. Depende. Sinatra, Elvis y por supuesto Nina Simone. Los dos primeros son personajes discutidos, mientras que la Gran Sacerdotisa del Soul es muy apreciada hoy en día. Tuvo su merecido revival. Quizás en su momento no llegó más lejos por su manera de manejar su carrera, por jugársela siempre a nivel ideológico y porque su vida privada era un verdadero caos.

Puede ser un detalle menor. Y lo que sí importa, que es su obra, es colosal. Hay al menos diez discos de estudio que son fantásticos, cinco -como mínimo- que son imprescindibles. Después está la discografía en vivo. En el caso de Nina Simone son álbumes que son mucho más que una excusa para vender el último LP de turno. Por un lado están los más viejos como At Newport, Nina Simone at Town Hall o At the Village Gate y por otro los de mediados de los sesenta en adelante. Momento en que las cosas cambian y el mundo ya no sería el mismo. Acá tenemos Nina Simone In Concert, como para empezar, ‘Nuff Said, Black Gold o el impresionante Emergency Ward!

Y después está It Is Finished, cuyo título funciona como un presagio. Acá los problemas ya eran demasiados, bien entrada la década del setenta, Nina Simone ya había hecho todo, se había ganado el cielo musical para siempre. Pero antes…

Exuma era el nombre artístico de Tony McKay, nacido en las Bahamas, sus cuatro o cinco primeros trabajos de estudio son increíbles. Único. Como punto de referencia se podría citar a Gris Gris de Dr. John, pero en el Caribe. Música hipnótica, un hechizo poderosísimo. Acá hay dos versiones, “Dambala” y “Obeah Woman”. Algo pasa en el medio del show, en el intervalo. Qué es lo que habrá consumido nunca lo sabremos. Lo cierto es que el ambiente cambia y es notorio, el clima se enrarece, se convierte en un ritual pagano indescriptible.

La fiesta arranca con “The Pusher”, de Steppenwolf y se puede encontrar una de las versiones definitivas del clásico de Jerry Jeff Walker “Mr. Bojangles”, una de las grandes canciones del siglo veinte. Hay un tema propio, que había sido grabado en el clásico Nina Simone Sings the Blues, es “I Want a Little Sugar In My Bowl”. It Is Finished puede no ser un punto de entrada ideal en la obra de una artista inigualable. Igualmente podés no tener idea del contexto o la parte histórica y pasarla bomba. Como suele suceder con La Gran Música.







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5 Canciones 5: Nina Simone

Everyone's Gone to the Moon

Hay temas que te pegan por diferentes causas, en este caso es la suma del título (sería 'todo el mundo se ha ido a la luna'), la melancolía desesperada de la melodía y la interpretación al piano de Nina Simone. Si estás solo, triste y tenés esa sensación de que te abandonó hasta quien menos esperabas, la música siempre va a estar ahi para ofrecerte un hombro. Siempre. No falla.

Aparece originalmente en: Nina Simone and Piano (1970)

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Gin House Blues

En uno de sus primeros larga duración demuestra que sus cualidades y su personalidad como intérprete ya estaban completamente conformados. Se manda con esta suerte de estándar blusero (Clapton, Bessie Smith, Animals, entre otros), oda etílica / lamento / celebración y registra una de las versiones definitivas. Más tarde reaparecería en 'Nuff Said!, disco grabado en vivo, a tres días de la muerte de Martin Luther King.

Aparece originalmente en: Forbidden Fruit (1961)

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Feeling Good

Este tema aparece en una película francesa muy buena que se llama The ntouchables, en una escena (si mal no recuerdo) en que se tiran en paracaídas. También, empieza a capella, pero la banda -una big band considerable- entra para marcar un leit motiv a lo Black Sabbath (¿o sería un riff entonces?). Como sea... lo que hace Nina Simone con su voz acá, lo que transmite y logra... es música para mandar al espacio exterior.

Aparece originalmente en: I Put a Spell On You (1965)

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Be My Husband

Con este milagro de su propia pluma abre Pastel Blues, del '65, a capella, con mucho sentimiento. La música se hace esperar y... nunca llega. El único acompañamiento que tiene es un golpe de hi-hat y unas palmas al final.

TE-MA-ZO.

Aparece originalmente en: Pastel Blues (1965)

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Turn! Turn! Turn! (To Everything There Is a Season)

Una de sus grandes versiones de hits del momento, tomando la que habían hecho los Byrds del tema de Pete Seeger. Incluída en To Love Somebody, un disco lleno de covers de temas pop. Cuando Simone hacía una versión siempre trataba de llevarla a un terreno inesperado, de apropiarse completamente de la canción. "Turn! Turn! Turn!" no es la excepción, hasta cambia el arreglo del estribillo y frasea distinto.

Aparece originalmente en: To Love Somebody (1969)

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5 Canciones 5: Arcade Fire, Magazine, Roberto Goyeneche, Beachwood Sparks y Nina Simone

Empty Room
Arcade Fire

Violines en stacatto, sacadísimos, en seguida entra la banda, con fuerza, contundente. A mí me suena a ABBA, en el cierre del estribillo y las voces, más que nada. Es de esos temas de los canadienses que tienen un parentesco con Springsteen, esa cosa de agarrar la ruta como método de redención, a la hora de salvar el alma o lo que corno sea. Estaba en el tercer disco de estudio, Arcade Fire fué una de esas bandas que recibió todo incluso antes de tener un disco en la calle. Y todo lo que sube...

Aparece originalmente en: The Suburbs (2010)

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Motorcade
Magazine

¿El primer disco de post-punk? Podría ser, tranquilamente. Año 1978, primer LP de estudio de la banda del ex-Buzzcocks, del gran Howard Devoto. Los tipos ya estaban a millas del punk rock cabezota de tres acordes, palo y a la bolsa. La introducción es climática al máximo, los tecladitos de hielo ya están presentes, anticipando el viaje al Ártico que iba a ser el enorme Secondhand Daylight. En un momento acelera pero nunca abandona del todo la atmósfera tétrica que se había planteado desde el principio.

Aparece originalmente en: Real Life (1978)

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Viejo Buenos Aires
Roberto Goyeneche

Tangazo de Mariano Mores. Aprovechamos la volteada para despotricar contra la completa y absoluta falta de preocupación en mantener el legado de la música histórica argentina. De cualquier disco pedorro que busqués información en Internet vas a encontrar hasta los datos y detalles más insignificantes. Quién tocó y produjo, cuándo y cómo se grabo y un largo etcétera. Del tango (y el folclore) bien, gracias. Y eso que no estamos hablando de un desconocido. Es Goyeneche, uno de los cinco o seis artistas más importantes que dió el género.

Aparece originalmente en: Yo canto tangos (1968)

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The Hustler
Beachwood Sparks

El disco doble de Beachwood Sparks, tuvieron sus quince minutos de gloria. Nadie va a decir que no lo aprovecharon. Este es para escuchar con los ojos bien rojos, entrecerrados, a medio camino entre el sueño y la vigilia. Tiene un cambio de ritmo interesante, a la manera de sus ídolos, los Byrds (claramente) y el extraordinario Notorious Byrd Brothers.

Aparece originalmente en: Once We Were Trees (2001)

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Thandewye
Nina Simone

Esta maravilla también aparece en las reediciones en CD de It Is Finished, un disco en vivo de mediados de los setenta. ¿Qué es esto? ¿Cómo se puede describir? Sería una marcha fúnebre, un Nocturno de Chopin pero en medio de África, en la espesura de la selva, en alguno de esos lugares en que los blancos todavía no han llevado su contaminación (y explotación) La línea que siempre separó la música clásica de la popular queda borroneada de una vez y para siempre en este temazo, de uno de los últimos discos de estudio de la enorme Nina Simone.

Aparece originalmente en: Fodder On the Wings (1982)

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Disco del Mes: Nina Simone - High Priestess of Soul

Nina Simone
High Priestess of Soul
1967










Phillips

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota - Esa estrella era mi lujo

"Bah, mi único héroe en este lío"

No conozco otro uso de la interjección "bah" en una canción. ¿Será igual que el héroe? ¿Único? En Argentina usamos esa sílaba cuando estamos por hacer una aclaración de algo que dijimos anteriormente. Encima sigue -desparramando defensores antes de llegar al arquero- con "la más linda del amor, que un tonto ha visto soñar". ¿Linda? ¿En serio dice 'linda'? Más vale! La idea era "molestar a la academia" y lo hicieron, como pocos. Como nadie. 

Y la música es preciosa. ¿Qué había asi afuera? Acá nada, seguro. ¿Y afuera? Así... nada, tampoco. Es dificil señalar algún pifie en los primeros cinco discos de Los Redondos. Cantantes que suenen como El Indio tampoco había, después hubo intentos, muchos, demasiados. Todos desopilantes, para mi gusto. Imitarlo es equivalente a querer sonar como Tom Waits, como Nina Simone, le estás errando desde el vamos.




Podés escucharla en YouTube.

Encontrala originalmente en:
Para mi gusto la trilogía impecable, el del medio. Después de Un baión para el ojo idiota y antes de La mosca y la sopa, el que los llevó a otra dimensión. Suenan parecido, tienen un nivel de variedad musical asombroso y es cuando la dupla compositiva Solari / Beilinson no daba puntada sin hilo.

¡BANG! ¡BANG! Estás liquidado (1989)

Richard Coleman - A Song Is a Song, Vol. 1

“A Song for You” es el primer tema. Hay que animarse con este. Quizás la versión más famosa sea la de los Carpenters, fue escrita por Leon Russell y aparece en su primer disco solista, pero fue interpretada por -atención- Donny Hathaway, Willie Nelson, Aretha, los Temptations, Ray Charles y la lista podría seguir un buen rato. Un verdadero clásico. Coleman la saca adelante y con entereza, sin ningún artificio más que la acústica, su voz y algún colchoncito de teclados muy sutil.

Hay gente que no tiene demasiado aprecio por los discos de covers, argumentando que no tienen demasiado valor artístico, que no aportan nada y demás cuestiones que a mi, particularmente, me tienen sin cuidado. Larga vida a los discos de covers. Por supuesto que tienen que cumplir ciertos requisitos, sobre todo a la hora de elegir la lista. Y acá hay una interesante selección. Algunas son un poco obvias si uno conoce de dónde viene Richard Coleman, están Bowie y Brian Eno, eso se caía de maduro, pero… ¿los Allman Brothers? ¿Y qué me dicen de Jethro Tull? El motivo principal de Thick As a Brick, sin todo el exceso progresivo / sinfónico de la original. Sorprende y es buena idea, casi se podría decir que es una declaración de principios.

 Además si es Bowie no es uno de los “resultones”, por decirlo de algún modo, es “Wild Is the Wind” que El Duque Blanco tomó de Nina Simone y grabó en el escalofriante Station to Station, en aquel período turbio pero super-creativo que tuvo. Vale decir que Coleman lo canta extraordinariamente, logrando las acrobacias vocales que exige sin demasiado esfuerzo aparente. Y los mismo pasa con Eno, bueno, tampoco es que hay temas que todo el mundo conoce, pero la elección es mortal; “Spider and I” del gran Before and After Science. También es un acierto el concepto sonoro de A Song Is a Song, la instrumentación es mínima, austera cien por ciento, quizás una forma de mostrar que las grandes canciones se sostienen por sí solas, que a la hora de estar desnudas pueden pasar la prueba de fuego. Que suele ser un cantante y una guitarra acústica. Con la banda y con el volumen es un poco más fácil. Así no tanto, hay que cantar en serio. Y este tipo canta.

Como sorpresas se pueden mencionar “Changes” de Black Sabbath, un tema que a mí nunca me atrajo demasiado, a pesar de ser fan a muerte de los de Birmingham. Más o menos lo mismo me pasa con “Love Me Tender”, quizás un tema que agotó por sobreexposición. El ex-7 Delfines le busca un enfoque nuevo, le encontró la vuelta. PJ Harvey (tremendo solo de guitarra!!!) y Johnny Cash dicen presente y también el gran Nick Drake, con una linda versión de “Pink Moon”. Hay que animarse a estos temas de acero, Coleman lo hace y sale muy bien parado.






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5 Canciones 5: Comsat Angels, Sandro, Morricone, Roberta Flack y Robin Williamson

Dark Parade
The Comsat Angels

"El desfile oscuro" sería el título traducido, una descripción perfecta para la música. A principios de los ochenta surgió una verdadera oleada de bandas que mostraban un costado gris y no tenían miedo de meterse de lleno en las penumbras de la mente. Los Comsat Angels lo hicieron como pocos. En este tema del segundo disco de estudio podés sentir el clima de asfixia, te lleva ahí, al borde del barranco. Al final, a los cuatro minutos, mete un cambio de ritmo -e intensidad- muy bien pensado, queda bárbaro.

Aparece originalmente en: Sleep No More (1981)

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Pequeña isla
Sandro

Ya en su tercer disco encaraba estas bizarreadas. En medio de versiones de los Kinks, Roy Orbison y canciones italianas. También en este LP está "Como caja de música", que es algo comparable a esto. ¿Cómo describirlo? Es como un arrebato de sentimentalidad, como un exceso de pasión, algo que sólo Sandro hizo y no estoy hablando de algo precisamente bueno o valioso. Esto es ridículo hasta un punto que... mejor escucharlo. A los dos minutos aproximadamente entra en una suerte de espiral de delirio.

Aparece originalmente en: Alma y fuego (1966)

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Man with a Harmonica
Ennio Morricone

Clasico total. Absoluto. De la alianza entre Ennio Morricone y Sergio Leone salió una música que quedó en la historia para siempre, influyó a mucha gente, todavía hoy sigue pisando fuerte. Acá hay heroísmo, épica, aventura, el costado grandioso del ser humano. Esto es, ni más ni menos, lo que llaman spaguetti western, está casi al nivel de "El bueno, el malo y el feo", en el sentido de que puede reconocerse al instante. Hay un motivo de armónica desolador, evocativo. Cuando estalla la orquesta es un remolino de poder arrasador.

Aparece originalmente en: C'Era Una Volta Il West [banda sonora original de la película] (1969)

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Go Up Moses
Roberta Flack

Let's get funky! ¿Pero cómo lo hacemos? Vayamos directo a la fuente. A África. Esto anticipa en por lo menos cuarenta años a la música actual que viene del desierto del Sahara. Es un mantra, un monstruo hipnótico de cinco minutos de duración. Roberta Flack en su tercer LP de estudio se permitía algunas búsquedas que no habíamos escuchado en sus trabajos anteriores. Su voz se eleva por sobre la maraña de ritmo y groove que teje su banda, con autoridad, fuerza y convicción. Tiene una relación con ciertos himnos que solía entonar Nina Simone, más o menos para esta época, también.

Aparece originalmente en: Quiet Fire (1971)

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Fare Thee Well Sweet Mally
Robin Williamson

Música de cámara en pleno siglo veinte. Atemporal en todo sentido. Unos diez años separan a Myrrh, el debut como solista de Robin Williamson, y este, el segundo. Uno de los dos líderes de la mítica Increbible String Band, una banda mágica, inexplicable. Los tipos eran folkies pero tenían un costado recontra psicodélico, eran duendes jugando a hacer música, pero a la hora de los bifes, la cosa era seria. Tocaban muchos instrumentos, el arpa, como casi cualquiera sabe, es muy difícil de dominar. La capacidad de transportarte a un momento y un lugar que tiene esta gente es quizás la mayor virtud, entre otras.

Aparece originalmente en: Songs of Love and Parting (1981)

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5 Canciones 5: Rick James, Maysa, Kevin Ayers, Black Flag y Simon Bonney

Mr. Policeman
Rick James

Dentro de este disco de funk demencial está incluído este temazo que bien podría ser un homenaje a "Jammin'" de Marley, con un groove gigante, asesino. Canadiense de nacimiento, había tocado de joven con Neil Young en una banda que se llamaba The Mynah Birds, llegaron a grabar dos simples. En Street Songs también está el tema que, los que tenemos alrededor de cuarenta, recordamos al instante por la versión de MC Hammer, nada menos que "Super Freak". Otro temazo.

Aparece originalmente en: Street Songs (1981)

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Tema triste
Maysa

Era conocida como "la Janis Joplin de la bossa nova" por llevar una vida caótica, descontrolada. Para la altura de este, su tercer LP homónimo ya había grabado más de diez discos y tenía más de una década de carrera. Esto bien podría considerarse música de cámara, con esos arreglos (¿es un clarinete eso que suena?) sutiles y esa voz enorme, esas voces que se imponen con autoridad, al estilo Elvis o Nina Simone.

Aparece originalmente en: Maysa (1969)

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Eleanor's Cake (Which Ate Her)
Kevin Ayers

Un extraordinario ejemplo del humor retorcido y jocoso del gran Kevin Ayers. La traducción del título sería algo así como "La torta de Eleanor (que se comió a su dueña)" y en la letra no hay ninguna referencia a esto que pasa en el título. Pero la canción es de una belleza avasallante. Acústica más que nada, se despega un poco del disco que la contiene, hay flautas y la voz inconfundible, recién levantado y con lagañas.

Aparece originalmente en: Joy of a Toy (1969)

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No More
Black Flag

Keith Morris, Ron Reyes y Dez Cadena ya habían pasado por Black Flag antes de que llegara Henry Rollins y pudieran grabar el primer larga duración, el histórico Damaged. Unas notas de bajo que se van acelerando anuncian que acá está todo mal, a la mitad de lo que dura el tema entra la banda y hay que romper todo, con la voz afónica y la velocidad desquiciada. Cuando te estás acomodando al sacudón de violencia y adrenalina... ¡terminó!.

Aparece originalmente en: Damaged (1981)

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Like Caesar Needs a Brutus
Simon Bonney

A lo mejor alguno se acuerda de Bonney por haber estado en Crime & the City Solution, banda siempre ligada a Nick Cave y sus eternos Bad Seeds. Acá la historia es otra, primer LP como solista, más cancionero, más calmo. Empieza con unos arpegios de guitarra y cuando entra la voz tiene un parecido a las grandes baladas de The Triffids, compatriotas y probable influencia. Alguien tiene que usar este tema para el final de una película, auto que va desapareciendo en el horizonte. Infalible.

Aparece originalmente en: Forever (1992)

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5 Canciones 5: Van Halen, Procol Harum, Marissa Nadler, The Association y Billy Idol

Dance the Night Away
Van Halen

Nunca entendí del todo el fanatismo por Van Halen. Que los discos suenan increíble y que tocan impresionante está fuera de cuestión. Me acuerdo que en la revista Madhouse varios habían elegido este, el segundo, como el disco que se llevarían a una isla desierta o algo por el estilo. Kerry King de Slayer era uno, segurísimo. Sí encuentro algunos que me parecen temazos, como este, por ejemplo. Es felíz a más no poder, descaradamente, el estribillo te obliga a cantar, tiene mucho gancho. Y eso vale. 


Aparece originalmente en: Van Halen II (1979)

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Bringing Home the Bacon
Procol Harum

Ritmo raro, chueco... te hace pensar en cómo cuernos van a meter una canción con esto y eso ya tiene algo valioso... la intriga del oyente. En seguida entra un hammond hermoso y entre las dos estrofas hay unos arreglos a lo grande, orquestales, algo que puede asociarse rápido con Procol Harum. El tema es una excusa para que pele el guitarrista, Mick Grabham. El guitarrista más famoso que tuvieron, Robin Trower, se había ido dos años antes, después de Broken Barricades.


Aparece originalmente en: Grand Hotel (1973)

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All the Colors of the Dark
Marissa Nadler

Viene hace rato haciendo música que no obedece a los cánones dictados por la industria. Marissa Nadler. Poniendo mente, cuerpo, alma y una voz que te hace dejar de lado lo que estás haciendo y prestar atención. Una voz con autoridad, como Johnny Cash o Nina Simone, gente que no pertenece a su generación. "All the Colors..." empieza bajito, con poco acompañamiento. Sin apuro empieza a subir el crescendo, sin llegar nunca al estallido, una dinámica interesante. Se guarda lo que estabas esperando, quizás para no caer en la obviedad. O para que prestemos atención a lo que está diciendo, al mensaje.


Aparece originalmente en: Strangers (2016)

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Requiem for the Masses
The Association 

¡EPA! Un coral en medio de un tema de... ¿The Association? Tan prolijitos que se los veía un par de años antes, cuando la re contra pegaron con "Along Comes Mary". Eran una banda que se destacaba por sus armonías vocales -de varias partes- hasta que llegó el año clave... el '67. Era adaptarse o morir y ellos lo hicieron, con discazos como este o Birthday, el que le sigue. Bones Howe en la producción, su CV incluye The Monkess, Turtles, el especial del '68 de Elvis y The 5th Dimension, entre otros.


Aparece originalmente en: Insight Out (1967)

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Shock to the System
Billy Idol

El último coletazo del ex-Generation X antes del descenso al infierno. Ya venía jugadísimo para la altura de Cyberpunk, que algunos consideran directamente un bochorno. ¿De qué manera Billy Idol podría llegar a acercarse a ser un "shock para el sistema"? Se lo perdonamos, por torcer el labio de arriba con ese ángulo imposible. Igualmente el tema más recordado lejos es este, que no se aleja demasiado de los clásicos como "White Wedding" o "Rebel Yell", la producción es más discreta, no llama tanto la atención como en el resto de los temas.


Aparece originalmente en: Cyberpunk (1993)

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Aretha Franklin - Young, Gifted and Black

Esta es la gran música norteamericana del siglo veinte. Mientras otra música hecha en el hemisferio norte parece hecha para reclutar gente que quiere inmolarse por el petróleo (el pop manufacturado, el 90% de la música pesada actual, etcétera) existe otro universo en dónde la música está hecha por el placer de hacerla, por la nobleza de este arte milenario, por su eterna capacidad de torcer el destino y salvar vidas, a la pasada.

Podés agarrar cualquiera de los discos que hizo Aretha para el sello Atlantic, los que produjo el gran Jerry Wexler, los comprendidos entre I Never Loved a Man… del ’67 y Hey Now Hey (The Other Side of the Sky) del ’73, y escuchar la música invencible del siglo veinte, la que todavía hoy sigue influyendo a intérpretes, arregladores y compositores. No sólo de soul y R&B, de muchos géneros de música contemporánea. Son casi diez discos clásicos de los cuales hay, por lo menos, cinco indispensables.

Si le pegás una mirada a los créditos de Young Gifted and Black podés ir a parar a mil lugares diferentes. Hay una verdadera galería de invitados de lujo; Donny Hathaway toca teclados en todo el disco, las hermanas Erma y Carolyn Franklin hacen coros, Dr. John toca percusión, Al Jackson Jr. atrás de los parches, Billy Preston al hammond y la lista podría seguir un buen rato. Todos sumando para hacer un LP enorme como es este. Young Gifted and Black se caracteriza por tener un balance perfecto entre versiones y originales, a diferencia de -por ejemplo- This Girl's in Love with You en donde son casi todos covers, en este caso el asunto está más repartido. Está el himno generacional y combativo de Nina Simone para dar título, en una versión que pone la piel de gallina, el inmortal “I've Been Loving You Too Long” de Otis Redding, en donde Aretha se las arregla para darle una nueva lectura a un tema que ha sido interpretado por medio mundo, el infaltable tema Beatle de la mano de “The Long and Winding Road” (conmovedor también) y hasta “April Fools” de la dupla Bacharach / David.

En sus originales Aretha brilla como nunca, en “All The King's Horses” se luce como cantante de gospel, creciendo de a poco y explotando como sólo ella sabe hacerlo, en “First Snow in Kokomo” entona una de sus grandes baladas lacrimógenas, sin rozar ni de cerca la sensiblería, un pecado habitual en ciertos cantantes. En “Rock Steady” se deshace en un funk sudoroso y grasiento que nada tiene que envidiarle a los grandes del género. Porque ella es uno de esos grandes. Casi está de más decirlo a esta altura.







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Jessica Pratt - Quiet Signs

“Sé que el mundo está cambiando, quemándose en las palabras salvajes, parece inexplicable, más que un destacado nacido del miedo, no voy a encontrar refugio acá, hay una cosa mal, sólo algunos elegidos. Necesito alma para seguir haciendo sonar el silbato, y falta mucho antes de que llegue mi futuro, hundido en arena una y otra vez.”

Con estas palabras definitivas empieza el tercer disco de Jessica Pratt, con “As the World Turns”, después de una breve introducción instrumental. Suena a manifiesto, a declaración de principios, a persona sensible viendo el mundo venirse abajo, sin saber del todo qué hacer, pero teniendo claro que sólo queda una opción; seguir haciendo, seguir probando, diciendo, haciéndose oir.

Es raro pero Jessica Pratt tuvo no pocas repercusiones de entrada, con su disco debut, su LP homónimo del 2012, ya con ese trabajo la comentaban en ciertas revistas. Era claro que la piba tenía personalidad y traía algo distinto a un mundo atiborrado de información, de cantantes y de gente que ya no quiere escuchar canciones nuevas. El hecho de que alguien de veintitantos se moleste en componer sus propias canciones, en forjar su propio camino ya es algo hoy en día. Y Jessica Pratt rebosa personalidad. Hace poco salió una nota en donde ella elegía discos, en un local enorme de California y sus elecciones no hacía más que hablar de alguien que está en su propio mundo. Mark Almond, Nina Simone y Scott Walker conviven sin problemas con Can, Destroyer y The Durutti Column en el mundo de Jessica Pratt, que parece que tiene cincuenta años y apenas llega a los treinta. Y no sólo de apariencia física hablamos. Su música no tiene edad, no pertenece al mundo actual, plantea un universo de elfos y duendes sin apelar a imágenes directas, sino más bien haciendo alusiones poéticas y metáforas universales.

La caja de herramientas que usa es más bien reducida, su guitarra arpegiada, su voz extrañísima y algún que otro acompañamiento de instrumentos de color, pianos, órgano, algún sintetizador y no mucho más. Sin embargo transmite y comunica un universo único, propio. Como toda la gran música de la que podríamos llamar era moderna, se nutre de un millón de fuentes para terminar sonando diferente. Quiet Signs es uno de los discos del año, definitivamente.








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5 Canciones 5: Juicy Lucy, The Builders and the Butchers, Little Richard, Johnnie Taylor y East of Eden

Chicago North Western
Juicy Lucy

Otros que se estaban haciendo su propia película, construyendo su propia burbuja. Casi todos los integrantes había estado en otras bandas (¿se acuerdan de The Misunderstood?) a lo largo de la década del sesenta, tenían experiencia. El disco podría encuadrarse dentro de la categoría blues rock, un poco más pesados que el promedio. Este tema en particular es para agarrar la ruta, hermosos arreglos de pedal steel, lap steel, o como se llame la guitarrita esa, que va acostada. Mucha onda.

Aparece originalmente en: Juicy Lucy (1969)

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Bringing Home the Rain
The Builders and the Butchers

Qué buena banda esta, todavía siguen, sacaron disco en este año, hace poco. A mí me hacen acordar mucho a los Violent Femmes de la época del segundo disco, Hallowed Ground, con ese costado gótico, sureño, medio enfermizo. Acá están el banjo y la mandolina haciendo que la canción salte de un lado al otro, agregando fiesta y misterio.

Aparece originalmente en: The Builders and the Butchers (2007)

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Lonesome and Blue
Little Richard

Blues malvado. Esta bien podría ser La Música del Diablo. Este temazo del tercer disco de estudio de Little Richard tiene un parentesco directo con ciertos temas de Nina Simone. Por ejemplo la versión que hacía ella de "I Put a Spell On You" o "Feeling Good", recientemente rescatado por series, publicidades y películas. En apenas dos minutos dice todo lo que tiene que decir, deja en claro el asunto, en una atmósfera densa, enrarecida.

Aparece originalmente en: The Fabulous Little Richard (1959)

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Testify (I Wonna)
Johnnie Taylor

IM-PRE-SIO-NAN-TE. El Filósofo del Soul. Con ese apodo lo conocían al gran Johnnie Taylor. Acá hay algo más que soul. Como suele suceder, los grandes de verdad siempre van un poco más allá de los géneros y las etiquetas. A veces, cuando escucho cantantes que imitan lo que se hacía en esta época, pienso que lo único que provocan es ganas de ir a desempolvar estos discos. El riff, la respuesta del coro, un cantante en plan predicador poseído, las cuerdas... todo está puesto en su lugar preciso.

Aparece originalmente en: The Johnnie Taylor Philosophy Continues (1969)

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Ramadhan
East of Eden

Momento histórico, fines de los sesenta, principios de la década siguiente. Había lugar para todo tipo de propuestas. Que una banda como East of Eden haya podido "parar la olla"... bueno, al menos estaban en el sello Deram (más tarde Harvest), tenían algo de exposición mediática. El ramadán, como cualquiera que haya hecho crucigramas sabe, es el noveno mes del calendario islámico. Así que en el título ya tenemos una pista de lo que nos espera en este temazo del segundo LP de estudio de estos ingleses. Ciudadanos del mundo, en realidad.

Aparece originalmente en: Snafu (1970)

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