5 Canciones 5: Neil Young

Broken Arrow

Acá mete mano el gran Jack Nietzche como productor, para darle cierre a este disco y a uno de los grandes temas de la corta carrera de Buffalo Springfield. Neil Young tenía apenas un poco más de veinte años y ya mostraba evidentes signos de genialidad. Esto es una especie de mini-ópera sobre la vida, la muerte, el paso del tiempo y demás cuestiones trascendentales. ¿Que habrán pensado Stills o Richie Furay al ver que no podían llegarle ni a los tobillos a algo como esto?

Aparece originalmente en: Buffalo Springfield Again (1967)

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Running Dry (Requiem for the Rockets)

Todavía hoy toca en vivo tres o cuatro temas de Everybody Knows This Is Nowhere. Parece haberse olvidado de este. Nosotros no. Lento, oscuro, melancólico y con unos arreglos de violín gitano increíbles, mucho antes de Desire, de Dylan. Hay quienes dicen que este es un saludo a los Rockets, así se llamaba la banda que lo acompañó por primera vez acá y que después sería leyenda: Crazy Horse.

Aparece originalmente en: Everybody Knows This Is Nowhere (1969)

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Four Strong Winds

Otro disco relativamente olvidado cuando se habla del Neil Young más acústico y tranquilo, con un un nivel similar a Harvest, Prairie Wind, etc. Acá habla de amor y de lo que se consigue a través de una relación. La vocecita que se escucha haciendo coros es Nicolette Larson, nada que envidiarle a Emmylou Harris.

Aparece originalmente en: Comes a Time (1978)

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One of These Days

Un chistecito nunca viene mal. "Algún día voy a tomar coraje y le voy a escribir una carta larga a todos los buenos amigos que he conocido, uno de estos días y no creo que tarde mucho". ¿Qué mejor que una canción para agradecer? Y si encima la canción es hermosa... cierra por todos lados. Podríamos haber elegido cualquier otra de Harvest Moon, enorme en su humildad.

Aparece originalmente en: Harvest Moon (1992)

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Love and War

Famoso por tomar decisiones raras, esta no es la excepción. Se junta con un productor (Daniel Lanois) y hace exactamente lo opuesto a lo que podríamos haber esperado. Un disco que es una catedral sonora construida solo con una voz y una guitarra. En esta reflexión espontánea, que hasta parece improvisada, lo único que debe haber hecho Lanois es apretar "REC". Atención especial para el riff estilo spaguetti western.

Aparece originalmente en: Le Noise (2010)

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Pete Brown & his Battered Ornaments - A Meal You Can Shake Hands with in the Dark

¡Como cambiaron los tiempos! Habría que pensarlo ahora. ¿Qué pasaría si hoy alguien se acerca a un sello discógrafico con un disco como A Meal You Can Shake Hands with in the Dark? Por empezar habría que ver si alguien se acercaría en primer lugar a una discográfica y segundo si esa discográfica existiría. Y en el hipotético caso de que eso suceda, lo más probable sería una palmadita en el hombro o alguna que otra reacción más violenta.

Pero aquellos días de fines de la década del sesenta eran diferentes, recién aparecía un sello subsidiario del gigante EMI, ideado para dar lugar a propuestas más arriesgadas, nada menos que el magnífico sello Harvest, que albergó a gigantes como Pink Floyd o Deep Purple pero también a héroes de culto como Barclay James Harvest, Babe Ruth o Gryphon.

Pete Brown era un poeta y músico aficionado por aquel entonces. Ya había trabajado con Cream, escribiendo varias letras de temas que hoy son clásicos, cualquier que haya prestado atención a los créditos de Disraeli Gears o Wheels of Fire seguramente vió su nombre en un buen puñado de composiciones. El tipo tenía habilidad con las palabras, podía ser crítico, cínico, corrosivo y cómico y muchas veces en la misma estrofa. Títulos, grandes títulos, algunos memorables: este disco por ejemplo podría traducirse como “Una cena a la que se le puede dar un apretón de manos en la oscuridad” o “Las cosas pueden ir y venir pero el baile de la escuela de arte estará por siempre”. ¿Otro? “La mañana lucía bastante bien en teoría” o “Camina hacia la caridad, corre hacia el dinero”. ¿La música? Rock progresivo mala onda, retorcido, freak, hasta diabólico por momentos. La banda, los Battered Ornaments, que por esos años contaban con el gran Chris Spedding en la guitarra, es competente y puede lidiar con el jazz, el hard rock y las zapadas deformes sin que les mueva un pelo.

A Meal… empieza con "Dark Lady", un riff sincopado y maligno, unos Black Sabbath con ganas de pasar por el conservatorio y apenas empieza a sonar uno agradece a Harvest o a quienquiera que haya dicho “está bien, vamos a sacar y apoyar este disco”. "The Old Man" sigue en la misma tónica pero en "Station Song" el tempo baja y las malas vibras aumentan. Suena parecido a algunos temas de Cream como "We're Going Wrong" pero con una atmósfera enrarecida, más lúgubre. "The Politician" empieza con un recitado muy histriónico de Brown y va a parar a una extensa zapada en donde los músicos muestran lo que son capaces de hacer; un jazz rock desquiciado, a toda velocidad en donde se luce especialmente el saxo de Dick Henstall-Smith.
En la cara B la tónica se mantiene; eclecticismo total, buenas interpretaciones, letras surrealistas ("Sandcastle"... ¡gran tema!) y para terminar otro tema largo, épico "Travelling Blues".

Los Battered Ornaments tuvieron su cuarto de hora cuando fueron invitados a participar del recordado concierto al aire libre en el Hyde Park, cuando Jagger recitó a Wilde en honor al recientemente fallecido Brian Jones, pero para ese momento Brown ya se había alejado para armar su siguiente banda, Piblokto! con quienes grabaría aún más música imperecedera. Ese capítulo lo dejamos para la próxima…

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5 Canciones 5: Cafrune, Kris Kristofferson, Boney M, Danny and the Champions of the World y Rory Gallagher

Mandinga abrime la puerta
Jorge Cafrune

De esos que "entran por el nombre". "Mandinga abrime la puerta"... podría haber sido una colección de eructos y pedos en La menor e igual hubiese comprado. Bueno, no tanto en realidad, una exageración nunca está de más. Robert Johnson y el cruce de caminos pero bien al sur, en el culo del mundo. El tipo le pide a Mefisto que lo ayude; "llegué hasta la salamanca (*) pa' verme con Lucifer, dame suerte para el juego, mucha dicha en el amor". Por curiosidad me fijé en discogs.com y este LP está editado en Argentina, Uruguay (logicamente) España y Holanda. El Turco sabía un par de cosas.

Aparece originalmente en: Labrador del canto (1972)

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(*) Según la versión de los santiagueños y otras zonas del norte de la Argentina, la Salamanca es un espacio destinado a la enseñanza e intercambio de conocimientos, ubicado en una cueva o en el monte. Ahí el iniciado aprende el arte que le interesa (domar, bailar, tocar la guitarra, curar, maleficiar y demás) siguiendo las lecciones del Supay (el demonio). La tradición cuenta que si alguien escucha la música de la Salamanca, caerá en una vida de terror, a menos que se trate de una persona de buena fe o tenga un rosario entre sus manos, para no caer en la tentación del Supay. Muchos aseguran que a la Salamanca concurren a hacer pactos con el diablo diversos artistas que quieren utilizar al máximo sus dotes. Esto también implica un "descanso" repleto de sufrimiento. Varios artistas han reflejado la Salamanca en sus obras tanto plásticas como musicales.

Loving Her Was Easier (Than Anything I'll Ever Do Again)
Kris Kristofferson

Incluído en el segundo LP de estudio de Kris Kristofferson, un tipo que debe tener un lindo cheque de regalías por la gran cantidad de versiones que se han hecho de sus temas. Janis, Willie Nelson, Elvis, Al Green, Johnny Cash y la lista podría seguir. Acá la producción mete violines y hasta una sección de bronces, como para diferenciarlo un poco del debut. Prueba cabal de que un cantante técnicamente limitado puede comunicar y hasta conmover.

Aparece originalmente en: The Silver Tongued Devil and I (1971)

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Still I'm Sad
Boney M

Estos eran un producto, una de esas bandas manufacturadas, con mucha planeación detrás. Eso no significa que no sabían lo que hacían. ¿Se acuerdan de los Monkees? ¿Podemos incluír a los Pistols o a los Beatles? En el disco que viene después que este (Nightflight to Venus) hay un cover muy logrado de "Heart of Gold", de Neil Young. Acá se mandan con el clásico (?) de los Yardbirds, respetando el característico arreglo de canto gregoriano del original.

Aparece originalmente en: Love for Sale (1977)

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A Man Needs a Maid
Danny and the Champions of the World

Estos compilados de la revista MOJO suelen ser escuchados una vez (con suerte) y después archivados en algún recóndito lugar de tu colección. En una epoca se los podía encontrar seguido en las bateas de ofertas. Y más estos que recrean un disco clásico. Pero este está bueno. A mi de Harvest nunca me gustaron los temas orquestados. Eran "There's a World", este y "Words (Between the Lines of Age)". Y lo dice un ultra-mega-archi fanático de Neil Young. Danny George Wilson y sus amigotes le sacan la orquesta y la hacen mas folkie. Ahí te das cuenta de que también es un temazo.

Aparece originalmente en: Harvest Revisited (2011)

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Overnight Bag
Rory Gallagher

¿Qué pasaba si en vez de ser irlandés hubiese nacido en Inglaterra? Me la juego; estaríamos hablando de alguien de la altura de Clapton, Jeff Beck o cualquiera de los grandes héroes de la guitarra de la década del setenta. Rory Gallagher supo adaptarse bien a los cambios que llegaron con el final de aquella década y este tema es un buen ejemplo. Además de tocar la guitarra como un demonio era un compositor de canciones de primer nivel.

Aparece originalmente en: Photo-Finish (1978)

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Bruce Springsteen - The Ghost of Tom Joad

Un personaje que polariza opiniones. Pocos quedan a mitad de camino. Quienes lo aceptan lo siguen incondicionalmente e incluso se morfan esos conciertos maratónicos de más de tres horas. Los que le dan la espalda no quieren saber nada, no lo pueden ni ver. Lo acusan de patriotismo barato, una sencillez que bordea lo ramplón y demás excusas de esas que suelen servir para descalificar a un artista sin haberlo escuchado con detenimiento. Está bien, en la tapa estaba la bandera y los videos promocionales de ese disco eran casi propagandísticos, por no decir paródicos. Y, a no olvidarse, vendió muchísimo y se convirtió rápido en una super estrella, cosa que suele incomodar a quienes se creen alternativos, fuera del mainstream o como le quieras llamar. También: sí y no. Aquel “Born in the USA” era en realidad una crítica al gobierno, tenía que ver con el trato que recibían los veteranos de Vietnam. Pero decía “nací en Estados Unidos” (y no 'qué cagada fué la guerra') en un tema de claro corte heroíco, con esa batería gigantesca y la voz a grito pelado. Era lógico que se iba a malinterpretar.

Neil Young tiene Harvest, disco al que ha vuelto en más de una oportunidad, con Harvest Moon, Silver & Gold, Prairie Wind y seguro que me olvido de algún otro. Y Bruce Springsteen tiene Nebraska, él solito con la guitarra y no mucho más, con unas canciones de hierro. Volvió a ese sonido y concepto con Devils & Dust y con este, The Ghost of Tom Joad, del ’95, basado en Las uvas de la ira, la novela clásica de John Steinbeck. El escritor elegido no podría ser más yanqui y la temática ni hablar. Habla de una familia que emigra a California con aquella famosa crisis del ’29, la llamada Gran Depresión. Sería una road movie, en términos posmodernos.

Si tus discos favoritos de Bruce son The River o Born to Run, no busqués acá ese tipo de canciones. Si “Racing in the Street”, “No Surrender” o “Thunder Road” tienen un costado grandilocuente innegable, esta sería la otra cara, el opuesto. Lo más parecido a un arreglo acá podría ser el colchoncito sutil de teclados en “Sinaloa Cowboys”, uno de los temazos del LP de estudio número once de El Jefe.

Es verdad que estas canciones tienen una carga fuerte en las letras, por eso mismo elige este disfraz, esta instrumentación despojada, casi mínima. Pero como suele suceder con la música, el lenguaje universal por excelencia, podés no tener la menor idea del contenido lírico del asunto y disfrutar con su clima introspectivo y melancólico. Funciona perfecto para acompañar un día gris, una cena a mano a mano o un viaje nocturno. Cada quién sabrá para qué usarlo.






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Bruce Springsteen - The Rising

Edgar Broughton Band - ídem [3er. LP - 1971]

Formados a fines de la década del 60 en Warwick, un pueblito rural del sur de Inglaterra. Los Edgar Broughton Band fueron abanderados de causas justas, politizados y rebeldes. Eran famosos por tocar en cuanto camión al aire libre se pusiera en el camino. Es importante subrayar el compromiso social de la banda, con inclinación por la izquierda mas radical, sus shows eran casi mitines en la inglaterra post-swinging London. Una de las causas por las cuales la EBB aún no ha sido reivindicada, en tiempos de nihilismo extremo y vacío ideológico.

Tienen también el mérito de haber inaugurado la producción discográfica del mítico sello Harvest, aquella subsidiaria de corte progresivo del gigante EMI. A través del simple "Evil" con "Death of an Electric Citizen" en su cara “B”. Luego de dos discos muy valiosos, en el seno interno de la banda se decidió por un camino mas musical, menos teatral y sin tanta carga conceptual. Venían de un disco debut como Wasa-Wasa, algo así como un Captain Beefheart de Safe As Milk aterrizando en un suburbio peligroso de la capital inglesa, seguido casi de inmediato por Sing Brother Sing donde la tendencia retorcida y los climas turbios se acentuaron.

En un hipotético encuentro entre humanos y alienígenas, a la hora de mostrar qué es lo que ha estado sucediendo a nivel musical, "Evening Over Rooftops" es buena elección. Si el buen rock, el trascendente, es una alianza entre letra y música, este primer tema se lleva un premio mayor. Con arreglo de cuerdas de David Bedford, compañero en el sello Harvest y por aquel entonces militando en la banda de Kevin Ayers. Empieza con un clima tenebroso, a la manera de los mejores cuentos de Poe; “¿Qué tan lejos estamos de la muerte? Estamos cerca de un final, el humo se colgaba de la línea del horizonte, la ciudad cayó en el silencio. El ocaso, maduro y amable era la luz ideal para escribir algunas ideas”. La voz de Rob “Edgar” Broughton prácticamente recita la letra, llena de imágenes, de alto vuelo poético. Su hermano, Steve, en los parches, Victor Unitt en guitarras -y varios instrumentos- y Arthur Grant en bajo y voces, completan la formación. Es la que graba también el resto del album.

Si seguimos escuchando Edgar Broughton Band, tercer disco, homónimo, habrá más sorpresas. Nos encontramos con "Piece of My Own", beatlesca, con un aire lúdico, "The Birth", emparentada con los trabajos previos de EBB, pero mas refinada y guitarrera. "Poppy" es un blues lento y almibarado, entrañable por donde se lo mire. Comprensible si tenemos en cuenta que después viene el caos auditivo de "Don’t Even Know Wich Day It Is", cantado con toda la bronca, al mejor estilo Don Van Vliet, mascullando las palabras, escupiendo al viento cada una de las sílabas.

Se lo conoció como El Disco de la Carne por su controvertida portada que mostraba a una persona desnuda, colgada cabeza abajo con varias “ex-vaquitas” en el matadero, casi listas para ser engullidas. Fue un éxito a nivel críticas y cosechó un moderado nivel de ventas, sobre todo en la Europa continental, en donde todavía hoy son recibidos como héroes. Las cosas se pondrían densas para Edgar Broughton Band en un futuro cercano, pero siempre con la frente bien alta y con producciones musicales a la altura de su legado e historia.







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Neil Young - Silver & Gold

El rey de los golpes de timón, un tipo que siempre hace lo que no se espera de él. Aunque se podría decir que a esta altura, eso mismo que siempre lo caracterizó, ya se volvió previsible, una discusión que dejaremos para otro momento. Nadie en su sano juicio puede discutir que hace lo que se le viene en gana y que, con todos sus méritos al día de la fecha, no se le puede ir con reproches. Lo tomás o lo dejás, así de simple.

Silver & Gold, el primer disco de este milenio, se inscribe en la categoría “disco folkie acústico” al estilo de Comes a Time, Harvest Moon o el cuestionado -injustamente- Old Ways. En su momento recibió críticas más bien adversas, incluso en una era en que no son muchos los que se animan a hacer comentarios negativos sobre un artista de su estatura, sobre todo en los medios “oficiales”, que todos sabemos cuáles son. Los palos venían por el lado de que las canciones no estaban a la altura del inmenso legado de Neil Young, que no “rockeaba” lo suficiente, que la instrumentación era demasiado simplona, que las letras eran pedestres y hablaban de una idea de felicidad doméstica, algo que suele irritar a ciertos escribas de nariz parada. Como suele suceder, lo que a muchos molesta para otros son virtudes y en esta última postura estamos, por supuesto.

Hay que ser valiente para hacer un disco como Silver & Gold, carente de cualquier tipo de pretensión artística, de concepto grandilocuente o ínfulas de innovación. Hay que bancársela para hacer una letra como “Good to See You” o “Daddy Went Walkin’”, en donde la idea es festejar esos pequeños momentos que tiene la vida y que suelen pasar desapercibidos. En “Buffalo Springfield Again” canta que añora juntarse a tocar con sus viejos compañeros de andazas de la década del sesenta y, a pesar de que en realidad fue el propio Neil quien boicoteó más de un intento de reunión, uno no puede menos que creerle cuando la música es un delicia auditiva y crea una atmósfera de calidez y arropamiento. Eso es lo que consigue este disco, sin el menor esfuerzo, algo que hemos visto fracasar en manos de otros artistas. Tiene grandes joyas como “Distant Camera”, el enorme “Razor Love”, el tema que da título, la extremadamente dulce (sin ser empalagosa) “Horseshoe Man”, una balada de piano preciosa o el encargado del cierre; “Without Rings”.

Silver & Gold salió un poco después del malogrado disco reunión Looking Forward, con sus viejos colegas Crosby, Stills y Nash, donde otra vez lo acusaron de guardarse sus mejores canciones y sabotear el proyecto. Como bien dijimos, a esta altura del partido, con todo lo que nos ha dado, Neil Young es inimputable.







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Neil Young - Harvest
Bob Dylan - New Morning
Neil Young - Prairie Wind

Neil Young - It's a Dream

Tiene algo que nadie tiene. Pensándolo bien quizás haya algunos que también tengan la magia de Neil Young, pero él es único.

Me acuerdo cuando salió Prairie Wind y tuvo críticas tibias, lo consideraban un buen disco y no mucho más, para mí es extraordinario y esta es LA canción.

Es un hombre grande reflexionando sobre lo que todos pensamos. Lo rápido que pasa el tiempo, cómo se puede disfrutar de las pequeñas cosas y hasta se permite una licencia poética sencilla; la vida es un sueño y se está desvaneciendo.

En manos de otro compositor podría sonar trillado y hasta aburrido pero Shakey tiene una sensibilidad especial, logra comunicar mucho y sin demasiados recursos. Usa una orquestación un poco obvia pero en la canción queda bárbaro, suma. Conmovedor. Cien por ciento Neil Young.




Hay una hermosa versión en vivo y se puede ver acá.

Encontrala originalmente en:
Para mí este es el último gran disco de Neil Young, Psychedelic Pill lo escuché y me pareció bien pero la última vez que me conmovió en serio fué acá. Vendría a formar parte de sus discos íntimos y acústicos, como Harvest, Comes a Time, Harvest Moon y Silver & Gold. Esos que son un cariño al alma.
Prairie Wind (2005)

Video de la Semana: Neil Young - Harvest Moon

La canción que da el título a uno de los discos más hermosos de Neil Young: nada menos que Harvest Moon.

Jon Langford - Gold Brick

Los Mekons eran una anomalía, una banda universitaria inglesa -de Leeds- ultra politizada, de izquierda, liderada por un cantante galés, en medio de la efervescencia post-punk, haciendo música de raíces yanqui y compartiendo escenario con grupos que no tenían nada que ver. Con los Mekons este tipo se cansó de hacer discos y dos por tres vuelve a las andadas con su antigua banda. No le podés dar cinco minutos libres porque en seguida sale con veinte canciones nuevas abajo del brazo.

Gold Brick es su séptimo larga duración como solista, del '06, vendría a ser una suerte de álbum conceptual sobre el oro y los negociados con esclavos durante la conquista de América. La pluma de Langford está más afilada que nunca. Cabe recordar que con los Mekons siempre compartían los créditos, pero las canciones y el concepto detrás de cada disco salían de su fértil imaginación. Acá por primera vez muestra una faceta inexplorada dentro de su paleta de recursos, es un pop sinfónico medio barroco y bien arreglado, un poco a la manera de los temas orquestados de Harvest de Neil Young (“A Man Needs a Maid”) pero que en este caso funcionan bien, combinan con la voz de Langford, que está cantando como nunca, es el caso de “Salty Dog”, uno de los destacados inmediatos. En varios temas están los viejos amigos de Pine Valley Cosmonauts o en su defecto los Waco Brothers, con quienes Langford -para variar- también grabó discos.

Será porque lo extrañamos mucho o será a propósito, lo cierto es que está sonando como el digno heredero del enorme Joe Strummer, en “Dreams of Leaving” o “All Roads Lead Back to Me”, un tema hermoso, es difícil no cerrar los ojos e imaginarse al viejo héroe de The Clash atrás del micrófono con el cuello hinchado y los movimientos hiperquinéticos. A pesar de que Gold Brick es un disco que continúa la extraña fascinación de Langford con todo lo que tiene que ver con la música ancestral norteamericana, se permite exploraciones y arreglos que salen un poco de lo que uno puede llegar a esperar de sus canciones habituales, se puede decir que sale de su zona de confort, hasta se permite un coqueteo reggae muy interesante con “Dreams of Leaving”, otra de las joyas.

Si no conocés a los Mekons no importa, podés disfrutar tranquilamente de la obra solista de Langford, no es que te vas a quedar afuera ni te vas a perder ningún chiste genial. Pero sí se puede decir que hay pocos tipos tan prolíficos y coherentes consigo mismos, en una carrera llena de grandes momentos.







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The Mekons - The Mekons Honky Tonkin'
Jon Langford & The Sadies - Majors of the Moon
Waco Brothers - Cowboy In Flames

Kevin Ayers - Yes, We Have No Mañanas

Hace poco salió una preciosa cajita de cuatro CD's, Songs for Insane Times, compilando la era de oro de Kevin Ayers, incluyendo material desde Joy of a Toy, su primer disco solista después de su paso por los fundamentales Soft Machine, hasta That's What You Get, Babe del '80. No alcanzó. No fue suficiente para despertar el revival, para situarlo en el lugar que merece. El tema es… ¿Qué lugar merece? ¡Ni él lo sabe! Y seguro que tampoco le interesa. Inclasificable, eterno holgazán, borrachín, lector voraz, divertido, irónico, retorcido… Como siempre; nada mejor que escuchar los discos para entenderlo.

Kevin Ayers hacía escapadas frecuentes a Mallorca, en las islas Baleares, por eso el bronceado de la foto de tapa y el título de este disco; Yes, We Have No Mañanas. La palabra “mañanas” para hacer referencia a otra palabra que Ayers usaba mucho para describir algo así como “delirios” o “extravagancias”: bananas. Recordar el disco Bananamour en donde las frutas amarillas aparecían hasta en la portada. Este es el disco en que regresa al sello Harvest, después de un breve flirteo con Island, en donde intentaron venderlo como una especie de astro glam, algo que no cerraba por ningún lado. ¡En esas condiciones hizo el espectacular Confessions of Dr. Dream and Other Stories!

Tal era su desencanto con la industria discográfica en este período que si hay una temática que predomina en …Mañanas es precisamente esa. En "Star", al principio, ya lo deja bien claro: “Si querés ser una estrella empezá a brillar, brillá de una vez”. El solo de guitarra de su fiel ladero Ollie Halsall también es digno de mención. También hay palos repartidos para los buitres en "Mr. Cool" y en "Ballad of Mr. Snake" y de manera no tan explícita en "The Owl". Es importante remarcar que, quienes esperen bizarreadas sonoras como "Song from the Bottom of a Well" de Whatevershebringswesing o cualquiera de las suites sinfónicas de Shooting at the Moon, no se van a encontrar con lo mismo. Esta vez el tono elegido es un rock suave, muy personal, divertido y hasta jocoso, tocado con muchísima onda y personalidad, no es el mismo Ayers de "The Lady Rachel", para bien y para mal. Pero por supuesto que hay lugar para la experimentación y la locura, incluso en temas en apariencia convencionales como "Love's Gonna Turn You Around", hay arreglos geniales, de esos que son su marca registrada. Escuchen sino "Help Me", en donde Ayers deja claro que fue uno de los pocos de su generación que no miró con desdén el punk y la new wave que ya pisaban fuerte para este entonces. Sobre todo con discos como Rainbow Takeaway o Diamond Jack and the Queen of Pain. “¿Quieren un tema new wave? Ok, tengo este”. Incluso a media máquina le sobra para demostrar su talento. "Ballad of Mr. Snake" directamente empieza con un claro bostezo. ¿Aburrido? De ninguna manera, pero muy irónico, eso seguro. Siempre desafiante, el último tema es la joya del disco; "Blue" es una de esas composiciones que ya para esta época no hacía Bowie, con una producción a todo trapo (a cargo de Halsall y el mismo Ayers) y un verdadero caleidoscopio de ideas musicales. Tema portador de un magnífico solo de guitarra, por cierto.

Despues de …Mañanas siguió, casi en seguida, Rainbow Takeaway, pero Ayers, cada vez más frustrado con el panorama musical, se fue desvaneciendo en un mundo que ya no tenía lugar para tipos como él, sacando discos a medio terminar cada dos, tres y hasta cuatro años. En los noventa, con todo lo que fue el movimiento neo-piscodélico, muchos lo nombraban en entrevistas y decidió volver al ruedo con el excelente The Unfairground. El círculo se cierra otra vez.








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Kevin Ayers, John Cale, Eno & Nico – June 1, 1974
Lady June – Lady June's Linguistic Leprosy
Kevin Ayers – The Unfairground

5 Canciones 5: Lemonheads, Sergio Pángaro y Baccarat, Buzzcocks, Mad Season y Neil Young

I'll Do It Anyway
The Lemonheads

Este disco, sexto de los Lemonheads, sigue más o menos la fórmula (muy exitosa) de su predecesor, It's a Shame About Ray, el que traía la versión de "Mrs. Robison", que fué agregada al disco después de pegarla de manera estrepitosa. Acá Evan Dando pela su faceta folkie, con esos estribillos indelebles, su fanatismo por Gram Parsons y la canción de tres o cuatro acordes. Pegadizo, infalible.

Aparece originalmente en: Come On Feel the Lemonheads (1993)

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Cómo hacer un hit
Sergio Pángaro y Baccarat

"Viaje por el mundo Baccarat, sin turismo ni turistas". Aparentemente, después de lograr dicho éxito... "viajaría de verdad". Necesitaría de una coreografía buena y un ritmo contagioso, el asunto es que... "todavía no se me ocurrió ESA frase". Incluso confiesa que, llegado el caso, "dejaría de criticar lo popular". ¿Canchero por demás? Y... puede ser, las ojeras de Pángaro denotan que hay mucha noche detrás de ese crooner / vampiro / dandy decadente.

Aparece originalmente en: En Castellano...! (2003)

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Harmony In My Head
Buzzcocks

Estos sí que llevaron la energía de los Ramones a otro escalón, otra esfera. Tenían un nivel de musicalidad y estudio de la música popular asombrosos. Acá hay una velocidad desquiciada y unas guitarras filosas, pero la canción es muy pop, super pegadiza. Tiene ese recurso de usar una voz podrida y gritona en las estrofas para contrastar con un estribillo cantado dulcemente, con una melodía de impecable factura.

Aparece originalmente en: 7", Single, 45 RPM (1979)

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Long Gone Day
Mad Season

Supergrupo con miembros de Pearl Jam, Alice In Chains, Walkabouts y Screaming Trees. Vaya atmósfera pesada la de estos pibes en Seattle, todos heroinómanos, haciendo una música oscurísima, creo que la mayor virtud de toda esta movida es que no había nada fingido, esto era lo que les salía, con el cóctel (peligroso) que llevaban en la sangre. Le costaría la vida a más de uno. Acá canta Mark Lanegan, al igual que en otros temas del único disco que llegaron a hacer, quien en aquel entonces ya había sacado dos discos como solista, The Winding Sheet y Whiskey for the Holy Ghost.

Aparece originalmente en: Above (1995)

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Last Dance
Neil Young

Histórico. Acá Neil Young empieza algo que sería una marca registrada en su carrera; los cambios bruscos de dirección. Pensar que esto viene después de Harvest... Time Fades Away es el primero de la infame "Trilogía de la zanja" (podría ser "la cuneta" o "el foso") compuesta además por On the Beach y Tonight's the Night. Dejando de lado la perfección, que ya a esa altura se podía lograr en un estudio de grabación, optando por la espontaneidad, incluyendo errores que en algunos casos son muy evidentes. La música sale ganando. Esto inventa una manera de concebir el rock and roll. Hubo varios que recogieron el guante.

Aparece originalmente en: Time Fades Away (1973)

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Mojave 3 - Excuses for Travellers

Acá hay un cambio de rumbo, un golpe de timón. En realidad no es tan grande como parece, mejor expliquemos un poco. Neil Halstead era un poco el capo de Slowdive, una de las bandas insignia del movimiento que algunos llamaron shoegaze, en la década del noventa. Eran bandas que tocaban con mucho volumen, temas sencillos, sin demasiadas vueltas, con miles y miles de capas de guitarras, ruido, voces y la mar en coche. El disco emblema bien podría ser Loveless, de My Bloody Valentine. Cualquiera de los tres primeros de Slowdive le podría pelear el puesto en realidad, con Souvlaki a la cabeza, que fue el que quedó como clásico con el paso del tiempo.

Slowdive hace un parate en el ’95, después de la salida de Pygmalion y ahí nomás Halstead sale al ruedo con Mojave 3 y Ask Me Tomorrow, el LP debut, en ese mismo año. El cambio en realidad tiene que ver con la ropa, con la forma en que se presentan las canciones. Capaz que se había cansado del volumen atronador y decide colgarse la acústica. Si a esto le agregas lo que tenían las de Slowdive, en realidad te quedaría una cosa muy parecida. Acá es una onda folkie, más relajada, unos porros y sentarse al lado del arroyo, con la ramita de junco colgando de la boca, para dar un lugar común más que una imagen.

Por ejemplo “Trying to Reach You” bien podría ser un tema de Harvest, de Neil Young o (y esto lo digo como un elogio) de cualquiera de los cuatro primeros de James Taylor. Es el tipo solo con la guitarra llorando, amando, pensando… viviendo en definitiva. Las canciones se toman su tiempo, acá no hay urgencias de ningún tipo, en mi “Life In Art”, una canción hermosa por donde se la mire -u oiga- los instrumentos van apareciendo de a poco, el tempo es un caracol de jardín, lentísimo, casi un bostezo. Hay gente que saldría corriendo a toda velocidad al ser expuesta a música como la de Excuses for Travellers, el tercero de Mojave 3. Sirve para un montón de cosas; los arrumacos, dejarlo bajito y leer, irte a dormir arropado, como cuando tu mamá te ponía la frazada como a vos te gustaba, una mañana soleada con mate y amigos, en el auto, lo que sea. Y también podés escucharlo sin hacer ninguna otra cosa porque está lleno de pequeños detalles sonoros y guiños de producción. No es poca cosa.

Los discos de Mojave 3 son intercambiables en el mejor sentido de la palabra, si te gustan este tipo de canciones y querés más, no querés escuchar siempre las mismas te viene bárbaro, no creo que sea indispensable tener toda la discografía, con uno o dos medio que estás bien. Son cinco álbumes de estudio. Empezá con cualquiera. Está todo bien.






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Hope Sandoval & the Warm Inventions - Bavarian Fruit Bread
Mojave 3 - Spoon and Rafter
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Forest - Full Circle

Hubo un tiempo en Inglaterra, a fines de los sesenta y principios de la década siguiente, en que todos creían ser caballeros de las cruzadas, pajes de alguna corte medieval o juglares que se sentaban en la mesa redonda del Rey Arturo. Visto de cierta forma suena ridículo y puede ironizarse al respecto, pero la época de oro del folk inglés dejó un verdadero tendal de discos valiosos. De Forest no es mucho lo que se puede decir desde el punto de vista histórico, eran dos hermanos, Adrian y Martin Welham más Derek “Dez” Allenby en mandolina, armónica y percusión. Grabaron dos discos para el mítico sello Harvest, compartiendo grabadora con Deep Purple, Kevin Ayers y Pretty Things, para no hacerla demasiado larga con los nombres.

Lo de Forest tiene algo, un cierto halo de misterio que los diferencia de sus contemporáneos. ¿Será la tan mentada “magia”? ¿Por qué no? Estos tipos creían en duendes, en elfos y faunos y si no creían... te lo hacen creer, lo transmiten y a la perfección. No fueron los inventores del género, quizás esa etiqueta le quede a Incredible String Band o a algún otro, pero ayudaron a definir el sub-género, estaban creciendo en público junto con el resto de sus compañeros y compartían cartel, audiencia y escenarios.

Full Circle, el segundo LP de estudio, tiene una variedad estilística inédita para un género más bien cerrado, poco tiene que ver “Hawk the Hawker”, el primer tema y una de las grandes canciones de la historia del folk inglés, con “Do Not Walk In the Rain”, otro de los grandes momentos, más cantado, con armonías vocales, hermoso acompañamiento de piano y unas guitarras extraordinarias. “Much Ado About Nothing” comparte título con la obra de Shakespeare y deja entrever cuáles eran los intereses temáticos de los miembros de Forest. “Nada es revelado. Incluso las preguntas se ignoran. No esperes respuestas de mí”. Definitivo. “Graveyard”, de cinco minutos y medio, uno de los temas más largos, es un resumen perfecto de lo que podían lograr en sus mejores momentos, con cambios de ritmo, un buen puñado de ideas y arreglos instrumentales interesantes.

Es uno de esos discos que cierran a nivel concepto, incluso la tapa da una idea muy aproximada del contenido de Full Circle. Si te gusta el también llamado acid folk lo vas a considerar imprescindible, si no te gusta dejalo pasar tranquilo y seguí viendo tele. Si no lo conocés, bueno… nunca es tarde.







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Kevin Ayers - Whatevershebringswesing

El estatuto de Kevin Ayers dentro de la historia del rock es, fue y será siempre el de una figura de culto, un personaje esquivo, simpático y misterioso. Comenzó su carrera junto a los legendarios Soft Machine, junto a Robert Wyatt, Daevid Allen y Mike Ratledge, grabó el legendario disco debut, se embarcó en una extenuante gira y abandonó a la banda, para tomarse un merecido descanso antes de dar comienzo a su carrera solista. Ese constante ir y venir, alternando períodos de mucha actividad con largos silencios, sería una constante en su historia discográfica.

Whatevershebringswesing (que podría traducirse como Cantamos cualquier cosa que ella traiga) es su tercer larga duración y una muestra del eclecticismo de Ayers. Siempre un paso al costado de las etiquetas, su música resulta tan difícil de encasillar que casi podría decirse que en ese punto reside su genialidad. Su idiosincracria de dandy inglés, de bon vivant un poco decadente, de borrachín, requiere una escucha cómplice, un "meterse en el personaje" porque ahi es donde mejor puede disfrutarse y comprenderse su mística.

Para probarlo basta escuchar la primer composición; "There Is Loving Among Us" se abre paso lenta y ominosa, a la espera de una película de suspenso que se apropie de ella, con una instrumentación delicada pero llena de recovecos y detalles sonoros, adoptando elementos de la música clásica de vanguardia de las primeras décadas del siglo XX. Después de este comienzo desconcertante, aparece "Margaret" con su base de teclados Hammond y su atmósfera reposada, cantada por esa voz de barítono tan característica de Ayers. Las cuerdas tejen un soporte armónico que contribuye a crear el clima pastoral, casi de otoño.

Sigue con una cancioncilla inocente, medio music hall (con sus correspondientes bronces al tono) en donde queda en evidencia una de las constantes en la escritura del músico inglés; el sentido del humor, casi siempre presente. Otro giro brusco ofrece "Song From the Bottom of the Well", retorcido y psicodélico, extraño en su estructura pero graciosísimo desde lo lírico: “Obtuve cierta información aquí abajo que puede llenar tu alma y corazón de miedo, pero no te preocupes, no te asustes, no estoy en el negocio de la magia y el misterio”. Termina seco, sin mayores prolegómenos, en medio de un compás. La canción que dá título, "Whatevershebringswesing", es otra pieza lánguida y aletargada. Con un elegante coro femenino, es una oda a la holgazanería sin culpas, la música es perfecta para el mensaje en este caso. Ayers era un fanático confeso de The Velvet Underground y lo demuestra en "Stranger In Blue Suede Shoes", en donde retoma aquel inolvidable riff de "Sweet Jane", lo invierte, juega un poco y se despacha con una historia trasnochada. Un encuentro entre el personaje de la canción y el encargado de seguridad de un establecimiento nocturno. Este fue -comprensiblemente- el tema que el sello Harvest sacó como single, con moderado pero respetable éxito de ventas.

"Champagne Cowboy Blues" es, aparentemente, un country-rock perezoso como tantos otros, pero pasado por el tamiz de Kevin Ayers logra un vuelo gracioso, particular. Para cerrar el disco en una nota tierna está "Lullaby", funciona como un preludio al mundo de lo onírico, una invitación a dejarse arropar y caer suave en el mas féliz de los sueños. El espíritu aventurero y algo jocoso de Kevin Ayers se deja ver en este disco en todo su esplendor, mas adelante seguiría brindando al mundo mas pinceladas de su genio rebelde y único pero, en Whatevershebringswesing, todos los condimentos que hacen que un menú sea simplemente irresistible estaban balanceados de manera perfecta.








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Neil Young - Tonight's the Night

Iría a parar a la categoría "Actos de heroísmo". O dependiendo de la óptica podría ser "Grandes Suicidios Comerciales", ejemplos de no seguir por el camino fácil, por aquel que todos esperaban. Después de la pegada que fué Harvest, en donde Neil Young vendió mucho por primera vez, podría haber explotado esa veta, pero no, no fué así. En seguida vino la película Journey Through the Past, una especie de retrospectiva fumeta que no convenció a nadie. Ahí nomás encaró lo que algunos llaman "The Ditch Trilogy". En palabras del canadiense: "vi que la cosa se iba a poner aburrida, así que en vez del camino agarré por la zanja".

Así fué como vino el primero de la serie, el LP en vivo Time Fades Away, que en realidad estaba compuesto por canciones nuevas. Ahí ya se veía cómo iba a venir la mano de ahí en más. Siguió On the Beach, uno de esos que hoy todos reivindican, vale recordar que estuvo años descatalogado y no se reeditó en CD, a instancias del mismo Neil. Acá la prolijidad y amabilidad de "Heart of Gold" se ausentaba, era otra historia. Temas largos con poca -o nula- posibilidad radial, letras quejosas y retorcidas y mucho olor a porro. De repente muere Danny Whitten -de los Crazy Horse- por sobredosis de heroína y al líder le pegó y muy fuerte. Algo parecido pasó con Bruce Berry, plomo de la banda y amigo personal. Es mencionado en el tema que da título, uno de esos que todavía hoy suelen escucharse en vivo en los conciertos; “a la noche, cuando todos se habían ido, agarraba mi guitarra y cantaba una canción que era tan real como largo el día”

Los temas de Tonight's the Night destilan tristeza, amargura, decepción. Es un disco único. En "Borrowed Tune" ("estoy cantando esta melodía prestada, que agarré de los Rolling Stones") hay pifies de todos colores, notorias desafinaciones vocales, se nota que fué grabado en un estado... alterado. Que haya decidido sacarlo igual, no corregir los errores fué algo -creo- inédito. Sentimiento y performance por sobre prolijidad y precisión. Valentía antes que nada. ¿Cómo habrá sido escuchar "Speakin' Out" o "Tired Eyes" en aquel entonces? Toda una experiencia, algo nuevo, chocante, distinto. “Roll Another Number” bien podría considerarse música country, pero en una onda que poco y nada tenía que ver con lo que salía de Nashville, la máquina de hacer chorizos del estilo. "Come On Baby Let's Go Downtown" es el rock podrido que no podía faltar, lo canta el propio Whitten y patea como un burro.

Así cerraba el primer lustro de una década antológica en la carrera de Neil Young, después vendría Zuma y el abrazo que fue Rust Never Sleeps, en plena época de punk rock, new wave y cambio de paradigma. El espíritu de Tonight’s the Night (y la infame trilogía en general) seguiría latiendo en el corazón de su autor para siempre. Y en su música, claro.






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Bobb Trimble - Iron Curtain Innocence

Los que compramos discos sabemos el interés que despierta un artista desconocido. Miramos la tapa, leemos los nombres de los temas, miramos otra vez la tapa con más detenimiento y por último está la pregunta al vendedor, que puede llegar a ser tan categórica y definitiva que nos vemos obligados a formularla casi en un susurro; no queremos que se nos derrumbe el preconcepto que ya tenemos en la mente. Si el disquero otorga el visto bueno, nos vamos a casa, contentísimos, sabiendo que tenemos otro héroe de culto para recomendar a los amigos que realmente lo merecen. Pero hay algo que suele suceder: en realidad no estaba bueno, no pasaba demasiado, la historia, el argumento de venta era bárbaro (“este tocó con Dios y María Santísima y le vendió el alma al diablo, después”) pero la música no se destaca.

Garantizado: con Bobb Trimble no va pasar eso. No va a haber decepción. Vamos de a poco. Desde la tapa vemos a un tipo con la clásica expresión de alma torturada. Encima tiene la guitarra descansando sobre su rodilla y en la otra mano empuña un arma de guerra, de esas que pueden llegar a hacer mucho daño y su figura se recorta sobre un fondo de nubarrones. Vamos bien. ¿La historia? Supuestamente Trimble reclutaba como músicos de acompañamiento a pibitos apenas salidos de la pubertad, hasta que los padres decidieron que andar con un tipo extraño no era lo más aconsejable. Puede creerse o no. Pero vamos a lo que vale, que es la música.

Este el primero de dos discos igualmente interesantes. Se puede decir que Trimble llegó diez años después, en medio de la new wave y el post punk, pero eso sería simplificar bastante las cosas. Su música tiene que ver con cierto folk inglés retorcido y psicodélico muy en boga a fines de los sesenta / principios de los setenta, con grupos como Comus, Synanthesia o Mellow Candle. En realidad tiene en común cierta atmósfera fantasmagórica y pesadillesca y la voz casi femenina de Trimble que se destaca mucho de los demás instrumentos en la mezcla. Otro tema son las letras; sadismo, locura, la muerte y su víspera, los sacrificios y demás cuestiones no del todo amables. Se ve que Trimble no se andaba con vueltas a la hora de elegir sus temáticas. “Tan obsesionado con vos, no sé hasta que punto voy a seguir aguantando, soy casi humano, pero no sé cuánto va a durar” dice en un momento en "Your Little Pawn" en medio de una bruma de guitarras arpegiadas en tonos menores. De todas maneras Iron Curtain Innocence no es lo mismo que escuchar un disco de Slayer, ni siquiera uno de Alice Cooper, incluso tiene momentos muy reposados como "One Mile from Heaven", casi una balada beatlesca pero la voz de este muchacho nunca deja de transmitir cierta incomodidad, un dejo de desequilibrio.

A pesar de las comparaciones, que fueron hechas más que nada para dar una idea más bien vaga sobre la música de Bobb Trimble, se trata de algo distinto, difícil de describir pero fácil de digerir. Quedensé tranquilos, este lo compran, lo llevan, lo escuchan y pueden agregar cómodamente otra figura a sus panteones personales.







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Kevin Ayers - That's What You Get Babe

“De alguna manera me las arreglé para hacer la suficiente cantidad de plata como para vivir el tipo de vida que siempre quise, que es básicamente trabajar lo mínimo y divertirme al máximo. El estrellato nunca fue una opción para mí, es antinatural, una posición incómoda…” Eso dijo Kevin Ayers más o menos en la época de That’s What You Get Babe, su noveno disco de estudio. Fue un tiempo después de que el sello Island intentara venderlo como una estrella glam, al estilo Bowie o Marc Bolan. No iba a poder ser. Ayers siempre pareció estar más interesado en saber dónde estaba la siguiente copa de vino que en sentarse a dar otra conferencia de prensa.

De ninguna manera vamos a decir que este es un disco imprescindible, ese privilegio parecería ir a parar a cualquiera de sus trabajos de la considerada etapa clásica; Bananamour, Shooting at the Moon o Whatevershebringswesing. Sí es una muy decente adaptación a lo que pasaba en la época, sin perder personalidad. Es Kevin Ayers poniéndose al día con la New Wave y el post-punk, sin dejar de ser él mismo, un poco irónico y mirando todo medio de reojo... lo que siempre hizo, digamos. El primer tema, el que dá título, empieza con esa tensión tan propia como en “Song from the Bottom of a Well” o “Irreversible Neural Damage”, pero a la hora del estribillo va a parar a un lugar más fiestero, aflojando los nervios y marcando la tónica de lo que vendrá en el resto de las canciones.

También le baja la caña a los yuppies que harían de la década del ochenta lo que varios recordamos como la faceta más estúpida y detestada del siglo veinte, en “Super Salesman” y también en el tema que viene inmediatamente después “Money, Money” en donde dice “bueno… ¿sabés que? tu plata al fin y al cabo vuelve a los ricos”. La tapa parece burlarse de aquellos tiempos modernos, en una mina pasada de vueltas, en un sillón muy a la moda, en la casa de algun nuevo rico en cualquier lugar del mundo. En “You Never Run Your Heart” se da el gusto de jugar un poco con el reggae, en una suerte de conglomerado de la música centroamericana, filtrado por su óptica inevitablemente inglesa, cínica. Atención merece “Where Do the Stars End?” un temazo, encargado de cerrar el disco con un interrogante que parece estar muy resuelto, en realidad.

That’s What You Get Babe fue su ultimo LP para mítico sello Harvest, el resto de la década lo pasaría en su amada España, panza arriba, leyendo y bebiendo, haciendo poco y nada musicalmente hablando, un tiempo después vendría el revival -inevitable- su breve pero intenso regreso discográfico y prematuro deceso. Aunque, en el caso de Ayers, “muerte” hay que escribirlo con comillas.








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