5 Canciones 5: The Undisputed Truth, Paul K, The Quarter After, Ron Wood y The Venus In Furs

This Child Needs His Father
The Undisputed Truth

Norman Whitfield fué el productor que inventó lo que algunos llaman soul psicodélico, usando a los Temptations como principal laboratorio. También tenía este grupo, mucho menos conocido, con el que podía hacer lo que se le antojaba. Y lo aprovechó. Este temazo tiene el clima medio siniestro de otros más reconocidos, lento, ominoso. En menos de cuatro minutos entrega lo suyo con una ayuda importante de las cuerdas, la especialidad de la casa. La producción suena moderna, podría haber sido grabado ayer. De la voz líder ni hablemos. Acojonante.


Aparece originalmente en: Law of the Land (1973)

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Life On the Road
Paul K.

Paul Kopasz murió en el año de la pandemia, de cáncer, fué un songwriter que no se hizo famoso. Era buenísimo. Se dió el gusto de grabar -literalmente- una millonada de discos. Incluso colaboró con Maureen Tucker, la baterista de Velvet Underground, que le produjo ese discazo que fué Love Is a Gas, a fines de los noventa. A lo último se había hartado de los sellos y editaba en CD-R, con tapas dibujadas por él mismo, de manera artesanal. Este EP de cinco versiones (John Cale, Mott the Hoople...) arraca con un temazo de los Kinks, el primero de Sleepwalker, una oda a la vida nómade del músico. 


Aparece originalmente en: British Evasion (2017)

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Sempre Avanti
The Quarter After

Parte de una camada de bandas cultoras del country psicodélico made in The Byrds, como Beachwood Sparks o los enormes The Sadies. Grabaron dos discos de estudio, un debut homónimo y este, Changes Near. ¿Tiene algún aporte o se contenta con recrear un estilo? Por empezar recrear este estilo es imposible, además poco frecuente, así que bienvenido. El aporte está, hay ideas nuevas, detalles sónicos interesantes. Y están la Rickenbacker de doce cuerdas y el lap-steel, como debe ser. Atención con el cuelgue krautrocker a los cuatro minutos, más o menos.


Aparece originalmente en: Changes Near (2008)

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Come to Realize
Ron Wood

Tercer entrega como solista del pibe nuevo en los Stones. Cuarto si contamos Mahoney's Last Stand, con el gran Ronnie Lane. Muy adaptado a sus tiempos, con no pocas similitudes con el sonido de (por ejemplo) Empty Glass de Townshend o Infidels de Dylan (más tarde). Más de uno podría decir que Ronnie no puede cantar ni el arrorró, otros -me incluyo- compran de inmediato estas voces reventadas. Sobre todo si está tocado con la super recontra onda con la que lo hacen los muchachos acá, divirtiéndose. Rockeando, digamos. 


Aparece originalmente en: Gimme Some Neck (1979)

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Baby's On Fire
The Venus In Furs

Esta banda, hecha para la película, tenía gente de Radiohead, Mudhoney, Sonic Youth y un par más que no me acuerdo. Se deben haber divertido haciendo estos temazos. En el super clásico de Eno, del inmortal Here Come the Warm Jets, canta Jonathan Rhys Meyers, que en la peli hace de un híbrido entre Iggy, Bowie y Bryan Ferry. Lo saca adelante con onda, que es lo único que hay que tener para "cantar" esto. 


Aparece originalmente en: Velver Goldmine [banda sonora oficial] (1998)

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Sigur Rós - Hvarf/Heim

La eterna discusión del idioma, del lenguaje. “Y… pero no entiendo lo que dicen”. ¿Hace falta? ¿Cuánta gente va a la ópera sin entender una sóla palabra de italiano (o alemán) e igual disfruta y se maravilla con la experiencia? De hecho, si vamos al caso, el llamado bel canto italiano no lo deben entender ni los romanos. ¿No es acaso la música un lenguaje universal? ¿Por qué los Beatles iban a tocar a Filipinas y eran enormes en Japón? Se ve que es gente no se hacía ese tipo de cuestionamientos. O es probable que no hayan estado tan sesgados por cuestiones socio-políticas. Todavía muchos asocian el idioma en que está cantado un tema con el enemigo, el explotador, el colonizador o cualquier otra pelotudez que se te pueda llegar a pasar por la cabeza.

Además... ¿por qué hay que entender? ¿Enteder qué? ¿Qué es lo que están diciendo concretamente? A veces (muchas) es preferible no saberlo. ¿No te gusta el sonido de la voz humana? Es el instrumento más impresionante que existe. Puede hacer milagros con nuestra psiquis. Siempre y cuando uno deje de lado ciertas presunciones que no hacen más que alejarnos de lo que realmente importa acá; la comunicación. Qué te produce, qué tipo de película mental te permite desarrollar.

Quizás sí es interesante que la música tenga que ver con el entorno en el que nace, que tenga raíces y te lleve hacia un lugar geográfico, ahí sí que puede haber un plus o, como dicen ahora los yuppies de alcantarilla que pululan por el mundo; un valor agregado. Estos son de Islandia, que como cualquiera sabe (o debería saber) es uno de los países más aislados del planeta. Con un clima inhumano que, prácticamente, obliga a sus habitantes a no poder salir de sus casas gran parte del año. Quizás por eso el Caribe produce -mayormente- la basura que todos tenemos la desgracia de oír a diario y los países fríos tienen una cosa más íntima e introspectiva. En fin, Sigur Rós, vamos con eso. Se hicieron relativamente famosos a fines del siglo pasado, algunos los comparaban con Radiohead, pero vale recordar que, en aquel entonces, casi todo se comparaba con la banda de Thom Yorke y compañía. Ellos estaban en la suya, no tenían mucho que ver con nada. Flotaban en una especie de nube de barbitúricos, con un cantante que bien podría ser un elfo, una sirena o algún otro personaje mitológico de voz embriagadora.

Lo importante es que sienten y muy fuerte. Hay una intensidad desgarradora en varias de estas canciones. Hvarf/Heim es una compilación de dos CDs. El primero tiene versiones de estudio de canciones que habían ido quedando afuera de los discos. El segundo consta de versiones acústicas y hay dos que corresponden a los LPs más celebrados de los nórdicos; () y Ágætis byrjun, que fueron muy comentados en su momento. Razones no faltaban. 






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5 Canciones 5: Iggy Pop, Jade Warrior, Ultrasound, The Temptations y Steppenwolf

Vulture
Iggy Pop

Me costó "comprar" con este disco. Igual puntos para La Iguana por seguir sonando relevante en pleno siglo veintiuno. Es innegable, Post Pop Depression es valioso. Guitarra acústica, Iggy en lo más bajo de su registro, cuando entra la banda es una cosa rarísima, atmosférica, climática. El buitre del título (vulture) es él mismo, me atrevo a asegurarlo. Puntos por dejarse ayudar por el colorado de Queens of the Stone Age, en este tema la producción es un acierto rotundo.

Aparece originalmente en: Post Pop Depression (2016)

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Land of the Warrior
Jade Warrior

Brusco cambio de diracción para Jade Warrior, una de las grandes bandas semi-olvidadas del prog-rock de la era de oro del género. Esto no tiene nada que ver con lo que habían hecho en discazos como Last Autumn's Dream o Floating World. Esto sería música para que te hagan masajes, de la buena, no de la irritante e intrascendente. Acá si prestás atención están pasando cosas a nivel musical. Tiene un poco que ver con el Japan de Tin Drum y esa guitarrita ahí de fondo haciendo ruido y mugre está buenísima.

Aparece originalmente en: Kites (1976)

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Everything Picture
Ultrasound

Parece uno de esos temas medio depresivos de Radiohead. Parece. Después nada que ver. En su momento de apogeo hicieron un sólo LP... ¡pero qué disco! Mucho después hubo una secuela, más de diez años tardaron en sacarlo a la luz. Tiene muchas de las cosas que detesto de cierto música inglesa, de todas maneras nadie puede negar que los tipos tenían agallas. Más de veinte minutos dura esto. ¿Se podría haber acortado? Seguro. Recién a los cinco minutos estalla. El primer estallido de varios. Épico.

Aparece originalmente en: Everything Picture (1999)

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You've Got My Soul On Fire
The Temptations

Para el '73, el año en que sale este disco, los Temptations eran expertos, la tenían clarísima. Tenían un carrerón, habían pasado por absolutamente todo. Cambios de integrantes (una especialidad de la casa) exploraciones musicales, evolución, adaptarse a los cambios, etcétera. Y acá se mandan un funk rabioso, mala onda, calentón, con un gran Dennis Edwards en la voz líder. Temazo.

Aparece originalmente en: 1990 (1973)

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What Would You Do (If I Did That to You)
Steppenwolf

¡Qué discazo Monster por favor! Si me preguntan cúal es el legado de Steppenwolf, no es ni "Born to Be Wild" ni "Magic Carpet Ride". Es Monster, el disco que contine este temazo. Parece uno de los temas que cantaba Eric Burdon con WAR, con un claro aire soul, funk, R&B. El baterista lleva un groove descomunal y el hammond no se queda atrás. Atención con la coda, en el último minuto, en donde meten un cambio que queda buenísimo.

Aparece originalmente en: Monster (1971)

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The Divine Comedy - Regeneration

El productor. La figura del productor. ¿Hasta qué punto puede llevar la música hacia un lugar que antes no iba? ¿Hasta dónde pueden llegar a “meter mano”? Empezamos con esto porque Regenaration, el séptimo disco de estudio de The Divine Comedy, está producido nada menos que por Nigel Godrich. Para decirlo en pocas palabras; el productor de Radiohead. Es entendible, esto sale dos años después que OK Computer, un trabajo importante, uno de esos que vuelven a definir la escena, el barajar y dar de nuevo. También produjo Chaos and Creation in the Backyard de Paul McCartney. Al parecer, se animaba a plantarse fuerte ante el ex-Beatle, le decía que algo no le gustaba o no le parecía, algo que no muchos osan. Como prueba pueden ver el documental de tres episodios de Macca siendo adulado por Rick Rubin.

Lo cierto es que recién en “Note to Self”, el cuarto tema, se puede llegar a detectar la mano del productor. Y ni hablar del que viene después, sobre todo, “Lost Property” tiene una influencia directa, una deuda evidente con la banda de Tom Yorke y cia. Están esos arpegios de cuerdas, la melancolía suicida, la forma en que el tema va in crescendo y se va desarrollando, son marcas, huellas dactilares. Vale decir que no dejan de ser canciones de Divine Comedy. Esto se debe en gran parte a la enorme personalidad de su líder y alma máter, el gran Neil Hannon. Un temazo enorme como el que dá título, casi al final, sólo podría haber salido de su pluma. ¿Qué es? ¿Hard rock? Hawkwind para el siglo veintiuno... ¡y encima bien cantado!

Aparecieron coincidiendo con el brit pop, no tenían mucho que ver ni con Pulp ni Suede, acá la mano venía más por el lado del Scott Walker de aquellos legendarios cuatro primeros discos, Broadway, una teatralidad exacerbada, una pizca de ironía y flema inglesa indefectible. “The National Express”, Casanova, “Generation Sex”, “Becoming More Like Alfie”, Fin de siècle… para la época en que sale Regeneration se podría decir que los tipos ya tenían un legado, habían dejado una obra impecable. Así que había que cambiar, hacer algo, para que la palabra “estancamiento” se mantuviese lejos, a raya. Fue una buena idea, este disco es la dirección que necesitaban.

Nunca entendí eso de “esfuerzo colectivo”, supuestamente Regeneration fue un disco más democrático, cuando todos sabemos que Hannon no debe dejar de participar en ninguna de las decisiones que se toman a la hora de grabar, componer y producir diez o doce canciones. Once en este caso. Como Tom Petty con o sin los Heartbreakers. ¿Cambiaba algo? No importa, nunca lo sabremos.







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Girls - Father, Son, Holy Ghost

Con destino a clásico inmediato. Algo difícil de lograr y más en tiempos post-Internet. Se me ocurren algunos; The Soft Bulletin, el primero de los Strokes, Elephant de los White Stripes, Illinois de Sufjan Stevens… la lista no es muy extensa. El tercer trabajo de Girls apareció después de un EP que siguió al debut y cosechó críticas positivas por todos lados, en revistas, sitios web especializados y redes sociales. De esas que hacen desconfiar, a lo que algunos llaman “hype”, otros le llamamos “invento”, “mentira” o directamente “chamuyo”.

No era el caso esta vez, por suerte.

Escuchás los primeros tres temas y ya podés notar que acá hay algo especial, difícil de explicar, pero algo se transmite de manera inmediata. Se nota que el pibe tiene alma, un corazón de oro, que sufrió y vivió para contarlo. Supuestamente Christopher Owens, el alma máter de la banda fue criado en una secta o culto religioso, pero no vamos a detenernos en detalles cholulo/biográficos y vamos directo a la música. Lo que transmiten las canciones es una especie de clasicismo infrecuente, bien logrado. Uno podría decir que acá no hay nada nuevo, pero no es tan así. El disco suena increíble, por empezar, desde el punto de vista audio, sobre todo. Sólo se podría haber grabado hoy en día, es un disco cien por ciento moderno. Pero las influencias son palpables, se escuchan casi en seguida. Llama la atención que sean tantas, que haya guiños de todo tipo, habla de un conocimiento enciclopédico de la música popular, que en ningún momento se vuelve pedante, nunca te lo refriegan en la cara, más bien lo contrario; está todo tan incorporado en la música y en las canciones, que todo termina sumando al conjunto.

Pueden mezclar Black Sabbath con Fleetwood Mac en el mismo tema, sin que se noten las suturas, o arrancar en plan Neil Young de la primera época, para pasar a un Radiohead post-OK Computer. Otra a favor en Father, Son, Holy Ghost es el gancho. Hacía rato que no aparecía una colección de canciones tan coherente, todas tienen una unidad conceptual y sonora, sin embargo hay climas de todo tipo, se abordan varios géneros y en ningún momento es aburrido. Siempre está pasando algo interesante y es cuestión de escucharlo dos o tres veces para atesorarlo para siempre en las neuronas.

Si me apuran y tengo que elegir un tema optaría por “Vomit”, a mitad de camino en el disco. Empieza con un arpegio triste, al mejor estilo On the Beach, con una melodía vocal desoladora, para desembocar en un estribillo gospel a todo trapo, que bien podría haber sido del Spiritualized de los días de oro. Tiene un solo de guitarra bien podrido que le cae como anillo al dedo. Termina con un estribillo que podría haber estado en la cara B de Abbey Road. La elección es brava porque todos los temas tienen este nivel. Un disco que ya era clásico apenas había salido. Merecido.







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5 Canciones 5: Bruce Cockburn, Rare Bird, Holy Modal Rounders, The Disciplines y Super Furry Animals

Pacing the Cage
Bruce Cockburn

Sin duda una de las canciones más importantes del inmenso catálogo del cantautor canadiense, de hecho hace unos años salió una película documental que se llama Bruce Cockburn Pacing the Cage. La canción en sí es una reflexión zen sobre la vida y la muerte, una serie encadenada de grandes aciertos en forma de frases. La música es sencilla pero no por eso menos efectiva, es perfecta para el mensaje. Todo cierra en este temazo.

Aparece originalmente en: The Charity of Night (1996)

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Turn It All Around
Rare Bird

Los londinenses nunca la pegaron en grande pero tienen cinco discos entre el '69 y el '74 que tienen mucho para tener en cuenta. Tenían mucha competencia, había un millón de grupos más o menos en la misma vena pero ellos tenían algo, definitivamente. Este temazo del tercer LP de estudio arranca medio acústico, ideal para el campo y su calma, después aparece un riff pesado e insistente, medio Black Sabbath, con armonías vocales al estilo Crosby, Stills & Nash. Rock progresivo / sinfónico que en ningún momento deja de lado la canción... y que al otro lado del parlante hay un oyente.

Aparece originalmente en: Epic Forest (1972)

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Spring of '65
The Holy Modal Rounders

Banda de folk acústico con credenciales contraculturales, supuestamente eran amigotes de escritores beat e incluso Sam Shepard supo militar en sus filas, brevemente. Para principios de la década del setenta no se acordaba nadie de ellos, a pesar de que seguían en actividad y en muy buena forma, como demuestra este disco y esta canción en particular. Hay una historia, recordando los días de oro de la banda, hay violines y aire gitano, atmósfera enrarecida e hipnosis asegurada.

Aparece originalmente en: Good Taste Is Timeless (1971)

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Shadow of Your Doubt
The Disciplines

Más allá del chiste fácil (su apellido podría traducirse como "Amigo de las cuerdas") Ken Stringfellow, uno de los dos capos de The Posies, tiene amigos por todos lados, en una época venía a Argentina y se juntaba con los Super Ratones, tocando en vivo en varios sótanos porteños. Con los Disciplines, banda de Suecia, grabó este disco de rock nervioso, garagero y post-punk. "Shadow..." tiene una de las características clave de las canciones de su ex-banda; una melodía infalible.

Aparece originalmente en: Smoking Kills (2008)

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Sex, War & Robots
Super Furry Animals

El último disco de los galeses liderados por Gruff Rhys que tuvo cierto nivel de repercusión global, a pesar de que después de este hubo tres más antes de la inevitable separación. Espíritu beatle y tracción a lo Radiohead en esta balada de título bien ciencia ficción, con un estribillo para atesorar por siempre. En un momento parecía que se iban a comer el mundo, les gustaban mucho a los periodistas y tocaban en todos los festivales europeos de prestigio. No pudo ser pero lo que importa quedó; los discos, las canciones, la música.

Aparece originalmente en: Phantom Power (2003)

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5 Canciones 5: Dennis Brown, La Pesada, Luna, Radiohead y The Move

Created by the Father
Dennis Brown

Uno de los próceres del reggae de raíces y lo que se conoce como lovers rock, Dennis Brown no siempre es mencionado en el podio de los grandes de la música jamaiquina, a pesar de su carrera larguísima y voz dorada. Discos clásicos como Visions of Dennis Brown o Deep Down, del '74 garantizan su estadía en el paraíso de la música. Esta es una de las tantas grandes canciones de otro disco de esos que no tienen rellenos.

Aparece originalmente en: Wolf & Leopards (1977)

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Linda ciudad
La Pesada

El segundo tema del disco más recóndito y experimental de esta suerte de seleccionado del rock del hemisferio sur. La data que manejaba Billy Bond en esta época está a la altura de cualquier vanguardista de aquel entonces, ya sea Zappa, Robert Fripp o cualquiera de las bandas del krautrock alemán. Esto es un crescendo lento y lleno de ruiditos fantasmales, no cantan, hay una orquesta ayudando a crear un clima de tensión y tiene todo lo que tiene que tener tu música favorita para las pesadillas.

Aparece originalmente en: Buenos Aires Blus (1972)

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No Regrets
Luna

Una de las canciones más versionadas del siglo veinte, con grandes interpretaciones a cargo de Lee Hazlewood, Ed Kuepper o la elegantísima versión que grabaron los Walker Brothers cuando se reunieron, a mediados de los 70's. No hay que olvidar que la original pertenece al gran Tom Rush, un cantautor de los buenos. La versión de Luna aparece en un EP del '96 y la verdad es que, a su manera, se apropian de la canción, con esos intercambios de voces temblorosas. Otra prueba de la elasticidad infinita de las canciones gigantes.

Aparece originalmente en: EP [EP] (1996)

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Desert Island Disk
Radiohead

Siempre concienzudos, conceptuales, hiper-intelectualizados, muchas veces atentando contra lo que realmente importa que es la música, Radiohead es una banda con varios motivos para ser odiada. Pero te gusten o no, les creas o no, siempre, en todos los discos hay algo interesante, algún hallazgo, algo que no lo escuchaste antes. Esto sería algo así como folk inglés de principios de los setenta pero con un pié firme en el siglo XXI.

Aparece originalmente en: A Moon Shaped Pool (2016)

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It Wasn't My Idea to Dance
The Move

A pesar de que en su momento fueron relativamente exitosos, hoy en día, son pocos los que se acuerdan de The Move y aquí va una teoría; eran demasiado eclécticos para los oídos modernos, en donde todo debe tener un nombre, una etiqueta, un "lugar" en la biblioteca babilónica de ceros y unos. Roy Wood está acreditado con al menos diez instrumentos en el último disco de estudio de la banda antes de las inevitables carreras solistas... y de Electric Light Orchestra, por supuesto.

Aparece originalmente en: Message from the Country (1971)

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Bauer - En otra ciudad

¿Cuánto tarda un disco actual o moderno en convertirse en un clásico? “Moderno” comprendería todo lo que ha sido lanzado en el siglo veintiuno. ¿No? ¿El último lustro quizás? Lo cierto es que la brecha se ha estirado. No tenemos más lugar para meter gente en nuestros podios. ¿Cuáles son las características que tiene que reunir una obra para tener ese lugar? Si hablamos de merecimientos o de calidad, el segundo disco de Bauer, banda oriunda de Lanús, En otra ciudad, podría ubicarse cómodo en esa categoría.

Es un disco hecho con criterio, con identidad, con un norte bien definido, dura lo que tiene que durar un LP y sus canciones forman una unidad inquebrantable. Es un artefacto de sus tiempos, a tono con la música contemporánea y está grabado y producido con un nivel incuestionable. ¿Qué más se le puede pedir? Los que escribimos sobre música siempre nos divertimos (y mostramos un poco de chapa) con el jueguito de detectar influencias. No es tan fácil la cosa en el caso de Bauer. Hay paisajes sonoros al estilo Eno, hay sonidos y trucos de producción innovadores, voces etéreas y estallidos guitarreros, pero no es el típico caso de “quiero sonar como x banda”, por suerte.

Empieza a pura adrenalina, con un gran título a medio camino entre chiste capusottesco y referencia para entendidos, con “Dock Surf”, un instrumental a puro nervio, que puede confundir con respecto a lo que va a sonar a lo largo del álbum. En “Un auto para Lynn” aparece la primer joya y una marca de identidad más representativa del sonido y la propuesta. Una base medio electrónica, una letra que usa las palabras más como música que como vehículo para decir un mensaje y un manejo de los climas notable. Escuchen los diferentes momentos por lo que atraviesa “El hombre de blanco”… hay un solo de teclados que nunca termina de estar al frente, casi de rock progresivo, con un fondo de guitarras que se cruzan. De repente para y suena a valle de Valium, todo armado y empaquetado para el hombre de ciudad moderno, son seis minutos de la mejor música urbana. Un riff obsesivo y un dibujo circular de teclado dan la intro para “Camino a Oxnard” y acá te terminás de dar cuenta que la cosa con Bauer va en serio. ¿Un poco de spaguetti western? ¿Por qué no? Para eso está “Dios quiere mi chocolate”… ¡Qué título!

Lamentablemente, en un país que parece cada vez más cerrado a propuestas con el menor atisbo de originalidad, En otra ciudad pasó relativamente desapercibido, salvo para unos poquísimos oídos atentos, y Bauer hoy en día ya no existe. Pero el sello Sadness se dio el gusto de reeditarlo y ahora lo tenemos otra vez disponible para nuestro disfrute. ¡Salud!

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5 Canciones 5: Free, Undertones, the Dickies, Kyuss y Kirlian

More Songs About Chocolate and Girls
The Undertones

El segundo de los Talking Heads era More Songs About Buildings and Food, el segundo de los irlandeses Undertones era (y es) Hypnotised. El tema con que empieza, es una cargada, reaccionando ante las pretensiones arty de sus colegas al otro lado del atlántico; “Mas canciones sobre chocolate y chicas”. Mucho gancho pop, chistes de secundaria y el punk jodón sin fecha de vencimiento. Menos de tres minutos les alcanzan para decir todo lo que hace falta.

Aparece originalmente en: Hypnotised (1980)

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Nuestra última danza
Kirlian

Casi al final del debut de Kirlian, Bienvenidos a la tierra (un disco larguísimo, sobre todo para los estándares actuales) aparece esta joya para flotar, para levitar. ¿Por donde viene la mano? Pink Floyd, Cocteau Twins, el Soda Stereo menos hitero, Radiohead pre-abandono de las canciones… es difícil. Acá hay mucha música ingerida, procesada y bien digerida. Además suena impresionante, bien grabado y producido. Vale la pena.


Aparece originalmente en: Bienvenidos a la tierra (2011)

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Seven Angels
Free

Clima denso, atmósfera pesada, groove viscoso (y contagioso), la voz impecable de Paul Rodgers y casi en seguida… corte y break de guitarra. ¡Y que guitarra! Uno de los grandes guitarristas infravalorados de la historia del rock en general y del hard-rock en particular: Paul Kossoff. “Seven Angels” es nada menos que la encargada de cerrar Hearbreaker, el último larga duración de Free, del '73. Temazo. 

Aparece originalmente en: Heartbreaker (1973)

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Green Machine
Kyuss

Guitarra machacando en una sola nota, dos golpes de redoblante… y a revolear pelucas! Cuando entra la voz queda todo clarísimo. Esta es la banda que inventó el stoner-rock, un subgénero repetido hasta el hartazgo y que todavía hoy tiene miles de representantes. A los que están en tema no les va a sorprender pero si te gusta el rock pesado, maligno, de amplificadores valvulares a punto de explotar y estás investigando, de acá viene todo.

Aparece originalmente en: Blues for the Red Sun (1992)

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Fan Mail
The Dickies

¡Qué difícil elegir un solo tema de un disco de los Dickies! Los tipos se encargan de desparramar una catarata de hits sin darte tiempo a tomar un respiro. Velocidad ramonera, estribillo increíblemente pegadizo, puente instrumental melódico, voz garagera... se te adhiere de por vida. Esto ha sido tan imitado que cuesta creer que estos son los que dieron el puntapié inicial. Como suele suceder; los primeros suelen ser los que dejan huella y este vuelve a ser el caso.

Aparece originalmente en: Dawn of the Dickies (1979)

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Wilco - The Whole Love

Los grandes autores tienen un tema recurrente. Una idea a la que vuelven, que los obsesiona, a veces de modo inconsciente y otras de forma planificada. Así es como Nick Cave insiste con la muerte y el amor enfermizo, Federico Moura con el desenfreno y la burla a los prejuicios o Roy Orbison con el sufrimiento romántico. Jeff Tweedy además de músico, letrista y compositor principal de Wilco, es ante todo un fan. Un fan del rock. Y de ahí viene su principal fuente de inspiración; de lo que significa e implica ser un fan de la música, de cómo puede modificar nuestras vidas, cómo puede salvarlas, actuar como fuerza motriz, deprimirnos y alegrarnos. Es lógico que con esos puntos de vista despierte adhesiones, le habla muchas veces al fan, de igual a igual y ahí reside el truco o el secreto de Wilco. También hacen unas canciones buenísimas, pero de esto nos vamos a ocupar más adelante.

No viene mal recordar que Wilco renace de las cenizas de Uncle Tupelo, aquella agrupación que, con el fundamental No Depression, supieron sentar las bases de lo que hoy se conoce como alt-country o Nuevo Rock Americano; más allá de las etiquetas, se trataba de pibes punks que no le hacían asco a la música de raíces, logrando una fusión hasta entonces inédita. Todavía resulta difícil caer en la cuenta de que ya llevan más de quince años juntos. Quince años y casi diez discos. En esos discos han hecho de todo. Con algún que otro cambio de formación han sido los Stones y Neil Young en Being There, Gram Parsons en A.M., power-poperos en Summerteeth, experimentaron con un rock artista y retorcido en A Ghost Is Born y finalmente encontraron una personalidad en una mezcla de todo eso en los dos últimos trabajos de estudio; el magnífico Sky Blue Sky y, más recientemente, con Wilco (The Album), el del camello en la tapa.

The Whole Love viene a cerrar esa especie de trilogía, en donde la banda experimenta y juega, siempre con la canción a modo de marco sagrado, intocable. Al principio engaña, nos hace parar la oreja de la mano de "Art of Almost". ¿Qué es? ¿Autreche? ¿Radiohead? Arrancan con una exploración sonora, rara e interesante, después la cosa vuelve a terrenos familiares. En general The Whole Love es un disco plácido, clásico, tranquilo, sin mayores sobresaltos y salvo en "I Might" y en "Standing O", los temas tienen esa extraña calidez que ya habíamos escuchado, esas baladas con varias lecturas entre líneas que tanto nos gustan. Algún escéptico puede decir que se trata de un cómodo “más de lo mismo” pero no. Tweedy se deprime como nunca en "Black Moon", en uno de esos temas que hablan de darse cuenta de algo que uno ya esperaba, pero que igual pasó, algo tan estúpido como humano a la vez, tan nuestro. Los arreglos de violonchelo son excelentes, por cierto.

Dos por tres aparece la guitarra vanguardista de Nels Cline, algo así como un Richard Lloyd y Tom Verlaine en un mismo cuerpo, capaz de roquear con desenfreno y de llevar su instrumento a lugares sombríos y lúgubres, es notable lo que hace al final de "Whole Love" o en el tema que cierra el disco, el larguísimo "One Sunday Morning", que es el equivalente posmoderno a "Sad Eyed Lady of the Lowlands" de Blonde On Blonde. Es Wilco. Los conversos, que ya saben que esperar de la banda, van a estar felices con The Whole Love y si de paso suman algún nuevo fiel con este nuevo trabajo, quedamos todos contentos.

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The House of Love - The Fontana Years

Algunos dividen en dos la carrera de House of Love. Si bien es cierto que cambiaron de sello discográfico, en Creation sacaron un par de simples y un solo larga duración, la mayor parte de la carrera se hizo en el sello Fontana. De modo que The Fontana Years, es una selección de los cuatro discos que sacaron en ese sello y un buen puñado de simples que si no fuera por este hermoso disco doble, serían muy difíciles de conseguir.

La banda del supuesto dictador Guy Chadwick es de esas que no tuvieron la suerte de acertar con la situación de tiempo y lugar, no pertenecieron a ninguna escena claramente definida, demasiado jóvenes para entrar en la movida de los Smiths y demasiado viejos para tener que ver con los Stone Roses o los Happy Mondays. Ahora ya pasó el tiempo y todo eso pasa a segundo plano y sólo queda lo que realmente importa: la música. Contra ese argumento, a los House of Love no hay con qué darles.

El CD 1 depende mucho del primer trabajo para Fontana, el brillante The House of Love, también conocido como El Disco de la Mariposa, uno de esos que ocupan con comodidad un puesto altísimo en el hipotético podio de Grandes Discos Olvidados. De ahí vienen la muy ganchera "I Don’t Know Why I Love You", la excelente "Someone's Got to Love You", otra más para desterrar el viejo mito de la rivalidad que nunca debió haber sido de la mano de "Beatles and Stones" y la nueva versión de "Shine On", que había sido el primer simple. También hay canciones de A Spy in the House of Love, que vendría a ser algo así como una compilación en forma de nuevo álbum que reúne caras B y rarezas. De esas se destacan "Safe" (¡Temazo!), "Ray" y "D Song ‘89". Después vino otro disco que no tuvo la repercusión esperada y que terminó en las bateas de ofertas en un momento en que la música de House of Love iba un poco a contramano de Nirvana y Pearl Jam y el incipiente brit-pop, se llamo Babe Rainbow y es hora de que reciba sus justos laureles. De hecho, la canción que abre The Fontana Years, "The Girl with the Loneliest Eyes", uno de los mejores temas de la pluma de Chadwick, viene de ese disco y parece anticipar al mejor Radiohead, una escucha desprevenida delata que Yorke y los suyos estaban prestando atención. "You Don't Understand" era el que marcaba el pulso y daba el puntapié inicial en aquel LP y acá también dice presente; una especie de funk mutante al estilo Duran Duran con un estribillo memorable. Tampoco falta "Crush Me" (un “casi hit”) con sus arreglos de cuerda distintivos. El último que aparece representado en The Fontana Years es Audience with the Mind, de la mano de "Sweet Anatomy" (con esa atmósfera tan The Church), el tema que da título, "Hollow" y "You've Got to Feel". Para deleite de los completistas también hay inéditos de muy buen nivel como "Third Generation Liquid Song" o "Kiss the Fountain".

A mediados de la primer década del siglo veintiuno, Guy Chadwick hizo las paces con el que había sido el primer guitarrista de la banda, Terry Bickers, que se había ido de muy mala manera para el época del primer disco para Fontana. Juntos grabaron el muy decente Days Run Away y también hubo un disco solista de Chadwick. Otra historia que dejamos para más adelante.








No está en ninguna de las plataformas pero hay muchos temas en Spotify.







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Jesus and Mary Chain - Darklands
The Boo Radleys - Giant Steps
The Trash Can Sinatras - Cake

Wire - Chairs Missing

Una banda temeraria, ávida de correr riesgos y asumirlos. Sólo en sus primeros tres discos, aparecidos en un lapso de menos de tres años, cambiaron considerablemente, apostando. Eran estudiantes de arte, como muchos de sus compañeros de escena (Gang of Four, etc.) y se encargaron de hacer que lo aprendido y estudiado se reflejase en la música. Chairs Missing es el segundo disco y todavía hoy sigue sonando contempóraneo.

Desde los primeros compases de "Practice Makes Perfect" queda claro que no estamos ante la típica música de FM de fondo para el supermercado. No, al contrario, podría ser la banda sonora de alguna película de suspenso arty, con su ritmo insistente, esas guitarras que lastiman y la voz de Colin Newman, más paranoico que nunca. "French Film Blurred" anticipa al Radiohead post-Kid A en veinte años. Es la canción llevada al límite.

Si alguna vez hay que explicarle a alguien de qué se trataba el post-punk, una buena manera puede ser exponer esa persona a "Men 2nd", "Marooned" (¡Gran arpegio introductorio!) o "Mercy", en realidad, a cualquiera de los temas de Chairs Missing, son climas gélidos, acordes menores, ritmos rápidos y sincopados. Es la pesadilla imaginada por Orwell y Fritz Lang hecha música, el acompañamiento perfecto para un mundo que se desmorona. "Sand In my Joints" los encuentra otra vez en el sonido de Pink Flag, a toda velocidad, un riff ramonero y, a menos de dos minutos de empezar… ya se terminó! “Sentirse adormecido por carne anestesiada, evitando desgracias con las ideas aún frescas, sin manos, sin pasos, tu labor es en vano” dice la letra de "Being Sucked Again" y en seguida da paso al machaque misterioso de "Heartbeat" casi al borde del susurro y con esas notas del bajo reiterativas, como para reforzar el concepto. Va creciendo, tímidamente, pero no llega a explotar del todo, “como un latido de corazón”. Contundente.

Más referencias al desequilibrio mental en "Mercy", por si acaso hacía falta: “Dentro de la institución con paredes de azul pastel, muros salpicados clínicamente de blanco, piedad esta noche, enfermera”. Si esa letra, escalofriante de por si, está dentro de una música claustrofóbica, energética y agobiante, es imposible no entender el mensaje. No es música para ir a hacer las compras o esperar que llegue el turno en el consultorio del dentista. Tampoco es para ir en el subte mirando de reojo a los costados. Hay que encontrar el momento y ahí si, es perfecta. "Outdoor Miner" es un refugio después de un buen tramo tormentoso, pop adelantado, distinto, sin dudas Blur, Suede y la generación siguiente estaba prestando atención a esto. Lo mismo con el tema que sigue, el clásico "I Am the Fly" en donde un coro de barrabravas cockney dice “soy la mosca en la sopa”, a nivel masivo nunca iba a pasar nada con Wire, pero había varios parando la oreja.

A Wire todavía les faltaba grabar el también magnífico 154 antes de internarse en una década conflictiva (y más bien accidentada) pero aún fructífera discográficamente hablando. Con discos solistas y proyectos paralelos atravesando los trabajos oficiales de la banda. Pero la influencia de Wire en la música moderna, aunque sutil, todavía se hace sentir y mucho. ¿Ellos? Siguen sacando discos y en gran forma.







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Ultravox - Ha!-Ha!-Ha!
Franz Ferdinand - ídem [1er. LP - 2004]
Wire - Send

Spiritualized - Ladies and Gentlemen We Are Floating In Space

Spiritualized surgió de las cenizas de Spacemen 3, aquellos rockeros espaciales comandados por Pete "Sonic Boom" Kember. Apegados a los mantras hipnóticos, a los tonos sombríos y cierta reivindicación constante de las sustancias alteradoras de la percepción, Spacemen 3 se disolvió en la habitual lucha de egos y usos y abusos de todo tipo. Kember formaría Spectrum y participaría en varios proyectos parelelos y todavía hoy sigue produciendo bandas.

Siempre al mando de Pierce, acompañado por quienes estén dispuestos a tolerar los manejos despóticos, Spiritualized hizo dos discos siguiendo la línea trazada por su banda anterior. Algo pasó después de Pure Phase, el segundo opus de la banda británica: Pierce rompió con su pareja de entonces y las consecuencias no pudieron haber sido mejores. De esa ruptura surge Ladies and Gentlemen…, del dolor, del sufrimiento insoportable, de la pena del alma que sólo la música puede ayudar a sortear con éxito.

Los preparativos al despegue empiezan con el tema que dá título y ya la suerte está echada: “Todo lo que necesito en esta vida es un poco de amor que se lleve el dolor” dice la letra en un colchón de teclados psicodélicos al borde del sopor y el entumecimiento. El mensaje es claro: es el amor como forma de redención del espíritu, como método de elevación por sobre lo ordinario. Y el desamor como fuente de todos los problemas, lógico. En "Come Together" aparecen las verdaderas intenciones del álbum y el sonido que lo caracteriza. Una tormenta eléctrica descargada sin piedad, con una base instrumental monstruosa, es el muro de sonido de Phil Spector revisitado. El hombre está destrozado y se encarga de manifestarlo intentando ocultar la óptica autobiográfica, usando el recurso de la tercera persona. "I Think I'm In Love" va creciendo despacio, a partir de una base sencilla, hasta llegar a un estallido a toda orquesta con coros multitudinarios que se destacan entre un verdadero despliegue de recursos. El órgano tubular introduce "All of my Thoughts" dándole al tema un cariz medio religioso, pero en seguida llega una tormenta sónica, con varios instrumentos de bronce y guitarras aullantes. Se desarrolla entre esta dinámica de suave/violento hasta llegar a un final calmo. 

"Stay with Me" es el pedido al borde del desbarranco que hace quien sabe que ya tiene todo por perder. Musicalmente emparentado con aquellas composiciones de los Pink Floyd previas al mega-éxito de Dark Side…, tranquilo, sin batería, con muchos teclados pero con un costado sombrío y algo tétrico. Otra descarga de adrenalina es la que aporta "Electricity", sin lugar a dudas el momento más rockero y efervescente del disco. Acá muestran las influencias de los primeros Hawkwind, Jesus and Mary Chain y las descargas auditivas de Sonic Youth. Ruido blanco desplegado con talento y eficacia.

También hay lugar para las exploraciones porque "The Individual" cae dentro de esa categoría y acá están filtrados Sun Ra, Amon Düül II y John Cale en unos breves cuatro minutos. "Broken Heart" es quizás el momento más emotivo de Ladies and Gentlemen… Apela a una textura de cuerdas cinematográfica a la manera de John Williams, va creciendo y avanza para apoyar uno de los momentos confesionales más desoladores de la carrera de Spiritualized. El narrador se muestra desnudo, honesto y vulnerable en un acto de sinceridad heroico. Sin metáforas, es directo, va al grano. El cierre, con Dr. John como invitado al piano, tiene algo de perverso. Invitar al gran Mack Rebennack para tocar dos notas en un tema de casi veinte minutos puede parecer un desperdicio, pero el maestro se da el lujo de mostrar todo lo que se puede hacer sin pirotecnia ni acrobacias. El viejo axioma de “menos es más”.

Y sí, Ladies and Gentlemen… fue un éxito. Merecidísimo. En el mismo año de Urban Hymns de The Verve o OK Computer de Radiohead, la revista NME lo consagró Disco del Año, vendió muchísimos ejemplares y dejó otro gran aporte para la historia de las grandes tapas; el packaging del disco estaba pensado para imitar una caja de medicamentos, con su correspondiente prospecto y contraindicaciones. Lo que se llama reforzar el concepto, digamos.








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Chequear también:
Spiritualized - Let It Come Down
The Verve - A Northern Soul
Mercury Rev - See You On the Other Side