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lunes, 6 de noviembre de 2023

The Strokes - Is This It


Imposible olvidarlo. Quienes les bajaban el pulgar tenían cierta cantidad de años. Los que aceptaban la propuesta eran menores, no hace falta aclararlo. Como suele pasar cada vez que una banda o solista traza una línea, marca un quiebre y divide aguas. Los escépticos decían cosas como “esto ya lo escuché” o “para escuchar esto prefiero escuchar Ramones”, cosas de ese estilo. Al gran público no pareció importarle y la banda la pegó. No es que rompieron todo, fueron un antes y después, nada de eso; les fue bien. De hecho fue una de las últimas bandas en hacerse grandes en lo que podríamos llamar Era Moderna, hablando de tiempos post-masificación de Internet. Con ellos vinieron los White Stripes, The Hives y sí… también The Vines.

Era la vuelta del rock de guitarras, algo parecido a lo que pasó con Nirvana una década antes, en menor escala quizás. El regreso de las guitarras a las radios. Vale decir que en aquel entonces las radios todavía eran influyentes. Lo que quedaba de los sellos discográficos, en lo que fueron los últimos coletazos de la industria tal y como la conocíamos, salía a buscas con desesperación bandas parecidas. ¿Había alguna novedad?

Sí y no.

Sí era cierto que escuchar a Television o Blondie estaba bien visto otra vez. De estos grupos no se acordaba nadie. O sí. Se acordaban los freaks musicales como decían en Alta Fidelidad. Hoy en día, que alguien a quien le gusta el rock, no sepa qué es Marquee Moon es infrecuente, medio insólito. Y si es así… a cambiarlo urgente. En las entrevistas hablaban de Velvet Underground, por ejemplo. Ellos trajeron esa música de nuevo, la rescataron y no es un mérito menor.

Y las canciones tenían algo… si estás buscando virtuosismo o buen sonido estás mal rumbeado. A pesar de que en cuanto a producción había un par de decisiones hábilmente tomadas, no es por ahí el asunto con The Strokes. No es por el lado en el que muchos músicos suelen apuntar su confusión, su represión sexual. Era frescura, desparpajo, juventud. Es lo que siempre reaparece cada diez o quince años. “Last Nite” no tenía prácticamente nada de novedoso, era muy difícil no bailar. Si no bailabas era porque lo estabas sobre-analizando, racionalizando. Eso y la música… no deberían ir juntos. “Barely Legal”, “Soma”, “Hard to Explain”, una colección de canciones coherente, sin pretensiones intelectuales, con un parentesco directo con Please Please Me de los Beatles o More Songs About Buildings and Food de Talking Heads. Es sólo rock and roll. Sin demasiadas vueltas. Y nos encanta.







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Chequear también:

The Strokes - Room On Fire
Cobra Verde - Easy Listening
Huevos Rancheros - Dig In




viernes, 25 de marzo de 2022

5 Canciones 5: Richard Lloyd, The Velvet Underground, David Bowie, Ed Kuepper y Hanoi Rocks


Number Nine
Richard Lloyd

Si algo llama la atención en el primer disco solista del ex-Television, es la total falta de pretensiones arty que sí tenía su banda anterior. Esto es palo y a la bolsa, a divertise, sin ser tonto o simplón, al contrario, tiene su sofisticación. ¿Alguien dijo The Strokes? Escuchando este temazo puede surgir ese nombre. Velocidad, guitarras, una onda medio power pop y un cierto parentesco con bandas como The dB's o The Feelies.

Aparece originalmente en: Alchemy (1979)

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Guess I'm Falling In Love
The Velvet Underground

¡Qué energía! Hermoso cachetazo del rock más canchero posible, de la mano de la banda que lo inventó, se podría decir. Habría que ir dejando de lado aquel viejo lema que dice que las bandas que se reúnen están condenadas a la intrascendencia. Los años nos han demostrado lo contrario, con casos como el de Dinosaur Jr. o Slowdive. El sólo de guitarra parece detenido en el tiempo, un tiempo en que Velvet Underground le pavimentaba el camino a la mitad más uno.

Aparece originalmente en: Live MCMXCIII (1993)


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You Feel So Lonely You Could Die
David Bowie

Cuando salió The Next Day, los fans (que no es lo mismo que 'fanáticos') se ubicaban en diferentes veredas. Yo era un escéptico, más por miedo y soberbia de adolescente tardío que otra cosa. Después, mucho después, cuando realmente lo escuché no lo podía creer. ¿Cómo hizo Bowie para sacar de la galera un disco así? Si uno se pone a pensar, en realidad, nunca se fué. Qué pavada aquello de que Scary Monsters era su último gran disco, era cuestión de abandonar la pereza y sentarse a escuchar, con tiempo y dedicación, como El Duque lo merece. ¿Y esto? Esto es un milagro de canción, tiene la melancolía, esa sensación que solo él transmite, de que está diciendo algo importante, el título de movida ya es extraordinario. Del desarrollo melódico, de cómo la canta, de los cambios de acordes y de la atmósfera mejor ni hablemos.

Aparece originalmente en: The Next Day (2013)

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Everything I Got Belongs to You
Ed Kuepper

Co-fundador de una banda histórica, nada menos que The Saints, junto al gran Chris Bailey, leyendas de los confines del mundo, en Australia, para ser precisos. Canciones de entrega, de amor incondicional, ahí podría ubicarse este temazo, tarea nada fácil, hay que caminar encima de una línea muy delgada. Kuepper siempre supo manejarlo bien a ese asunto, en su larga y prolífica carrera solista.

Aparece originalmente en: Today Wonder (1990)


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Ice Cream Summer
Hanoi Rocks

Temazo del tercer disco de estudio de los finlandeses, cuarto si contamos la compilación de singles Self Destruction Blues. Producido por dos ex-miembros de Mott the Hoople (la duple Griffin / Watts) la banda de Michael Monroe, Andy McCoy y compañía se manda con uno de esos que son difíciles de olvidar. Una oda a un romance de verano, con una onda de rock de los cincuenta, con sus coros, teclados y saxo para la ocasión.

Aparece originalmente en: Back to Mistery City (1983)

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viernes, 26 de septiembre de 2025

5 Canciones 5: The Fixx, Enoch Light, Wings, The Damned y Radio Diablo


One Thing Leads to Another
The Fixx

Este tema lo ponía mucho en mi tóxica época como DJ, en un bar muy sórdido del Microcentro porteño. Nunca iba nadie, a veces caían mis amigos y gastaba siempre más de lo que ganaba por noche. Eso sí, me dejaban poner lo que se me cantaba, fundamental. La única condición era que, temprano, tenía que pasar "So Far Away" de Dire Straits. Era cuando el encargado -ya drogado- me lo exigía, por medio de una seña horrible que hacía. Quise aportar algo extra musical sobre The Fixx pero lo único que sabía, que era que uno de los integrantes era el papá de uno de los Strokes, resultó ser un bolazo que me encajaron hace como veinte años..


Aparece originalmente en: Reach the Beach (1983)

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Knowing When to Leave
Enoch Light and the Light Brigade

Este muchacho fué pionero en varias técnicas de grabación, tenía a mano lo que se le antojaba por sus contactos en la tele y hasta fué de los primeros en impulsar las tapas dobles. Lo que también se conoce como gatefold. Las tapas son increíbles, sobre todo para una época en que no se le daba mucha bola al asunto. Lo que hace vendría a ser un jazz liviano, ideal para musicalizar escenas o dejar de fondo en un restó concheto. Easy listening... que le dicen, no? Spaced Out es uno de sus discos más famosos y tiene tres versiones de los Beatles. ¿Conocen muchas versiones de "Ob-La-Di, Ob-La-Da"? 


Aparece originalmente en: Spaced Out
 (1969)

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Silly Love Songs
Wings

De Wings at the Speed of Sound no se acuerdan ni los fans más vomitivos de los Beatles. Pero tiene "Silly Love Songs" y eso alcanza para justificar su existencia. Podría hablar horas de este temazo enorme de Macca, considerado por algunos como un gesto reaccionario y medio caretón. Con esa línea de bajo y esa melodía, las implicancias socio-culturales de estos tres minutos de almíbar auditivo, quedan sepultadas en el más impío mechupaunhuevo. He dicho.


Aparece originalmente en: Wings at the Speed of Sound (1973)


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song.com
The Damned

Hablando de gestos reaccionarios... Acá Vanian despotrica contra los primeros mogo-playstation, cuando recién empezaban a asomar esos pibes que no pueden despegarse un segundo de sus dispositivos. En Grave Disorder hay de todo, si Anything o Strawberries ya habían mostrado una banda con amplitud de criterios, acá lo llevan al extremo. Pero "song.com" es una vuelta a los principios, a esos temas aguerridos y super gancheros de la primera época. Eso sí, tocado, cantado y arreglado con la autoridad y el aplomo de veinte años de aprendizaje forzoso, de growing up in public, como diría Lou Reed. 


Aparece originalmente en: Grave Disorder (1998)


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Tu salvación
Radio Diablo

Último tema, encargado de cerrar el segundo larga duración de Radio Diablo. ¿Salvación de qué? ¿Redención? De la imbecilidad reinante, de las cárceles auto-impuestas, de las presiones sociales, de no tener la menor idea de nada pero tratar de seguir haciéndose preguntas. Claramente inspirado en los canadienses The Sadies, tanto en los cambios de acordes como en el clima general, al que obliga el acorde menor. En el medio hay un homenaje (más bien robo a mano armada) al Morricone de las películas de Sergio Leone, los inolvidables spaguetti-western de mediados de los sesenta en adelante. ¿Se habrán salvado? Ojalá.


Aparece originalmente en: Viento a favor (2016)
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domingo, 4 de mayo de 2025

5 Canciones 5: Color Humano, The Fleshtones, Dave Gahan & Soulsavers, The Nite-Liters y Big Star


Humberto Azulado de Azul
Color Humano

Del éxodo de Almendra salen Pescado Rabioso, Aquelarre y los grandiosos Color Humano, liderados por Edelmiro Molinari. Con Rinaldo Rafanelli en bajo y (nada menos) David Lebón en batería. ¿Se acordará Lebón de esos discazos en los que grabó?
Este vendría a ser el momento épico del debut. ¿Qué escuchaban estos tipos? Salían con cosas completamente únicas. Había cierta influencia de bandas anglosajonas pero esto era (y es) único. Por algo a todos estos discos fundacionales del rock sudamericano los buscan en el hemisferio norte. Ellos pueden pagarlos... andá a encontrar uno de estos en buen estado. Imposible.


Aparece originalmente en: Color Humano (1er. LP - 1972)

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Let's Go
The Fleshtones

En el extraordinario Sweat: The Story of the Fleshtones, America's Garage Band, uno de los más entretenidos libros de música sobre la faz de la tierra, cuentan que Laboratory of Sound es el Disco de Drogas de los Fleshtones. Produjo Steve Albini y, al parecer, no fué una buena experiencia.
Algo así como Trust de Costello o Magician Among the Spirits de The Church. Una escucha a "Let's Go", el tema con el que arranca, no te dá ninguna pista. Es el sonido clásico de ellos, una banda ideal para una fiesta, rockera, claro. Esto sería el equivalente a los temas bobos que cantan las cheerleaders en las películas. Pero con guitarras.


Aparece originalmente en: Laboratory of Sound
(1995)

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All of This and Nothing
Dave Gahan & Soulsavers

El corte de difusión, para el que se hizo un video. Dave Gahan... ¡qué pedazo de cantor! Siempre lo fué. Era un nenito cuando le metía su gola a "I Just Can't Get Enough" y ya sonaba como Scott Walker o cualquier otro cantante barítono de esos que han dejado una huella. ¿Y Soulsavers? ¿Qué onda? La verdad no sé nada de ellos, pero nada de nada. Sí escuché tres discos (contando este) Broken y It's Not How Far You Fall, It's the Way You Land, con el gran Mark Lanegan, el eterno colaborador -R.I.P. Marquitos... hats off a tu obra, tu legado- y la cosa viene por el lado de la oscuridad, la sordidez.


Aparece originalmente en: Angels & Ghosts (2015)

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Money Runner (de la película Dollars)
The Nite-Liters

Una personal. ¿Me dejan? Tengo una lista de discos que busco (bastante extensa) y este lo tenía anotado hace años. Desde ahí que no lo escuchaba porque suelo hacer eso, si algo me gusta mucho espero hasta tenerlo para volver a escucharlo. Ni me acordaba porqué me había gustado y hasta pensé que era por la tapa. Cuando finalmente apareció (que maravilla la justicia de los discos) supe al instante. Esto suena veinte años adelantado a su época. Es increíble! Acá anticipan el sonido de Massive Attack.


Aparece originalmente en: Different Strokes (1972)


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Back of a Car
Big Star

Los dos primeros discos de Big Star son buenos, son pioneros, salieron con algo novedoso. Pero me atrevo a decir que, en realidad, la leyenda se basa más que nada en lo que hicieron con 3rd, también conocido como Sister/Lovers. Ahí inventan a Elliott Smith y a todos los songwriters torturados que vinieron después. En dos o tres temas de Radio City ya estaba la semilla, la depresión suicida de Alex Chilton, que por suerte -para nosotros- pudo llevarla hacia un norte creativo. Al final, en la cara B sale esta pieza de conmovedora hermosura, que te prepara para lo que viene después; "Daisy Glaze". De otro planeta.


Aparece originalmente en: Radio City (1974)


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lunes, 22 de agosto de 2011

The Velvet Underground - Loaded


Hace unos cuantos años Velvet Underground era una banda de culto. Hoy, con todo el asunto de Internet y el avance de las comunicaciones, cualquiera con un poquito apenas de onda sabe más o menos quienes son. Muchos pueden identificar la tapa del disco de la banana, saben que la hizo Warhol y unos cuantos hasta lo han escuchado de principio a fin. ¿Y el resto de los discos? Bien, gracias.
También es culpa del desoncertante eclecticismo de la banda, después de ese primer trabajo con Nico, arty, sádico, controvertido e indiscutible viene White Light/White Heat que es un disco difícil, sucio, lleno de distorsión. Casi en seguida sigue el tercero, The Velvet Underground, que marca otro golpe de timón; esta vez son cancioncillas muy simples, despojadas, casi de fogón podría decirse. Después se van del sello Verve y pasan a Atlantic y ahí es cuando había que pegarla, cuando había que “pasar las grandes ligas”.

Ahora estaba Doug Yule, el gran borrado de la historia del grupo, reemplazando a John Cale, que para Loaded era un miembro importante, hasta hace la voz líder en cuatro de las canciones. Es bueno recordar que, antes de Velvet Underground, Lou Reed había trabajado como compositor de canciones por encargo en Brill Building, de manera que ya sabía varios trucos y diseñó Loaded como un disco en donde todos los temas podían ser hits potenciales, usando los estilos que podían llegar a ser comerciales.

Y sí, Loaded está repleto de hits, empieza con "Who Loves the Sun" que bien podría haber sido de los Hollies o cualquiera de los grupos de la costa oeste de los Estados Unidos. En seguida vienen dos de las canciones más memorables del inmenso catálogo de Lou Reed, nada menos que "Sweet Jane" y "Rock & Roll", dos temas enormes. ¿Qué se puede aportar a todo lo que ya se ha dicho sobre estas dos joyas? No mucho. Uno de los “tapados” de Loaded es "New Age", una de esas grandes canciones que tiene todo lo que hay que tener. A pedido del presidente de Atlantic, Ahmet Ertegun, Reed “levantó la pata del acelerador” en lo que a contenido lírico se refiere y le cambió la letra a último momento; primero trataba sobre una puta caída en desgracia y terminó siendo la historia de una aspirante a estrella de Hollywood. La voz corre por cuenta de Doug Yule y acá se luce. "Lonesome Cowboy Bill" es un rock and roll para agarrar la ruta al mejor estilo Creedence y en "Head Held High" Lou Reed se deja las amígdalas a puro corazón. Para el final, a modo de broche de oro, otra obra maestra: "Oh! Sweet Nothing". Es uno de esos mantras repetitivos como "Sympathy for the Devil" o el mismo "Like a Rolling Stone" con sus momentos de reposo y sus climas de intensidad.

Casi no hace falta recordar que Loaded fracasó estrepitosamente y nunca fue el gran vendedor que pretendió ser. Lou Reed abandonó la banda sobre el final de las grabaciones para dedicarse a su carrera solista (que tardó bastante en despegar) y la banda quedó en manos del manager Steve Sesnick y Doug Yule. Tuvieron la osadía de grabar un disco que solo sirvió para darle el nombre al grupo new wave Squeeze (¡Con Ian Paice de Deep Purple en la batería!). Uno de los tantos continuadores de todo lo que empezó Velvet Underground.








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Chequear también:

The Velvet Underground -
1969: Velvet Underground Live, Vol. 1
Lou Reed - Street Hassle
The Strokes - Is This It



martes, 13 de octubre de 2020

Baby Woodrose - Third Eye Surgery


¿Se puede hacer rock psicodélico genuino en pleno siglo veintiuno? Una buena respuesta sería escuchar “Waiting for the War”. Esto no es joda, no es imitación. Acá hay conocimiento de causa y una música actual, contemporánea, hasta tiene algo de música electrónica bailable ahí, dando vueltas, sugerido. Otro ejemplo sería “It's Just a Ride”, en donde protestan contra los day trippers, los que se toman un ácido para “divertirse”, sin saber que esto se trata de iluminación espiritual, de expansión de la mente. “Algunas personas desperdician su tiempo en algo que es sólo un paseo”. Mas claro imposible. La música es una montaña rusa de guitarras y teclados como para que el mensaje sea más redondo y quede bien claro.

Un poco de repaso viene bien. Uffe Lorenzen nació en Dinamarca y viene agitando las banderas desde hace rato, tenía una banda que se llamaba On Trial en donde hacían más o menos lo mismo, con discos como New Day Rising o Blinded by the Sun. A principios de este milenio formó Baby Woodrose en honor a su apodo -Lorenzo Woodrose- y sacaron Blows Your Mind en el 2001, una brisa de aire fresco en su momento, entre tanto rock de garage e imitadores de The Hives, Strokes y compañía. Antes que este hay discos extraordinarios en el medio, Love Comes Down del ’06 y Chasing Raindows del año siguiente, sobre todo. Clásicos de la psicodelia moderna que han pasado relativamente desapercibidos, ante el aluvión de posibilidades que nos ofreció de repente Internet, que se expandía y masificaba al mismo tiempo que Baby Woodrose iba desplegando su magia.

Third Eye Surgery sería el disco número siete y salió en el 2012. Es la culminación perfecta de un legado, una idea y una discografía impecable. Es la evolución y es una forma de pensar y hacer rock en la era moderna. Un intento de descripción sería decir que esto es el equivalente a los 13th Floor Elevators de Easter Everywhere para la Nueva Era. No se les haría justicia con esas palabras. Esto tiene identidad propia. Sí, tienen que ver con las bandas oscuras de fines de los sesenta, pero se le plantan firme a nuestros días. A pesar de que anteriormente eran más retro si se quiere, en Third Eye Surgery (uno de los mejores títulos de los últimos veinte años, hay que decirlo) suenan futuristas. Es escuchar “Nothing Is Real” para comprobarlo. Es música con raíces fuertes pero no podría haber sido hecha en otro momento que no sea este.

Lorenzen ya sacó tres discos en su idioma y bajo su verdadero nombre después de Freedom, el último con Baby Woodrose. Habrá que detenerse a chequearlo.







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Chequear también:

The Grateful Dead - Anthem of the Sun
The Soundtrack of Our Lives - Extended Revelations
Uffe Lorenzen - Galmandsværk




jueves, 7 de julio de 2022

Adam Green - Sixes & Sevens


¿A qué se parece la primer canción? A todo y a nada. Tiene una cosa medio setentas, por ahí por el lado del sonido. Podría ser un tema de Bowie, sí, tiene unos cortes y cambios de ritmo propios del rock progresivo, coristas al mejor estilo Elvis (Las Vegas, por supuesto) y una producción general a lo grande. El tema se llama “Festival Song” y cuando te estás acostumbrando al clima propuesto… ¡termina! La cosa sigue con “Tropical Island” y acá sí es un terreno en el que se puede identificar un poco más a Adam Green. Un haragán, un bon vivant decadente, un amante despechado, una suerte de Kevin Ayers moderno, del siglo veintiuno. Hace todo lo posible por no ser tomado en serio y es experto en el arte de reírse de uno mismo, pero cualquiera que preste un poco de atención puede notar que, detrás del payaso, hay un tipo que la tiene clara, o al menos tiene claras algunas cosas. Composición, por ejemplo. En “Cannot Get Sicker” hay más ideas que las que algunos artistas usan para hacer discos enteros y en el tema que sigue, “Morning After Morning” hay un homenaje al glam rock en general y a Mott the Hoople de la última época en particular, con los bronces y las chicas.

Había formado parte del movimiento conocido como anti-folk, cuando integraba la formación de Moldy Peaches, con Kimya Dawson. Cuando los Strokes hicieron de Nueva York un epicentro cultural rockero (otra vez) Adam Green, que era amigote de Julian Casablancas y compañía, se vió beneficiado por la atención que empezaron a recibir los que formaban parte de esa escena. Tuvo algunos hits de los que le costó desmarcarse, si es que alguna vez le interesó. “Jessica”, en donde se burlaba con ternura de la cantante-plástica Jessica Simpson, fue uno de esos, “Friends of Mine”, “Dance With Me” o “Emily”, también tuvieron rotación en su momento.

“Getting Led”, cosa seria, a pesar de que la letras es para cagarse de risa, con un juego de palabras digno de un adolescente en celo, el tema, la forma en que lo canta y los arreglos bien podrían convertirlo en un tema de Whatevershebringswesing o Joy of a Toy. ¿Conocerá a Kevin Ayers? Es muy probable, si no lo conocía, seguramente algún amigo, periodista o conocido se lo debe haber mencionado. Acá hay algunos dúos divertidos e infantiles, más o menos lo que siempre hizo en sus discos como solista; mostrar que no se puede tomar nada en serio, pero que, si uno para un poco la oreja, queda claro que hay un amor por el oficio del que no muchos pueden jactarse. El sí.







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Chequear también:
The Moldy Peaches - ídem [1er. LP - 2001]
Adam Green - Jacket Full of Danger
Scott Walker - 'Til the Band Comes In

 



martes, 2 de diciembre de 2008

Television - Marquee Moon


Estamos ante un disco clásico con todas las letras, un álbum de cabecera, una verdadera obra maestra. Marquee Moon de Television tiene muchos pergaminos, es muy reconocido, genera devociones, es admirado tanto por colegas como por simples amantes de la música. Muy merecido porque Marquee Moon es único, es irrepetible... y no le sobra nada.

Un poco de manera injusta, el debut de los ultra-neoyorquinos Television es encasillado dentro de lo que se dio en llamar punk o punk-rock. Esto es comprensible porque la banda solía compartir cartel con los grupos salidos del CBGB (el mítico bar-antro de la Gran Manzana para los desprevenidos) como Blondie, Patti Smith, Ramones y Richard Hell, entre otros. No es punk, aunque comparten la actidud y el desenfado, el término le queda corto. En Television manejaban sus instrumentos con una considerable destreza, las composiciones eran completamente originales y las influencias de la banda eran difíciles de detectar.

La música en cuestión -lo que al fin y al cabo le otorga el mérito que tiene- es lo que se destaca en la primera audición; guitarras arregladísimas que condimentan las canciones continuamente, jugando, subrayando, atrapando, subiendo y bajando. La voz de Tom Verlaine también es muy particular y atrayente, un registro peculiar, nasal, un poco agresivo, mordiendo y casi escupiendo cada una de las palabras. Y ni hablar de la guitarra de Richard Lloyd que aporta el balance necesario para mantener el disco dentro de un canon terrenal, mas pop, con los pies sobre la tierra.
Los arreglos en general parecen improvisados, descolocados, pero no, nada de eso, en Marquee Moon todo está pensado cien por ciento, solo hace falta escuchar el solo de guitarra de "Torn Curtain" para comprobar que efectivamente el grupo tocaba con la precisión de un reloj suizo, todo está en su lugar, nada queda librado al azar y aun así, la música fluye majestuosa e imponentemente. Otra prueba de esto es el tema que da título a la placa, con su imponente sección instrumental y su sección final con el teclado en primerísimo plano para cerrar diez minutos de perfección pura. Como anéctdota interesante se puede agregar que este tema fue grabado con los músicos tocando en vivo en el estudio, en una primer y única toma, y cuando lo terminaron, se miraron sorprendidos y se dieron cuenta que estaba perfecto, que nada mas hacía falta.

Claro, hablar de las canciones individualmente no tendría demasiado sentido, porque Marquee Moon funciona como unidad, como un todo abarcativo en donde las piezas encajan. Las composiciones son distintas entre sí, están unificadas por un sonido, por una actitud, por una idea que rige y por las letras de Verlaine; libre asociación, poesía maldita y hermética, juegos de palabras literarios. Resulta complicado trazar la línea que desciende de Marquee Moon, es un disco que muchos escucharon y asimilaron, pero pocos, muy pocos pudieron lograr algo semejante.








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Chequear también:

Television - Adventure
Mercury Rev - Deserter's Songs
The Strokes - Is This It?


martes, 17 de marzo de 2020

Girls - Father, Son, Holy Ghost


Con destino a clásico inmediato. Algo difícil de lograr y más en tiempos post-Internet. Se me ocurren algunos; The Soft Bulletin, el primero de los Strokes, Elephant de los White Stripes, Illinois de Sufjan Stevens… la lista no es muy extensa. El tercer trabajo de Girls apareció después de un EP que siguió al debut y cosechó críticas positivas por todos lados, en revistas, sitios web especializados y redes sociales. De esas que hacen desconfiar, a lo que algunos llaman “hype”, otros le llamamos “invento”, “mentira” o directamente “chamuyo”.
No era el caso esta vez, por suerte.

Escuchás los primeros tres temas y ya podés notar que acá hay algo especial, difícil de explicar, pero algo se transmite de manera inmediata. Se nota que el pibe tiene alma, un corazón de oro, que sufrió y vivió para contarlo. Supuestamente Christopher Owens, el alma máter de la banda fue criado en una secta o culto religioso, pero no vamos a detenernos en detalles cholulo/biográficos y vamos directo a la música. Lo que transmiten las canciones es una especie de clasicismo infrecuente, bien logrado. Uno podría decir que acá no hay nada nuevo, pero no es tan así. El disco suena increíble, por empezar, desde el punto de vista audio, sobre todo. Sólo se podría haber grabado hoy en día, es un disco cien por ciento moderno. Pero las influencias son palpables, se escuchan casi en seguida. Llama la atención que sean tantas, que haya guiños de todo tipo, habla de un conocimiento enciclopédico de la música popular, que en ningún momento se vuelve pedante, nunca te lo refriegan en la cara, más bien lo contrario; está todo tan incorporado en la música y en las canciones, que todo termina sumando al conjunto.

Pueden mezclar Black Sabbath con Fleetwood Mac en el mismo tema, sin que se noten las suturas, o arrancar en plan Neil Young de la primera época, para pasar a un Radiohead post-OK Computer. Otra a favor en Father, Son, Holy Ghost es el gancho. Hacía rato que no aparecía una colección de canciones tan coherente, todas tienen una unidad conceptual y sonora, sin embargo hay climas de todo tipo, se abordan varios géneros y en ningún momento es aburrido. Siempre está pasando algo interesante y es cuestión de escucharlo dos o tres veces para atesorarlo para siempre en las neuronas.

Si me apuran y tengo que elegir un tema optaría por “Vomit”, a mitad de camino en el disco. Empieza con un arpegio triste, al mejor estilo On the Beach, con una melodía vocal desoladora, para desembocar en un estribillo gospel a todo trapo, que bien podría haber sido del Spiritualized de los días de oro. Tiene un solo de guitarra bien podrido que le cae como anillo al dedo. Termina con un estribillo que podría haber estado en la cara B de Abbey Road. La elección es brava porque todos los temas tienen este nivel. Un disco que ya era clásico apenas había salido. Merecido.







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Girls - Broken Dreams Club [EP]
Mercury Rev - All Is Dream
American Music Club - Love Songs for Patriots



martes, 13 de marzo de 2018

Compañero Asma - Respira


Respira, uno de los -tantos- grandes discos de Compañero Asma, el vehículo elegido por Hernán Espejo para darle rienda suelta a sus obsesiones, delirios y caprichos musicales, acá va una rápida y caprichosa selección de cinco de sus canciones, con una breve descripción, mañana pueden ser otras ¿Por qué no?

6 – "El camino inverso a la locura" además de llevar un título enigmático, de esos que te incitan a la escucha urgente, tiene todo lo que tiene que tener un temazo. Cierta influencia del rock argentino pionero de los setenta (Invisible, Color Humano) Las estrofas te van llevando de manera autómatica al estribillo, de esos que te hacen levantar un puño y querer estar con una hinchada de fútbol, coreando a viva voz. Otra vez; temazo.

4 – "Right Wing Circle / Cold War Baby 1971" es la letra existencial del disco. El estribillo, con notable cambio de atmósfera y versos en francés, es un guiño al Julian Cope más cancionero. Cuando termina, viene una progresión de acordes al mejor estilo "Sexy Sadie" o esos temas raros del Álbum Blanco. Una delicia auditiva. El final es oír para creer.

8 – "Rendez-vous with the Music" no dice mucho más que su título a lo largo de la canción, pero lo dice con una voz distorsionada de ultratumba, una introducción hermosa, unos acordes de jazz espectaculares, un solo que aparece después de un notable cambio de ritmo… son dos minutos y medio de musicalidad absoluta, sin desperdiciar un segundo.

9 – "Prodigal Son" es una demostración de cómo hacer una versión, en este caso de un tema medio olvidado de Iron Maiden, de Killers, el segundo LP de estudio de los metaleros británicos. Es saber encontrar una canción en el ruido y debajo de las capas de distorsión. De paso renegar de lo que está bien y lo que no, la banda de Steve Harris siempre fue muy popular y por ende para nada cool, puntos a favor para Mr. Espejo por la reivindicación de una banda enorme, ineludible. ¡Atención especial para el solo de guitarra!

10 - "¡Es una frecuencia inmortal!" es otro de los puntos altos. “Desde lo étereo a lo celular, desde Dock Sud a La Paternal, es invisible a los ojos es una frecuencia inmortal”. Acá hay una leve influencia de las bandas de guitarras que habían aparecido a principios de la década pasada (Strokes, Franz Ferdinand, etcétera) pero Compañero Asma toca con más aplomo, más precisión que esos grupos, si prestás atención se nota, sobre todo cuando estalla la distorsión y la banda galopa a la par.







Escuchar en el Bandcamp, en iTunes o en Spotify.







Chequear también:

Compañero Asma - Afuera pero no abajo

Julian Cope - Skellington
Invisible - El jardín de los presentes