The Rolling Stones - More Hot Rocks (Big Hits & Fazed Cookies)

Hay quinientas compilaciones de los Stones. La más famosa quizás sea la de la botita en la tapa -Jump Back- uno de esos que todo el mundo tenía en la época en que la clase media todavía se preocupaba por tener objetos culturales físicos. Esta en realidad es malísima, sólo tiene de Sticky Fingers en adelante, o sea desde el cambio de sello, cuando aparece por primera vez el logo de la lengua que todos identificamos al instante.

Después están los dos Hot Rocks, que llegan hasta el '71 ("Brown Sugar" y "Wild Horses") y no están nada mal, está la versión single de "Honky Tonk Woman", en donde Bill Wyman dá una clase magistral de bajo rockero y te encontrás con una selección decente de Las Majestades en los sesenta. Flowers y Metamorphosis hay que tenerlos por obvias razones, aunque casi se podría decir que son discos "de estudio" por el contenido y la selección. Si hay que elegir una sola compilación, no estaría nada mal ir con esta maravilla, More Hot Rocks (Big Hits & Fazed Cookies), disco doble que no se edita en UK y llega hasta Let It Bleed inclusive, el último LP que sale en el sello Decca.

En el disco uno tenés una representación extraordinaria de la evolución de los Rolling Stones en la década en que el mundo se parte al medio de una vez y para siempre, con Jagger, Richards, Brian Jones, Wyman y Charlie Watts como protagonistas de la revolución. Empieza con "Tell Me", que creo que es el primer tema que componen los Glimmer Twins cuando el infame Andrew Loog Oldham los encierra en una habitación, con la premisa de componer de una vez por todas y dejarse de joder con los covers.
Andy olfateaba la andanada de millones que estaba a la vuelta de la esquina y vaya si tenía razón. Como representantes de la era de las versiones están "Not Fade Away" de Buddy Holly y "It's All Over Now" que nadie se acuerda que, en realidad, es del gran Bobby Womack. Con "I'm Free" empieza a asomarse la influencia de Dylan y el gran cambio que fue darle un poco más de bola a las letras.
Ya con "Have You Seen Your Mother…" la inmersión en la lisergia es completa, en uno de los grandes singles, alrededor de Aftermath, disco bisagra si los hubo. Ahí nomás "Dandelion" y "We Love You", que a menos que tengas los singles originales, son temas tan buenos como difíciles de ubicar.

Disco dos y ya estamos en Their Satanic Majesties Request, uno de los discos más polémicos que se han grabado, Keith Richards dice odiarlo, puede que no se acuerde absolutamente nada del momento en que lo hicieron y es probable que no lo haya vuelto a escuchar en años. Tiene momentos de altísimo vuelo, como los dos temas que lo representan acá y el simple "Child of the Moon", una de las canciones más hermosas de la conocida como Era de Acuario, salió como cara B de "Jumpin' Jack Flash".
En este último se veía venir lo que iba a ser el resto de la carrera, la bajada a tierra después del viaje interestelar.
La sorpresa es la cara D o 4, en donde se vuelve atrás con joyitas semi-olvidadas como "Money", el excelente "Fortune Teller", el saludo a Chuck Berry con "Bye Bye Johnny" y el homenaje al inolvidable Muddy Waters, con "I Can't Be Satisfied".

Redoblamos la apuesta; si vas a tener un sólo disco de los Rolling Stones, si vas a entorpecer tu vida con semejante blasfemia, que sea este. ¿O se te ocurre algún otro?






Escuchar online en YouTube o en Spotify.






Chequear también:
The Rolling Stones - Sucking In The Seventies
Keith Richards - A Stone Alone
The Rolling Stones - Singles Collection / The London Years

The Flying Burrito Bros - Burrito Deluxe

La opinión consensuada es que The Gilded Palace of Sin es el disco para salvar de un incendio de los Flying Burrito Bros pero nos atrevemos a desafiar esa afirmación. Sí, está bien, Gilded… fue el primero, tiene la ventaja de la novedad, todo lo que quieras, pero Burrito Deluxe es más fiestero, más divertido y encima tiene “Wild Horses” como broche de oro.

La historia es más o menos vox populi; Gram Parsons deja a los Byrds después de Sweetheart of the Rodeo, se lo lleva a Chris Hillman, uno de los músicos y compositores más injustamente ignorados del Libro Gordo del Rock, y arma a los Burritos para no tener que discutir decisiones con nadie (léase Roger McGuinn) y con el primer álbum cosecha un éxito de críticas inmediato, en su afán por plasmar en un estudio de grabación lo que llamaba “música cósmica americana”.

Para la altura de Burrito Deluxe, fines de los sesenta, Gram Parsons ya era una estrella, se codeaba con los Stones, se había hecho muy amigo de Keith Richards, se iban a tomar alucinógenos al desierto de Mojave y tocaban mucho en vivo, muchísimo. El disco arranca a todo gas, con “Lazy Days”, que ya había sido grabado por los Byrds (aparece en los bonus de la reedición de Sweetheart…) pero que no había entrado en el disco por líos contractuales que impedían que Parsons cantase en otro sello, todavía tenía contrato con LHI, el sello de Lee Hazlewood en el que había aparecido el disco de International Submarine Band, el debut de Parsons en LP y otro que definitivamente vale la pena buscar. Lo primero que uno piensa es “¡Sí! ¡Rock ‘n’ roll!” y no está nada mal tener esa idea en mente para lo que sigue a continuación.

Hay un “tapado” de Dylan, “If You Gotta Go”, un rock bien al estilo Chuck Berry, que desaparece fulgurante antes de que el reloj marque los dos minutos, otra versión del clásico “Further Along”, con unas armonías vocales que son una exquisitez auditiva. También tiene “Older Guys”, original de la banda, un verdadero temazo en donde Hillman se luce especialmente como bajista y para el que se hizo un video promocional arriba de un velero (YouTube… ¡que gloria!). Al final, como ya dijimos, aparece “Wild Horses” un año antes de salir en Sticky Fingers, supuestamente Keith Richards se lo dio en un demo en cassette a Parsons cuando este último estaba destrozado por una pelea con Michelle Phillips, la chica linda de los Mamas & the Papas.

Después de este disco se va Parsons para empezar su carrera solista y queda Hillman al mando de los Burritos y ahí sacan el disco homónimo de tapa azul, otro que hay que chequear y que está totalmente borrado de la historia oficial. Queda para la próxima.








Escuchar entero en YouTube o en Spotify.







Chequear también:
Gram Parsons - Grievous Angel
Chris Hillman - Slippin' Away
Emmylou Harris - Luxury Liner

Video de la Semana: Willie Nelson & Keith Richards - We Had It All [live]

Estos dos ya se habían juntado a hacer este clásico, esta es de hace unos días, para el cumpleaños número noventa (90!!!!!) del gran Willie Nelson.




.

Johnny Thunders - So Alone

Johnny Thunders es un mito, y como todo mito hay una parte que tiene correspondencia con la realidad y hay otra mas cuestionable e incierta. El hecho de haber muerto cuando todavía era relativamente joven lo convirtió en una especie de mártir, quedando impreso en el imaginario popular como una cruza entre Keith Richards y Syd Vicious. Vamos a dejar de lado la parte sensacionalista que rodea al personaje y vamos a concentrarnos en lo que realmente importa; la música de Johnny Thunders.

Después de dejar su impronta en la historia del rock para siempre formando parte de los New York Dolls, mostrando al mundo cuánto es posible hacer con una cantidad de recursos limitada y de alejarse de los Heartbreakers. Con ellos había ido a Inglaterra en el momento cumbre del punk rock, a fines de los 70's, ahí fue que se dedicó a la grabación de su primer disco como solista, So Alone, en 1978.

Antes que nada, se hicieron las llamadas correspondientes para que no faltasen los amigotes para poner algún que otro coro, arrimar alguna droga específica, un guitarrazo por aquí y por allá o algún aporreo de tambores ocasional. Entre los que dijeron "presente" hay varias luminarias; Chrissie Hynde de los Pretenders, los dos ex-Pistols Steve Jones y Paul Cook, el gran Phil Lynott de Thin Lizzy (que aporta unos coros divertidísimos en el clásico "Daddy Rolling Stone"), nada menos que Steve Marriott de los Small Faces (en aquel momento en un Humble Pie reformado, de "capa caída" luego de dos discos ignorados tanto por el público como por la crítica) y hasta Peter Perrett de los Only Ones.

Un poco gracias a la galería de visitas ilustres y otro tanto por la determinación de Thunders en aquel entonces, So Alone resultó un verdadero triunfo. Sí, en este disco está "You Can’t Put Your Arms Around a Memory", una de las grandes canciones que compuso el neoyorquino en toda su carrera, versionada hasta el hartazgo y utilizada varias veces para musicalizar escenas de películas y series varias. También aparece la versión del clásico surfer "Pipeline" de los Chantays, una nueva lectura a aquel "Great Big Kiss" del primer LP de los Dolls (originalmente grabado por The Shangri-Las) o "(She’s So) Untouchable" con sus saxos apoyando la melodía, sucia y desprolija.

Como guinda en la torta, la reedición en CD del álbum tiene cuatro bonus tracks que son un lujo; "Dead or Alive", un excelente simple de la época, y una versión de "The Wizard", de Marc Bolan, mas conocido como T. Rex, entre los mas destacados.







Escuchar online en YouTube o en Spotify.






Chequear también:
Johnny Thunders & the Heartbreakers - L.A.M.F.
The Professionals - I Didn't See It Coming
The Only Ones - Only Serpents Shine

Verve - A Storm In Heaven

Space rock. Rock espacial. Cuelgue, psicodelia. Un acorde, una textura densa, clima onírico. Ahí surge la voz, envuelta en una buena cantidad de efectos, fantasmagórica, dice algo así; “hola, soy yo, quiero tocarte, soy yo tirando piedras a las estrellas, en nuestro mundo confundido”. “Star Sail” funciona como una especie de introducción, una que dice mucho al respecto de lo que se viene en A Storm In Heaven, el primer LP de estudio de The Verve.

“Slide Away”, el que viene después, que comparte título con uno de los grandes temas de Oasis, los emparenta con el brit pop que estaba por estallar en el Reino Unido. El parentesco con los hermanos cejijuntos termina ahí nomás, esto es otra cosa, acá no hay estribillos para corear en estadios, es más bien la banda sonora de la gente interesada en los viajes mentales. La voz de Richard Ashcroft tiene poco que ver con lo que más tarde sería, sí estaban la agresión y la actitud. Si se puede comparar con algo, es con algunos temas de Suede, sobre todo los más guitarreros.

Si alguien hace un poco de memoria, estos tipos se convirtieron es super estrellas globales, sobre todo su cantante, por aquel video bravucón en que Ashcroft caminaba por la calle chocándose a la gente, de manera casual, a pura arrogancia. Era por supuesto “Bitter Sweet Symphony”, una canción muy representativa de una época, un himno se podría decir. Después de un juicio, terminó yendo a parar a los bolsillos de Mick Jagger y Keith Richards, cuando en realidad se había sampleado un pedacito de un disco de versiones orquestales de temas de los Stones.

El tercer tema del disco, “Already There”, puede servir de ejemplo para describir un poco de qué se trata A Storm In Heaven, el tema parece suspendido en una nube de ansiolíticos, no hay muchos cambios de acordes, la cosa se trata de generar un clima, de manejar la dinámica, la cosa sube y baja, es la tormenta en el paraíso que el título tan bien anticipa, si hay solos de guitarra están usados para aumentar la atmósfera y las voces, un poco a la manera de los Cocteau Twins (hay una influencia notable) no se usan para decir cosas sino para poner otra capa en la marea sonora que está generando la banda. Esta no es música para poner en un bar o para amenizar una velada, se escucha en soledad o con la compañía adecuada. Ahí te puede llevar lejos. A tu propia tormenta, en tu propio paraíso.







Escuchar online en YouTube o en Spotify.







Chequear también:
Spectrum - Forever Alien
The Verve - A Northern Soul
Goat - Commune

R.E.M. - Document

¿Qué se puede decir de R.E.M. que no se haya dicho hasta ahora? Bastante. Hoy en día parece increíble pero ellos pasaron por el típico escalafón de toda banda que alcanza niveles de trascendencia (y fama) con la salvedad de que el camino que recorrieron fue más largo y angustiante. Empezaron en un pueblo chico, en Athens, en el estado de Georgia e hicieron todo lo que hay que hacer para llegar a donde están. Giraron incansablemente en la típica camioneta maloliente, tocaron para audiencias hostiles, hicieron una música idiosincrática y a contramano y fueron sacando discos excelentes alcanzando mayores audiencias a medida que avanzaban. Ya con Murmur, el debut, ya eran el grupo que había que escuchar, pero para aquel entonces no salían del circuito de la gente que siempre está en la búsqueda, los que están con los oídos en estado de alerta. Los ayudó mucho el incipiente circuito de universidades y ni hablar de las radios chicas que empezaban a florecer por todos lados en el ultra-conservador Estados Unidos de la era Reagan.

Document es el testimonio perfecto del momento en que estaban a punto de dar el gran salto hacia la masividad. Ya tenían una audiencia fiel y los medios especializados se deshacían en elogios ante cada trabajo. Incluso para el tercer LP, el fundamental Fables of the Reconstruction, habían grabado en Londres y los había producido el legendario Joe Boyd (Nick Drake, Fairport Convention, etcétera). Para este quinto disco, seguían “afilando el lápiz”, buscando un sonido compacto, grande, en donde la guitarra de Peter Buck pasaba al frente incluso más que antes. Buck, algo así como el Keith Richards del post-punk, era un ex-empleado de disquería que conocía muy bien lo que le gustaba, sabía como quería sonar y contaba con el carisma insuperable de Michael Stipe, el pibe sensible y retraído que ya se perfilaba para ser una superestrella.

Y tenían canciones. Canciones de las buenas, de esas que no se oxidan. En Document debutaban dos futuros emblemas: "It's the End of the World as We Know It (and I Feel Fine)" que vendría acompañada de un simpatico video y nada menos que la excelente "The One I Love", todavía un caballito de batalla de los conciertos de la banda. Las canciones de Document tenían esta vez una decidida orientación política, tomando partido por causas justas y bajando línea de una manera más directa a como venían haciéndolo. Ahí están "Finest Worksong" o "Exhuming McCarhty" como ejemplos de este nuevo cariz lírico. También está la versión de "Strange" de Wire, a modo de gesto de pertenencia o el folk-rock byrdesco de "King of Birds" (valga la redundancia).

Es difícil medir la influencia de R.E.M. en el rock contemporáneo pero no es poca la importancia que han tenido, sobre todo si tenemos en cuenta que para mediados de los ochenta las radios mainstream estaban saturadas por un pop descafeinado horrendo e insípido y escuchar una guitarra era toda una proeza. Lo que viene despúes de Document es un poco historia conocida: Green y más éxito, Out of Time… más todavía y la explosión mundial de la mano de Automatic for the People. Eso lo dejamos para la próxima.








Escuchar online en YouTube o en Spotify.







Chequear también:
R.E.M. - Lifes Rich Pageant
Guadalcanal Diary - Jamboree
Let's Active - Big Plans for Everybody

Alejandro Escovedo - Burn Something Beautiful

Los que realmente adoramos el rock and roll y rezamos a diario en su altar de mártires no necesitamos grandes revoluciones. No nos hacen falta salvadores, exégetas, vengadores, iluminados, líderes... nada de eso. Mucho menos pibes carilindos que durarán en la cresta de la ola lo mismo que un flato emitido en una cancha de fútbol, esos que suelen ensalzar las revistas inglesas, siempre ávidas del nuevo Dylan o los herederos del "trono" de los Stone Roses. 

La utopía no es mucho más que un día en el que "habrá mil guitarras y nadie se va a quejar del rudio. Porque es el amor que tomamos es el mismo que generamos", como dice "Horizontal", uno de los tantos temazos de Burn Something Beautiful, enésimo disco de estudio de Alejandro Escovedo. No hace falta mucho más que esto, una colección de canciones en donde un corazón de oro se desangra entre tres o cuatro acordes, una pasión, cuatro o cinco melómanos llenos de anécdotas y derrotas. Como diría El Salmón, honestidad brutal. Y si eso se percibe, sin que haga falta jactarse, la pelea contra los molinos de viento ya está ganada, sin importar cuánto acusa el marcador. 

Escovedo siempre fué un "músico de músicos". ¿Qué quiere decir esto? Simple; nunca fué un gran vendedor pero tiene el visto bueno de tipos que saben de qué se trata El Quijote, los que saben que la metáfora aplica acá más que en ningún lado. Estas canciones comparten el crédito con Peter Buck de R.E.M., algo así como el Keith Richards de la generación que vino después (el true rocker detrás de una banda archi-mega-famosa, el que le sigue aportando la cuota de credibilidad) y Scott McCaughey. Este último guitarrista a la sombra en las giras de estadios de R.E.M. y líder de dos bandas de culto grandiosas; The Minus 5 y los Young Fresh Fellows. Seguramente las letras corrieron por cuenta de Escovedo, que siempre tuvo algo para decir, sin demasiadas pretensiones pero una claridad de ideas que no muchos consiguen volcar al papel. Es un ángel caído, uno de esos que sufrieron, vivieron para contarla y nunca lo vas a escuchar en plan mesiánico, pontificando. Error en el que suelen incurrir muchos que han pasado por experiencias parecidas, nunca vas a sentir que te están bajando línea en sus textos, más bien lo contrario, si puede buscarte para que seas cómplice. Para preguntarte si alguna vez sentiste así. 

Entonces... ¿que hay de nuevo en Burn Something Beautiful? Catorce canciones que antes no habíamos escuchado, catorce nuevos intentos de inmortalidad rocker. De la mano de mil guitarras, eso sí. Si eso te parece poco... 





Escuchar online en YouTube o en Spotify.





Chequear también:
The True Believers - ídem [1er. LP - 1986]
Alejandro Escovedo - Bourbonitis Blues
Varios - Por vida: A Tribute to the Songs of Alejandro Escovedo

5 Canciones 5: Grant-Lee Phillips, Fair, Emerson, Lake & Palmer, UFO y Van Morrison

Liberation
Grant-Lee Phillips

En el disco más politizado del ex-Shiva Burlesque se encuentra este himno. ¿Quién hace este tipo de canciones hoy en día? No se me ocurren muchos ejemplos, pero cuando aparecen uno no puede menos que caer rendido. Ante el coraje, la inocencia, los huevos o lo que sea que hace falta para salir al ruedo con una canción así. Un tema para salir a luchar.
Liberación. HOY más que nunca.
"Paz en las calles cuando el humo se disipe, el hará sagrado el día en que sus enemigos cayeron". Amén.

Aparece originalmente en: Widdershins (2018)

Ver / oír en YouTube

Blurry Eyed
Fair

Banda oriunda de Seattle, como tantas otras, hicieron dos discos de estudio antes de desaparecer del mapa. El líder, Aaron Sprinkle, tiene una carrera solista y es relativamente conocido. Acá hay una canción que no se parece al resto, por empezar no hay batería y la melodía flota en unos arreglos de cuerdas vertiginosos mientras la letra dice algo de "salir de algún lugar, con los ojos borrosos". Sería una metáfora de esas que hacen referencia a mover, a salir adelante. No sé... la primera vez que la escuché me llamó la atención. La segunda no tanto.

Aparece originalmente en: The Best Worst-Case Scenario (2006)

Ver / oír en YouTube

Toccata
Emerson, Lake & Palmer

"An Adaption of Ginastera's 1st Piano Concerto, 4^th Movement" dice, entre paréntesis, al lado del nombre del tema. Al parecer los muchachos se molestaron en ir hasta Suiza, a pedirle permiso al compositor argentino, para hacer esto, que originalmente salió en Brain Salad Surgery. Según dicen, Ginastera ni siquiera se molestó en atenderlos. Pero cuando escuchó el resultado mandó un telegrama. ¿Será? No dejes que la verdad arruine una buena historia, como bien dijo Keith Richards. El triple en vivo es el summun de la indulgencia prog-rocker, lo tomas o lo dejas, pero es así.

Aparece originalmente en: Welcome Back My Friends to the Show That Never Ends (1974)

Ver / oír en YouTube

All or Nothing
UFO

La importancia y el peso de una gran canción. ¿Por qué? Venía escuchando No Heavy Petting, uno de los tantos discos buenos de los alemanotes hard-rockeros UFO y la verdad es que la venía pasando muy bien. Sin demasiados sobresaltos, obteniendo lo que esperaba de ellos, ni más ni menos. Hasta que apareció esto, que me saltó al cuello inmediatamente. El ataque ninja de la canción perfecta. Cover de los Small Faces, no aparecía en el disco, está en los bonus tracks de la reedición en CD. Impresionante.

Aparece originalmente en: No Heavy Petting (1976 - reedición con bonus de 2007)

Ver / oír en YouTube

Contacting My Angel
Van Morrison

Del mismo disco que tiene "Have I Told You Later...", uno de los temas más famosos de Van the Man. Esto continúa la línea espiritual trazada por Beautiful Vision, Hymns to the Silence o Poetic Champion's... Son esos mantras que parecen flotar en una suerte de delirio místico, con un Van Morrison en un estado de gracia, suspendido en vaya uno a saber qué creencia, droga o fiebre religiosa. También se podría decir que esto lo invento él mismo en Astral Weeks y no sería descabellado. Un acorde, ningún apuro y mucha convicción.

Aparece originalmente en: Avalon Sunset (1989)

Ver / oír en YouTube

The Clash - Give 'em Enough Rope

Si alguien todavía no vió Rude Boy tiene que conseguirla como sea. La película cuenta las desventuras de un pibito que es plomo (o roadie) de los Clash en las primeras giras por Inglaterra. Es un verdadero testimonio de una época y todos los Clash participan y -digamos que- actúan.

Hay dos momentos que son especialmente imperdibles. Es cuando muestran a Mick Jones y a Joe Strummer grabando sus pistas vocales de dos de las grandes canciones de Give ‘em Enough Rope; "Stay Free" y "All the Young Punks". Es poco probable que las escenas correspondan a la verdadera grabación pero no importa, las dos son perfectas para mostrar la personalidad de los dos compositores principales de un grupo en su mejor momento.

Jones se muestra como la estrella de rock que siempre quiso ser, el fanático de Mott the Hoople, el Keith Richards de la banda, enfundado en cuero con el cigarrillo reglamentario, reclinado, con todo su arsenal de movimientos calculados. Canta una canción de su pluma, un derroche de ternura y nostalgia por una época que nunca va a volver: la infancia. Strummer también canta una sobre el pasado; el tema que cuenta los principios del grupo (“Yo sabía cómo cantar, ellos sabían cómo posar”) con ironía y mucho cariño, a pura pasión, fiel a su estilo, un manojo de nervios, sabiendo que lo que hace está quedando en la historia. Cuando grabaron este segundo disco de estudio, los más dogmáticos pusieron el grito en el cielo. Sandy Pearlman, que había trabajado con grupos como Blue Öyster Cult, era el productor elegido y muchos los acusaron de venderse, cosa que ya habían hecho un par de años antes cuando firmaron contrato con CBS. Hoy en día, cuando a nadie le importan este tipo de cuestiones, el disco suena como nunca, es un remolino de guitarras amontonadas capa a capa y pocos se atreverían a cuestionar la producción de Pearlman.

En Give ‘em Enough Rope, además de los dos temazos ya mencionados, debutaban unos cuantos futuros clásicos: arrancaba con toda la furia con "Safe European Home", el retrato de la visión del europeo facho promedio, paseando por el tercer mundo (“Voy al lugar en donde todas las caras son una invitación al robo”) con una línea de bajo buenísima de Paul Simonon. También estaba el incendiario "English Civil War" y, para el lucimiento de Nicky “Topper” Headon (un baterista excepcional que sin embargo rara vez trataba de sobresalir) estaba "Tommy Gun", en donde Stummer imaginaba a un terrorista leyendo las noticias en donde aparecía su nombre en letras de molde, como un auténtico cholulo de sí mismo. Con mucha sorna, Strummer grita “¡Vamos héroe de la guitarra!” antes de que empiece el solo. Los Clash caían en los lugares comunes que intentaban derribar, eran conscientes de eso y la contradicción no les impedía seguir haciendo discos excelentes, es más; parecían disfrutarlo. El riff al estilo "You Really Got Me" sirve para contar la historia de "Guns on the Roof", el episodio en que Topper tuvo la gran idea de bajar unas cuantas palomas con un rifle en la terraza de la sala de ensayo y por el que terminaron rindiendo cuentas ante la ley.

A pesar de que Give ‘em Enough Rope tuvo críticas de todo tipo al momento de su aparición (se esperaba mucho de los Clash, demasiado), les sirvió para dar un paso más en el plan de dominación mundial que tenían. Meta que una vez lograda terminó derribándolos, por el peso de unas ambiciones que no podían sostener. Después vendría London Calling que fue la explosión en Estados Unidos y lo que todos más o menos sabemos. Pero este es un disco que todavía tiene hambre de gloria y se nota en cada surco. Los pibes lo entendieron.








Escuchar online en YouTube o en Spotify.







Chequear también:
The Clash - Super Black Market Clash
Big Audio Dynamite - No. 10, Upping St.
Joe Strummer & the Mescaleros - Streetcore

5 Canciones 5: Narada Michael Walden, Link Wray, Pet Shop Boys, Bob Welch y Dragon

I Shoulda Loved Ya
Narada Michael Walden

Este empezó en el asunto del jazz fusion. Tocó con McLaughlin, Chick Corea, Jeff Beck, por nombrar algunos de los pesos pesados con los que se codeó. Después fue apadrinado por Quincy Jones y ya para esta época (fines de los setenta) era productor, compositor, arreglador y baterista. Ese línea de bajo... ¡por favor! ¿Quién la toca? Es diabólica. Hasta se da el gusto de hacer un solo de bajo. Y que no sea un plomo. Let's dance!

Aparece originalmente en: The Dance of Life (1979)

Ver / oír en YouTube

It's All Over Now Baby Blue
Link Wray

Se adapta a los tiempo el amigo Link Wray, que ya venía batallando hacía años. ¿"It's All Over..." otra vez? Es un tema que lo ha hecho medio mundo. Sin embargo... En algún lugar leí que esta la versión favorita de Dylan de la infinidad de covers que se grabaron de sus temas. Cosa que también leí o escuché de otros diez o veinte. ¿Quién esparcirá esos rumores? Como dijo Keith Richards; "no dejes que la verdad arruine una buena historia". Y hay que decirlo; esta la rompe, la pisa y la amasa.

Aparece originalmente en: Bullshot (1979)

Ver / oír en YouTube

Love Is a Bourgeois Thing
Pet Shop Boys

JA! Qué gran título de canción. Discutible cien por ciento. Pero sustentable. Cuando hay un título como este uno arranca de otro modo la escucha. ¿Y? Pet Shop Boys clásico. Uno de esos himnos que dos por tres les salen. "Go West", "Suburbia", a ese nivel está este. Los tipos todavía siguen al día, con un sonido propio, que ya hoy es clásico y a la vez moderno. La voz, las líneas pegadizas de sintetizadores, todos los elementos de un gran tema del dúo Neil Tennant / Chris Lowe. Melodía, ante todo.

Aparece originalmente en: Electric (2013)

Ver / oír en YouTube

Oh Jenny!
Bob Welch

Alguna vez escuché al gigantón Mick Fleetwood decir que Bob Welch salvó a Fleetwood Mac. Y sí, es así. En aquellos años extraños entre la ida de Peter Green y la entrada de la dupla Buckingham / Nicks, este tipo se puso el equipo al hombro. Como solista es representante del sonido de Los Angeles de fines de los setenta. Una cosa muy suave hecha por tipos muy drogones. Es suave pero nunca blanda, tiene esa característica que la hace única. Además de unas grabaciones que todavía hoy siguen sonando veinte mil puntos.

Aparece originalmente en: Three Hearts (1979)

Ver / oír en YouTube

What Am I Going to Do?
Dragon

Si alguien se acuerda alguna vez de los neocelandeces Dragon va a ser por el hit "Rain", un temazo, uno de esos éxitos merecidos. Para la altura de Body and the Beat (el que tenía dicho hit) ya tenían diez años de carrera y varios LP abajo del brazo. La tenían clara. Este disco valioso, acompaña, buenos temas, ideas inteligentes, pop de primer nivel. Crowded House, algunas cosas de Tom Petty, The Motels. Acá hay un estribillo super ganchero. Vendrían a ser one hit wonders sin justicia.

Aparece originalmente en: Body and the Beat (1984)

Ver / oír en YouTube

Una compilación de "NO-clásicos" de los Stones

Si estás harto de escuchar el riff de "Start Me Up" o te pudriste de escuchar la enésima versión en vivo de "Satisfaction". Si "Brown Sugar" ya te pone los pelos de punta y "Angie" te provoca ganas de abandonar esta vida cruel, acá va una guía para hacerte tu selección de joyas ocultas, esos temas oscuros, que no aparecen en el “compilado de la botita” y que JAMÁS tocan en vivo. Vamos por orden cronológico:

1. Tell Me (You’re Coming Back): baladita del primer disco, como cualquier grupo de chicas de los que producía Phil Spector. Los créditos pertenecen a Nanker/Phelge, un seudónimo que se habían inventado por que aparentemente no se tenían confianza como compositores todavía. Aparece en el primer disco.

2. That’s How Strong My Love Is: de Out of Our Heads (si, el mismo que tiene "Satisfaction") los Stones hacen la versión que solía hacer Otis Redding de este standard soul. Muy buenas voces y un teclado sublime a cargo de Jack Nietzche.

3. The Singer Not the Song: injustamente desconocida, esta canción no tiene mucho que ver con lo que eran los Stones por aquella época, un poco de pop, podría haber sido de cualquier grupo de Merseybeat de la época. Letra seudo-filosófica.

4. I am Waiting: aparece en la versión inglesa de Aftermath, lento y sicodélico y con un puente-estribillo que se eleva con respecto a la atmósfera del resto de la canción

5. My Obsession: elegir una de Between de Buttons es difícil, era el disco favorito de Frank Zappa. La música es perfecta para la letra, claustrofóbica y como el nombre lo indica, obsesiva.

6. Ride On, Baby: verdadera joya de Flowers, el compilado de singles y caras B, en un año de febril actividad para los Stones (1967) a pesar de todos los problemas legales de aquel entonces. Pop sin fecha de vencimiento.

7. In Another Land: el único tema firmado por Bill Wyman, que siempre se quejó de que no le reconocían sus aportes. Totalmente sumergida en ácido lisérgico, aparece en el infravalorado Their Satanic Majesties Request.

8. Salt of the Earth: la primera con voz líder de Keith, un tema con aires dylanescos y tufillo folkie. Cierra un disco que es el favorito de varios: Beggars Banquet.

9. You Got the Silver: otra cantada por Richards, empieza de a poco y la instrumentación va “in-crescendo” hasta estallar en un country rock al mejor estilo Gram Parsons/Byrds/Flying Burrito Brothers.

10. Sister Morphine: de Sticky Fingers (aquel de la legendaria tapa de la bragueta). Lento, oscuro y de la letra mejor ni hablar, todo es perfecto en esta canción.

11. Happy: otra cantada por Keith, y esta sí que la suelen tocar en vivo, rock and roll bien cuadradito, se puede decir que es un típico tema Stone, tres acordes, palo y a la bolsa

12. Luxury: de It’s Only Rock and Roll, el estribillo dice “trabajo tan duro para tratar de darte los lujos”, haciendo un poco de auto-referencia en un mid-tempo elegante y atmosférico.

13. When the Whip Comes Down: en pleno estallido del punk nos muestran como es que se hace rock básico, rápido y con letra provocadora. Está en el que quizás sea el último gran disco; Some Girls.

14. This Place Is Empty: esta aparece en el mas-de-lo-mismo disco nuevo. La canta Keith con la voz totalmente reventada pero conmueve hasta al mas fiero. Aires a Tom Waits a lo largo de toda la canción.

Aquí están, estos son... se pueden hacer 100 compilados con temas “no-conocidos” de los Stones, rescatando canciones de los discos malos y eligiendo las “perdidas” de los clásicos. Tirá tus sugerencias!!!

Ry Cooder - Chicken Skin Music

Guitarrista muy habilidoso, domina cualquier instrumento de cuerdas pero nunca hizo una de más, una suerte de héroe de la guitarra que rara vez toca un solo, pero sí lo hace… agarrate. Este las hizo a todas. Tenía a los Rising Sons en los sesenta junto con Taj Mahal y fueron pioneros en eso de fusionar el blues con el rock. Con el quilombo de papelitos, servilletas y anotaciones varias que había acumulado Don Van Vliet durante meses, Cooder armó un LP. Ese disco fue Safe as Milk de Captain Beefheart. Le enseñó a Keith Richards la afinación con la que hizo un buen puñado de sus temas inolvidables, “Brown Sugar”, “Jumpin’ Jack Flash”, etcétera. También fue responsable directo en hacer que el Buena Vista Social Club diera el salto al estrellato mundial. Alguno puede llegar a preguntarse algo del estilo de “y si es tan bueno… ¿por qué no es más famoso?”. Simple. Jamás hizo concesiones extra-musicales. Nunca lo vas a ver dando saltos en el escenario ni haciendo declaraciones polémicas, ingiriendo toneladas de drogas o agarrándose a piñas. Lo suyo pasa pura y exclusivamente por la música. Y muchos necesitamos esas historias flatulentas a la hora de elevar a alguien al trono, por desgracia.

La carrera de Ry Cooder se puede dividir en cuatro etapas. La primera, en donde era una suerte de curador musical, grabando unos discos de versiones arqueólogicas, con intenciones de musicólogo. La segunda, en donde empieza a hacer algún que otro tema propio y hay una especie de intento (fallido) de convertirlo en estrella. La tercera es la de las bandas sonoras, hizo millones, a mediados de la década del ochenta arrancó con algo que le dio de comer y lo entretuvo. También se cansó, claro. Y la última etapa, que llega hasta hoy, hasta la actualidad, haciendo unos discos totalmente idiosincrátcos, cien por ciento Ry Cooder, con temas propios y ajenos, con un concepto fuerte detrás y el aplomo y la confianza de años en la ruta.

¿Dónde se ubica Chicken Skin Music? En aquella primera etapa, claramente. Es un disco de versiones que sin problemas podría pasar como uno de temas propios. Es su quinto disco de estudio y tiene cosas en común con los anteriores y algunas que lo diferencian. Acá hay un claro tinte mejicano, con el Flaco Jiménez, su acordeón y su banda. A su manera Ry Cooder fue uno de los primeros yanquis en dejar de mirarse el ombligo y abrir la cabeza a músicas de otros parajes. Hawai es otro de los destinos, hay dos temas que están grabados en las islas y se nota al instante. “Yellow Roses” y “Chloe” te hacen pensar en hamacas colgantes, siestas y algún traguito que ayude al mareo y posterior sueñito. El disco abre y cierra con versiones del gran Leadbelly (“The Bourgeois Blues” y el inoxidable “Goodnight Irene”) a modo de homenaje y refuerzo del concepto detrás de las elecciones. En el medio está “Stand By Me” de Ben E. King, “Smack Dab in the Middle” de Jesse Stone y una hermosa versión de “He’ll Have to Go”.

Cualquiera que esté mas o menos enterado lo conoce por la banda sonora de Paris, Texas, la inolvidable película de Win Wenders, con el enorme Harry Dean Stanton en el papel protagónico. Hay mucho más que eso. Pasen y vean.








Escuchar online en YouTube o en Spotify.








Chequear también:
Ry Cooder - Into the Purple Valley
Ry Cooder - Borderline
Ry Cooder - Pull Up Some Dust and Sit Down

The Small Faces - The Darlings of Whapping Wharf Launderette

Acá vale la pena hablar un poco de alguien que tuvo mucho que ver con esta historia y es Andrew Loog Oldham. Manager de los Stones desde el principio mismo, era un poco más joven pero tenía hormigas en el culo, ideas nuevas, algunas brillantes y otras más bien delirantes, descabelladas. Fue quién instó a la dupla Jagger / Richards a ponerse a componer de una vez por todas, con el consiguiente desplazamiento de Brian Jones, que al principio llevaba las riendas.

A mediados de los sesenta arranca el sello Inmediate, una aventura arriesgada para aquel entonces. Por acá salieron The Nice (con un Keith Emeron muy pibito) Humble Pie, Chris Farlowe, P.P. Arnold y varios más. La aventura dejó más perdidas que ganancias y nunca tuvieron un super éxito de esos que permiten que la cosa siga por más que haya pérdidas, un “In the Summertime” de Mungo Jerry en el sello Dawn, por ejemplo.

Y ahí fueron a parar los Small Faces en la época en que eran considerados próceres, héroes nacionales británicos, un poquito por debajo de Beatles y Stones, pegadito sí a The Who y los enormes reivindicados (merecidamente) The Kinks. Ellos ya habían sacado un disco (Small Faces, en el ’66) en Decca y varios singles que los llevaron al puesto en el que estaban a mediados de los sesenta, “Sha-La-La-La-Lee", “Whatcha Gonna Do About It”… temas que definieron una época, la etapa pre-psicodelia del rock anglosajón, se podría decir.

Este compilado doble trae todo lo que grabaron inmediatamente después, es decir que tiene todo Small Faces (sí, otro homónimo) enterito There Are But Four Small Faces y el disco más inglés de todos los tiempos; Ogdens' Nut Gone Flake, una de las primeras obras conceptuales junto a Tommy, S.F. Sorrow de Pretty Things u otros no tan famosos, como The Magic Shoemaker, de Fire.

Acé te podés encontrar con clásicos inmortales como “Here Comes the Nice”, uno de los primeros temas que hablaron abiertamente de drogas, “Itchykoo Park” que vendría a ser el “Penny Lane” de los Small Faces, “Get Yourself Together” o el eterno “My Way of Giving”. Si tengo que elegir (ojalá que eso no pase nunca) voy con la cara A de Ogdens… sobre todo con “Song of a Baker” y “Afterglow”, dos bombas que anticipan en treinta años a bandas como Ocean Colour Scene o los primeros discos de Blur. No todos los compilados son descartables, este te ahorra horas de búsqueda en disquerías. 







No está (entero al menos) ni en YouTube ni en Spotify.






Chequear también:
The Faces - A Nod Is As Good As a Wink... to a Blind Horse
Humble Pie - As Safe As Yesterday Is
Billy Nichols - Would You Believe

5 Canciones 5: Rolling Stones

Jumpin' Jack Flash

Una de las letras más oblicuas de los Stones, "El pequeño saltarín Jack" (esa era la traducción argentina del título) tenía que ver con el "regreso a tierra" después de los años de LSD y psicodelia de los discos anteriores. Acá Keith usa un riff repetitivo, experimentando con las afinaciones que usaría después hasta cansarse, haciendo el primer super-clásico de una nueva etapa de la banda, más roquera, más "rollinga" si se quiere. Temazo por donde se lo mire.

1968 - Primer LP en que aparece: Through the Past, Darkly (Big Hits Vol. 2) (1969)

Ver / oir en YouTube

I Wanna Be Your Man

Famoso por haber sido escrito por Paul McCartney y Lennon en un rincón mientras el resto hablaba y cedido a modo de regalo, los mismos Beatles grabarían su versión, con Ringo haciendo la voz líder. Los Stones necesitaban un simple y Andrew Loog Oldham (el manager) les tiró el mangazo a los de Liverpool, quienes accedieron sin problemas. Otro capítulo que destruye la supuesta -muy falsa- antinomia Beatles vs. Stones. Fue el segundo sencillo, unos meses después del histórico "Come On", de Chuck Berry.

1963 - Primer LP en que aparece: Milestones (1972)

Ver / oir en YouTube

Have You Seen Your Mother, Baby, Standing In the Shadow?

Feedback de guitarra, bronces por primera vez... los Stones trataban de adaptarse a los cambios y salían muy bien parados ante el desafío. Supuestamente compuesta por Richards al piano, "Mother..." es una pequeña/gran joya de pop psicodélico inglés. En el video (y en la tapa del simple) aparecían vestidos de mujer, anticipándose en varios años al glam rock de Bowie, T. Rex, Mott the Hoople y hasta ellos mismos.

1966 - Primer LP en que aparece: Big Hits (High Tide and Green Grass) (1966)

Ver / oir en YouTube

Street Fighting Man

Jagger se muestra por primera vez preocupado por la candente situación del mundo de aquel entonces, particularmente inspirado por las revueltas del Mayo francés del '68. Nada de esto importaría si no tuviera ese tremendo motivo de acústicas que abre la canción y que la saca adelante con un impresionante groove de Charlie Watts, acá Brian Jones ya perdía terreno (dicen que en Let It Bleed casi no toca) y la versión del sencillo fué la misma que terminó saliendo en el enorme Beggars Banquet.

1968 - Primer LP en que aparece: Beggars Banquet (1968)

Ver / oir en YouTube

In Another Land

Bill Wyman siempré se quejó de que no le daban crédito en los temas y algo de cierto tiene que haber, los Stones funcionaban como tiranía muchas veces. Esta joya totalmente sumergida en ácido lisérgico apareció tambien en el que -probablemente- sea el disco más injustamente criticado de los Rolling Stones, la versión diabólica y confundida del Sgt. Pepper de los Beatles; nada menos que el disco que les hizo ganar el apodo, Sus Majestades Satánicas.

1967 - Primer LP en que aparece: Their Satanic Majesties Request (1967)

Ver / oir en YouTube