5 Canciones 5: Neil Young

Broken Arrow

Acá mete mano el gran Jack Nietzche como productor, para darle cierre a este disco y a uno de los grandes temas de la corta carrera de Buffalo Springfield. Neil Young tenía apenas un poco más de veinte años y ya mostraba evidentes signos de genialidad. Esto es una especie de mini-ópera sobre la vida, la muerte, el paso del tiempo y demás cuestiones trascendentales. ¿Que habrán pensado Stills o Richie Furay al ver que no podían llegarle ni a los tobillos a algo como esto?

Aparece originalmente en: Buffalo Springfield Again (1967)

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Running Dry (Requiem for the Rockets)

Todavía hoy toca en vivo tres o cuatro temas de Everybody Knows This Is Nowhere. Parece haberse olvidado de este. Nosotros no. Lento, oscuro, melancólico y con unos arreglos de violín gitano increíbles, mucho antes de Desire, de Dylan. Hay quienes dicen que este es un saludo a los Rockets, así se llamaba la banda que lo acompañó por primera vez acá y que después sería leyenda: Crazy Horse.

Aparece originalmente en: Everybody Knows This Is Nowhere (1969)

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Four Strong Winds

Otro disco relativamente olvidado cuando se habla del Neil Young más acústico y tranquilo, con un un nivel similar a Harvest, Prairie Wind, etc. Acá habla de amor y de lo que se consigue a través de una relación. La vocecita que se escucha haciendo coros es Nicolette Larson, nada que envidiarle a Emmylou Harris.

Aparece originalmente en: Comes a Time (1978)

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One of These Days

Un chistecito nunca viene mal. "Algún día voy a tomar coraje y le voy a escribir una carta larga a todos los buenos amigos que he conocido, uno de estos días y no creo que tarde mucho". ¿Qué mejor que una canción para agradecer? Y si encima la canción es hermosa... cierra por todos lados. Podríamos haber elegido cualquier otra de Harvest Moon, enorme en su humildad.

Aparece originalmente en: Harvest Moon (1992)

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Love and War

Famoso por tomar decisiones raras, esta no es la excepción. Se junta con un productor (Daniel Lanois) y hace exactamente lo opuesto a lo que podríamos haber esperado. Un disco que es una catedral sonora construida solo con una voz y una guitarra. En esta reflexión espontánea, que hasta parece improvisada, lo único que debe haber hecho Lanois es apretar "REC". Atención especial para el riff estilo spaguetti western.

Aparece originalmente en: Le Noise (2010)

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Neil Young - Living With War

Escuché algunos comentarios medio ridículos con respecto a Neil Young. Que hace siempre lo mismo, que le escribe canciones a su guitarra, que ya está viejo, etc. Pero... que bueno llegar a viejo de esa manera!!!

Lo cierto es que mientras que varios eligen callarse y no hablar demasiado al respecto, el se despachó con un disco de protesta, anti-stablishment, cargando las tintas contra Bush y toda su corte de "masters of war", en un disco furioso, guitarrero y como novedad musical, acompañado por un coro de niños que, por primera vez -o casi- queda bien, no es un pastiche como suele ser este tipo de decisiones.

Lo mejor es que no es un panfleto barato, sino que todo pasa por el "filtro Neil Young", de proponer mas que condenar y con una visión del mundo llena de esperanza y de amor por la humanidad. Las canciones en sí no tienen desperdicio, y por mas que no tengamos la menor idea de qué es lo que está diciendo es completamente disfrutable de punta a punta, con la excepción del coro final que es mas que nada para reforzar el concepto del disco (el tema "América"). No como otros discos conceptuales donde la carga está puesta demasiado en el concepto y las letras, con este podés agarrar la ruta y pasarla muy bien por que las canciones están en la vena de Ragged Glory, aquel disco que marcó un retorno despues de unos 80's mas bien flojitos y le hizo ganarse el apodo-cliché de "Padrino del Grunge". O sea; no hay concepto que valga si las canciones no se la bancan y por suerte este no es el caso.

También es importante remarcar que este disco salió a unos pocos meses de la aparición de Prairie Wind, un disco calmo y reposado, mayoritariamente acúsitico e introspectivo, lo que denota una lucidez envidiable para un tipo de 60 y pico, que paso por todas las drogas y turbulencias propias de su generación y también que en plena época del download, cuando casi nadie compra discos, lo subió a su sitio web para escucharlo enterito de punta a punta, lo que demuestra que quiere que lo escuche todo el mundo y que la causa tenga llegada. ¿Demagogia y oportunismo? ¿Cuantos millones de dólares tiene Neil Young? ¿Realmente necesita hacer esto para ganar credibilidad? Sinceramente no creo que le haga falta nada de esto. Y Neil... mientras sigas siendo coherente con vos mismo y hagas canciones que contribuyen a hacer de este mundo un lugar menos inhóspito, vamos a seguir comprando tus discos y podrás escribirle canciones a tu guitarra, a tu alfombra y a tu abuelita. Neil... Long May You Run!!!!

Uno de los ridículos argumentos que esgrimieron los detractores (por que el disco causó bastante revuelo) fué el siguiente: "él ni siquiera es ciudadano norteamericano, es canadiense", cuando en realidad vive ahí hace mas de cuarenta años y tiene varios hijos norteamericanos. Absurdo.





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5 Canciones 5: Thin Lizzy, Neil Finn, Embrace, Poco y Warhorse

No One Told Him
Thin Lizzy

Phil Lynott era una esponja, absorbía de todos lados, tomaba un poco de acá y de allá pero siempre lo hacía a su manera, con su estilo, con su personalidad avasallante. Este es un tema medio new wave de la última etapa de los colosos Thin Lizzy, héroes absolutos del hard rock de los setenta. De toda esa camada de bandas, de ese género, es la banda que mejor resistió el paso del tiempo. En gran parte gracias al enorme carisma de su líder y canciones de acero inoxidable, como esta. 

Aparece originalmente en: Renegade (1981)

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Addicted
Neil Finn

El retrato en primera persona del tipo que depende de una sustancia que hace el ex-Crowded House en su primer disco como solista es estremecedor. Conmovedor. "Fui adicto a la droga pero ahora sé que tuve demasiado". Como suele suceder no es tanto lo que dice sino cómo lo dice, dentro de una canción hermosa, triste, con una composición admirable. Una alianza extraordinaria entre letra y música. Como sólo un gran compositor de canciones podría hacer. Atención con la idea que mete en la coda. Belleza pura.

Aparece originalmente en: Try Whistling This (1998)

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Spell It Out
Embrace

Cuando salió Out of Nothing, el disco que contiene este temazo, hacía tres años que no sacaban música nueva. Éxito inmediato; doble platino, medio millón de copias vendidas, puesto número uno... una pegada absoluta. Lo defendían con música. Gente emotiva, siempre con el corazón en la mano, con cierta grandilocuencia y megalomanía al estilo de U2 pero manejado de manera más... convincente. El tema tiene fuerza, melodía, está bien cantado. Uno de esos extraños casos en que calidad y popularidad van de la mano.

Aparece originalmente en: Out of Nothing (2004)

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Railroad Days
Poco

¡Qué banda completa Buffalo Springfield! No podían durar nunca con semejante talento, repartido entre sus integrantes. Richie Furay quizás sea el miembro menos conocido de la banda californiana. Armó Poco y en su momento les fue muy bien, duraron mucho e hicieron un montón de discos. "Railroad Days" es un rockazo hermoso, con unas guitarras que saltan para todos lados, la banda brilla acá. Temazo del tercer LP de estudio, de la pluma del pibe nuevo, Paul Cotton, quien entró en reemplazo de Jim Messina.

Aparece originalmente en: From the Inside (1971)

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Solitude
Warhorse

Uno de esos temas en que pasa de todo. Largo, épico, con sus secciones bien pensadas, magistralmente armado. Empieza con una acústica, un piano y unos coros celestiales. Entra el solo de guitarra, corto y efectivo, antes de la voz, la batería recién a los dos minutos. Esto va creciendo y se va desarrollando, hasta que la tensión se vuelve insoportable. Banda también de la famila Deep Purple, formados por Nick Simper después de su expulsión, justo antes de que cambiara todo, con In Rock.

Aparece originalmente en: Warhorse (1970)

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5 Canciones 5: Moonshake, Dire Straits, Johnny Winter, Commander Cody y Country Joe & the Fish

Ghosts of Good Intentions
Moonshake

¿Qué onda estos marcianos? Can de la era Tago Mago, Morricone, cine noir... cuesta mucho describirlo o clasificarlo. Y cuando algo reúne esas condiciones hay que parar las antenas. Son de Londres, grabaron tres discos y tres EPs muy valorados. Por gente tan o más marciana que ellos, vale decirlo. A los dos minutos y medio entra la voz, con una melodía que te hace adentrarte aún más en el microcosmos que plantean estos siete minutos, en esta suerte de viñeta pesadillesca. A medio camino entre el Miles Davis más delirante (Get Up With It, Big Fun, etc.) y el krautrock de principios de los setenta.

Aparece originalmente en: The Sound Your Eyes Can Follow (1994)

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Twistin' By the Pool
Dire Straits

¡A bailar se ha dicho! Hay gente que jamás consideraría un tema como este como música para llenar la pista. Que es muy viejo, ridículo, ya se había hecho mucho antes y demás excusas. Otros creemos que nada de eso en realidad importa. Sus connotaciones sociales nos las podemos pasar por donde no da el sol. La batería bien derecho y rápido, la voz relajadísima y el pianito a lo Fats Domino. Esto es diversión, es humor, en una banda que, a veces, era demasiado seria. No está en ninguno de los discos de estudio, es un single, reaparece más tarde en el compilado de la tapa negra. Se ve que Knopfler lo apreciaba. Tiene dos o tres falsos finales que no hacen más que recordar que esto es un chiste. De los buenos.

Aparece originalmente en: ExtendeDancEPlay [EP de 7" y 12"] (1982)

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I'm Not Sure
Johnny Winter

El blues, o en este caso, la música que toma el blues como punto de partida, tiene que tener una cuota de mugre para funcionar. Un costado roñoso, sucio y desprolijo, como bien dijo Pappo allá lejos y hace tiempo. Acá esa cuota está asegurada. "I'm Not Sure" tiene una parte tradicional, podría ser Elmore James (o cualquiera de los pioneros) y otra idea más ligada a la música californiana de segunda mitad de los sesenta. ¡Con tecladito psicodélico a la orden del día! Y la voz es rarísima, diferente, al principio puede llegar a incomodar. Como suele suceder con las voces que tienen mucha personalidad.

Aparece originalmente en: Second Winter (1969)

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Home In My Hand
Commander Cody and His Lost Planet Airmen

Este lo conocía por la versión que hace Brinsley Schwarz en el grandioso Nervous On the Road, cuarto LP de estudio de los pubrockers ingleses. La del debut de Commander Cody tiene el privilegio de haber salido un poco antes, así que es probable que los de Nick Lowe (y compañía) la hayan sacado de acá. Y más si tenemos en cuenta que es prácticamente igual. Esta es un poquito más lenta, tiene unos arreglos de violines bien country y un piano boogie woogie que la rompe. En apenas dos minutos dijo lo que tenía que decir y a otra cosa. O al siguiente tema...

Aparece originalmente en: Lost In the Ozone (1971)

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Section 43
Country Joe & the Fish

Varios de los discos del glorioso '67 no tienen mucha psicodelia que digamos. Ejemplos: Sgt. Pepper, Something Else de los Kinks, Smiley Smile o Buffalo Springfield Again se me vienen a la mente. Grandes discos, sí, pero la lisergia asomaba en algún que otro tema y no mucho más. Acá hay uno que sí representa muy bien el estilo y la época. Y "Section 43" puede ser un buen exponente para mostrarles a los extraterrestres de qué iba el asunto. Cuelgue, zapada, poca estructura, cambios inesperados, atmósfera aniñada y juguetona (el cambio a los cuatro minutos) y mucho -pero mucho- olor a fasito, sahumerio y pachuli.

Aparece originalmente en: Electric Music for the Mind and Body (1967)

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5 Canciones 5: Pink Fairies, Pylon, Tangerine Dream, The Coral y Poco

Cargoe In Jamaica
Pink Fairies

¿Te pasó que te compraste un disco porque era barato? Este fué uno de esos casos. Los Pink Fairies, banda legendaria. Los tres LPs que grabaron en la primer mitad de los setenta son buenos, tienen algo especial, único. Temazos como "Do It" (versionado por Black Flag) "City Kids" (por Motörhead y los australianos Deep Reduction) o el single "The Snake". ¿Y este? Disco reunión, muchos años más tarde. El cantante carece completamente de personalidad. Pero al final te encontrás con esto. Una zapada guitarrera cósmica, de media hora en un acorde. No me acuerdo si era un acorde, dos o tres, si te agarra en la ruta podés ver el suelo despegarse. Lenta e indefectiblemente.

Aparece originalmente en: Pleasure Island (1996)

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Crazy
Pylon

¿De dónde era que me sonaba esto? Uno de esos en que uno lo escucha y al instante se da cuenta de que lo conoce. A mí escuchar un tema y no acordarme de dónde viene o de quién es me duele, me incomoda. Sobre todo si me gusta, de lo contrario casi que me alegra. Era por la versión de R.E.M. Creo que estos también eran de Athens, en Georgia. La de Michael Stipe y cia. sale en la cara B del single "Driver 8" (temazo de Fables of the Reconstruction) y más tarde en Dead Letter Office, una suerte de compilado de rarezas.

Aparece originalmente en: Chomp (1983)

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Cloudburst Flight
Tangerine Dream

No es habitual que haya guitarras en Tangerine Dream, no es la especialidad de la casa. Pero se ve que Edgar Froese sabía qué hacer a la hora de agarrar la de seis cuerdas. Siempre con la idea, el concepto, por encima del exhibicionismo, de hacer facha con la técnica. Es una línea muy delgada, que esta gente manejaba con astucia. Incluso en esta época eran relativamente populares, iba gente a verlos y vendían bien. Hoy sería impensado. Un proyecto así y vivir de la música... imposible. Lamentablemente.

Aparece originalmente en: Force Majeure (1979)

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Falling All Around You
The Coral

Ellos tienen algo que pocos logran, que no le ha salido a casi nadie. Se me ocurre ahora Harry Nilsson. Seguro hay más. Ternura. Dulzura. También... difícil de manejar, si te pasás es un papelón. En un disco fantástico (muy variado) como este, aparece esta viñeta aniñada, podría haber estado en la película Melody. Parece uno de los temas de Bryter Layter, el disco "buena onda" de Nick Drake. A James Skelly este tipo de canciones le quedan bárbaro. Un gran cantante, para nada reconocido. Y un gran escritor de canciones.

Aparece originalmente en: Butterfly House (2010)

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Let's Dance Tonight
Poco

Y para cerrar la cara B... esta joyita. Compro de entrada, sin dudarlo un instante. ¿Cómo hacían para manejar semejante nivel de simpleza? Las cosas claras, concisas, palo y a la bolsa. En apenas tres minutos expone sus ideas, dice lo que tenía que decir y... termina, a otra cosa. Con este tema termina el excelente Crazy Eyes, quinto disco de estudio de Poco, muy exitoso en su momento. Este es de la pluma de Richie Furay, a quienes algunos recuerdan por su paso en las filas de Buffalo Springfield.

Aparece originalmente en: Crazy Eyes (1973)

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Beachwood Sparks - Once We Were Trees

Hay una frase muy común entre la gente que ha escuchado mucha música y conoce muchos discos: “esto ya lo escuché antes”. Suele usarse para descartar algo que nos recomienda un amigo, para dar de baja un tema que suena en la radio o para cancherear en un recital mientras hablamos de costado. Suele ser una de las excusas mas gastadas y con menos asidero a la hora de bajarle el pulgar a algo. Los Beatles… ¿Empezaron de cero? ¿Salieron de un repollo espacial con un sonido marciano totalmente inédito? Los Stones… ¿Se diferenciaban mucho de la música del sello Chess que tanto imitaban? La misma pregunta puede hacerse para cualquier grupo o solista que se te pase por la cabeza, de Lou Reed a los Pistols y de Metallica a Chuck Berry.
Así que quienes quieran mirar de reojo a los Beachwood Sparks con esa premisa que suena más bien a holgazanería mental, bueno… se van a estar perdiendo algo muy bueno, hecho con mucho cuidado por el detalle, con evidente amor por el oficio y con una calidad que salta a la vista inmediatamente.

Lo de Beachwood Sparks viene por el lado del country rock psicodélico de California, la línea puede trazarse hasta los Buffalo Springfield, Gram Parsons y toda esa música fantástica de fines de los sesenta / principios de los setenta que alguien definió una vez como “de cowboys del espacio”.
Casi está de más decir que estos pibes de Los Angeles se encargan de imprimirle su sello al asunto, de dejar su marca y esto de ninguna manera suena a un viejazo recalentado, todo lo contrario, suenan muy actuales y hasta es difícil indentificar la fecha de grabación, algo que no puede verse de otro modo que como un síntoma de que las cosas se están haciendo bien. Todos sabemos que hay discos que apenas suenan te das cuenta de cuando fueron grabados, que quedan atados a una época y a una situación de manera indefectible, en algunos casos para bien, pero la mayoría de las veces para mal. Es sabido, lo que diferencia a la música buena de la mala es su poder de trascendencia, su capacidad por permanecer indemne al paso del tiempo y los Beachwood Sparks se encaminan para ese rumbo.

Escuchen sino "Let It Run" y traten de identificar de donde viene esto. No va a ser nada fácil. Sí, sí, es psicódelico, ensoñado y todos los adjetivos que se te pasen por la cabeza pero… ¿Seguro que ya lo escuchaste? Tiene una raíz, por supuesto, pero está tan bien hecho que es duro no bajar las barreras. También hay temas más convencionales si se quiere ("Old Manatee", "Hearts Mend"), pero otra vez lo mismo; salen adelante por oficio, a estos pibes les “sobra cancha”, la tiene clara en lo que hacen y se nota. Para lo que venimos hablando, el segundo tema "Confusion Is Nothing New" puede leerse como una declaración de principios, pero no nos metamos en terreno pantanoso y simplemente prestemos atención a esas armonías vocales soñadoras, a ese cambio de tiempo que funciona a modo de gancho, al pedal steel puesto exactamente donde tiene que estar.

El segundo disco de Beachwood Sparks, Once We Were Trees, doble, ambicioso y desafiante tiene toda la pinta de futuro clásico, vamos a ver que pasa dentro de diez o veinte años. Eso sí, si lo vas a dejar de lado con eso de “esto ya lo escuché” pensalo bien, con ese criterio vas a tener que ver que hacer con el 80% (o más) de los discos de tu colección.







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5 Canciones 5: el obligatorio doble en vivo

Warrior
Wishbone Ash

En este tema están todas las características de la etapa clásica de Wishbone Ash, las guitarras armonizadas, cierta épica medieval o folclorica, los cambios de ritmo... hoy se podría decir que eran una banda muy cumplidora, no descollaban en ningún apartado pero tocaban bien y tenían oficio. Nunca vas a lograr un fanático de esta gente en personas de menos de cuarenta (aprox.) años. Les falta el "argumento de venta", aquello de que tenían un cantante cuatri-sexual o que el bajista se ahogo en el vómito de su padre, esas mentiritas que tanto venden en esto del rock and roll. Este salía en Argus, tercero de estudio y justo el que viene antes de este, el doble en vivo obligatorio de mediados de los setenta.

Aparece originalmente en: Live Dates (1974)

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Rosalie
Thin Lizzy

¡Qué difícil elegir un tema en esta maravilla, el que quizás sea el paradigma de lo que eran este tipo de discos. En una epoca en que el formato estaba en su cénit y lo mismo iba para la industria discográfica. Una grabación hecha por héroes, miren sino como sale Phil Lynott en la tapa. ¿Spinal Tap? Por supuesto... ¡y a mucha honra! Cover del gran Bob Seger, grabado para Fighting, el momento en que Thin Lizzy encuentra el sonido y el concepto de banda (y las canciones) que los haría inmortales. La versión del Live and Dangerous es fiesta rocker cien por ciento, se puede palpitar lo que debe haber sido estar ahí.

Aparece originalmente en: Live and Dangerous (1975)

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Danny's Song
Loggins & Messina

Todo el mundo se acuerda de Kenny Loggins caliente, sexualizado al máximo, abajo de un ventilador en aquel tema de Top Gun, la película de homosexualidad mal encubierta con Tom Cruise. Mucha cocaína y baterías con mucho gate, más ochentas imposible. Vale recordar que ANTES había sido un hippie, con barbita ad hoc y guitarras acústicas, con Jim Messina (ex-Poco y Buffalo Springfield) con ese sonido tan típico de la soleada California. Este es el tema más famoso de ellos, parodiado por Me First and the Gimme Gimmes en un video genial. Nadie puede negar que tiene una melodía indeleble.

Aparece originalmente en: On Stage (1975)

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Rock Bottom
UFO

Otros pioneros de las guitarras armonizadas, junto a Thin Lizzy y Wishbone Ash. No, no lo inventó Iron Maiden, por las dudas. Strangers In the Night es una seguidilla de rock pesado, solos, solos y más solos. Lo que para algunos es la máxima virtud del género y para otros la sentencia a muerte. ¿Qué se puede decir de "Rock Bottom" que no se haya dicho hasta ahora? Que merece la fama que tiene podría ser una. Que son diez minutos de masturbación en las seis cuerdas podría ser otra. Depende el punto de vista, como de costumbre.

Aparece originalmente en: Strangers in the Night (1972)

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Yours Is No Disgrace
Yes

Y acá van los reyes del exceso, la pompa y la grandilocuencia. Junto a Emerson, Lake & Palmer, llevaron absolutamente todo al extremo. Fué un momento único en la historia de la música popular. Una alianza medio peligrosa entre música popular y académica. Eso tenía que terminar y ya faltaba poco, pero dejó obras muy difíciles de discutir. Nadie puede negar la valentía y los recursos que tenían estos tipos. Así termina el triple en vivo de Yes, como cerrando una etapa.

Aparece originalmente en: Yessongs (1975)

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Tim Buckley - ídem [1er. LP - 1966]

Escuchás el primer tema, “I Can’t See You” y es muy difícil comparar con algo, ya sea hecho antes (imposible) o después. El tempo es raro, el tema tiene una dinámica compleja, adaptándose a las estrofas, los arreglos son muy particulares y después está la voz. Esa voz. Completamente formada, con la personalidad definida.

“Wings” podría ser un tema de los tres primeros discos de los Doors, compañeros de sello en Elektra, el tema es que la banda de Morrison y compañía acá… ¡todavía no existía! Encima el estribillo se eleva a la estratósfera, cuando dice eso de “y una día las preguntas mueren”. ¿Existencialismo? ¿Tan pronto?

Cuesta creer que Tim Buckley tenía apenas diecinueve años a la hora de grabar su álbum debut. Sí, diecinueve. La edad en que uno suele terminar la escuela secundaria, más o menos. Ahí el tipo andaba con estas canciones dándole vueltas en la cabeza. Adelantado a todo y a todos. Hay gente que minimiza este disco, diciendo que todavía hay cierta inocencia en las composiciones o las letras. Están locos. Esto es una obra maestra, después vendrían más, el tipo estaba de vuelta desde el principio mismo de su carrera, cosa que queda demostrada en trabajos como Starsailor o Lorca, en donde fue a parar a terrenos tan áridos que casi podrían clasificar de inescuchables.

Escuchar lo que hace con la voz en “Strange Street Affair Under Blue” es descubrir a un tipo que estaba en un estrato diferente de conciencia, un plano al que sólo acceden tipos que están tocados por una varita mágica. Año 1966, vale recordar ese dato. Folk rock sería la categoría en que se lo suele ubicar. Se queda corto, esto excede cualquier categoría y su gran hallazgo es que nunca deja de ser algo relativamente accesible. No vas a escuchar esto en cualquier lado y en todo momento, pero si tenés digerido Forever Changes de Love o Pet Sounds, podés encararlo sin mayores dificultades.

Mencionar que los créditos son una galería de luminarias no es un dato menor. Está la vanguardia de la música californiana de los sesenta. Produce Paul Rotchild, quien se pondría al servicio de los Doors y Janis Joplin (entre otros) y los arreglos son del gran Jack Nietzche, que aportaría su magia en los grandes singles de Phil Spector, la etapa psicodélica de los Stones o Buffalo Springfield, por citar sólo a algunos. En la guitarra Van Dyke Parks y en batería Billy Mundy, que formaría parte de The Mothers of Invention. De todas maneras el golazo está en las canciones, en la forma de componer y cantar, a lo mejor se podrían despojar de todo el ornamento y funcionar sin drama con una guitarra acústica.

Tim Buckley hizo cosas muy valiosas después, su segundo disco (Goodbye and Hello) es impresionante, Happy Sad otra obra maestra, Greetings from L.A. un excelente giro de ciento ochenta grados y ni hablar de los que ya mencionamos. Su debut no se queda atrás, para nada. ¡Y tenía diecinueve años!







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Varios - I Shot Andy Warhol [banda sonora oficial]

¡Qué bien empieza esto! Ese motivo de guitarra sencillo y a la vez sugerente. Hasta sensual, si se quiere. Versión muy respetuosa del gran Donovan y uno de sus temas emblemáticos, “Season of the Witch” a cargo de Luna, gente acostumbrada a interpretar canciones ajenas, incluso Dean Wareham imita el acento y las inflexiones vocales de Mr. Leitch.

¿De qué va la película? No tengo ni la más mínima idea. Y eso que en un momento la pasaban mucho por cable, nunca me intereso. Vale aclarar que tampoco sabía que la banda sonora venía por este lado, sino me la morfaba igual. No debe haber nada más placentero que escuchar grandes canciones musicalizando escenas. ¿Ahí reside el verdadero valor de -por ejemplo- WesAnderson? Estoy exagerando un poco, para llegar al punto. Me acuerdo de una totalmente olvidable, Viaje a Darjeleen o como se llame, que tenía dos de los grandes temas de Lola… de los Kinks enteritos. Las escenas eran casi excusas para poner las dos canciones enteras. Creo que eran “This Time Tomorrow” y “Strangers”, dos de las cuatro baladas gigantescas que tiene el que viene después de Arthur. Las otras dos son “Strangers” y “Get Back In the Line”, eso sí que no me lo voy a olvidar jamás.

Andy Warhol me parece uno de los personajes más sobrevalorados del siglo veinte, nunca despertó mi interés y eso que me lo encajaron a la fuerza en la facultad. Apenas ví este CD y miré la contratapa, con las bandas y los temas ni lo dudé. El concepto sería grupos alternativos de los noventa haciendo clásicos de los sesenta. Está R.E.M. con la más obvia posible de los Troggs, “Love Is All Around”, creo que no canta Stipe, se lo perdonamos por el disco que grabaron juntos, Athens Andover, que es una masa. Wilco le da rosca a “Burned” de Buffalo Springfield, la original nunca me dijo nada pero esta me parece que está buena, sobre todo por como la canta Tweedy. Otra obviedad es “Mais que nada” de Sérgio Mendes & Brasil '66, por afano el más conocido, podrían haber elegido otra más recóndita, por suerte se compensa con una rareza extraordinaria, “Gimi a Little Break” de Love, que hasta donde sé no está en ninguno de los discos de la banda de Arthur Lee y la rompe, temazo en serio. “Itchikoo Park” de los Small Faces me parece intrascente al máximo y lo mismo sucede con la versión de este tal Ben Lee. Pavement estrena “Sensitive Euro Man” acá, especialmente hecho para la película y cumple, como casi todo lo que hizo la banda de Malkmus. ¿Para qué está “Kick Out the Jams” de los MC5? Ni idea, habría que verla, seguro que hay violencia en la pantalla.

Para cerrar una pregunta a los poquísimos que leen estas páginas y todavía tienen las puertas abiertas al mundo... ¿Todavía existen este tipo de discos?







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Neil Young - Silver & Gold

El rey de los golpes de timón, un tipo que siempre hace lo que no se espera de él. Aunque se podría decir que a esta altura, eso mismo que siempre lo caracterizó, ya se volvió previsible, una discusión que dejaremos para otro momento. Nadie en su sano juicio puede discutir que hace lo que se le viene en gana y que, con todos sus méritos al día de la fecha, no se le puede ir con reproches. Lo tomás o lo dejás, así de simple.

Silver & Gold, el primer disco de este milenio, se inscribe en la categoría “disco folkie acústico” al estilo de Comes a Time, Harvest Moon o el cuestionado -injustamente- Old Ways. En su momento recibió críticas más bien adversas, incluso en una era en que no son muchos los que se animan a hacer comentarios negativos sobre un artista de su estatura, sobre todo en los medios “oficiales”, que todos sabemos cuáles son. Los palos venían por el lado de que las canciones no estaban a la altura del inmenso legado de Neil Young, que no “rockeaba” lo suficiente, que la instrumentación era demasiado simplona, que las letras eran pedestres y hablaban de una idea de felicidad doméstica, algo que suele irritar a ciertos escribas de nariz parada. Como suele suceder, lo que a muchos molesta para otros son virtudes y en esta última postura estamos, por supuesto.

Hay que ser valiente para hacer un disco como Silver & Gold, carente de cualquier tipo de pretensión artística, de concepto grandilocuente o ínfulas de innovación. Hay que bancársela para hacer una letra como “Good to See You” o “Daddy Went Walkin’”, en donde la idea es festejar esos pequeños momentos que tiene la vida y que suelen pasar desapercibidos. En “Buffalo Springfield Again” canta que añora juntarse a tocar con sus viejos compañeros de andazas de la década del sesenta y, a pesar de que en realidad fue el propio Neil quien boicoteó más de un intento de reunión, uno no puede menos que creerle cuando la música es un delicia auditiva y crea una atmósfera de calidez y arropamiento. Eso es lo que consigue este disco, sin el menor esfuerzo, algo que hemos visto fracasar en manos de otros artistas. Tiene grandes joyas como “Distant Camera”, el enorme “Razor Love”, el tema que da título, la extremadamente dulce (sin ser empalagosa) “Horseshoe Man”, una balada de piano preciosa o el encargado del cierre; “Without Rings”.

Silver & Gold salió un poco después del malogrado disco reunión Looking Forward, con sus viejos colegas Crosby, Stills y Nash, donde otra vez lo acusaron de guardarse sus mejores canciones y sabotear el proyecto. Como bien dijimos, a esta altura del partido, con todo lo que nos ha dado, Neil Young es inimputable.







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Art - Supernatural Fairytales

“Mis ojos plateados tocan la tierra y no van a caer, no, no he dormido, en varias noches y en el final podés ver mucho más lejos afuera, creo que me estoy volviendo raro”. Así dice la letra de "I Think I'm Going Weird", el temazo que abre a pura psicodelia nerviosa el único disco de Art, Supernatural Fairytales, otro más de la brillante cosecha ’67. Cuántas de las bandas subterráneas de aquel entonces tomaron LSD, es imposible saberlo y es muy probable que varias no hayan estado ni cerca, pero la influencia del élixir y sus connotaciones estaban por todos lados.

Los Art solían llamarse The V.I.P.'s antes del cambio de dirección, la ropa hindú y los porritos. Lo más cerca que estuvieron de la fama fue más tarde, cuando esta misma banda se convirtió en Spooky Tooth, un grupo famoso en su momento y que realmente vale la pena investigar. También el baterista, Mike Kellie, sería el encargado de sacudir los parches en los tres primeros discos de The Only Ones.

En algunos sitios de Internet los describen como una banda similar a Cream. No es tán sencillo el asunto; más de allá de un leve parecido en la voz de Luther Grosvenor con la de Jack Bruce, el sonido de Art tiene sus hallazgos y -hay que decirlo- está adelantado a su época. En dos o tres años estaría lleno de grupos con este tipo de sónido, en esta búsqueda, a mitad de camino entre el rock progresivo, la psicodelia y el hard-rock, pero en 1967… eran pocos los que estaban intentando algo como esto. Tampoco tienen muchos elementos del blues, cosa que sí tenía el power trío de Clapton o el primer grupo de Hendrix. Sí tiene que ver con el sonido del primer Deep Purple, aquel sin Gillan, cuando todavía cantaba Rod Evans, el de Book of Taliesyn, pero eso vino después por ende; créditos para Art. Concedido: uno pone "Room with a View", con su riff insistente y piensa que lo ha escuchado mil veces, pero detengansé a pensar dónde y más que nada cuando. Podría ser un tema de Live at Leeds de The Who o, para no irse tan lejos, uno de Spooky Two. Pero no todo es tensión en Supernatural Fairytales, hay momentos distendidos como "Flying Anchors" (título elocuente si los hay) o el que viene después del magnífico tema que da nombre al disco, "Love Is Real, de neto corte folk. También hay lugar para las versiones; está el cover de la que quizás sea la canción más famosa que escribió Stephen Stills, "What's that Sound (For What It's Worth)", de aquel legendario primer disco de Buffalo Springfield. Y también está "Come On Up" de los Young Rascals, con tufillo a R&B y presagiando un poco lo que se vendría con la nueva encarnación del grupo. También hay lugar para la exploración, para la experimentación que para esta época era casi reglamentaria, esta vez de la mano de "African Thing" un orgía percusiva que adelanta la mal llamada World Music (como si el resto de la música que escuchamos fuera de Saturno).

Art no trascendió, pero como todos sabemos, hoy existe un verdadero mercado para el rescate emotivo y la arqueología roquera, además Supernatural… es un disco que todavía hoy se puede parar de frente ante pesos pesados del estilo y salir muy bien parado. ¡Ah! Y la tapa es preciosa.

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