5 Canciones 5: The Church, Thelma Houston, Siete Delfines, Rinôçérôse y Suede

Night Friends
The Church

Nunca un disco malo, jamás. Lo que pueden haber perdido en espontaneidad y energía joven lo ganaron en varios apartados. Generación de climas, aplomo a la hora de tocar y componer, las canciones se van desplegando y disparándose a lugares insospechados, y la lista podría seguir. "Night Friends" es una obra maestra, son siete minutos en donde no sobra un sólo segundo, cada uno de los cambios está puesto en función de la atmósfera interplanetaria. Al minuto tres -y fracción- un piano minimalista da paso al lento despegue; ajustensé los cinturones... esto es The Church.

Aparece originalmente en: After Everything Now This (2001)

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Cheap Lovin'
Thelma Houston

No es el disco más famoso de Thelma Houston, ese rótulo se le podría colgar a su segundo LP, homónimo del '72, también conocido como The MoWEST album. En este funk sureño arrollador se lleva el mundo por delante con su voz de acero. Cómo es que hacían para salir al mundo con una personalidad tan definida es un misterio. En Sunshower, su disco debut, todas las canciones son de Jimmy Webb, el mismo de "MacArthur Park", "Wichita Lineman", entre otras.

Aparece originalmente en: Sunshower (1969)

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Equilibrio
Los Siete Delfines

Vale la pena mirar la aparición televisiva de los Siete Delfines tocando este temazo de Desierto, tercer disco de estudio de la banda de Richard Coleman. Buenos arreglos, cambios de acordes interesantes... para un disco totalmente olvidado y semi-sepultado por el paso del tiempo. ¿Alguien se va a dignar a reeditar los discos de Siete Delfines? El único que salió hace unos años fue el primero, los demás... bien gracias. Acá va un ínfimo aporte para que eso pase, "Dark", Nada memorable... son discos de rock de guitarras muy decentes, tendrían que estar ahí, al alcance.

Aparece originalmente en: Desierto (1995)

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Résurrection d'une Idôle Pop
Rinôçérôse

¿Alguien se acuerda de estos franceses? Yo los ponía bastante cuando pasaba música durante el furor de la música electrónica en Buenos Aires, a principios de este siglo (qué raro suena eso!). Me gustaban porque mezclaban bases electrónicas y house con guitarras y lo que hacían se parecía a canciones. Trataban de evitar la intrascendencia y lo anodino de cierta música que apenas sirve para musicalizar un consultorio odontológico y hoy en día no recuerda absolutamente nadie. ¿La flauta es homenaje a Jethro Tull o parodia?

Aparece originalmente en: Music Kills Me (2002)

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Pantomime Horse
Suede

La resurrección de Suede en sus últimos tres discos es un caso practicamente inédito en la historia del rock. Pero no nos vayamos por las ramas que este es un tema del primer LP de estudio de la banda londinense. Un arpegio envolvente te captura desde el principio mismo de la canción, antes de la línea de bajo sinuosa de Matt Osman, cuando entra Brett Anderson a cantar ya estás atrapado sin salida. Uno de los temas distintos del disco, sin dudas. Pero con todo el sello de Suede, una banda con una personalidad arrolladora, única.

Aparece originalmente en: Suede (1993)

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Disco del Mes: Suede - Dog Man Star

Suede
Dog Man Star
1994









Nude Records

Video de la Semana: Suede - No Tomorrow

Un himno. Palabras mayores, sí, lo sé. Pero en este caso... Este es el séptimo LP de estudio y segundo disco de Suede post-reunión. Para Night Thoughts, de 2016, se hizo un video para cada uno de los temas, una película que nunca ví, lo admito. Y eso que tengo la edición que trae el DVD.

Repito; un himno.

The Rutles - ídem [1er. LP - 1977]

Ni siquiera los Beatles son sagrados. Eso dijo Paul Westerberg y le puso Let It Be al cuarto disco de los Replacements. Eso mismo deben haber pensado los Monty Python cuando hicieron el falso documental All You Need Is Cash, en el que parodiaban la vida y obra del cuarteto de Liverpool.

Para el film se hicieron canciones y muy buenas. El que estuvo a cargo de las composiciones fue Neil Innes, famoso por haber estado en la Bonzo Dog Doo-Dah Band al lado del mismísimo Viv Stanshall, otra leyenda de la música medio en joda / medio en serio. Innes también actúa haciendo de Lennon (Ron Nasty en la película) pero el que se lleva las palmas es Eric Idle, al menos en cuanto a payasadas y caras de pelotudo.

¿De qué va la música de los Rutles? Muy simple; cada una de las canciones parodia (¿o en realidad homenajean?) a los Beatles en las diferentes encarnaciones de la legendaria historia del grupo. Así es como “Help” se transforme en “Ouch!” y la música, sin ser igual, se basa prácticamente en el pedido de socorro velado que había cantado Lennon en el ’65. Para los que son fanáticos es una delicia, algunas canciones son más difíciles de detectar, de saber de dónde vienen, aún así los títulos y las letras son geniales. “Blue Suede Schubert” podría ser “Roll Over Beethoven” pero, a pesar de tener el mismo estilo (rock and roll alla Chuck Berry) se tomaron el trabajo de pensarle un estribillo, de armar armonías vocales, de jugar a ser los Beatles aunque sea por un momento. Es claro que se divirtieron mucho haciendo esto. Algunas de las gastadas ofendieron a los acérrimos, como “Number One”, cuya letra relataba la ansiedad por “pegarla” en los Estados Unidos, pero incluso George Harrison, eterno fan de los Python, financió la película y tiene un cameo como periodista. También aparecen celebridades de la talla de Paul Simon y un Jagger que apenas se aguanta la risa, contando la falsa historia de ascenso y caída de la banda.

Los temas que destacan son los que corresponden a la etapa de Rubber Soul para adelante, “Double Back Alley” (con obvia referencia a “Penny Lane”) es una canción perfecta y no tiene mucho que ver con ninguna de las originales de los Beatles. “Cheese and Onion” es una joya de rock psicodélico que bien podría haber estado en Yellow Submarine, incluso es utilizada para musicalizar la logradísima parodia a la única película de animación que hicieron y que todos conocemos. “Piggy In the Middle”, ligeramente basada en “I Am the Walrus”, podría haberse sentido muy cómoda en Magical Mystery Tour.

Con este disco pasa lo mismo que con Capusotto, funciona porque no hay nada como reírse de uno mismo, de lo que más queremos, que a la hora de la verdad, son los Beatles.







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The Dukes of Stratosphear - Chips from the Chocolate Fireball
Bonzo Dog Doo-Dah Band - Gorilla
The Rutles - Archaeology

Mellow Drunk - Always Be Drunk

Todas las grandes bandas están sobrevaloradas. Sin excepción. Beatles, Stones, Led Zeppelin, Blur, Nirvana, Sex Pistols, etcétera. Todas tienen muchísima prensa, se ha escrito mucho sobre ellos y el fan promedio es el primero en valorar en demasía, al endiosar una banda y creer que todo lo que hacen es sublime. En realidad, si agarramos cualquiera de estas bandas podemos ver que lo que hicieron y es extraordinario, en general es poco. El resto es más o menos cumplir, o zafar.

Del otro lado están las bandas chicas, las que no salen en ningún lado y nunca son valoradas en su justa medida. Está lleno y muchas veces entran en esta categoría… merecidamente. Pero otras, como Mellow Drunk no lo merecen. Son pocos los que logran un disco completamente sólido, atemporal, repleto de buenas canciones y Always Be Drunk es uno de esos. Lo de “siempre hay que estar borracho” viene de Baudelaire, Leigh Gregory es uno de esos tipos que han leído mucho y eso se nota en las canciones que, rara vez, suelen ser personales. El tipo proyecta y estudia personajes y se ha encargado de afirmar que “es muy difícil encontrarme en las canciones, la auto-referencia no es lo mío”.

El primer temazo del disco aparece de la mano de “Everybody Knows You’re a Star”, un medio tiempo muy al estilo de Crazy Horse, con guitarras podridas al punto justo, con una voz susurrada como la de Steve Kilbey de The Church o cualquiera de los dos cantantes de Suede. En la sección anterior al estribillo hay un cambio de acorde que te descoloca y te hace desear que llegue el alivio. Está repleto de solos de guitarra bien mugrientos, sin virtuosismo pero muy musicales, líricos. Dura cinco minutos y pico pero podría seguir un buen rato. El resto de las canciones se mueve -de manera muy cómoda, hay que decirlo- en esa línea; canciones. Redondas, sin fisuras, con una pátina evidente de melancolía, como la foto de tapa, que refleja perfectamente lo que contiene. Tiene también el ineludible cover fino de la mano de “Long Drawn Sunday Night” de los escoceses The Orchids, una suerte de Belle & Sebastian no tan amables.

Lo de Mellow Drunk pegó más bien por el lado de los músicos, como suele pasar en estos casos, con Marty Willson-Piper invitándolos a tocar cuando su banda fue a San Francisco o Dean Wareham de Luna declarándose fan y tocando con The Jazz Butcher y Johnny Thunders. Mellow Drunk; un “tapado” de los buenos.







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Chequear también:
The Walkabouts - Ended Up a Stranger
Mellow Drunk - Never Sleep at Night
The Jayhawks - Sound of Lies

5 Canciones 5: The Main Ingredient, Crowded House, The Christians, Anacrusa y Ned's Atomic Dustbin

Summer Breeze
The Main Ingredient

¡Arpa! Sí, sí... así parece. ¡Qué arreglos! Tienen cuatro o cinco discos del mejor R&B, con un sonido y producción muy parecido a lo que estaban haciendo los Temptations con Norman Whitfield y el dato de color sería que una de las voces era el padre del actor Cuba Gooding Jr. La melodía se reconoce al instante y se trata, claro, del clásico de soft-rock de Seals & Croft, muy exitosos en su momento. 

Aparece originalmente en: Euphrates River (1974)

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Don't Stop Now
Crowded House

Después de estar parados durante casi quince años, los Crowded House vuelven al ruedo con Time On Earth. Esto es pop, por perfecto y brillante, bien entendido. Seguidor de un linaje que podría trazarse a partir de los Beatles, XTC, Madness... canción inolvidable de tres minutos y fracción. De "Don't Stop Now" se hizo un video mezclando película con animación, era uno de los cortes obvios de un discazo enorme.

Aparece originalmente en: Time On Earth (2007)

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In My Hour of Need
The Christians

Ultimo tema del segundo disco de estudio de la banda de neo-soul inglesa. El anterior fue el disco debut más vendido de la historia del sello Island. Principio a puro redoble y suspenso. La voz de Garry Christian es de terciopelo, de una delicadeza única, la canción bien podría ser un gospel moderno o esos temas de Van Morrison de recogimiento religioso. Pero la voz líder no se parece a nada. Excelente la parte instrumental que viene de la mitad en adelante.

Aparece originalmente en: Colour (1990)

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Tanta lágrima regada
Anacrusa

Los Anacrusa eran un grupo de folclore progresivo de la década del setenta, el integrante más famoso era Rubén "Mono" Izaurralde, quien más tarde integraría MPA con el Chango Farías-Gomez y Jacinto Piedra. Los cinco discos que grabaron entre el '73 y el '79 ostentan una calidad admirable. "Tanta lágrima..." podría ser un tema de Violeta Parra, por lo menos cuando empieza, con esa voz lastimera y aborigen, cuando entra toda la banda, te das cuenta que estos tipos tenían muchísima música escuchada... y estudiada.

Aparece originalmente en: III (1976)

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Saturday Night
Ned's Atomic Dustbin

Esta versión de los Bay City Rollers fue a parar a la banda sonora de So I Married an Axe Murderer, comedia semi-olvidada con Mike Myers. En la banda sonora convivían de manera pacífica The La's con Spin Doctors, los Boo Radleys, Suede y Big Audio Dynamite, entre otros. Tiene la melodía y el gancho de la original sin la grasa y el costado bobo que tenían los escoceses, más las guitarras y la producción sucia y grunge de una buena banda de rock alternativo de los noventa.

Aparece originalmente en: single / banda sonora de So I Married an Axe Murderer (1993)

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Elvis Presley - Elvis In Person at the International Hotel Las Vegas, Nevada

Ranking de tapas feas perpetradas por RCA (sin order particular):
    • Today
    • Love Letters from Elvis (¡AGH!)
    • Separate Ways
    • Pot Luck (con cabeza deforme incluída)
    • El en vivo desde Hawai

En los setenta directamente se rindieron y ponían una foto con el jumpsuit y fondo negro. De las compilaciones (Golden Records Volume 3 es ofensiva) mejor ni hablemos, aunque Separate... es un rejunte tiene varios que no están en ningún otro disco y además está "Always On My Mind". La de Elvis In Person at the International Hotel Las Vegas, Nevada no es tan chota, primera a favor. Además es el primer disco realmente en vivo propiamente dicho, por que el '68 Comeback Special tiene varios temas de estudio. RCA estaba explotando a su gallina de los huevos de oro como nunca, teniendo en cuenta el envión que había tomado la carrera de Elvis después del show en la tele y el discazo que fué From Elvis In Memphis.

Así que para seguir aportando a la confusión esto salió originalmente en un doble que se llamó From Memphis to Vegas / From Vegas to Memphis, a fines del '69 con un segundo LP que más tarde se reeditó como Back In Memphis. Con temas que sobraron de esas sesiones extraordinarias en que Elvis mostró realmente lo que podía llegar a hacer si lo agarraban con ganas. Esos supuestos outtakes tranquilamente podrían haber entrado, son gloriosos, con esa mezcla de soul, R&B, blues, rock and roll... y la voz en estado de gracia. Acá tenía unos treinta años y se estaba recuperando de casi una década de holgazanería, hamburguesas, fiestas y despilfarro. ¿Quién puede culparlo?

In Person... volvió a editarse en un solo LP al año siguiente y es inentendible cómo no es más famoso. Quizás porque debe haber docientos discos en vivo de Elvis, aunque en vida fueron cinco o seis (dependiendo cómo cuentes) nada más. Son mucho más conocidos On Stage, también de la misma época, el en vivo en el Madison Square Garden e incluso el doble en Hawai. Ninguno se le acerca en cuanto a garra, huevos y poderíó rocker. Pongámoslo de este modo, este live es el disco que más fuerte rockea de toda su carrera. 
Arranca con un "Blue Suede Shoes", "Johnny B. Goode" y "All Shook Up" uno atrás del otro. Están quienes dicen que los temas viejos los tenía que hacer si o sí, no tenía ganas y por eso los tocaban a toda velocidad, para que pasaran rápido. No se nota, no parece. La garra que le pone a "Tiger Man" no puede ser fingida y las recientes "In the Guetto" y "Suspicious Minds", un poco más rapiditas que las originales de estudio quedan bárbaro. Como curiosidad está "My Baby", a puro soul sureño y la versión de "Words" de los Bee Gees en plan gospel, mostrando que acá todavía se calentaba por escuchar a algunos de sus contemporáneos. 

En resumen, si no te gusta el Elvis baladista (vos te lo perdés) querés un poco de vértigo o mostrarle a un no-converso el costado rocker on speed de Elvis Aaron Presley, acá, con In Person... no le podés errar. Esto es El Rey en su punto álgido. Intachable.  





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Elvis Presley - Raised On Rock / For Ol' Times Sake
Elvis Presley - Recorded Live On Stage In Memphis
Elvis Presley - From Elvis Presley Boulevard, Memphis, Tennessee



 

Wire - Chairs Missing

Una banda temeraria, ávida de correr riesgos y asumirlos. Sólo en sus primeros tres discos, aparecidos en un lapso de menos de tres años, cambiaron considerablemente, apostando. Eran estudiantes de arte, como muchos de sus compañeros de escena (Gang of Four, etc.) y se encargaron de hacer que lo aprendido y estudiado se reflejase en la música. Chairs Missing es el segundo disco y todavía hoy sigue sonando contempóraneo.

Desde los primeros compases de "Practice Makes Perfect" queda claro que no estamos ante la típica música de FM de fondo para el supermercado. No, al contrario, podría ser la banda sonora de alguna película de suspenso arty, con su ritmo insistente, esas guitarras que lastiman y la voz de Colin Newman, más paranoico que nunca. "French Film Blurred" anticipa al Radiohead post-Kid A en veinte años. Es la canción llevada al límite.

Si alguna vez hay que explicarle a alguien de qué se trataba el post-punk, una buena manera puede ser exponer esa persona a "Men 2nd", "Marooned" (¡Gran arpegio introductorio!) o "Mercy", en realidad, a cualquiera de los temas de Chairs Missing, son climas gélidos, acordes menores, ritmos rápidos y sincopados. Es la pesadilla imaginada por Orwell y Fritz Lang hecha música, el acompañamiento perfecto para un mundo que se desmorona. "Sand In my Joints" los encuentra otra vez en el sonido de Pink Flag, a toda velocidad, un riff ramonero y, a menos de dos minutos de empezar… ya se terminó! “Sentirse adormecido por carne anestesiada, evitando desgracias con las ideas aún frescas, sin manos, sin pasos, tu labor es en vano” dice la letra de "Being Sucked Again" y en seguida da paso al machaque misterioso de "Heartbeat" casi al borde del susurro y con esas notas del bajo reiterativas, como para reforzar el concepto. Va creciendo, tímidamente, pero no llega a explotar del todo, “como un latido de corazón”. Contundente.

Más referencias al desequilibrio mental en "Mercy", por si acaso hacía falta: “Dentro de la institución con paredes de azul pastel, muros salpicados clínicamente de blanco, piedad esta noche, enfermera”. Si esa letra, escalofriante de por si, está dentro de una música claustrofóbica, energética y agobiante, es imposible no entender el mensaje. No es música para ir a hacer las compras o esperar que llegue el turno en el consultorio del dentista. Tampoco es para ir en el subte mirando de reojo a los costados. Hay que encontrar el momento y ahí si, es perfecta. "Outdoor Miner" es un refugio después de un buen tramo tormentoso, pop adelantado, distinto, sin dudas Blur, Suede y la generación siguiente estaba prestando atención a esto. Lo mismo con el tema que sigue, el clásico "I Am the Fly" en donde un coro de barrabravas cockney dice “soy la mosca en la sopa”, a nivel masivo nunca iba a pasar nada con Wire, pero había varios parando la oreja.

A Wire todavía les faltaba grabar el también magnífico 154 antes de internarse en una década conflictiva (y más bien accidentada) pero aún fructífera discográficamente hablando. Con discos solistas y proyectos paralelos atravesando los trabajos oficiales de la banda. Pero la influencia de Wire en la música moderna, aunque sutil, todavía se hace sentir y mucho. ¿Ellos? Siguen sacando discos y en gran forma.







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Ultravox - Ha!-Ha!-Ha!
Franz Ferdinand - ídem [1er. LP - 2004]
Wire - Send

Verve - A Storm In Heaven

Space rock. Rock espacial. Cuelgue, psicodelia. Un acorde, una textura densa, clima onírico. Ahí surge la voz, envuelta en una buena cantidad de efectos, fantasmagórica, dice algo así; “hola, soy yo, quiero tocarte, soy yo tirando piedras a las estrellas, en nuestro mundo confundido”. “Star Sail” funciona como una especie de introducción, una que dice mucho al respecto de lo que se viene en A Storm In Heaven, el primer LP de estudio de The Verve.

“Slide Away”, el que viene después, que comparte título con uno de los grandes temas de Oasis, los emparenta con el brit pop que estaba por estallar en el Reino Unido. El parentesco con los hermanos cejijuntos termina ahí nomás, esto es otra cosa, acá no hay estribillos para corear en estadios, es más bien la banda sonora de la gente interesada en los viajes mentales. La voz de Richard Ashcroft tiene poco que ver con lo que más tarde sería, sí estaban la agresión y la actitud. Si se puede comparar con algo, es con algunos temas de Suede, sobre todo los más guitarreros.

Si alguien hace un poco de memoria, estos tipos se convirtieron es super estrellas globales, sobre todo su cantante, por aquel video bravucón en que Ashcroft caminaba por la calle chocándose a la gente, de manera casual, a pura arrogancia. Era por supuesto “Bitter Sweet Symphony”, una canción muy representativa de una época, un himno se podría decir. Después de un juicio, terminó yendo a parar a los bolsillos de Mick Jagger y Keith Richards, cuando en realidad se había sampleado un pedacito de un disco de versiones orquestales de temas de los Stones.

El tercer tema del disco, “Already There”, puede servir de ejemplo para describir un poco de qué se trata A Storm In Heaven, el tema parece suspendido en una nube de ansiolíticos, no hay muchos cambios de acordes, la cosa se trata de generar un clima, de manejar la dinámica, la cosa sube y baja, es la tormenta en el paraíso que el título tan bien anticipa, si hay solos de guitarra están usados para aumentar la atmósfera y las voces, un poco a la manera de los Cocteau Twins (hay una influencia notable) no se usan para decir cosas sino para poner otra capa en la marea sonora que está generando la banda. Esta no es música para poner en un bar o para amenizar una velada, se escucha en soledad o con la compañía adecuada. Ahí te puede llevar lejos. A tu propia tormenta, en tu propio paraíso.







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Spectrum - Forever Alien
The Verve - A Northern Soul
Goat - Commune

Kevin Ayers - Whatevershebringswesing

El estatuto de Kevin Ayers dentro de la historia del rock es, fue y será siempre el de una figura de culto, un personaje esquivo, simpático y misterioso. Comenzó su carrera junto a los legendarios Soft Machine, junto a Robert Wyatt, Daevid Allen y Mike Ratledge, grabó el legendario disco debut, se embarcó en una extenuante gira y abandonó a la banda, para tomarse un merecido descanso antes de dar comienzo a su carrera solista. Ese constante ir y venir, alternando períodos de mucha actividad con largos silencios, sería una constante en su historia discográfica.

Whatevershebringswesing (que podría traducirse como Cantamos cualquier cosa que ella traiga) es su tercer larga duración y una muestra del eclecticismo de Ayers. Siempre un paso al costado de las etiquetas, su música resulta tan difícil de encasillar que casi podría decirse que en ese punto reside su genialidad. Su idiosincracria de dandy inglés, de bon vivant un poco decadente, de borrachín, requiere una escucha cómplice, un "meterse en el personaje" porque ahi es donde mejor puede disfrutarse y comprenderse su mística.

Para probarlo basta escuchar la primer composición; "There Is Loving Among Us" se abre paso lenta y ominosa, a la espera de una película de suspenso que se apropie de ella, con una instrumentación delicada pero llena de recovecos y detalles sonoros, adoptando elementos de la música clásica de vanguardia de las primeras décadas del siglo XX. Después de este comienzo desconcertante, aparece "Margaret" con su base de teclados Hammond y su atmósfera reposada, cantada por esa voz de barítono tan característica de Ayers. Las cuerdas tejen un soporte armónico que contribuye a crear el clima pastoral, casi de otoño.

Sigue con una cancioncilla inocente, medio music hall (con sus correspondientes bronces al tono) en donde queda en evidencia una de las constantes en la escritura del músico inglés; el sentido del humor, casi siempre presente. Otro giro brusco ofrece "Song From the Bottom of the Well", retorcido y psicodélico, extraño en su estructura pero graciosísimo desde lo lírico: “Obtuve cierta información aquí abajo que puede llenar tu alma y corazón de miedo, pero no te preocupes, no te asustes, no estoy en el negocio de la magia y el misterio”. Termina seco, sin mayores prolegómenos, en medio de un compás. La canción que dá título, "Whatevershebringswesing", es otra pieza lánguida y aletargada. Con un elegante coro femenino, es una oda a la holgazanería sin culpas, la música es perfecta para el mensaje en este caso. Ayers era un fanático confeso de The Velvet Underground y lo demuestra en "Stranger In Blue Suede Shoes", en donde retoma aquel inolvidable riff de "Sweet Jane", lo invierte, juega un poco y se despacha con una historia trasnochada. Un encuentro entre el personaje de la canción y el encargado de seguridad de un establecimiento nocturno. Este fue -comprensiblemente- el tema que el sello Harvest sacó como single, con moderado pero respetable éxito de ventas.

"Champagne Cowboy Blues" es, aparentemente, un country-rock perezoso como tantos otros, pero pasado por el tamiz de Kevin Ayers logra un vuelo gracioso, particular. Para cerrar el disco en una nota tierna está "Lullaby", funciona como un preludio al mundo de lo onírico, una invitación a dejarse arropar y caer suave en el mas féliz de los sueños. El espíritu aventurero y algo jocoso de Kevin Ayers se deja ver en este disco en todo su esplendor, mas adelante seguiría brindando al mundo mas pinceladas de su genio rebelde y único pero, en Whatevershebringswesing, todos los condimentos que hacen que un menú sea simplemente irresistible estaban balanceados de manera perfecta.








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Kevin Ayers - Joy of a Toy
Robyn Hitchcock - I Often Dream of Trains
Gorky's Zygotic Mynci - Barafundle

5 Canciones 5: Little Richard, Robert Palmer, Ginger, New Riders of the Purple Sage y The Hot Rats

Dancing In the Street
Little Richard

Para la Historia del Trazo Grueso (¿lo patentamos?) los pioneros del rock and roll de los cincuenta murieron en seguida. Elvis al cine, Jerry Lee y su casamiento pedófilo, algo similar con Chuck Berry y Little Richard al altar. No fué tan así, se podría decir que nada que ver, en realidad. De hecho Mr. Richard Wayne Penniman tiene un notorio subidón en todo sentido a fines de los sesenta / principio de la década siguiente. ¿Cuántas versiones escuchamos de esta? Diez como mínimo. Como la hace el auto proclamado Rey del Rock 'n' Roll... NADIE.


Aparece originalmente en: King of Rock 'n' Roll (1971)

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Johnny and Mary
Robert Palmer

Sexto disco solista de estudio de Robert Palmer y a esto sí que le podríamos llamar "subirse al tren del éxito" sin dudarlo. Había tocado percusión en Fear of Music -tercer opus de Talking Heads- así que Chris Frantz le devuelve la gentileza y produce Clues, en donde también mete mano Gary Numan. El lavado de cara estaba más que listo. "Johnny and Mary" fué el single, también se hizo un video promocional. Acierto a nivel idea, hay una historia, está bien contada... ¿qué más querés? Todavía faltaba para los videos con las chicas y las coreografías.


Aparece originalmente en: Clues (1980)

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Not Bitter, Just a Little Disappointed
Ginger

¿Será uno de los más prolíficos de todos los que andan dando vueltas? Muy probable. Con los Wildhearts, como solista o con cualquiera de los miles de proyectos paralelos, el colorado no afloja. A principios de milenio le metió a un proyecto que se llamó The Singles Club que no llegó al resultado esperado, salieron cinco o seis que más tarde se juntaron en A Break In the Weather. En total debe haber al menos ocho temazos infernales ahí. Que me acuerde ahora: "Thailand Über Alles", "You, Me & BT", "I'm a Lover Not a Fighter", "The Dying Art of the Chorus"... y este, por supuesto. El contraste entre balada beatle y estribillo recontra podrido es extraordinario, único.


Aparece originalmente en: Cars & Vaginas (2001)

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Louisiana Lady
New Riders of the Purple Sage

Grandes (pero grandes en serio) discos de country rock: los "gemelos" de los Grateful Dead (Workingman's Dead y American Beauty) cualquiera de los Byrds con Clarence White, el tercero de los Burritos, el -conocido como- Disco del Mantel de Ozark Mountain Daredevils... ¡UF! es una lista interminable. Igual tengo ganas de seguir: los tres primeros de Barefoot Jerry, Gladstone, Elvis Country (*)... si te gusta el género no tiene fin el asunto. Y cualquiera de los cinco primeros de los New Riders. Este tema cierra el debut y es magnífico. Say No More, como diría Carlitos.


Aparece originalmente en: New Riders of the Purple Sage (1er. LP - [1971])

(*) Título completo: Elvis Country (I Was Born 10,000 Years Ago)

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(You Gotta) Fight for Your Right (to Party!) 
The Hot Rats

Supergrass tiene una cosa de espontaneidad e inocencia que las bandas de aquella época no tenían. A estos les chupaba un huevo todo. O mejor explicado; no eran tan arties como sus congéneres, Blur, Suede, quien se te ocurra. Y el disco de covers de ellos refleja eso cien por ciento; acá no hay nada de hacerse los ratitos, es la música que escuchan, Doors, Kinks, Velvet Underground, Costello, Bowie... nada del otro mundo, clásicos indiscutibles. Y las versiones son relativamente respetuosas.

Menos esta.

Y la clavan al ángulo, si la hubiesen hecho como los Beatie Boys hubiese sido ridículo (e innecesario). Acá solo hay dos tercios de la banda, la mitad si contamos al que nunca aparece. ¡Y acá está Supergrass!!!


Aparece originalmente en: Turn Ons (2010)

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Video de la Semana: Strangelove - Beautiful Alone

Gran banda de segunda línea de la época de oro del brit-pop. Evidente influencia de los Smiths (y Morrissey solo) sobre todo en la forma de cantar. Andaba uno de los Suede por ahí también, si mal no recuerdo. De Love and Other Demons, del '96, un disco que le podría pelear el título a otros más celebrados o reconocidos.

5 Canciones 5: Eric Clapton, Carole King, Dead Can Dance, Steve Harley y Michael Head & the Strands

Help Me Out
Eric Clapton

De este mismo disco, la banda sonora de una película, viene "Tears In Heaven", que todo el mundo debería recordar por la versión del Unplugged, inmediatamente después. Esto tiene que ver con la época ochentosa de Slowhand, no tiene mucho que ver con el sonido clásico, tampoco con Derek & the Dominos. Sí tiene parentesco con lo que era "Bad Love", de Journeyman, con ese peinadito medio yuppie con el que inauguró otra etapa de su carrera.

Aparece originalmente en: Rush [banda sonora oficial] (1991)

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Back to California
Carole King

Carole King ES California, directamente. Representa un momento particular de la historia de su música y a su gente. Un ritmo medio poderoso, rutero, patrón de batería al estilo de "Get Back" de los Beatles, tema con el que tiene varias cosas en común. La letra es de esas que incitan al viaje, a agarrar el auto, tiene un solo de piano eléctrico que es una delicia, ni hablar de las guitarras de Danny Kootch.

Aparece originalmente en: Music (1972)

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Song of the Nile
Dead Can Dance

Hablando de música para viajar... Australianos, en realidad ciudadanos del mundo, en más de un sentido. Esto es África, el Nilo, Egipto, El Libro Tibetano de los Muertos, podés tejer asociaciones hasta cansarte y no vas a poder terminar de describir la música de Dead Can Dance y de este temazo en particular. Original del último disco clásico de estudio, de una de las bandas emblema del mítico sello 4AD. Mejor escucharlo, directamente. El título del disco traducido sería algo así como "cazador de espíritus", como para ir dándose una idea.

Aparece originalmente en: Spiritchaser (1996)

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(I Believe) Love's a Prima Donna
Steve Harley & Cockney Rebel

Algo parecido a "Come Up and See Me (Make Me Smile)", el tema por el que siempre será recordado el gran Steve Harley. En este disco, su quinto LP de estudio con Cockney Rebel, tira toda la carne al asador, es ciclotímico a más no poder. Podés imaginar la siguiente escena: "Todo bien Esteban pero vendría bien un hit en este disco, algo como 'Make Me Smile' tu sabes..." y la respuesta; "OK, ningún drama muchachos". Impresionante temazo. Hermoso solo de guitarra acústica, por cierto.

Aparece originalmente en: Love's a Prima Donna (1976)

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The Prize
Michael Head & the Strands

Banda a contramano de todo. No tenían mucho que ver con el brit-pop de Suede, Pulp y compañía, que ya en esta época (fines de los noventa) se iba quedando sin nafta. Esto está inspirado en ciertas bandas medio olvidadas de los sesenta, a mí me lo habían vendido como un Forever Changes moderno y no es del todo descabellado, tiene algo de eso, el andamiaje acústico de las canciones, la voz sensible y drogona del cantante. A los tres minutos hay un cambio inesperado, hay cuerdas que sirven de colchón, un temazo de esos que no tienen demasiado que ver con nada.

Aparece originalmente en: The Magical World of the Strands (1998)

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The Divine Comedy - Regeneration

El productor. La figura del productor. ¿Hasta qué punto puede llevar la música hacia un lugar que antes no iba? ¿Hasta dónde pueden llegar a “meter mano”? Empezamos con esto porque Regenaration, el séptimo disco de estudio de The Divine Comedy, está producido nada menos que por Nigel Godrich. Para decirlo en pocas palabras; el productor de Radiohead. Es entendible, esto sale dos años después que OK Computer, un trabajo importante, uno de esos que vuelven a definir la escena, el barajar y dar de nuevo. También produjo Chaos and Creation in the Backyard de Paul McCartney. Al parecer, se animaba a plantarse fuerte ante el ex-Beatle, le decía que algo no le gustaba o no le parecía, algo que no muchos osan. Como prueba pueden ver el documental de tres episodios de Macca siendo adulado por Rick Rubin.

Lo cierto es que recién en “Note to Self”, el cuarto tema, se puede llegar a detectar la mano del productor. Y ni hablar del que viene después, sobre todo, “Lost Property” tiene una influencia directa, una deuda evidente con la banda de Tom Yorke y cia. Están esos arpegios de cuerdas, la melancolía suicida, la forma en que el tema va in crescendo y se va desarrollando, son marcas, huellas dactilares. Vale decir que no dejan de ser canciones de Divine Comedy. Esto se debe en gran parte a la enorme personalidad de su líder y alma máter, el gran Neil Hannon. Un temazo enorme como el que dá título, casi al final, sólo podría haber salido de su pluma. ¿Qué es? ¿Hard rock? Hawkwind para el siglo veintiuno... ¡y encima bien cantado!

Aparecieron coincidiendo con el brit pop, no tenían mucho que ver ni con Pulp ni Suede, acá la mano venía más por el lado del Scott Walker de aquellos legendarios cuatro primeros discos, Broadway, una teatralidad exacerbada, una pizca de ironía y flema inglesa indefectible. “The National Express”, Casanova, “Generation Sex”, “Becoming More Like Alfie”, Fin de siècle… para la época en que sale Regeneration se podría decir que los tipos ya tenían un legado, habían dejado una obra impecable. Así que había que cambiar, hacer algo, para que la palabra “estancamiento” se mantuviese lejos, a raya. Fue una buena idea, este disco es la dirección que necesitaban.

Nunca entendí eso de “esfuerzo colectivo”, supuestamente Regeneration fue un disco más democrático, cuando todos sabemos que Hannon no debe dejar de participar en ninguna de las decisiones que se toman a la hora de grabar, componer y producir diez o doce canciones. Once en este caso. Como Tom Petty con o sin los Heartbreakers. ¿Cambiaba algo? No importa, nunca lo sabremos.







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5 Canciones 5: The Smiths

William It Was Really Nothing

Unos cinco años de carrera, casi cien canciones, desparramadas en singles, caras B y los cuatro discos de estudio. Nadie podría acusarlos de perder el tiempo. Y es difícil encontrar un tema de los Smiths que no tenga algo que ofrecer. Varios de los títulos son insuperables; "Un apurón y un empujoncito y la tierra es nuestra", "Parame si te parece que esta ya la escuchaste", "Ese chiste ya no es gracioso"... hay varias. Este podría ser 'Guillermo en realidad no fue nada', como para que el aludido sienta un poco menos de culpa. Además rockea, en un momento de la música popular en que tener las guitarras al frente era considerado passeé, The Smiths fueron directo a reivindicarlas.

Aparece originalmente en: cara A 12", 45 RPM, single (1984)
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The Boy With the Thorn In His Side

Esta es una de las grandes canciones de los Smiths, en brillante alianza entre letra y música. El chico con el "thorn in his side" es la métafora usada para hablar de alguien que lleva una mochila, un dolor arrastrado desde hace tiempo. Habla de ser incomprendido, de quedar afuera y no encajar. Nada de este tendría mucho sentido si no estuviese envuelto en un mar de arpegios de Rickenbacker, si no se pudiese bailar como si no hubiese un mañana. Salió en The Queen Is Dead y la esta, la versión de The World Won't Listen es la del single.

Aparece originalmente en: The World Won't Listen (1987)
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You Just Haven't Earned It Yet, Baby

Otro que rockea, con desesperación y ostenta un gran título, sería 'Todavía no te lo ganaste, baby". La discografía de la banda se completa con tres compilaciones, Hatful of Hollow, The World Won't Listen y esta, Louder Than Bombs. Entre las tres se completan las versiones alternativas, sesiones en la BBC, singles y caras B. Gran contraste entre estrofa y estribillo. En este caso, te hace desear que llegue la parte del título, para cantar y desafinar como un desquiciado. Muy influyentes, sobre todo en las bandas emblema del brit pop, Oasis, Blur, Suede, Pulp... la lista es larga.

Aparece originalmente en: Louder Than Bombs (1987)
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Cemetery Gates

Las versiones del disco en vivo son más agresivas que las de estudio, Johnny Marr le da masa al feedback, toca con mucho volumen, la base rítmica empuja fuerte y Morrissey canta con otro nivel de urgencia, incluso gritando. Salió dos años después de haber sido grabado, por obligación de contrato y Mozz fué el encargado de elegir entre las veinte canciones que tenían grabadas. "Cemetery Gates" también podría considerarse un clásico inmortal, dentro de las más recordadas de un catálogo admirable, en más de un sentido.

Aparece originalmente en: Rank (1988)
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Paint a Vulgar Picture

Autorreferencial al máximo, ya desde el principio mismo, sin vueltas; "en la reunión con la compañía discográfica...". Como para ir pintando la escena vulgar que desde su título anuncia... y menosprecia. Guitarras, muchas. Hasta incluye un solo de guitarras armonizadas medio heavy metal, a la manera de Thin Lizzy o Wishbone Ash. A Jonnhy Marr le gustaban géneros a los que Morrissey no se hubiese acercado nunca. Por suerte, era uno de los apartados que los hacía especiales, ese contraste.

Aparece originalmente en: Strangeways, Here We Come (1987)
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Fuera de la Nada, hoy Viernes a las 22hs.

Una de las grandes bandas inglesas de la década del 90, tuvieron un lustro tan inspirado que podían darse el lujo de destinar canciones enormes a los lados B de los simples y los EPs que sacaban continuamente. Suede, la banda de Brett Anderson y Bernard Butler (los dos guitarristas y compositores principales) fue puntal de lo que se conoció como brit-pop. Pero como toda banda grande, excedían ampliamente el género. De hecho Sci-Fi Lullabies, la compilación -¡doble!- de caras B del '96 es considerado un disco tan o más indispensable que el debut homónimo o Dog Man Star, el otro gran clásico. Esta noche, en "Cara y Cruz" hacemos un repaso por esos singles, algunos definitivos e inolvidables y algún que otro temazo perdido.

Vuelve "El Tapado..." con  un poco de metal para revolear melenas, "De la Misma Pluma" y "El Disco Completo". En "Ultra Vigente" recordamos un hito del soul y el R&B de la segunda mitad de los sesenta; The Queen Alone, de la gran Carla Thomas (foto) uno de los grandes hitos del no menos mítico sello Stax.




¡No se lo pierdan!