Kraftwerk - Radio-Aktivität

Empieza con unos sonidos de interferencia, de la mano de “Geigerzähler”, un minuto de duración, como para ir metiéndonos en el concepto del disco. En la que quizás sea la banda que más hincapié ha hecho en el concepto, en las ideas, en la parte estética y visual. Cuando empieza el tema que da título ahí sí, ya te das cuenta de que estamos sumergidos en el mundo futurista de Kraftwerk.

Radio-Aktivität (o Radio-Activity para el resto del mundo) es el quinto disco de estudio de los alemanes. El que viene después del famoso Autobahn, que es el momento en que finalmente encontraron el sonido, la identidad. Donde los planetas finalmente se alinearon, después de un principio de carrera interesante pero tentativo, hay que decirlo.

¿Y el kraut-rock? Las bandas emblema (Can, Faust, Amon Düül II, etcétera) rechazaban el término. Venían de un mismo país, en un determinado momento. Sí compartían el deseo de hacer una música de quiebre, revolucionaria. Querían separarse de la generación, del holocausto, para hacerla corta. Coincidían en la intención de romper con la hegemonía anglosajona, en generar algo propio, nuevo.

“Radioland” es impresionante. ¿Con qué se lo puede comparar? Ni siquiera con otros temas de Kraftwerk. El nivel de oscuridad y sordidez que transmite es algo difícil de explicar con palabras. Casi no hay ritmo, son capas de sintetizadores que se entrelazan, entran, salen, algo único. Si todavía hay gente que cree que no se puede transmitir emociones a través de la música electrónica, hay que hacerle escuchar esto. Puede llegar a ser agobiante, es precisamente la idea. Radio y radioactividad. No es joda, tener miedo es la reacción natural, el futuro ya llegó y no muestra una cara amigable. “Ätherwellen” suena más familiar, más típico de Kraftwerk si se quiere, a pesar de que la sensación de incomodidad, de paranoia, sigue ahí, latente.

De los discos clásicos de Kraftwerk, Radio-Aktivität es el menos “amable”, pero a la hora de la verdad es posible que sea uno de los más influyentes. No es casualidad que “Die Stimme Der Energie” suene a post-punk, anticipándose en algunos años a Magazine y los paisajes congelados de Secondhand Daylight, por citar un ejemplo. Esta es música que marcó a varios, sentó un precedente y, a pesar de los intentos, nunca volvió a igualarse.







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5 Canciones 5: Kraftwerk, Dr. Strangely Strange, Serpent Power, Willie Nelson y Dog Soldier

Kometenmelodie 2
Kraftwerk

Pocas cosas debe haber más perfectas que lo que están intentando en el tema que dá título al cuarto LP de estudio de Kraftwerk. Pero el que elegimos esta vez no se queda atrás, "Kometenmelodie 2", del primer disco en que encuentran finalmente su personalidad. Aunque el primero totalmente electrónico es el que viene, Radio-Aktivität, del '75. Aunque parezca increíble esto fue a parar a un single y le fué bastante bien. Es música que sólo podría haber sido hecha en aquel momento y en ese lugar. No envejeció para nada. 

Aparece originalmente en: Autobahn (1974)

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Strings in the Earth and Air
Dr. Strangely Strange

El primer LP de estudio de estos folkies ingleses incluye este temazo de menos de dos minutos de duración. Los tipos vivían en una edad media hecha a medida, en pleno siglo veinte. A diferencia de otros grupos de lo que más tarde se llamó acid-folk, esta gente no tenía batería ni usaba instrumentos de percusión, un poco a la manera de Incredible String Band, quizás el grupo definitivo del género.

Aparece originalmente en: Kip of the Serenes (1969)

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Jekyll and Hyde
Serpent Power

Hablando de psicodelia y de habitar un planeta propio... estos están inmersos en esa cien por ciento. El riff de tecladito barato es difícil de olvidar, aporta el misterio necesario para relacionar el tema con la inolvidable novela de Robert Louis Stevenson, utilizada como metáfora frecuente de la condición humana y sus vaivenes, al estilo Graham Greene. Banda que tiene que ver con The Coral, el líder y compositor es Ian Skelly, guitarrista de la banda oriunda de Hoylake, UK, en tándem con Paul Molloy, ex-The Zutons.

Aparece originalmente en: Electric Looneyland (2017)

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Blackjack County Chain
Willie Nelson

Uno de esos temazos que pela Willie Nelson por el cual los Calexico o Giant Sand darían la vida. A el le salen de taquito, aparentemente. Tiene una atmósfera de circo de fenómenos, o feria itinerante. No tiene edad ni tiempo, también tiene algo de Dylan, el delivery vocal de Willie es extraordinario y evocativo al máximo y, también... en menos de dos minutos dijo todo lo que tenía para decir. Dejando una huella indeleble en el oyente, eso también hay que decirlo.

Aparece originalmente en: cara A del single -homónimo- de 7'' (1967) compilado también en The Minstrel Man (1981)

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Looks Like Rain
Dog Soldier

Vendría a ser el obligatorio tema épico de todo disco de hard-rock de mediados de los setenta. Banda formada por el mítico Keef Hartley, baterista inglés y líder de banda, tocó en Woodstock también. En el único disco de Dog Soldier aparece esta joyita. Tremendos solos de guitarra en abundancia. El chiste es un riff del tipo "Sunshine of Your Love" (de Cream, por supuesto) seguido de un estribillo melódico y muy ganchero. Pero hay mucho para admirar en sus más de diez minutos de duración.

Aparece originalmente en: Dog Soldier (1975)

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5 Canciones 5: Bill Evans, OMD, Love Spit Love, Edwyn Collins y Frank Sinatra

When You Wish Upon a Star
Bill Evans

Para los que amamos atesorar datos de este tipo, esta canción fue escrita para la versión de Walt Disney de Pinocho, en la década del cuarenta, la cantaba Pepe Grillo en los créditos iniciales y al final. Si la escuchás en esta versión del quinteto de Bill Evans es posible que no la reconozcas, con Freddie Hubbard en la trompeta derrochando initimidad, buen gusto. Música que puede ser puesta de fondo, sin pecar de intrascendente.

Aparece originalmente en: Interplay (1962)

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Georgia
Orchestral Manoeuvres In the Dark

El sonido clásico de OMD, inmediatamente reconocible, los teclados super sencillos, la base constante, la herencia clara del krautock alemán, sobre todo de Kraftwerk. En un momento hay una parte instrumental vertiginosa, en la que aparece una nueva idea musical muy interesante. Cero virtuosismo, las ideas por encima de la habilidad instrumental. Este es el sonido de Europa a principios de los ochenta.

Aparece originalmente en: Architecture & Morality (1981)

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Green
Love Spit Love

Un riff medio Led Zeppelin, bien rock clásico, con guitarra eléctrica pelada es lo primero que se escuchá acá, en este temazo del primer disco de Love Spit Love, que en realidad eran los hermanos Richard y Tim Butler de los Psychedelic Furs, bajo otro nombre. Cuando entra la banda, junto con la orquesta, con un sonido enorme, la cosa adquiera un giro sónico, cósmico. La parte instrumental, larga y elaborada, es una delicia. Épico.

Aparece originalmente en: Love Spit Love (1994)

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North of Heaven
Edwyn Collins

De su tercer disco solista y sí, este es el que tiene "A Girl Like You", que sonó -y sigue sonando- por todos lados. Acá el ex-Orange Juice deja atrás el miedo de poner su voz bien al frente. De hecho en este disco toca la batería Paul Cook de los Pistols y en este temazo ni aparece. Collins suena por lo menos veinte años más viejo de lo que era en esta época, a mediados de los noventa, cuando tenía en realidad unos treinta y cinco años. No cualquiera conmueve con la guitarrita acústica, ahí, solo, desnudo.

Aparece originalmente en: Gorgeous George (1994)

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When Your Lover Has Gone
Frank Sinatra

Algunos dicen que este es el primer disco conceptual que se ha hecho. Sinatra venía con la idea en mente desde hacía un tiempo y en In the Wee Small Hours se dió el gusto. Nelson Riddle en los arreglos acá, tenés que estar bien atado al suelo para no sentir vértigo con esas cuerdas. "Como una flor que se desvanece, el amor puede significar cualquiera cosa, cuando tu amante se ha ido".

Aparece originalmente en: In the Wee Small Hours (1955)

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5 Canciones 5: Mott the Hoople, The Jim Carroll Band, Tubeway Army, Johnny Rivers y Wreckless Eric

Thunderbuck Ram
Mott the Hoople

Después de unos hermosos cuarenta segundos de intro climática, estalla Mott the Hoople en su máximo esplendor. Con Ian Hunter chillando como un condenado a muerte. Frena, vuelve esa intro, sabés que va a pasar lo mismo y es ESO exactamente lo que tiene que pasar. Si encontraste ese recurso y quedó bien, repetirlo es menester (que sea rock, sí) En la segunda vuelven con un solo rockerísimo, antes de una coda instrumental a todo vapor. Hard rock amigos, del bueno y viejo. Algunos dicen que Mad Shadows está mal producido o cosas así. Discutible, como mínimo.


Aparece originalmente en: Mad Shadows (1970)

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People Who Died
The Jim Carroll Band

Amigote de Andy Warhol y Patti Smith, es más conocido como escritor. Autor de Diario de un Rebelde, llevado al cine más tarde, con Leo DiCaprio. Se muda a California y arma la Jim Carroll Band. Esta historia de sordidez y miseria viene envuelta en paquete de punk rock hiperquinético, listo para hacerte poguear como un loco. O al menos mover la patita al compás, si sos medio amargo. 


Aparece originalmente en: Catholic Boy (1978)

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Listen to the Sirens
Tubeway Army

El debut de Tubeway Army incluye esta perla, una joyita que combina gancho, energía, ideas novedosas y una cruza de influencias inédita. Imaginate unos Kraftwerk + Sex Pistols + distopías de ciencia-ficción. Orwell, Ballard, Huxley... lo que después terminarían concretando -cerrando del todo el concepto- con Replicas, el Tommy de la nueva generación. Presentando a un marciano que llegaba para quedarse; nada menos que Gary Numan.


Aparece originalmente en: Tubeway Army (1978)

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Look at the Sun
Johnny Rivers

Mirá el sol, está brillando otra vez, mirá la hierba, está creciendo otra vez. ¿Qué pasó con el Johnny Rivers cabezota y grasiento? Le agarró el gusto a los porritos y a la vida rural. Ya venía desde hacía unos años con este plan, pero acá ya tiene forma de declaración de principios. A la mierda el viejo mundo, incluso el disco se llamó Home Grown, con obvias connotaciones cannabicas. Tenía unos sesionistas de primer nivel y los recursos para salir bien parado de la jiponeada. Discazo. Criminalmente infravalorado.


Aparece originalmente en: Home Grown (1971)

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There Isn't Anything Else
Wreckless Eric

Los que salían por Stiff Records giraban juntos al principio, en pleno estallido de punk rock. Costello, Nick Lowe, The Damned y por supuesto Wreckless Eric. ¡Cómo se habrá divertido! Eric Goulden (nombre real) es el hombre detrás del himno "Whole Wide World", con sus dos acordes a modo de manifiesto. Sí, dos. En este del primer disco, no hay muchos más que tres o cuatro, pero sí hay un nivel de musicalidad que no todos los de la clase '77 podían mostrar. Y la letra es filosa, especialidad de la casa. También tiene un parentesco con lo que hacía Magazine en sus dos primeros LPs; Real Life y The Correct Use of Soap.

Aparece originalmente en: Wreckless Eric (1er. LP - 1977)

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Buzzcocks - A Different Kind of Tension

Los Buzzcocks no necesitan presentación. Igual nunca viene mal una breve refrescada. Fueron uno de los tantos grupos que se formaron después de ver en vivo a los Sex Pistols, en esa especie de Gira de Evangelización que hizo que muchos salieran disparados a comprar instrumentos. Primero contaban con Howard Devoto, con quien registraron el fundamental EP Spiral Scratch, producido por el ineludible Martin Hannet. Devoto se iría casi en seguida para formar Magazine y los Buzzcocks quedarían en manos de Pete Shelley y Steve Diggle.

Son vistos hoy en día como una banda de hits en formato de disco simple, esas bombas de tres minutos a toda velocidad, con mucha melodía, coros y ganchos pop desparramados a diestra y siniestra. Con letras cínicas y descreídas pero con un indudable tinte romántico. Ese preconcepto está ayudado por lo que significa actualmente el fantástico Singles Going Steady, que recopila varias de esas perlas indispensables y que es, sin dudas, el disco más famoso y recordado de los de Manchester.

El que hoy nos ocupa ayuda mucho a disipar esa idea simplificada que se tiene de los Buzzcocks; A Different Kind of Tension, el tercer y último larga duración de la primera etapa de la banda. Seguro, también están los temas que todos esperamos y adoramos como "You Say You Don't Love Me", "I Don't Know What to Do with My Life" y "I Believe". Pero al igual que en los dos primeros trabajos de estudio (Love Bites y Another Music In a Different Kitchen) es en los discos donde todas las facetas de la banda se ponen en evidencia. El amor por Kraftwerk, Roxy Music y el kraut-rock siempre se deja ver en esos album tracks de corte experimental, en donde se juegan con alguna que otra ficha inesperada. En A Different… este costado está más acentuado que nunca. Hay más producción, más detalles finos, es un disco más difícil… todo lo “difícil” que puede llegar a ser un disco de los Buzzcoks. Vamos, esto no es Amon Düül II, esto es punk rock, con una vuelta de tuerca muy interesante, pero punk rock al fin y al cabo. Por ejemplo "I Believe", que, a pesar de su extensa duración, fue utilizado para aparecer como un simple, es una excelente muestra de lo que consiguen; combinan la inmediatez de unas estrofas recordables al instante (con Shelley haciendo una lista de todas las cosas que ama), con unos trucos de estudio interesantes. Terminan las estrofas y aparece un torbellino de guitarras que suben y bajan, se entremezclan, teclados y un largo etcétera. Una pequeña y modesta obra maestra.

Como guinda de la torta, en la reedición de lujo, además de los tradicionales temas de descarte, las tomas de estudio y en vivo, aparece entero el último EP de los Buzzcocks, el excelente Parts 1, 2, 3 que tiene los últimos tres simples con sus respectivas caras B. Los ecos de la ineludible influencia de los Buzzcoks se pueden rastrear en una buena cantidad de grupos y solistas actuales. Algunos los entendieron mejor que otros, pero la huella que han dejado es grande y eso es lo que importa.







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Cluster - Zuckerzeit

Los que al principio nos negamos al krautrock, intentamos buscarle la vuelta para dejarlo de lado o simplemente descartarlo de plano, nos tuvimos que comer nuestras propias palabras. Por eso siempre son buenas las segundas oportunidades. Siempre que creemos y repetimos cosas como “este es mi palo” o “no es mi estilo” tenemos que pensarlo dos veces; son los síntomas más evidentes de achatamiento mental, de pereza. Todo lo nuevo se resiste, nos cuesta, nos desafía y nos pone en evidencia. Y nada más nuevo y desafiante que el krautrock.

El género surgió como un respuesta, como una reacción. Eran los pibes que no querían tener absolutamente nada que ver con la generación anterior, con sus padres, muchos de ellos partícipes directos de la masacre histórica perpetrada por el régimen nazi en la segunda guerra mundial. Era borrón y cuenta nueva. De ahora en más vamos a crear la música alemana que nos define y a la vez nos separa. No va a haber ningún elemento del blues norteamericano, nada de melodías pegadizas al estilo beatle. Acá empezamos de cero. Lo lograron. ¡Y cómo!

No nos vamos a extender mucho sobre el género en cuestión, eso lo podés buscar en cualquier lado pero sí vamos a tratar de describir con qué te vas a encontrar a la hora de escuchar Zuckerzeit, el tercero de una de las bandas emblema del movimiento, Cluster. Para empezar está “Hollywood” y si ya escuchaste Kraftwerk (quizás la banda más famosa) o Neu! vas a notar que la cosa viene más o menos por ese lado; paisajes sonoros en lugar de canciones, ritmos monótonos, sintetizadores que suben y bajan, colorean, pasan al frente y vuelven… una monotonía que está usada como recurso, a modo de virtud. Por ahí sirve la comparación con el reggae o con el dub, te hacen entrar en una especie de trance de manera que los cambios, que son pocos y nunca son abruptos, llaman mucho la atención y ahí reside el atractivo. Parece que no pasa nada pero si prestás atención está pasando de todo. A otro nivel, cero estridencias. Hay que decir que, con respecto a los discos anteriores, este representa un cambio no menor, es menos psicodélico que Cluster II, hay menos elementos librados al azar y la producción de Michael Rother (de Harmonia) se hace notar. Tanto Roedelius como Moebius suenan más “contenidos” que en los discos anteriores, acá trabajan completamente en función de las composiciones. Escuchen los sonidos de “Rote Riki” o el clima siniestro de “James” para sacar sus propias conclusiones.

Si ya los conocés sabés de lo que estamos hablando. De lo contrario, si tenés ganas de explorar una música que todavía no ha sido digerida (y regurgitada) por la depredadora maquinaria que es la música mainstream hoy en día, Cluster te va a hacer buena compañía. ¿Por qué no empezar por Zuckerzeit, el tercer disco?

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The Psychedelic Furs - ídem [1er. LP - 1980]

Hay dos formas de asimilar influencias. La primera roza la imitación mas burda y termina en plagio. La segunda, mas sabia si se quiere, es aquella que usa un prisma, una mirada que se dispara hacia lugares diferentes y muchas veces insospechados. Los Psychedelic Furs caerían en este segundo grupo, ya que la síntesis hallada por esta banda oriunda del norte de Londres, es inteligente e innovadora. Combinando elementos del art-rock de Roxy Music, Kraftwerk o el Bowie de la época de Berlín con la irreverencia del punk rock inicial y la poesía de asociación libre del Dylan mas críptico, logran un cóctel irresistible.

Recordados siempre por el tema que dio título a Pretty In Pink, la película generacional de John Hughes de mediados de los 80's, los Psychedelic Furs tienen mucho mas para ofrecer que un himno de tres acordes. Grabado en los primeros meses de la década con la producción de Steve Lillywhite (que produciría, entre otros, el debut de U2) The Psychedelic Furs, conserva la frescura y espontaneidad que lucía en el momento de su aparición. Puede decirse que el disco se divide en dos, a nivel sonoro y compositivo, por un lado están las canciones mas aventureras, como "Imitation of Christ" o "Wedding Song" y por otro lado las de dientes apretados, dentro de las cuales se puede citar a "Black/Radio" o "Flowers". Es este balance tan característico lo que convirtió a The Psychedelic Furs en el primer larga duración de raigambre punk en tener éxito a nivel críticas, es importante remarcar que la prensa especializada se tomó su tiempo en digerir el punk rock inicial, los primeros (Sex Pistols, por ejemplo) no eran tomados del todo en serio.

La relectura que hacen los Psychedelic Furs los aparta años luz de la mera repetición de sonidos ya escuchados. A eso contribuye el hecho de que la grabación se hizo rápido, a una toma en la mayoría de los casos, intentando captar la esencia de lo que era la banda en vivo en aquel entonces. El comienzo in-crescendo de "India" es una maravilla, obligando al oyente a subir el volumen para comprender lo que está saliendo por los parlantes, para lograr un verdadero efecto de shock una vez que empieza la canción propiamente dicha. "We Love You", que fue el primer disco sencillo de los Psychedelic Furs es otra perla, un extenso listado de íconos de la cultura popular que abarca desde Frank Sinatra a las Supremes y hasta Sofía Loren, por nombrar sólo a algunos, con la voz rasgada tan característica de Richard Butler, a mitad de camino entre John Lydon y Brian Ferry, con una base rítmica a puro músculo.

The Psychedelic Furs trepó a los primeros veinte lugares de los rankings ingleses y a lo mas bajo al otro lado del atlántico, un indicio de las cosas por venir, ya que los Psychedelic Furs tendrían, de ahora en mas, un camino ascendente en todo sentido; a nivel popularidad e incluso en cuanto a sofisticación musical, coqueteando con la MTV que recién asomaba, pero la fuerza y energía del disco que los presentó ante el mundo, todavía sigue afectando los oídos deseosos de música de esta magnitud; inmortal.








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Field Music - Open Here

El tema que da título aparece más o menos a la mitad, es un colchón de cuerdas medio nervioso, hace pensar en los XTC de Skylarking y English Settlement, folk pastoral para esos pocos días en que sale el sol en Inglaterra. Hay cambios que sorprenden y cuando llega al estribillo dice que “todos esos que son alguien caen muertos por vos, quieren un pedazo tuyo”.

Open Here es el séptimo LP de estudio de Field Music, la banda de los hermanos David y Peter Brewes, formada a mediados de la década anterior. Ya con los primeros discos habían generado no pocos comentarios elogiosos de los medios especializados del mundo, a diferencia del noventa por ciento de los que aparecen en las secciones estilo “la banda que más promete”, estos supieron mantenerse y crecer.

¿Por dónde viene la mano musicalmente hablando? En algún lugar entre medio del rock artista de Bowie, Roxy Music y el Genesis de The Lamb Lies Down On Broadway, el rock progresivo de principios de los setenta (el original, digamos) y los experimentos de Kraftwerk y Neu! Pero ¡ojo! estos son nombres que vienen a la mente a la hora de tratar de darle un anclaje, con algo que resulte conocido porque Field Music, por empezar, sólo podría haberse dado hoy, en plena era moderna. Acá no hay un solo rastro de retro mania de ningún tipo. De hecho la parte conceptual del disco hace mucho hincapié en el la salida de Gran Bretaña de la comunidad europea, el tan mentado Brexit y el viraje general del mundo hacia la derecha más rancia, conservadora e ignorante. Y Field Music en general y Open Here en particular es cualquier cosa menos esos últimos adjetivos.

Sí es ambicioso, elaborado, delicado, íntimo y requiere de cierto nivel de atención para revelar su encanto, un poco a contramano de la música que quieren imponernos las manos negras que gobiernan el mundo. “Si esta cárcel sigue, así todo preso es político” cantaban los Redondos en Un baion para el ojo idiota. Los Field Music, sin duda, forman parte de la resistencia.







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The Cars - Panorama

No sería descabellado decir que los Cars no son reconocidos al nivel que merecen. Uno de los motivos puede ser que vendían miles de discos, millones en realidad. Por ejemplo Heartbeat City, el quinto disco de estudio, ubicó cinco (sí… ¡cinco!) simples en el Top 20 y vendío tres millones de ejemplares, convirtiéndose en triple platino. A veces pasa, el éxito genera enemigos, desde que el mundo es mundo.

Como sea, los Cars tienen unas cuantas virtudes, son la quintaescencia de lo que todavía hoy se conoce como New Wave, que no es otra cosa que el punk, con su simpleza y efectividad, más un poco de barniz auditivo, todo listo y empaquetado para sonar en todas las radios. Pero claro, no sería tan simple el asunto si Ric Ocasek no fuera un excelente compositor de canciones. Canciones simples, breves, efectivas, con ganchos administrados a diestra y siniestra y un licuado de influencias interesante: Velvet Underground, Roxy Music, Kraftwerk... Impecable.

Panorama, tercer trabajo en menos de dos años, iba a ser el “disco diferente”, la vuelta de tuerca. Al momento de su aparición fue despedazado por los críticos de la gran mayoría de los medios. Pero una escucha atenta revela que en realidad esos cambios no son tales. O al menos no son tan pronunciados. Sí, quizás en el tema que da el título al disco (y que se encarga también de abrir el juego) hay un giro hacia un pop electrónico hasta entonces inédito, pero no es más que un truco sonoro. Debajo de la producción están todos los elementos que caracterizan a la banda de Boston. Vale la pena el video dirigido por Jerry Casale, de Devo. "Touch and Go" fue el hit esta vez. Merecidamente. El chiste está en la letra, el usado para el “toco y me voy” es esta vez el protagonista, el tipo está desesperado por revertir la situación pero sabe que no tiene demasiadas chances. Tiene un excelente solo de guitarra a cargo de quien, en varias oportunidades, hacía la voz líder; Benjamin Orr. "Gimme Some Slack" también es de esos temas que se recuerdan para siempre, incluso con una sola escucha, "Don't Tell Me No" también tiene un parentesco con "Panorama", con una producción bien de la época, típica. En "Getting Trough", una especie de rockabilly futurista, también es fácil detectar que los Cars estaban atentos a lo que pasaba a su alrededor, en un momento hay unos acordes que podrían haber estado en Freedom of Choice o en cualquier disco de los Talking Heads de la primera época. También, como en casi cualquier disco, hay composiciones que pueden ser consideradas “de relleno” como "Misfit Kid" o "Down Boys" pero es cuestión de darles una oportunidad. Además en The Cars jamás se jactaron de ser una banda “con sustancia”. La conclusión es simple; si eso es relleno… ¿Qué queda para el resto? También está "You Wear Those Eyes" una… ¿Balada? medio tétrica en donde Ocasek se luce como cantante.

Reaccionaron a las críticas negativas y con Shake it Up volvieron un poco al sonido que en realidad nunca habían dejado del todo de lado y siguieron las ventas millonarias, ayudados por una más que significativa rotación en MTV, que por entonces daba sus primeros pasos. Después de la inevitable disolución, Ocasek se consagró como productor de primerísimo nivel, abarcando un muy amplio espectro, desde Bad Brains hasta The Killers, pasando por los ultra-prolíficos Guided By Voices o el punk-pop de los Weezer de Rivers Cuomo. Nada mal.








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5 Canciones 5: Hawkwind

Mirror of Illusion

Rock del espacio exterior. Más oportuno imposible. Coincidiendo con la llegada del hombre a la luna (en aquel entonces todavía no se cuestionaba este hecho) hubo varios que estaban componiendo la banda sonora del alunizaje. O del despegue. "Mirror..." era la encargada de ponerle la guinda a esa torta que es el primer disco, homónimo. Sonidos procesados, paneos estéreo y todos los trucos sonoros que hacen de Hawkwind la banda ideal para quienes gustan de los viajes interestelares sin moverse del living o habitación favorita.

Aparece originalmente en: Hawkwind (1970)

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Orgone Accumulator

Se podría intentar el siguiente paralelismo: si los Redondos son los Grateful Dead argentinos, entonces... ¿Hawkwind es el equivalente inglés? No sería para nada descabellado pensarlo así. Tienen millones de discos en vivo que los fanáticos se encargan de comprar y piratear. Todo el mundo dice que verlos en vivo era "la posta". Bueno, nos vamos a tener que conformar con los discos. Space Ritual es el primero de una larguísima serie y es uno de los mejores discos en vivo que vas a encontrar. Acá todavía estaba el desquiciado Robert Calvert y a él pertenece la letra de este delirio épico. Hawkwind en su momento más indulgente y genial a la vez.

Aparece originalmente en: Space Ritual (1973)

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You'd Better Believe It

¡Este se editó en Argentina en su momento! Aunque los fanáticos nunca se van a poner de acuerdo (hay demasiados candidatos) Hall of the Mountain Grill es uno de los discos más apreciados. Proto-trash con toda la carne al asador, "You'd Better Believe It" es Hawkwind clásico 100%. Se escuchan clarito los coros inconfundibles de Lemmy, a quien pronto le sacarían roja por drogón (en una de las bandas más drogonas de todos los tiempos) causando una herida que recién ahora parece haber sanado. Hoy en día, Dios... -ejem-... Lemmy habla con cariño de la época de su banda pre-Motörhead.

Aparece originalmente en: Hall of the Mountain Grill (1974)

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Uncle Sam's On Mars

Traten de hacer memoria y nombren bandas que venían de los sesenta que se pudieron adaptar al nuevo paradigma, al "Año Cero" planteado por el punk. No van a tener muchos ejemplos. Acá procesaron a Kraftwerk y los Psychedelic Furs pero siguieron tomando LSD frenéticamente (o al menos eso parece) y el resultado es esta mezcla tan extraña como interesante. Siguen las letras cósmicas pero teñidas por la pátina de cinismo de una generación harta de los excesos, con un poco de protesta política. Un balance perfecto para mantenerse "jóvenes" cuando ya no lo eran.

Aparece originalmente en: PXR5 (1979)

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Out of the Shadows

Impresionante. A más de veinte años de la supuesta "era dorada" de Hawkwind, los tipos siguen totalmente al día, a nivel sonoro y temático, sin sacrificar practicamente nada de la identidad de la banda. Ritmo machacante, repetitivo, un violín retándose a duelo con unos sintetizadores rarísimos, la voz de Brock chillando una consigna pro-ecología... en fin: ni más ni menos que el Hawkwind que tanto queremos, inaugurando una tercer década de una carrera que todavía hoy sigue dando frutos.

Aparece originalmente en: Space Bandits (1990)

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5 Canciones 5: Walrus, UFO, Cheap Trick, Willie Nelson y The Cars

Coloured Rain • Mother's Dead Face in Memoriam • Coloured Rain (reprise)
Walrus

Bandas más o menos militando en este mismo palo había millones a fines de los sesenta. Aunque estos no hacían ningún tipo de concesión o al menos eso parece. El sonido es agresivo, el cantante es una especie de Captain Beefheart enojadísimo, los temas están llenos de cambios de ritmo, arreglos de jazz y tienen una sección de bronces muy presente. Sacaron este disco -homónimo- y pará de contar. En este medley, con cover de Traffic incluido, tiran toda la carne al asador, hasta tiene una parte de percusión africana. 


Aparece originalmente en: Walrus (1970)

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Prince Kajuku
UFO

Esta es otra etapa diferente, no es el UFO clásico de "Rock Bottom" y discos como Lights Out o No Heavy Petting. De hecho los dos primeros tienen una especie de cierre en el Live del '72. En una entrevista Phil Mogg se reía (o le llamaba la atención) que en plena época de éxito, había algunos que todavía pedían este tema a los gritos. Le sigue un instrumental (extraordinario) y después se mandan con "Flying", la cara B entera, un estallido de rock espacial para, valga la redundancia, volar. Bien lejos.


Aparece originalmente en: UFO II - Flying (1971)

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Carnival Game
Cheap Trick

"Era un mardi gras con enmascarados, el único trip del que tengo recuerdos" canta Robyn Zander, apenas arranca este temazo, del conocido como el homónimo del '97, quizás el disco que más fuerte rockea de todo el catálogo. Pero esto es Cheap Trick clásico en todo sentido, son esos medio tempo bien beatlescos que suelen pelar, con estribillos super melódicos, gancheros al máximo. La progresión de acordes que usa ya la escuchamos mil veces pero cuando la usan ELLOS es para prestar atención.  


Aparece originalmente en: Cheap Trick (LP de estudio nro. 13 - 1997)

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How Much Does It Costs
Willie Nelson

¿Cómo se las arreglará Willie Nelson para seguir haciendo música valiosa, para tener ganas de meterse en un estudio y grabar canciones nuevas? En el último tema de The Border puede haber algo parecido a una respuesta a uno de los misterios inexplicables de la música popular de la era moderna. Sigue haciéndose preguntas. En este caso, cuál es el precio de ser libre, qué es lo que hay que hacer para que no te rompan las pelotas. De paso aprovecha para meterle un palito sutil a los que dominan el mundo, los que mueven los millones. Capo absoluto.


Aparece originalmente en: The Border (2024)

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Shoo Be Doo
The Cars

No son conocidos por ser una banda "jugada", experimental o como prefieran llamarle. Pero en todos los discos siempre había algún momento en donde mostraban esa faceta. Esto es, como mínimo, arriesgado. Un tema basado en sintetizadores, rápido y nervioso, con letra y melodía. No llega a los dos minutos, pero pasa de todo. El clima claustrofóbico es electrizante, con las voces entrando y saliendo de la mezcla como fantasmas. Una mezcla entre OMD, Kraftwerk y Suicide pero con un resultado único. ¿Qué hubiese pasado si iban más por este lado? No habrían vendido tantos discos, eso seguro.


Aparece originalmente en: Candy-O (1968)

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5 Canciones 5: Madness, Darryl's Way Wolf, The Coral, Jane y Status Quo

Clerkenwell Polka
Madness

¡Qué discazo The Liberty...! Es el Arthur moderno. O podríamos decir que el Rise and Fall del siglo veintiuno. Flema inglesa cien por ciento. Ellos ya habían hecho algo parecido. Pero acá se la jugaron y fueron con todo, a lo grande. Sabían que tenían una colección de canciones muy poderosas y lo presentaron en un teatro lujoso tipo Albert Hall, con una película, una edición de lujo, etcétera. Esto es -como su título bien indica- una polca. A la manera de Madness, de más está decirlo.

Aparece originalmente en: The Liberty of Norton Folgate (2000)

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Two Sisters
Darryl Way's Wolf

Prog-rock inglés. Con ex-miembros de King Crimson (la banda con más ex-miembros de la historia) y Richard Darryl Way había sido un miembro importante de Curved Air antes de esto. Acá salen de la norma, este es un tema distinto. Es intrincado, rápido y pesado pero tiene un costado angelical infrecuente. La parte celestial viene de la mano de unos coros y una melodía muy ganchera. Y después está el violín loco. Paganini hizo el pacto con el diablo y revivió en pleno siglo veinte para tocar con esta gente.

Aparece originalmente en: Saturation Point (1973)

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Down by the Riverside
The Coral

"Ghost Riders in the Sky" pero al otro lado del Atlántico. Los Coral siempre tuvieron una fascinación con la música de raíces yanqui y se encargaron de incorporarla en sus canciones de una manera inteligente y original. Porque esto no podría ser otra cosa que un tema de The Coral. Sale en el disco gemelo a Sea of Mirrors y en teoría es un "trabajo menor", un compañero o un bonus. No es tan así, están en un nivel muy alto, el grupo tiene varios compositores y se deben sacar chispas para ver qué temas quedan y cuáles se descartan.

Aparece originalmente en: Holy Joe's Coral Island Medicine Show (2023)

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Hangman
Jane

Empieza y bien podría ser un tema de cualquier banda de segunda categoría de principios de los setenta. No hay nada que lo diferencie o haga destacar. Hasta que llega el primer estallido y ahí sabés que acá hay algo. Manejo de la dinámica, el teclado hammond (infalible) buenos arreglos, un cantante raro, distinto. Primer disco de los alemanes Jane, que en esa costumbre de categorizar los han metido en la bolsa de gatos del kraut-rock. Sin tener nada que ver con Can, Kraftwerk, Faust o cualquiera de los exponentes del género mas snob de la historia de la música popular grabada.

Aparece originalmente en: Together (1972)

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Shady Lady
Status Quo

Siempre los cargaron por ser cuadrados, sencillos, hacer temas con pocos acordes. A ellos les importó muy poco porque deben haber grabado al menos treinta discos de estudio y siempre supieron reírse de sí mismos. Hasta tienen un LP que se llama In Search of the Lost Chord. Este temazo está en uno que contiene un histórico, el super clásico "Whatever You Want". "Shady Lady" bien podría entrar en la categoría power pop, muy en boga en aquellos años. Coros, melodía, ganchos, guitarras fuertes... una maravilla de tres minutos y fracción.

Aparece originalmente en: WhateverYou Want (1979)

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Arcade Fire - Neon Bible

Cuando alguien consigue digerir, retratar y resignificar los tiempos en que vivimos con la eficacia de Arcade Fire en Neon Bible, hay que sacarse el sombrero. Porque todos sabemos que estamos en una época de miseria espiritual, de consumismo exacerbado, de exceso de comunicación y adoración notable por el “Dios Dinero”. Pero no todos somos capaces de hacer algo al respecto.

Y si ese algo es una obra como Neon Bible, no hay argumentos para derribarlo.

Arcade Fire se formó a principios de la década del nuevo siglo en Canadá, en Montreal mas precisamente, la zona franco-parlante del país del norte. Los integrantes de la banda tienen un promedio de edad de 25 años y con sólo un disco en su haber (el laureado Funeral) se habían granjeado al respeto y admiración de prensa, público y varios nombres notables del mundo del rock.

Si tenemos que describir a Neon Bible con un solo adjetivo, ese sería valentía. Porque para ser épico, grandiocuente y hacerse cargo de las pretensiones hacen falta agallas y a Arcade Fire le sobran por donde se los mire. "Black Mirror" es un introducción breve pero concisa pero ya en "Keep the Car Running" están los elementos que hacen de Neon Bible una cosa seria; un ritmo rápido y nervioso y un cantante que suena a medio camino del Bono sediento de gloria de los primeros discos y el Bruce Springsteen más heroico; aquel de Born to Run y The River. No son influencias que se citan habitualmente. Por desgracia, porque si se sabe que hacer con ellas… Nadie se acordaría de Tommy sino fuera por "Pinball Wizard", "Amazing Journey" o "See Me, Feel Me" o de The Wall sin "Comfortably Numb" o "Another Brick in the Wall" y a Neon Bible tampoco le faltan esos himnos que se pegan a la retina de la memoria. La mencionada "Keep the Car…" entraría dentro de ese grupo hipotético. Otra muestra de coraje es "Intervention" con su majestuoso órgano tubular de iglesia, que ayuda a crear un clima religioso, casi místico y la voz de Win Butler al borde del llanto, uno no puede menos que creerle, rendirse ante el dramatismo conseguido en cinco minutos de música vibrante e intensa. “Trabajando para la iglesia donde mi familia muere. Tu pequeña babysitter se volverá loca. Cada pequeña chispa de amistad y amor morirá sin hogar. Escucha al soldado gruñir, lo intentaremos a solas”. Como muestra sobra un botón. Otro punto álgido es "Black Wave/Bad Vibrations" que empieza con una mezcla entre Siouxsie & the Banshees, los Cocteau Twins y Kraftwerk, con voces femeninas a coro, en una clara atmósfera de sobrecogimiento. Después vuelve la voz líder para que no olvidemos que se trata de Arcade Fire y otorgar un “cierre” mas familiar a la canción.

La influencia de “El Jefe” se hace presente de manera muy evidente en "(Antichrist Television Blues)", uno de esos himnos épicos de redención en donde el personaje del relato logra huir de su cotidianeidad agobiante por medio del viaje. Claro, en los papeles suena artificial y hasta trillado pero la banda se encarga de que esto no suceda. Apelando a simbolismos continuamente, nada está dicho de una manera simplona, sino por medio de metáforas muy cuidadas, de alusiones indirectas pero a la vez inequívocas.

La importancia de Neon Bible será valorada en su justa medida por el juez más implacable; el paso del tiempo, que dicho sea de paso, también suele ser el más certero. Pero es claro desde cualquier punto de vista que los Arcade Fire no están escasos de ambiciones y saben qué caminos recorrer para satisfacerlas.








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Chequear también:
Arcade Fire - Funeral
U2 - The Unforgettable Fire
Nick Cave & the Bad Seeds - Abattoir Blues / The Lyre of Orpheus

5 Canciones 5: Krokodil, The Church, Cheap Trick, Lito Nebbia y Johnny Thunders

Odyssey In Om
Krokodil

Se podría decir que Alemania en la década del setenta era hervidero de actividad cultura. Había banda de todos los colores. Muchas de esas entrar por decantación en la venerada categoría conocida como kraut-rock. La verdad es que no tiene mucho que ver con CAN, Kraftwerk o Faust. Acá a lo sumo se puede encontrar algún paralelo con Amon Düül II, los más rockeros en esa bolsa de gatos, con obras maestras como Yeti o Tanz Der Lemminge. Esto es un viaje al Himalaya| en busca de una colisión espiritual. Música para viajar sin moverse (*).

Aparece originalmente en: An Invisible World Revealed (1971)

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City
The Church

A lo mejor Gold Afternoon Fix podría servir para cerrar la etapa clásica de The Church. Por suerte, tratándose de los australianos, había mucha música después que se les dejó de prestar atención a nivel "gente que va a vender muchos discos". Tema suave, mostrando el costado tierno de Kilbey. Si tenés ganas de leer anécdotas musicales, podés entrar al blog de Marty Willson-Piper y enterarte de todo tipo de detalles de la grabación de este y los álbumes anteriores. Si tenés mucho tiempo libre, claro...

Aparece originalmente en: Gold Afternoon Fix (1990)

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Like a Fly
Cheap Trick

¿Cuántos años tienen los integrantes de Cheap Tick? Vale mencionar que salvo el batero, el gran Bun E. Carlos, son los mismos que grabaron el primero -homónimo- allá lejos y hace tiempo. No se me ocurre otra banda que venga de aquellos años y rockea con semejante nivel de desesperación y hambre de gloria. Robin Zander es, fué y será uno de los grandes cantantes de la Historia del Rock and Roll y conmueve escucharlo en tan buena forma, aullando y retorciéndose como un veinteañero a punto de devorarse el mundo.

Aparece originalmente en: We're All Alright! (2017)

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El otro cambio, los que se fueron
Litto Nebbia

"Corta un pedazo de torta y dame, vamos hasta la esquina a ver qué pasa". Lito Nebbia y su Tommy, su disco conceptual, una perla en una discografía enorme, inabarcable. Esto sería pop de cámara, piano, cuerdas y esa voz. Que puede gustarte o no, pero nadie puede negar que tiene una personalidad grande. Acá toca uno de los temas más dolorosos para los argentinos, el exilio, tener que irse de país y dejar atrás a los seres queridos. A muchos nos tocó de cerca el asunto y duele, vaya si duele. Acá se refleja ese sentimiento, cien por ciento.

Aparece originalmente en: Muerte en la catedral (1970)

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London Boys
Johnny Thunders

¡Al fin la encontré! Esta la escuchaba muchísimo, en la época en que uno se bajaba temas sueltos de Internet. La usaba para excitarme, antes de salir , ese tipo de cosas. Te suministraba un subidón de adrenalina muy fuerte. Después, cuando conseguí So Alone, me entristecía escuchar la versión anémica, desalmada, que había de este tema. Nunca supe de dónde había salido la que yo escuchaba. Hasta que le pregunté a un amigo muy fan de Thunders y me sacó la duda. Gratitud eterna.

Aparece originalmente en: Born Too Loose (The Best of Johnny Thunders) (1999)

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