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domingo, 3 de agosto de 2014

Frank Sinatra - Sings for Only the Lonely


Suele ser detestado por mucha gente que tiene que ver con el rock. Se debe en parte a que él mismo odiaba a "la música del diablo". Vale decir que, a nivel biográfico, la vida de Sinatra tiene más rock que la de varios cultores del género. También tiene fanáticos confesos dentro del supuesto enemigo; Jim Morrison lo veneraba e Ian McCulloch de Echo & the Bunnymen más de una vez lo ha puesto entre sus cantantes favoritos. Como cantante e intérprete "Frankie Blue Eyes" no tiene rivales.

Todo el mundo conoce sus grandes éxitos, “New York”, “Something Stupid” (a dúo con Nancy, su hija), “Strangers In the Night” o “That's Life”. Los grandes hallazgos empiezan a aparecer en lo profundo de su extensa discografía. Los "discos tristes" como No One Cares o el tardío She Shot Me Down son increíbles, se escuchan enteros, ciclos de canciones dedicados a la tristeza, generalmente relacionados con rupturas amorosas, cantados con la maestría que un tipo que sabe comunicar un sentimiento como ningún otro, arreglados y grabados con los mejores músicos y productores que se podía llegar a encontrar en el momento.

Frank Sinatra Sings for Only the Lonely, más conocido como Only the Lonely, es uno de esos discos. Uno más de la lista de esenciales, pero no es cualquier otro, no es reemplazable. A mediados de los setenta le preguntaron en una fiesta y él mismo cito a este como su favorito. Gordon Jenkins, su arreglador hasta ese entonces, no estaba disponible y la tarea cayó en manos del gran Nelson Riddle, que hace su trabajo con un nivel de delicadeza y finesse dignos de admiración. Los arreglos en general son minimalistas, por ejemplo en “Blues In the Night” apenas aparecen, la idea es subrayar el fraseo de Sinatra, aparecer en los instantes exactos, pero cuando surgen… son sublimes. El disco empieza con la primer obra maestra, la canción que da título, “Only the Lonely” es el paradigma de lo que a Sinatra le gustaba llamar “Canciones suicidas”, la gravedad con que encara la interpretación contrasta con la debilidad temática del protagonista, un tipo que ha sido abandonado hace poco y deambula perdido por la calle, sin tener idea de qué hacer con su tiempo libre. Este es el disco que tiene “One for My Baby (and One More for the Road)”, también está “Guess I'll Hang My Tears to Dry” y el impresionante “Angel Eyes”, una de las grandes canciones olvidadas de Sinatra, con una orquestación conmovedora de Riddle.

Están los discos de swing, los de dúos, los discos en vivo como el enorme Sinatra at the Sands (con Count Basie) pero en los álbumes de baladas es donde te puede romper el corazón, donde podés encontrar refugio, en donde lo podés escuchar diciéndote “va a estar todo bien, esto nos pasa a todos”, es donde muestra fragilidad y deja de lado cierta pose de mafioso italiano que tanto molesta.








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lunes, 9 de septiembre de 2019

5 Canciones 5: The Jazz Butcher, Martinho Da Vila, Frank Sinatra, Jackson Heights y The Blessing


Walk With the Devil
The Jazz Butcher

A Pat Fish (o The Jazz Butcher, como quieran) se lo podría poner dentro de la categoría de excéntricos ingleses con ganas de joder, junto a Robyn Hitchcock, Martin Newell, Andy Partridge, etc. En este tema de Sex and Travel, uno de los favoritos del autor (según él mismo ha dicho) se calza las botas con espuelas y se toma un güiscacho con Clint Eastwood. El solo de guitarra que aparece al minuto cuatro y fracción camina esa delgada línea entre parodia y homenaje que pocos manejan con habilidad. ¡Larga vida al carnicero del jazz!.

Aparece originalmente en: Sex and Travel (1985)

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Viajando
Martinho Da Vila

De la era en que la música brasilera podía darse el lujo de ser fiestera, nacionalista, arengadora y hasta un poco demagoga (el título del disco sería canta, canta mi gente) y salir bien parada. Por musicalidad, por tener unos cantantes y compositores de otro planeta, unas canciones de acero y la enumeración podría seguir un buen rato. Canta canta, minha gente es un disco más bien alegre y optimista, casi al final, aparece esta bossa nova bien clásica que es una verdadera delicia, de una delicadeza especial. ¡Y esas guitarras!

Aparece originalmente en: Canta canta, minha gente (1974)


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The Most Beautiful Girl in the World
Frank Sinatra

Volviendo a la etapa swing de discos como Songs for Swingin' Lovers, Come Fly With Me o Swing Easy. Sí, algo así podría ser. En medio de un disco más bien orientado a las baladas y en medio de una época de turbulencias socio-económicas, Frankie blue eyes se mantenía firme en su burbuja, en su viejo mundo que ya hacía rato había dejado de existir... ¡pero qué bien sonaba y cantaba todavía!. A Sinatra todavía le quedaba algo de cuerda y no faltan quienes prefieren los discos de los sesenta y principios de la década siguiente a su época de oro.

Aparece originalmente en: Strangers in the Night (1966)

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Public Romance
Jackson Heights

Piano-based rock music, para quienes gusten de las definiciones en una baldosa. "Public Romance" es diabólico, el ritmo es frenético, una espiral, un huracán... y un piano a toda velocidad, un tema que bien podría haber estado en alguno de los discos de aquel entonces de Van der Graaf Generator, aunque también tiene su costado celestial, pop si se quiere. ¿Por qué no habrán tenido más éxito? Seguro tenían un frontman flojo o no tenían uno directamente porque a nivel composición lo de Jackson Heights es admirable.

Aparece originalmente en: Bump 'n' Grind (1973)


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Denial
The Blessing

Estos ingleses entraban -o se los etiquetaba- en la dudosa etiqueta blue eyed soul, nunca entendí muy bien qué era lo que querían decir con eso, además del racismo intrínseco del término. Hicieron dos discos y Prince... se vendió muy bien, tenía invitados de lujo (Nicky Hopkins, Rickie Lee Jones, etc.) y sonaban en las radios, antes de desaparecer sin dejar rastros. "Denial" usa los mismos acordes de siempre, la melodía, el clima generado y la línea vocal hacen el resto.

Aparece originalmente en: Prince of the Deep Water (1991)

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lunes, 21 de febrero de 2022

5 Canciones 5: Bill Evans, OMD, Love Spit Love, Edwyn Collins y Frank Sinatra


When You Wish Upon a Star
Bill Evans

Para los que amamos atesorar datos de este tipo, esta canción fue escrita para la versión de Walt Disney de Pinocho, en la década del cuarenta, la cantaba Pepe Grillo en los créditos iniciales y al final. Si la escuchás en esta versión del quinteto de Bill Evans es posible que no la reconozcas, con Freddie Hubbard en la trompeta derrochando initimidad, buen gusto. Música que puede ser puesta de fondo, sin pecar de intrascendente.

Aparece originalmente en: Interplay (1962)

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Georgia
Orchestral Manoeuvres In the Dark

El sonido clásico de OMD, inmediatamente reconocible, los teclados super sencillos, la base constante, la herencia clara del krautock alemán, sobre todo de Kraftwerk. En un momento hay una parte instrumental vertiginosa, en la que aparece una nueva idea musical muy interesante. Cero virtuosismo, las ideas por encima de la habilidad instrumental. Este es el sonido de Europa a principios de los ochenta.

Aparece originalmente en: Architecture & Morality (1981)


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Green
Love Spit Love

Un riff medio Led Zeppelin, bien rock clásico, con guitarra eléctrica pelada es lo primero que se escuchá acá, en este temazo del primer disco de Love Spit Love, que en realidad eran los hermanos Richard y Tim Butler de los Psychedelic Furs, bajo otro nombre. Cuando entra la banda, junto con la orquesta, con un sonido enorme, la cosa adquiera un giro sónico, cósmico. La parte instrumental, larga y elaborada, es una delicia. Épico.

Aparece originalmente en: Love Spit Love (1994)

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North of Heaven
Edwyn Collins

De su tercer disco solista y sí, este es el que tiene "A Girl Like You", que sonó -y sigue sonando- por todos lados. Acá el ex-Orange Juice deja atrás el miedo de poner su voz bien al frente. De hecho en este disco toca la batería Paul Cook de los Pistols y en este temazo ni aparece. Collins suena por lo menos veinte años más viejo de lo que era en esta época, a mediados de los noventa, cuando tenía en realidad unos treinta y cinco años. No cualquiera conmueve con la guitarrita acústica, ahí, solo, desnudo.

Aparece originalmente en: Gorgeous George (1994)


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When Your Lover Has Gone
Frank Sinatra

Algunos dicen que este es el primer disco conceptual que se ha hecho. Sinatra venía con la idea en mente desde hacía un tiempo y en In the Wee Small Hours se dió el gusto. Nelson Riddle en los arreglos acá, tenés que estar bien atado al suelo para no sentir vértigo con esas cuerdas. "Como una flor que se desvanece, el amor puede significar cualquiera cosa, cuando tu amante se ha ido".

Aparece originalmente en: In the Wee Small Hours (1955)

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lunes, 28 de mayo de 2012

Lee Hazlewood - Poet, Fool or Bum


Hubo un momento en que Lee Hazlewood se volvió una referencia ineludible. Fue a mediados de los noventa. Época de revivals y exhumaciones varias. Algunas más merecidas que otras, sí. A medida que los discos del hombre de Mannford, Oklahoma se volvían más difíciles de conseguir, crecía la cantidad de músicos que declaraban que habían crecido escuchándolo. Eran Nick Cave, Beck, los Sonic Youth y la lista podría seguir un buen rato. Atrás quedaban los roqueros (y disqueros) que fruncían el ceño al no entender el evidente elemento kitsch que nunca falta en muchas de las canciones de Hazlewood.

El tipo tocó el cielo con las manos con Nancy Sinatra, y claro; ella no “cantaba bien”, el que sí lo hacía era Jon Anderson de Yes. Como va cambiando la percepción que se tiene de las cosas ¿No? No vamos a contar la vida del amigo Lee en estos pocos párrafos porque sería una verdadera odisea y además seguro que va a estar mejor contado en cualquiera de los miles de sitios de Internet y revistas. Sí vamos a hablar un poco de este trabajo, Poet, Fool or Bum, aparecido originalmente a principios de la década del setenta, con un Hazlewood de más de cuarenta años, disfrutando del éxito que había tenido como productor y haciendo lo que se le cantaba con sus discos solistas que sacaba a través de su sello LH1. El título sería “Poeta, tonto o mendigo” y de ahí se desprende la primer anécdota divertida. Charles Shaar Murray, crítico canchero de la revista NME, hizo un comentario al respecto del disco que constaba de una sola palabra y no dudó en elegir una de las tres opciones del título: escribió simplemente “mendigo”. Descalificador y categórico el muchacho.

Pero hoy suena como nunca, escuchen la canción que dá título y digan si no podría haber estado en cualquiera de los primeros cuatro de Scott Waker, producción grandilocuente, excelentes arreglos de cuerdas y vientos… los Tindersticks harían cualquier cosa por algo cercano a esto. En la letra Hazlewood da cuenta y saca pecho con su estilo de vida nómade, holgazán y mujeriego, siempre al borde de la auto parodia: “¿Un poeta? No. ¿Un Tonto? Espero que no… ¿Un mendigo? No, solo soy yo mismo”. También hay dos versiones, dejando claro que se trataba de alguien que prestaba mucha atención a lo que pasaba musicalmente a su alrededor y no tenía prejuicios a la hora de escuchar a los que lo seguían generacionalmente. Está "Martha", del primer disco de Tom Waits, que le queda como anillo al dedo y "Come Spend the Morning" de Leonard Cohen, con esa voz cavernosa que es su marca registrada. También se encarga de darle de comer al rumor que lo relacionaba sentimentalmente con la hija de Mr. Sinatra, en la delicadísima "Nancy & Me". En "The Performer" se pone del lado del músico talentoso pero sin suerte, ese que se la pasa recorriendo escenarios de mala muerte sin ver un peso. Bueno, la gran mayoría, digamos.

Si no escuchaste ninguno de los discos de Lee Hazlewood, Poet, Fool or Bum tranquilamente podría a ser la puerta de entrada a un mundo único, uno en que las leyes de lo que está bien y mal no están del todo definidas, en donde nadie se toma en serio nada y los desengaños amorosos son excusas perfectas para esos "chistes". Bienvenidos.







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domingo, 24 de octubre de 2021

5 Canciones 5: Prince, Nancy Sinatra, Sponge, Naked Eyes y The Cult


Temptation
Prince

"Sex!... Temptation!" Todo eso arriba de un riff de guitarra podrídisimo, macabro, cuando de repente aparece ese otro motivo, el que se mantiene en las estrofas del tema. Medio perverso, sucio y cargado de violencia sexual. ¿Es un theremin eso que suena ahí? Algún fan de Prince podría aclararlo rápido. El sonido de batería, totalmente anclado a una década, en este caso particular, termina jugando a favor del conjunto.

Aparece originalmente en: Around the World In a Day (1985)

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What I'd Say
Nancy Sinatra

Creo que este disco es la banda sonora de un especial de televisión que se hizo, con Nancy Sinatra como protagonista. Lo cierto es que tiene varios temas que no están en otros LP y termina siendo una adición importante a su discografía. En su momento algunos se burlaban y decían que ella no podía cantar. Habría que pegarle una escuchadita a esta tremenda versión del super clásico de Ray Charles. Por cierto, la banda vuela, a varios centímetro del suelo.

Aparece originalmente en: Movin' With Nancy (1967)


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Molly
Sponge

Una banda olvidada hoy en día, pero en su momento, los dos primeros discos tuvieron su trascendencia. Rotting Piñata y Wax Static (el segundo LP de estudio) tenían sus fans y entre ellos gente como Howard Stern, que pasaba este tema en su programa y se encargó de hacerlos llegar a muchos oyentes. Es un temazo. Hay gancho, agresión, melancolía. ¿Canción perfecta? ¿Por qué no?.

Aparece originalmente en: Rotting Piñata (1994)

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Could Be
Naked Eyes

One hit wonders, en todo sentido, de acá a la China. El hit en cuestión era una versión del clásico de Burt Bacharach y Hal David "Always Something There to Remind Me". Tremenda versión, hit merecido. Pero eran un poco más que eso. El primer disco del dúo británico es un muy buen exponente de lo que algunos llaman synth-pop y este es uno de los grandes temas, con una voz que recuerda un poco a Marc Almond, de otros pioneros del género; Soft Cell.

Aparece originalmente en: Naked Eyes (1983)


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Sweet Soul Sister
The Cult

Uno que viene desde la infancia, esto fue lo primero que escuché de The Cult y junto a Love y Electric me parecen los discos a atesorar de la banda. Acá Ian Astbury hace su interpretación de Freddie Mercury, recubierto de guitarras chirriantes, grabado sin escatimar un centavo, apuntando sin tapujos al mercado yanqui, a un sonido enorme, de estadios.

Aparece originalmente en: Sonic Temple (1989)

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lunes, 3 de enero de 2022

5 Canciones 5: Bob Welch, The Grip Weeds, Frank Sinatra, Alice Cooper y They Might Be Giants


B666
Bob Welch

Enorme producción, lo primero que salta al oído en este temazo del tipo que capitaneó a Fleetwood Mac en los "años perdidos" de la banda. Guitarras chirriando, clima infernal, cuerdas, la vocecita de Welch, esforzándose por no quedar sepultada en semejante marea instrumental. Esto fué el cénit de la ambición megalómana (y cocaínomana) de la música californiana de fines de los setenta. El diálogo de las cuerdas durante el solo de guitarra es impresionante. Claro, mirás los créditos en la contratapa y descubrís que en la producción está nada menos que el gran Jack Nitzche.

Aparece originalmente en: Man Overboard (1980)

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Every Minute
The Grip Weeds

¿Qué diferencia a los Grip Weeds de la horda de zombis retro-mongoloides hiper-poblada del siglo XXI? Que son capaces de pelar temazos como este. Y que se toman la molestia de hacerlos, de escribirlos a esos temas. Esto bien podria ser un tema de The Move de la época de Shazam o los Who (una banda que claramente veneran) de antes de Tommy, en esa época en que se debatían entre el pop, la psicodelia y el rock duro.

Aparece originalmente en: The Sound Is In You (1998)


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September Song
Frank Sinatra

Trivia para los fanáticos: esta la volvió a grabar tres años más tarde en un disco más popular que este, en September of My Years, del '65, el que traia "It Was a Very Good Year", con los arreglos del gran Gordon Jenkins. En Point of No Return vuelve Axel Stordahl, que fué quien lo ayudó a hacerse famoso en la década del cuarenta. Las dos versiones del clásico de Kurt Weill no podrían ser más diferentes, incluso la voz e interpretación de Sinatra cambian de forma significativa. A buscar las diferencias se ha dicho.

Aparece originalmente en: Point of No Return (1962)

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The Quiet Room
Alice Cooper

El disco Elton John de Alice. Algunos de los temas están escritos junto a Bernie Taupin incluso. Por supuesto que, trantándose de Vincent Fournier, la cosa no iba a ser una simple imitación. Se había internado en una clínica de rehabilitación y From the Inside fué el resultado, vivió para contarla. Este cuarto silencioso vendría a ser la clásica habitación acolchada en que meten a los tipos que se lastiman. Pocos podrían haber salido ilesos de una idea tan retorcida, pero estamos hablando de un grande, no hay que olvidarse de ese pequeño detalle.

Aparece originalmente en: From the Inside (1978)


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With the Dark
They Might Be Giants

Decálogo gratuito de cómo hacer algo "de protesta" sin caer en el panfletarismo berretón en el que suelen terminar propuestas de este tipo. Hay que ver el video, que es impresionante. Refuerza el concepto, cuenta un poco de la historia de They Might Be Giants, con unas referencias bien elegidas y se dá el gusto de disparar algunos dardos con el nivel de veneno adecuado. ¿Música para niños? Sí, para los que nunca dejaron del todo atrás aquellos años.

Aparece originalmente en: The Else (2007)

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jueves, 13 de enero de 2022

5 Canciones 5: Boeing Duveen, Giant Sand, Emilio Gálvez, Nancy Sinatra y The Charlatans


Jabberwock
Boeing Duveen & The Beautiful Soup

Lewis Carroll. Alicia a través del espejo, la secuela del mítico Alicia en el País de las Maravillas, incluía a este monstruo, el famoso Jabberwock, ideal para un tema psicodélico. Pero este no es cualquier tema. Es único. El tipo, un tal Sam Hutt, aparentemente era amigote de Syd Barrett y de Roger Waters, no grabó nada además de esta maravilla de cuatro minutos y fracción. Y la cara B de lo que fué el simple de aquel entonces, un tema que se llama "Which Dreamed It".

Aparece originalmente en: Jabberwock / Which Dreamed It ‎[7", single, 4-P] (1968)

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You Can't Put Your Arms Around a Memory
Giant Sand

Tema emblema. Quizás EL tema por excelencia de Johnny Thunders. La versión empieza con Gelb al piano, medio desafinado y borracho. Entra la banda, como era de esperarse, con un nivel de confianza y agresión rocker que conmueve hasta al más amargo. Este es el ejemplo clásico de cómo hacer una versión con todas las letras, con respeto, sin ser reverente ni chupa-medias, con onda. La perfección y sencillez del original ayuda, claro.

Aparece originalmente en: Ballad of a Thin Line Man (1986)


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El preso número 9
Emilio Gálvez

Este género ha sido rescatado del olvido en los últimos años. Bien podría haber sido una murder ballad, al mejor estilo Nick Cave o uno de esos temas que cantaba Johnny Cash. Al preso número nueve lo condenaron a muerte, por matar a su mujer y a su amante. "Ardió en su pecho el rencor y no se pudo aguantar". Impresionante interpretación vocal, exhibiendo un virtuosismo admirable.

Aparece originalmente en: Guitarras de media noche (1970)

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The End of the World
Nancy Sinatra

Otro caso de versión en la que el original tenía medio partido ya ganado de antemano. Temazo enorme de Skeeter Davis, el tema no era de ella, era de la dupla Arthur Kent / Silvia Dee. Nancy Sinatra la incluye en su disco de música country y sería otra demostración de que la hija de Frankie Blue Eyes podía llevar adelante una canción, con autoridad y soltura.

Aparece originalmente en: Country, My Way (1967)


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Jesus Hairdo
The Charlatans [UK]

Los primeros cuatro o cinco de los Charlatans son clásicos, no hay vuelta que darle, con la particularidad de que suenan como si hubiesen sido grabados ayer. Up to Our Hips es el tercero e incluía este temazo que también fué corte de difusión. Tim Burguess es uno de los cantantes con más onda sobre el planeta tierra y la banda acá muestra sin prejuicios el amor por los discos viejos de los Stones, Faces, etcétera.

Aparece originalmente en: Up to Our Hips (1994)

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jueves, 1 de junio de 2017

5 Canciones 5: Tom Russell, Black Sabbath, Zitarrosa, Soul Asylum y Morricone


When Sinatra Played Juarez
Tom Russell

Según el tío Tommy "todo se fué al tacho desde el día que Sinatra tocó en Juarez". Uno de los grandes contadores de historias de los últimos veinte años. Tex-mex, música fronteriza, americana... hay varias formar de denominar este estilo de música. Una buena alternativa sería llamarla simplemente "música que se caga en los límites fronterizos". Continuación natural de The Man from God Knows Where, el disco anterior, del '98.

Aparece originalmente en: Borderland (2001)

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Children of the Sea
Black Sabbath

Muy pocas bandas sobreviven a algo tan importante como el cambio de cantante. Y menos si el cantante es alguien del carisma enorme de Ozzy. Black Sabbath lo logró. Heaven and Hell es el primero con Ronnie James Dio, el enano mágico y "Children..." es el segundo tema del disco. Lento, pesadísimo, sucio, Geezer se luce con las cuatro cuerdas. Sí, a miembros de Black Sabbath se los llama por su nombre, sin apellido, como a los Beatles, en caso de que haga falta aclararlo.

Aparece originalmente en: Heaven and Hell (1980)


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Décimas a Jacinto Luna
Alfredo Zitarrosa

Esto dice la tercer estrofa: "Ni me espera una querencia, ni los caminos me espantan, porque no hay pa’ los que cantan, más pago que el de la ausencia, nada me ata a la existencia voy muriendo al tranco lerdo, cada atardecer me pierdo, tras los horizontes rojos con un niebla en los ojos y acosa’o por los recuerdos". ¿Dónde estaría el gran Zitarrosa si hubiera nacido en el país del norte? A la altura de gente como Johnny Cash o Townes Van Zandt, sin dudas.

Aparece originalmente en: Yo sé quien soy (1968)


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Crashing Down
Soul Asylum

Compañeros de escenarios de los Replacements, Goo Goo Dolls y Hüsker Dü, serán siempre mirados de costado. Probablemente porque fueron increíblemente existosos con Grave Dancers Union y el omnipresente "Runaway Train". Esta era otra etapa, anterior, nada que ver. En este temazo van a toda velocidad pero no pierden el gusto por la melodía y el gancho. Bien podría haber estado en New Day Rising de Mould, Hart y cia.

Aparece originalmente en: While You Were Out (1986)


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The Breath of Death
Ennio Morricone

Uno de los pocos compositores de música incidental que podés escuchar sin ninguna necesidad de haber visto las películas. El pájaro de las plumas de cristal es nada menos que la ópera prima de Darío Argento, una de suspenso de un tipo que presencia un crimen en un museo. "El aliento de la muerte" es sólo uno de los tantos puntos altos de este disco, empieza con unos suspiros -o gemidos- que ya van metiendo miedo, un pianito arpegiado y un par de efectos de sonido le alcanzan al maestro italiano para crear el clima.

Aparece originalmente en: L'uccello dalle piume di cristallo (1970)


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sábado, 4 de septiembre de 2010

Richard Hawley - Coles Corner


Si la valentía tiene que ser premiada a Richard Hawley tienen que hacerle un monumento. Por ir contra la corriente, por hacer un estilo totalmente desfasado a nivel cronólogico y -como si fuera poco- salirse con la suya y tener éxito.
Es una música sin fecha de vencimiento, quizás habría que ir a buscar los discos de Nat King Cole o Sinatra para ver (y entender) que es lo que está haciendo.
Hawley se afiló los dientes como guitarrista de sesión, salió de gira con Pulp y formó parte de Longpigs, una banda olvidada del bripop de los noventa, que llegó a telonear a U2 en la gira Pop Mart.

Si el Elvis gordo, drogado y decadente de los 70's, el que hacía esos discos de estudio ultra-producidos, ya no es importante, nadie parece habérselo recordado a Hawley que lo tiene claramente en lo alto de su altar personal de héroes y, si se lo recordaron, no le importó en lo más mínimo. "Just Like the Rain" es una de esas baladas country llenas de arreglos de cuerda que bien podría haber estado en Promised Land o Moody Blue (de El Rey, claro). Todo en Coles Corner suena actual. Hasta el punto de que, quienes desconozcan todo este inmenso bagaje que Hawley carga en su mochila, pueden disfrutar sin problemas de su trabajo porque se trata de una música invencible, inoxidable y cálida.

Es romántico en el buen sentido de la palabra, ya en la tapa aparece en una famosa esquina de su ciudad natal, Sheffield, en el Reino Unido, con un ramo de rosas, como esperando a su cita y es así como todas sus canciones están unidas por ese concepto unificador, el amor (y la falta de él) visto como motivo de orgullo, como motor de la vida, sin dobleces y sin el cinismo al que nos tienen habituados los tiempos en que vivimos. Este tipo de canción y esta lírica en la década del cincuenta hubiese sido moneda corriente, pero en el siglo XXI es todo un signo de hidalguía, de coraje. Nadie hace música así hoy, con este nivel de aplomo, es creíble y va a contramano de la gran mayoría de los géneros que todavía venden muchos discos.

"Darlin' Wait for Me" tiene un clima muy similar al que planteaba aquel "Bridge Over Troubled Water" de Simon & Garfunkel, hoy en día un estándar de la música moderna, pero lo de Hawley por suerte no se limita a quitarse el sombrero frente a sus admirados, suena personal, con todo puesto en su lugar. En "Born Under a Bad Sign" su voz de barítono alla Scott Walker se luce con un fondo de campanitas navideñas (¿Un guiño a Spector?) o las escobillas jazzeras que acompañan "I Sleep Alone", son gestos que generan complicidad en el oyente y hacen que Roy Orbison esboce una de sus sonrisas ladeadas, donde quiera que esté.

Coles Corner es su tercer disco de estudio y fue el que más llamó la atención al momento de su aparición, en el 2005, con muchos comentarios positivos en los medios, hoy en día ya va por su sexto disco, con un álbum en vivo muy reciente y el brillante Truelove's Gutter como última demostración de su vigencia. Cuando hay convicciones, esfuerzo y mucho conocimiento de causa…







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Richard Hawley - Lady's Bridge


jueves, 16 de abril de 2009

Lee Hazlewood - The Very Special World of Lee Hazlewood


Lee Hazlewood era, antes que nada, un hombre de mundo, con un aire beatnik y una imagen de mujeriego eterno, apegado a las bebidas espirituosas fuertes y al humo de cigarrillos de marca. Le llegó el revival cuando gente como Nick Cave, Tindersticks, Beck o Thin White Rope lo rescataron del olvido.

Famoso en la década del sesenta por cantar -y componer- con Nancy Sinatra canciones de extravagante belleza y peculiar atractivo. Se pueden nombrar "Some Velvet Morning" (que Primal Scream convirtió en hit a ambos lados del Atlántico a principios del siglo XXI), "Summer Wine" o "Jackson". Según cuenta la leyenda Hazlewood incitaba a la hija de Frank, dueño por aquel entonces del sello Reprise, a cantar como si estuviera seduciendo a camioneros. Logrando ese sonido sensual y sugerente tan caraterístico. Hay mucho mas para quienes estén dispuestos a asomarse por debajo de la punta del iceberg. Varios de sus discos solistas han sido reeditados con mucho cariño y respeto por Smells Like Records, el sello discográfico de Steve Shelley de Sonic Youth, otros tantos aparecen hoy en día en una variedad asombrosa de sellos y el resto, algunos injustamente, están esperando que alguien se digne a editarlos.

The Very Special World of Lee Hazlewood del año '66, salió por MGM records y según cantante sueca  Suzi Jane Hokum -compañera sentimental en esos años- aquellas grabaciones eran consideradas por Hazlewood como demos para asuntos mas importantes. Cuesta creer esta afirmación. La producción suntuosa, casi barroca y algo cursi (una constante a lo largo de la carrera del nacido en Mannford, Oklahoma) parece negar esta premisa.

Acá aparece por primera vez el que quizás sea su tema mas famoso, nada menos que "These Boots Are Made for Walking", "Sand" a dúo con Hokum y "Not the Lovin' Kind", en una increíble versión bossa-nova. Estas tres canciones volvería a grabarlas con Nancy Sinatra y queda en manos del oyente decidir qué versión prefiere. Eso no es todo porque The Very Special… tiene algunas de las joyas del inmenso catálogo de Hazlewood; "My Autumn's Done Come" es sorprendente, dramática. Una letra escalofriante que reflexiona acerca de lo imposible y del paso del tiempo. Sostenida por una orquestación cinematográfica, rica, evocativa. "I Move Around" relata sus peripecias a lo largo y ancho del mundo, delatando su naturaleza inquieta y curiosa. Tampoco faltan los ejemplos del particular sentido del humor de Hazlewood, como "When a Fool Loves a Fool" o "My Baby Cried All Night Long".

Este disco y el que le sigue (Lee Hazlewood-ism: Its Cause and Cure) fueron editados en un CD doble llamado These Boots Are Made For Walking: The Complete MGM Recordings donde también aparece un LP muy raro llamado Something Special, que en su momento solo había aparecido en Alemania. Increíblemente, la secuencia original de los dos primeros fue alterada para esta edición y las canciones aparecen mezcladas entre sí, cosa que puede resultar molesta para quienes conocían los álbumes de la forma en que fueron concebidos.







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Lee Hazlewood - Trouble Is a Lonesome Town
Lee Hazlewood - Requiem for an Almost Lady
Lee Hazlewood - Cowboy In Sweden




jueves, 17 de agosto de 2023

Lee Hazlewood - Requiem for an Almost Lady


Hubo seis o siete años en que hizo todo bien. Tenía algunos años más que los que estaban dando vuelta de una vez y para siempre la música popular. No muchos, unos diez más que los Beatles por ejemplo, pero en aquellos días de aceleración brusca, era un abismo generacional. Lee Hazlewood, en vez de darle la espalda a las novedades, como suele pasar con tipos "ya establecidos", paró sus antenas, incorporó. Tampoco es que se convirtió en un iconoclasta absoluto, pero para alguien que venía de un nicho medio conservador, lo suyo fué notable, distinto.

"Some Velvet Morning", una de sus canciones más famosas, es country, pero hay una atmósfera de ensueño, una cosa narcótica, embriagadora. ¿Y sus discos como solista? Ahí hacía lo que se le cantaba. Como se ganaba el pan de cada día con Nancy Sinatra y como productor de otros artistas, nadie esperaba mucho de Lee Hazlewood solista, su retribución a la compañía venía de otro lado. Quizás por eso tenía carte blanche en el estudio. No iba a venir un ejecutivo a vetarle un tema o una idea. Love and Other Crimes -uno de sus discazos- tiene a la Wrecking Crew como sesionistas, dando cátedra de cómo tocar (y grabar) en función de la canción.

Requiem for an Almost Lady es otro de esos discos de ruptura, de separación. Un subgénero que empezaba a asomar en la primer mitad de los setenta. Hecho a su manera, como podría esperarse. Toca todos los temas; el dolor, el rencor, tristeza, aceptación, burla. Lee Hazlewood era un maestro en eso de reírse de uno mismo, las introducciones habladas en los temas son geniales acá. "El día que nos conocimos los dioses se dieron vuelta y se rieron bien fuerte" o "En el principio no había nada, pero era divertido mirar la nada crecer".  Requiem… está producido de manera muy sencilla, mayormente acústico, sin batería. De todas maneras hay variedad musical y los arreglos están puestos en el lugar justo. El clavicordio en "Won't You Tell Your Dreams" o esa nota insistente en el cierre del estribillo de “Come On Home to Me”, el tema oscuro y psicodélico del disco, con una letra impresionante en su balance entre sencillez, poesía y elocuencia.

Lee Hazlewood es, como bien dicen varios, un gusto adquirido, podés quedar afuera de sus chistes tontos pensando en qué es lo que encuentra la gente que lo defiende a capa y espada. Pero si ya sos parte de esa gente, no hace falta que te expliquen nada. Y esta es otra de sus obras maestras.






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Chequear también:
Waylon Jennings - Singer of Sad Songs
Nancy Sinatra - Movin' On With Nancy
Lee Hazlewood - These Boots Are Made for Walkin' (The Complete MGM Recordings)


 

lunes, 5 de febrero de 2018

João Gilberto - Amoroso


El lado A empieza con “’S Wonderful” de los hermanos George e Ira Gershwin, cantado en inglés, seguido inmediatamente por una versión del clásico “Estate” de Martino y Brighetti, en italiano y, al final del primer lado, una versión de casi diez minutos de “Bésame mucho”, cantado en español. ¿Uno de los compositores más grandes de la música popular brasilera está tratando de decir algo entre líneas? ¿Lá música verdadera no necesita de idiomas, puede prescindir de su significado estricto? Nunca lo sabremos, el prócer bahiense nunca fue hombre apegado a las palabras, mucho menos a las explicaciones. Para agregarle condimento al cóctel cosmopolita, Amoroso está grabado en Nueva York con arreglos de orquesta de Claus Ogerman, el mismo que colaboró en los dos discos de Sinatra y Jobim, fundamentales para hacer de la bossa nova una música de popularidad y renombre mundial.

A fines de la década del cincuenta ya era relativamente famoso y había sentado las bases de la música de su país, redefiniendo una tradición, con Vinícius de Moraes, Dorival Caymmi y el ya mencionado Jobim, una generación anterior a los tropicalistas (Caetano, Gal Costa, etcétera) quienes más tarde fusionarían absolutamente todo. Las grabaciones de João Gilberto de “Chega de saudade”, “Samba de uma nota só” o “Desafinado” definen un género, de apariencia simple pero de una complejidad armónica sorprendente. Famoso por sus eternos desplantes, malhumor constante y la infinidad de conciertos interrumpidos cuando cree que la audiencia no está prestando la atención necesaria o escucha ruidos que le molestan, de la manera que prefiere hablar o se expresarse, es a través de su música.

Amoroso aparece a mediados de los setenta, con su autor completamente consagrado a nivel mundial y no difiere mucho del considerado “sonido clásico” que lo hizo famoso, con la salvedad de la orquesta de Ogerman, que suma y mucho. Los arreglos son delícadisimos, están puestos donde tienen que estar y nunca se interponen entre la voz, casi siempre un susurro, de João Gilberto. En el lado B son todas versiones de Jobim, empezando por una interpretación preciosa del super clásico “Ola de Mar”, más conocido como “Wave”, por la versión con Sinatra. Más universal imposible.







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João Gilberto - Amoroso
Antônio Carlos Jobim - Stone Flower
Luiz Bonfá - The New Face of Bonfá


lunes, 12 de marzo de 2012

The West Coast Pop Art Experimental Band - Part One


Una historia curiosa la de West Coast Pop Art Experimental Band. Es uno de esos casos raros en que las circunstancias biográficas le juegan tanto a favor como en contra. El líder, un tal Bob Markley, era hijo de una familia millonaria y aparentemente tenía el grupo como excusa para corretear pibitas, incluso algunas en edad “peligrosa” y no le interesaba demasiado salir de gira o promover la banda. A favor porque el tipo intentaba bajar a sus canciones su peligrosa obsesión, a veces de manera velada y otras no tanto, mostrando una especie de costado oscuro del llamado “verano del amor” y convirtiendo a los discos en especímenes únicos. En contra porque a nadie le gustan estas temáticas ríspidas y más de uno les da vuelta la cara en seguida. Es entendible. Es muy difícil separar la obra del artista.

Part One
es generalmente considerado el primer disco pero no es así, el primero salió un año antes para un sello chico y pasó desapercibido, por eso mismo resulta difícil entender cómo es que este salió por el famosísimo sello de Sinatra, nada menos que Reprise. Además es el primero también de una trilogía tan polémica como interesante. Vamos directo a las canciones. Empieza con "Shifting Sands", lo más parecido a un hit que tuvieron, alterna para gran efecto acordes mayores con menores, demostrando que sabían como grabar y producir. El segundo se llama “I Won't Hurt You”, o sea “No te voy a herir” y ya podemos empezar a tejer asociaciones que desearíamos no haber hecho. Acá también está el cover de Zappa, rarísimo, este grupo medio folkie, byrdesco, haciendo "Help, I’m a Rock", originalmente aparecido en Freak Out!, en una versión prácticamente igual. Como suele ser, lo que para muchos puede ser un defecto es en realidad el mayor atractivo de la West Coast… Ese balance entre experimentación y clasicismo, una cancioncita hermosa de tres acordes por un lado y por otro… ¡"Help, I'm a Rock"!

En la segunda mitad está la posta; empieza con otro tema propio que es una delicia, se llama "What a Transparent Day" y está a la altura de cualquiera de las grandes canciones de los Grass Roots, con sus guitarras arpegiadas, el solo de teclado, el puente. Temazo. También está "Leiyla" bien al estilo Bo Diddley. Otro gran compositor, de quien prácticamente todos han hecho versiones y que todavía sigue injustamente ignorado, también está representado en Part One, es el gran Phillip Gary Schllein, más conocido como P.F. Sloan. De él hacen "Here's Where You Belong" y es uno de los aciertos del disco.

Después de este trabajo vendría, casi en seguida, el Vol. 2 que también se llama Breaking Through y un poco más adelante el excelente A Child's Guide to Good & Evil en donde las cosas se empezaban a poner opacas, sobre todo a nivel lírico, aunque la música seguía siendo de primer nivel. Después viene Where's My Daddy? y ahí ya el asunto se pone fiero. Después Markley terminaría medio loco y con problemas legales. Lo dejamos para alguna serie yanqui de esas que tanto abundan.








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Chequear también:

The West Coast Pop Art Experimental Band - Vol. 3, A Child's Guide to Good & Evil
The Strawberry Alarm Clock - Wake Up... It's Tomorrow
Bubble Puppy - A Gathering of Promises




viernes, 20 de febrero de 2026

David Bowie - Pin Ups


En la contratapa hay un breve párrafo -manuscrito- anunciando que "Estas canciones están entre mis favoritas del periodo de Londres entre el '64 y el '67". Cuenta como era la escena y menciona lugares clave, en donde "estaba el agite". "Algunos todavía están con nosotros. Pretty Things, Them, Yardbirds, Syd's Pink Floyd..." mencionando como si nada a The Merseys al lado de gigantes como the Who. Hay algo de intencionalidad en esas letritas rojas inocentes, para quienes gustan de leer entre líneas.

Se trata de Pin Ups, el disco de covers de David Bowie, controversial, discutido y a la vez admirado y defendido. Viene después del impresionante Aladdin Sane (en el mismo año) y antes de Diamond Dogs. Algunos le bajan el pulgar porque está hecho para llenar una obligación contractual con RCA. Además justo después de semejantes alturas, los hitos que fueron Ziggy Stardust y su secuela, que venga un disco de covers... no pocos lo consideraron un retroceso artístico, como que no se lo bancaron.

Puntos a favor, por empezar, hoy con el siglo veintiuno bien entrado, a nadie le importa si vino antes o después de lavarse el culo o dejar las manitos en Hollywood. Además del mérito de ser el primer disco de covers con el concepto moderno, el que quedó instaurado para los rejuntes de versiones. Porque, por ejemplo, los discos de Elvis o Sinatra eran discos de covers técnicamente, pero no eran considerados como tal, ni siquiera se mencionaba el tema. Acá la idea tiene que ver con homenajear, saludar y agradecer. Hasta es contemporáneo al doble Nuggets que compiló Lenny KayeA pesar de las diferencias obvias, coincide en idiosincrasia, intención y espíritu.
Ni hablar de que la banda que graba y toca acá son los Spiders from Mars, el combo rocker por excelencia de Bowie. El único cambio es que se va Woody Woodmansey y entra el el sesionista estrella por definición de Inglaterra en la batería; Ainsley Dunbar.

El repertorio es, como mínimo interesante, llamativo. Tiene dos temas de los Pretty Things, que son "Rosalyn" y "Don't Bring Me Down", ambos del primer disco, el debut homónimo del '65. También tiene dos de The Who, "I Can't Explain" y "Anyway, Anyhow, Anywhere" y dos de los Yardbirds. Dejando bien claro por dónde estaba el amor corazón musical de Bowie en la década del 60. Tiene "Where Have All The Good Times Gone" de los Kinks para cerrar. En el medio no faltan los "rescates", con bandas perdidas como The Merseys, Sorrows y The Mojos. A su manera y quizás sin pretenderlo, hasta con Pin Ups estaba trazando el camino. Si es un trabajo menor lo dejamos para quienes se preocupan por ese tipo de cosas.





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Chequear también:
David Bowie - At the Beeb
The Walkabouts - Train Leaves at Eight
David Bowie - Tin Machine