Ramones - Pleasant Dreams

¿Cómo es eso de ordenar los discos de una banda que te gusta de menor a mayor? ¿Cómo es que se hace ese ordenamiento medio caprichoso? Simple, por la cantidad de canciones que uno aprecia. Porque pueden agradarte todas o la mayoría pero uno siempre tiene favoritas, otras que directamente pasan desapercibidas -o que zafan- y no faltan esas que se saltean descaradamente, sin ningún tipo de culpa. Los famosos temas de mierda. Los Ramones tienen unos cuantos de esos. Todos los que firma Marky, por ejemplo, menos mal que son dos o tres nomás.

En mi caso Pleasant Dreams va al número uno, es el único disco que casi no tiene temas que me desagraden o caigan mal. Sólo “All's Quiet On the Eastern Front” es uno de esos podrían no haber estado, aunque no es uno que desentona mucho o corta el fluído. Simplemente no está al nivel del resto, para mi gusto al menos.

En busca del siempre esquivo hit (que nunca llegaría) los Ramones habían grabado con Phil Spector para el anterior, End of the Century, incluso se llegaron a sacar las camperas reglamentarias para la tapa. Hasta llegaron a grabar con una orquesta para la versión de “Baby, I Love You”, que fue lo más parecido a un éxito comercial que tuvieron. Para Pleasant Dreams van todavía más lejos en cuanto a alejamiento del sonido clásico de los tres primeros LP. En realidad es una continuación lógica. Ramones siempre fue una banda con una impronta pop muy fuerte, ya en el debut estaban “I Wanna Be Your Boyfriend” y “Listen to My Heart”. Nada que ver con los Clash, Pistols o Dead Boys. Lo van a buscar a Graham Gouldman para la producción. Fue el tipo que escribía los grandes temas de los Yardbirds, una especie de gurú pop de los sesenta. “For Your Love”, “Evil Hearted You” o “Still I'm Sad” estaban a la altura de cualquier gran tema de sus contemporáneos, Beatles, Kinks, Stones, el que se te ocurra.

¿Y qué hizo para los Ramones? Bastante. Les actualiza el sonido sin sacrificar la esencia de la banda, la impronta indeleble de los neoyorquinos. Vale recordar que Dee Dee y Joey cayeron con unos temas a la altura de las circunstancias. ¿En qué tipo de mundo “She's a Sensation” no fue un super éxito? Joey Ramone brillando como nunca. “It's Not My Place (In the 9 to 5 World)” es atípico en todo sentido. Hasta se podría decir que es complejo, no tan fácil de tocar. Se puede decir que los hace sonar actuales, acercándolos al power pop, que tan en boga estaba a fines de los setenta, con bandas como The Beat, Plimsouls o Shoes. Ya de movida arranca con “We Want the Airwaves” como para que las intenciones queden claras. “Don't Go”, el eterno “The KKK Took My Baby Away”, “Come On Now” o la impresionante balada “7-11”, en donde Joey da otra clase magistral de canto e interpretación.

¿Hará falta que alguien todavía exalte las virtudes de la frondosa discografía de Ramones? Probablemente no. A esta altura… ¿A quién le importa?






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Hermética - Víctimas del vaciamiento

En el título ya hay una teoría, una idea propia. El pueblo, el laburante raso y llano es víctima. ¿De quién? De los poderosos, los políticos, los que te cagaron y te van a cagar siempre. Ellos son los que están detrás de un aparato que se dedica a licuar cerebros, para beneficio propio, de más está decirlo. Simple, derechito, casi simplista se podría decir. También incuestionable, elocuente y certero. Es, fue y será así. ¿De qué manera lo combatimos? Armamos una secta, una que tiene sus ritos, como cualquier organización o religión. Tenemos una música que nos va a representar y por ende aborrecemos cualquier otra que no sea esta. Nos vamos a vestir de cierta forma, llueva, truene o haya sol. Para que todo el mundo sepa a qué equipo pertenecemos y, de paso, saber al instante quienes son los “opositores”, el enemigo, los que no son miembros y no forman parte.

“Con mis amigos en el concierto, de metal duro, un sentimiento” cantaban en “Evitando el ablande”, del disco anterior, Ácido argentino. Ahí las intenciones de Iorio ya estaban clarísimas; si no formas parte está todo mal. “Sos veleta de la moda y no me asombra que mañana amanezcas metalero” reza la letra de “Buscando razón”, en este, el tercero y último de Hermética, la banda intermedia de Ricardo Iorio, entre los míticos V8 y Almafuerte. Algunos se sorprendían al ver que, en los últimos tiempos, en sus apariciones televisivas que le hicieron alcanzar un nivel aún mayor de fama (para bien y para mal) había un costado indudablemente intolerante. Ese costado siempre estuvo. Siempre fue una cosa de “nosotros contra ellos”. Luchando por el metal. Ustedes lo saben y muy bien. La pregunta es… ¿Eso lo condena o sirve para bajarle el pulgar? ¿No somos todos un poco intolerantes de una forma u otra?

Es muy valioso el hecho de que el tipo construyó algo propio, argentino y nuevo. Si sus consecuencias a largo plazo fueron positivas o no es otro asunto, puede discutirse largo y tendido.

¿Y la música? Acá también hay varios aciertos. Se puede establecer una comparación con Metallica. Sabían hacer baladas. A diferencia de varios compañeros de escena, género o como prefieras. Eso ayudó a la masividad inaudita que alcanzaron en su momento. A lo mejor “Olvidalo y volverá por más” no sea un tema representativo de lo que era Hermética, pero sí hizo que los pasaran en algunas radios que de otra manera ni se hubieran acercado. Alguna vez escuché a algunos decir que no soportan la voz de O’Connor y para mí tiene una personalidad arrasadora, cien por ciento distintiva. Que los discos suenan mal… debatible. En mi caso particular no me molesta el sonido, habla de una época y en el buen sentido. Tipos como Iorio, Lemmy o Joey Ramone no van a morir nunca, es gente que dejó una huella que va a estar siempre, un aporte a la humanidad. Todos son, fueron y serán cuestionables desde cualquier ángulo o análisis. Como cualquier otro ser humano, vale decirlo.







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V8 - Un paso más en la batalla
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5 Canciones 5: Savage Resurrection, The Droogs, Mad Professor, The Cramps y Erland & the Carnival

A Bit of Ready Made Sauce
Yellowman & Mad Professor

Mad Professor es uno de los pocos capos del reggae que logró trascender relativamente intacto la "edad de oro" del género. En este disco colabora con Yellowman, otro colorido personaje jamaiquino (mas bien descolorido en realidad) y en "A Bit of Ready, Made Sauce" lo deja pasar al frente mucho más que en el resto del LP. Yellowman hace lo que mejor sabe hacer y brilla. La producción, como siempre, es un lujo para los amantes del groove dulzón y espeso.

Aparece originalmente en: A Feast of Yellow Dub (1990)

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Let's Get Fucked Up 
The Cramps

Podría traducirse como "vamos a reventarnos" y la letra es exactamente lo que el título promete. Para bailar a go-go desquiciadamente. Lux Interior (que en paz descanse) también nos advierte de las consecuencias de una noche de excesos: "mañana nos vamos a sentir como atropellados por un camión" o "vamos a necesitar un psicólogo para volver a la realidad". El "solo" de Posion Ivy es ridículamente genial. ¿O genialmente ridículo?

Aparece originalmente en: Flamejob (1994)

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Reach the Dawn
The Droogs

Estos aparecen en la tercer caja Nuggets, vienen batallando en el anonimato hace miles de años y -aparentemente- todavía siguen en pié. Una banda que sacó muchos simples antes de llegar al primer disco. Esta joya de rock de raíces yanqui esta en el tercero, en Mad Dog Dreams. El cantante tiene una actitud tremenda, entre Jagger y Joey Ramone, buenos coros y un excelente riff -y sonido- de guitarras. Rock and roll. Clásico.

Aparece originalmente en: Mad Dog Dreams (1989)

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Emmeline
Erland & the Carnival

Excelente banda actual, ultra-psicodélicos y oníricos. Recuerdan a muchas cosas pero no imitan a nadie, tienen dos discos hasta la fecha y esta pequeña obra maestra aparece en el segundo LP de estudio. Entre los Easybeats y los primeros Pink Floyd, suenan un poco a lo más retorcido de The Coral. Como todas las bandas buenas modernas, tienen diez mil influencias y terminan haciendo algo que, si bien no es enteramente nuevo, es válido e interesante.

Aparece originalmente en: Nightingale (2011)

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Every Little Song
The Savage Resurrection

Otros psicodélicos provenientes de San Francisco (¿Serían todos "acid eaters"?). Arranca con un arpegio de acorde menor y ya de movida el clima es amenazante. Acá produce el guitarrista y capo de Blue Cheer. Las voces fantasmagóricas dan paso a una acelerada de tempo tipo Yardbirds, con ruidos de guitarras que se derriten. En menos de dos minutos dijo todo lo que tenía que decir. Quedó clarísimo. 

Aparece originalmente en: The Savage Resurrection (1968)

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Thin Lizzy - Fighting

Escuchar la discografía completa de una banda que tiene más de diez discos te puede llevar varios años. Porque si tal o cual lo escuchaste una sola vez, no se puede decir que “lo escuchaste”. Sí podés decir que tenés una idea de qué es lo que contiene, si te dan ganas de volver a escucharlo o si con los primeros tres temas ya sabés que no es para vos. Y Thin Lizzy tiene una discografía considerable. No son tantos los LPs que han grabado pero, para lo que duraron en el ring, se puede decir que no perdieron el tiempo. Son más de diez en apenas un poco más de una década y todos tienen algo que ofrecer. Incluso en los menos celebrados, como el segundo (Shades of a Blue…) o la oveja negra que fue Night Life, hay al menos tres o cuatro temas a destacar.

Fighting lo tengo hace años y nunca fue de mis favoritos. Y eso que es el encargado de redondear de una vez y para siempre la personalidad y el sello de los irlandeses. Acá encuentran el rumbo, recién en el quinto, al siguiente la iban a romper con Jailbreak, pero acá ya estaba el asunto. Están las guitarras gemelas, los temas más relacionados entre sí, Phil Lynott destila confianza. Algo que ya tenía de entrada y se fue agigantando con el reconocimiento, la pegada en ventas y esas mierdas.

Hoy le dí otra oportunidad. Y apareció. Como un rayo de sol en una mañana de primavera. Esa iluminación que produce un conjunto de canciones, que un buen día te agarran en plan receptivo o lo que corno sea que pasa. Cuando sucede ese maravilloso caso de epifanía musical, te das cuenta en seguida. Encima lo escuché en sincro con un amigo al que le gusta desmenuzar lo mismo que a mí cuando escucho algo. Cómo están hechas las canciones, dónde y cómo aparece un puente, qué redoble mete el baterista para salir del estribillo. Son esas nerdeadas musicales que no le importan a nadie. Y está bien que así sea. Quien puede escuchar música, que todo eso le chupe un huevo y sólo lo disfrute porque le dan ganas de bailar (por ejemplo) tiene también el cariño y el refugio que sólo esto puede darte.

Y es un discazo. No es perfecto, al final hay dos rellenos evidentes. Igual esos temas son super escuchables, ellos tocaban demasiado bien. A ese baterista, Brian Downey (lo gugleé. JA!) lo podría escuchar dos horas tocando la tapa del inodoro. Y si te gustan las guitarras acá tenés un menú de restorán cheto de sos a los que nunca podremos acceder. Y Phil Lynott. Uno de los grandes héroes, colosos de la música popular y con todo el merecimiento. No sabría con quén compararlo. ¿Con Joey Ramone? Sí, es un héroe pero de otra forma. No sé, no importa, para mi Phyl Lynott es equivalente a lo que era el Hombre Araña cuando era un niño. Como cantante es extraordinario, un fraseo propio, el timbre, puede roquear durísimo y si hace una balada te parte el corazón. Y sus letras, melodía, arreglos, como compositor de rock, cuando pica alto (“King’s Revenge”… EL GRAN tema de acá) no hay quien le haga sombra.

Llegó tarde pero seguro. Fighting. Discazo.







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Thin Lizzy - Vagabonds of the Western World
Thin Lizzy - Johnny the Fox
Phil Lynott - Solo In Soho

Echo & the Bunnymen - Porcupine

En Head On, la autobiografía de los primeros años de carrera de Julian Cope, hay algunas anécdotas que hablan de la personalidad y la ambición musical de Ian McCulloch, quien todavía hoy lidera a Echo & the Bunnymen. Cuenta cómo se conocieron, en la incipiente escena post-punk de Liverpool, cuando Mac (tal su apodo) era un clon lleno de granos de Joey Ramone, a la defensiva atrás de inamovibles anteojos oscuros. Relata cómo compartían gustos musicales, con el esnobismo que se necesita para poder hacer algo en la vida, cómo detestaban ciertas bandas y glorificaban a otras que en realidad no estaban tan distanciadas. También competían salvajemente y Cope confiesa, sin el menor arrepentimiento, el ataque de envidia que sintió cuando salió Crocodiles, antes incluso que Kilimanjaro, el debut de los Teardrop Explodes.

Hoy parece imposible pero en un momento, a principios de la década del ochenta, los Bunnymen eran serios candidatos al título de Banda Más Grande del Mundo, batalla que perderían irremediablemente a manos de U2, con Bono a la cabeza. La prensa los adoraba, el público respondía pero no… no iba a poder ser.

Para hacer la tapa de Porcupine, el tercero de estudio depués de Heaven Up Here, decidieron seguir la tradición de plantar la banda en algún paisaje insólito. Si en Crocodiles aparecían en una especie de bosque encantado y en Heaven… en una playa desierta, esta vez iban a ir más lejos todavía. Pusieron proa con rumbo a Islandia y armaron la sesión de fotos, en ese glaciar que tanto tiene que ver con la música. Ahí también filmaron el video de "Back of Love" ese temazo que les ayudó a llegar alto por primera vez en los rankings, dándole un significativo envión a las ventas de Porcupine, para el que se filmaron nada menos que seis videos promocionales. Ya lo dijimos; las ambiciones de los muchachos eran serias.

Porcupine tiene fama de “disco difícil” pero no es tan así. En realidad es mucho menos árido que sus dos predecesores; a pesar de que Echo & the Bunnymen refinaba la técnica y mejoraban las orquestaciones, sus discos se fueron volviendo menos aventureros, más convencionales, más “cancioneros” si se quiere. Cada uno sabrá con qué etapa del grupo quedarse, ninguna de las dos es mejor que la otra, simplemente son diferentes y en las dos se mueven con total naturalidad. Porcupine es quizás ese momento a mitad del camino, no es ni una cosa ni la otra; sí… hay estribillos y muy buenos, pero también oscuridad y experimentación para todos los gustos y ahí reside su mayor encanto. Pero en todos los discos aparecen los elementos que hacen de ellos una banda con personalidad; la guitarra psicodélica de Will Sergeant, una especie de Tom Verlaine inglés, un héroe anónimo de las seis cuerdas y la voz de Sinatra en ácido de McCulloch. Y las letras, por supuesto. Son un reflejo perfecto de una época, de una generación desencantada y claustrofóbica con sus obsesiones a la orden del día.

Después del éxito de Ocean Rain, el siguiente trabajo y continuación casi natural, vinieron unos cuantos problemas, la devastadora muerte del baterista Pete de Freitas, las carreras solistas y las peleas que nunca faltan. Pero se las arreglaron para sobreponerse a todo y hoy en día siguen, con la cabeza bien alta. Lejos quedaban los días de gloria de Porcupine.








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Wah! - Nah=Poo - The Art of Bluff
Siouxsie & the Banshees - Tinderbox
Echo & the Bunnymen - Evergreen

Eric Burdon & the Animals - The Twain Shall Meet

¿Qué pasó con el pibito que cantaba "Boom Boom"? ¿Con el veinteañero, apenas salido de la adolescencia, borrachín y peleador? Muy simple; LSD. Después de ser uno de los grupos pilares de la Invasión Inglesa, para mediados del '66, la formación original de los Animals se había desintegrado casi del todo. Alan Price, aquel tecladista mágico, fue el primero en dar el portazo. Hilton Valentine (el guitarrista) sería el siguiente, Chas Chandler se convertiría en el manager de Hendrix y Slade. Pero ahí estaba Eric Burdon, abrazando el cambio con entusiasmo de la mano de la nueva droga que tanto daba que hablar. El ácido lisérgico hacía estragos en muchos pero otros salían renovados de la experiencia. Burdon formaría parte de este segundo grupo, ponderando las bondades de la sustancia en quien quisiera oírlo, se mudaría a la soleada california y armaría una nueva banda. Con esa banda hizo Winds of Change, el primer LP de esta nueva encarnación, casi en seguida apareció este: The Twain Shall Meet en el '68.

Si hay una canción que describe perfectamente la atmósfera de la época esa es "Monterrey". Está bien, sí, no es "White Rabbit" y ni siquiera es "Dark Star" pero “a la hora de los bifes” resulta más efectiva, más gráfica. Describe las circunstancias y la música -principalmente- de aquel evento histórico, ese festival en donde tocaron todos. Eric estaba completamente subyugado y se encarga de que quede claro en la letra: “los Byrds y los Airplane realmente volaron, Jimi Hendrix, creeme, hizo que el mundo se incendie”. Y sí, había “visto la luz”, quería compartirlo y quería “evangelizar” a los aún no creyentes. ¿Quién puede juzgarlo? La atmósfera democrática que rodeó la etapa de composición de The Twain Shall Meet queda evidenciada en los dos temas que canta el bajista Danny McCulloch; "Just the Thought" y el hipnótico "Oranges and Red Beams", lleno de efectos psicódelicos y arreglos de cuerda y flautas para la ocasión.

"Closer to the Truth" (sería “Más cerca de la verdad”) es otro que muestra el estado de ánimo excesivamente optimista de nuestro héroe. Es un poco risible es cierto, pero la convicción y el sentimiento de Burdon dan por tierra cualquier atisbo de desconfianza. Es que es de esos cantantes que puede cantar el dorso de tu crema de enjuague y salir airoso, como Elvis, como Joey Ramone, cualquier canción que le pongan delante de las narices va a ir para adelante sólo por el hecho de ser él quien la entona. El pequeño hit del disco viene de la mano de "Sky Pilot", un gran tema por donde se lo mire. Anti bélico, dura casi ocho minutos, pero se editó en formato de disco simple con una duración acotada. Lo mismo sucede con la majestuosa "We Love You Lil" y "All Is One", los dos últimos, encargados de cerrar el álbum. Cara “B”… ¡A experimentar!

Antes de pasar a formar parte de los también californianos War, con quien grabó tres LP's indispensables, Burdon todavía exprimiría el concepto de New Animals con dos discos más: Every One of Us y Love Is, con un jovencísimo Andy Summers (The Police) en guitarras. Discos desparejos, es cierto, pero con grandes momentos, esos que cuando aparecen nos llenan de felicidad.
Eric Burdon: uno de los diez mejores cantantes de todos los tiempos.

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Eric Burdon & War - The Black-Man's Burdon
The Animals - Before We Were So Rudely Interrupted

Ramones - Bonzo Goes to Bitburg

¿Vieron la película Escuela de Rock con Jack Black? Te puede caer mal el gordito, la película es medio boluda, todo lo que quieras. Pero cuando ponen "Bonzo..." tenés que ser muy bravo para no conmoverte. La ponen ENTERA si mal no recuerdo. Se puede ver acá. Para mí es una de las mejores utilizaciones de canción roquera en el cine. Sí señores. Lo peor es que no puedo explicar del todo esta elección.

Puedo contar que conocí esta canción a los dieciséis años y nunca nada fué igual, son los Ramones, son lo más grande que hay. Es como ser hincha de Racing. No hay argumentos racionales para explicarlo. También puedo contar que tardé como diez años en enterarme de qué iba la letra, que Dee Dee se calentó cuando lo vió a Reagan visitar un cementerio nazi y que Johnny le cambió el título para defender a "su presidente", para cuando salió en Animal Boy. Tampoco importa que está en un disco medio pedorro y que el sonido y la producción dejan mucho que desear... acá hay magia. Así de simple. Y Joey tiene mucha responsabilidad.





Podés escucharla en YouTube.

Encontrala originalmente en:
Salió en formato simple (en el '85) y en el mencionado Animal Boy , uno de los tres discos que grabó Richie Ramone en la batería, el segundo, para más datos, después de Too Tough to Die, un disco un tanto sobrevalorado, para mi gusto. (1986)

5 Canciones 5: Ramones, Passengers, Red House Painters, INXS y Richard Thompson

I Don't Want to Live This Life (Anymore)
Ramones

Quizás no muchos lo saben pero el que elegía la lista de temas que iban a parar a los discos era Johnny Ramone, por ende, también decidía qué temas quedaban afuera. A pesar de que no componía... increíble, como la historia -y la música- de los Ramones. Este, un tema muy personal y cantado como los dioses por Joey, terminó yendo a parar a la cara B del single de "Crummy Stuff", un tema menor de Animal Boy. Merecía un poco más. Más tarde salió en All the Suff, Vol. II, ya en la era del CD. 

Aparece originalmente en: Crummy Stuff [single de 7 y 12''] (1986)

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King of Fools
Passengers

La foto de la contratapa ya casi que lo dice todo; los cuatro integrantes de la "banda" apoyados en un Lamborghini o Ferrari (algún super auto deportivo italiano) con una facha muy... discutible. Pero este género, ítalo-pop o ítalo disco es diversión pura, con un costado kitsch / bizarro innegable. La canción en cuestión es lo que importa, podría ser un tema de los primeros Depeche Mode o un single de OMD. Pegadizo al máximo.

Aparece originalmente en: Sound Adventure (1983)

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Shadows
Red House Painters

"No estás diciendo nada que yo ya no sepa".
Mark Kozelek

Aparece originalmente en: Ocean Beach (1995)

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To Look at You
INXS

En este mismo disco, tercero de estudio de los australianos aparecía, al final, "Don't Change", un temazo enorme, con mucha fuerza y tracción a las cuatro ruedas. Pero antes estaba este, que fue otro de los cortes de difusión de Shabooh Shoobah y que con el tiempo cayó en el olvido. Medio punkie, con su toque new wave, por la época, claro. Gran tema, bien derechito, sin vueltas y sin el histrionismo grasa que después desparramarían a diestra y siniestra.

Aparece originalmente en: Shabooh Shoobah (1982)

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Don't Temp Me
Richard Thompson

Uno de los grandes guitarristas de la historia de la música popular inglesa resulta ser también un enorme compositor de canciones. De muy joven ya era una pieza fundamental de los Fairport Convention y después hizo unos discazos con su mujer, como Richard & Linda Thompson. Como solista tiene una millonada de discos y todos de buenos para arriba. "Don't Temp Me" bien podría ser un tema de batalla épica en Corazón Valiente o estas series tipo Game of Thrones. El solo de guitarra, que aparece a los dos minutos y fracción, merece un análisis aparte.

Aparece originalmente en: Amnesia (1988)

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