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domingo, 2 de agosto de 2020

Gal Costa - Gal [3er. LP - 1969]


A Gal Costa la conocemos todos, por supuesto. Es una de las figuras más importantes de la música popular brasilera y su aporte es invalorable. Pero no somos tantos los que nos aventuramos en sus primeros discos, cuando su música era menos accesible, exploradora y, digamosló, psicodélica al extremo.

Gal, también conocido como Cinema Olympia, es su tercer disco de estudio y tiene un precedente en su LP anterior, el homónimo, también del ’69. Pero ni siquiera sus amigos y colegas llevaron sus ideas a este territorio, virgen, inexplorado. Un buen ejemplo sería “Cultura e civilização”, tercer tema, el ritmo es rarísimo, pega unos chillidos increíbles, los arreglos son marcianos en más de un sentido y la pregunta que surge después de la escucha es... ¿cómo hicieron estas canciones? ¿improvisación en el estudio? No es tan sencillo el asunto. Para lograr algo así hay que estar en una sintonía muy especial. Es música que cuesta describir con palabras. También hay temas que se pueden tararear, más relacionados a un movimiento (Tropicalia le decían a esto) pero nunca dejan de tener un costado lúdico, enrarecido.

“País tropical” podría ser un buen ejemplo o el tema con que empieza el disco, el que también le da título, parece una samba pero tiene mucha idiosincrasia rockera encima, con esas guitarras podridas que podrían haber sonado en un disco de los Electric Prunes. “Meu nome é Gal” cierra la cara A y se podría decir que es una parodia (¿u homenaje?) a los temas que hacía la dupla David / Bacharach para Dionne Warwick, teñido por una pátina freak que sólo esta gente pudo haber logrado. Atención a los créditos de este tema en particular (¡Roberto Carlos!) y del disco en general. Gilberto Gil estampa su firma en otro de los puntos álgidos de Gal, “Com medro, con Pedro”, con el bajo bien al frente, unas voces escalofriantes, arreglos de orquesta… esto es perfección psicodélica. Escapando a cualquier definición o encasillamiento. Los Jefferson Airplane de After Bathing at Baxter’s (otro disco realmente psicodélico) hubieran dado cualquier cosa por un tema como este.

“The Empty Boat” es otra buena elección, a la hora de mandar este disco en una nave espacial, para que entiendan lo que era la música del Planeta Tierra en esta época fértil. Una maraña de guitarras, efectos de estudio, ambiente de zapada y creatividad enfermiza. Lo firma Caetano Veloso, en otro caso de polinización e incesto musical. “Objeto sim, objeto não” es Brasil pero para el nuevo milenio. Esta es la clave en esta música, tiene raíces pero apunta al más allá, no tiene miedo de abogar por una tradición, pero tiene bien claro que el futuro está a la vuelta de la esquina.

Después de este experimento -exitoso- Gal Costa sale al ruedo con Legal, al año siguiente, un disco excelente pero mucho más convencional. Hay varios discos de buenos a imprescindibles en su larga carrera como solista pero ninguno como este. Es comprensible y tiene sentido; era irrepetible.







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Chequear también:

Tom Zé - Todos os olhos
Varios - Tropicália ou panis et circencis
Gal Costa - O sorriso do gato de Alice    



sábado, 21 de mayo de 2016

5 Canciones 5: Joe Gibbs, Macca, Gábor Szabó, Heartless Bastards y Lisa Germano


Peeping Tom
Joe Gibbs & the Professionals

En el período que comprende la última década de los sesenta hasta principios de los ochenta se hizo música en cantidades industriales en Jamaica. Hasta cuesta creer el nivel de calidad alcanzado en relación a las condiciones en que se hacían los discos. Al parecer Joe Gibbs, otro de los grandes productores de la isla, se llevó el crédito por estos cuatro primeros volúmenes de dub, pero los músicos eran los miembros de Soul Syndicate y de We the People. Un dato al pedo para el olvido.

Aparece originalmente en: African Dub Chapter Two (1977)

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Spin It On
Wings

¿Dónde estaba Macca a fines de los setenta en medio del estallido del punk, la new wave y el guillotinamiento masivo de "dinosaurios"? Medio perdido al parecer, como la mayoría de sus compañeros de generación, Back to the Egg es un disco que no sabe muy bien a qué apuntar pero, como cualquiera de Paul McCartney, por más malo que sea, tiene al menos tres o cuatro temazos. Acá rockea con un desenfreno envidiable, totalmente al día con sus tiempos.

Aparece originalmente en: Back to the Egg (1979)


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Some Velvet Morning
Gábor Szabó

El guitarrista húngaro fué uno de los primeros en ponerse al día con respecto a lo que pasaba al otro lado de la ex "Cortina de Hierro", fusionando jazz, pop y música gitana. En Bacchanal, de fines de los sesenta, mezcla a Donovan (gran versión de "Three King Fishers" de Mellow Yellow) con temas propios y Bacharach / David (el inmortal "The Look of Love"). Por supuesto que íbamos a elegir su versión del más grande, del maestro, el magnánimo Barton Lee Hazlewood.

Aparece originalmente en: Bacchanal (1968)


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The Arrow Killed the Beast
Heartless Bastards

Oriundos de Hartford, Cincinnati, los Heartless Bastards tienen cinco discos de estudio al día de la fecha. Podríamos haber elegido cualquiera de las canciones de Arrow, el cuarto LP, excelente por donde se lo mire -y oiga, sobre todo-. En esta joya aflojan la velocidad, se ponen sórdidos, densos y le guiñan un ojo a Ennio Morricone. La cantante podría ser una de las grandes divas de soul de los setenta, sin problemas.

Aparece originalmente en: Arrow (2012)


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Everyone's Victim
Lisa Germano

Lisa Germano toca diez mil instrumentos, ha participado en sesiones con Iggy, Bowie, U2, Simple Minds. (y la lista podría seguir un largo rato) y compone sus propias canciones. Canciones con una identidad fuertísima, con muchísima onda y unas letras que te dejan con la boca abierta. Este es sin dudas uno de los grandes temas de Happiness, su segundo álbum de estudio.

Aparece originalmente en: Happiness (1993)


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martes, 23 de diciembre de 2014

5 Canciones 5: música de películas


Witch
Goblin

La mayoría de las grabaciones de los prog-rockers italianos Goblin fueron para musicalizar películas de terror y esta joya de Suspiria no fué la excepción. En uno de los grandes clásicos de Darío Argento, alguien ingresa a una escuela de ballet para darse cuenta de a poco que detrás de la fachada se oculta algo siniestro. "Witch" es la banda sonora perfecta del infierno, con aullidos de ultratumba y sintetizadores malévolos ad hoc.

Aparece originalmente en: Suspiria (1977)

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The Look of Love
Dusty Springfield

Clásica película de James Bond con todos los lugares comunes del género. Pero con Peter Sellers y Ursula Andress. La música corrió por cuenta de la brillante dupla Hal David / Burt Bacharach. La versión de "The Look of Love" a cargo de la diva del soul inglés Dusty Springfield es motivo más que suficiente para pasar una hora y media frente a la pantalla.

Aparece originalmente en: Casino Royale (1966)


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Happy for the Poor
James Brown

El Padrino del Soul no se iba a quedar sin su propia banda sonora para película blaxploitation (drogas, putas, drogas, mafia y más drogas) a la manera de Shaft o Super Fly. Eso es exactamente lo que hace acá, pasando por el "filtro James Brown", obviamente. "Happy for the Poor" es una versión aggiornada de un simple de principios de la década. Pero funciona y a la perfección. Como casi todo lo que hacía JB en esta época.

Aparece originalmente en: Slaughter's Big Rip-Off (1973)


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Nobody But Me
Naz Nomad & the Nightmares

Acá hay trampa; la película que inventaron los Damned para hacer su disco de versiones nunca existió y durante un tiempo nadie supo que Naz Nomad & the Nightmares eran Vanian, Captain Sensible y compañía. ¿El contenido? Tremendas versiones de clásicos Nuggets de rock de garage de los sesenta. La del hitazo de Human Beinz abre el LP a pura fiesta, a toda velocidad, como para ir preparando el terreno para lo que se viene.

Aparece originalmente en: Give Daddy the Knife, Cindy (1985)


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That Woman's Got Me Drinking
Shane MacGowan & the Popes

Dirigida y protagonizada por un Steve Buscemi todavía no tan famoso, Trees Lounge tiene una banda sonora acorde a su película. Se trata mayoritariamente de standards de jazz y oldies de rock de la época pre-Beatles. Pero en el medio aparece este arrebato de furia confesional en clave punk rock, a cargo de Shane MacGowan (ex-Pogues) y su banda de forajidos. Para sacudir un poco el tedio (muy bien logrado, por cierto) del film.

Aparece originalmente en: Trees Lounge (1996)


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domingo, 24 de octubre de 2021

5 Canciones 5: Prince, Nancy Sinatra, Sponge, Naked Eyes y The Cult


Temptation
Prince

"Sex!... Temptation!" Todo eso arriba de un riff de guitarra podrídisimo, macabro, cuando de repente aparece ese otro motivo, el que se mantiene en las estrofas del tema. Medio perverso, sucio y cargado de violencia sexual. ¿Es un theremin eso que suena ahí? Algún fan de Prince podría aclararlo rápido. El sonido de batería, totalmente anclado a una década, en este caso particular, termina jugando a favor del conjunto.

Aparece originalmente en: Around the World In a Day (1985)

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What I'd Say
Nancy Sinatra

Creo que este disco es la banda sonora de un especial de televisión que se hizo, con Nancy Sinatra como protagonista. Lo cierto es que tiene varios temas que no están en otros LP y termina siendo una adición importante a su discografía. En su momento algunos se burlaban y decían que ella no podía cantar. Habría que pegarle una escuchadita a esta tremenda versión del super clásico de Ray Charles. Por cierto, la banda vuela, a varios centímetro del suelo.

Aparece originalmente en: Movin' With Nancy (1967)


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Molly
Sponge

Una banda olvidada hoy en día, pero en su momento, los dos primeros discos tuvieron su trascendencia. Rotting Piñata y Wax Static (el segundo LP de estudio) tenían sus fans y entre ellos gente como Howard Stern, que pasaba este tema en su programa y se encargó de hacerlos llegar a muchos oyentes. Es un temazo. Hay gancho, agresión, melancolía. ¿Canción perfecta? ¿Por qué no?.

Aparece originalmente en: Rotting Piñata (1994)

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Could Be
Naked Eyes

One hit wonders, en todo sentido, de acá a la China. El hit en cuestión era una versión del clásico de Burt Bacharach y Hal David "Always Something There to Remind Me". Tremenda versión, hit merecido. Pero eran un poco más que eso. El primer disco del dúo británico es un muy buen exponente de lo que algunos llaman synth-pop y este es uno de los grandes temas, con una voz que recuerda un poco a Marc Almond, de otros pioneros del género; Soft Cell.

Aparece originalmente en: Naked Eyes (1983)


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Sweet Soul Sister
The Cult

Uno que viene desde la infancia, esto fue lo primero que escuché de The Cult y junto a Love y Electric me parecen los discos a atesorar de la banda. Acá Ian Astbury hace su interpretación de Freddie Mercury, recubierto de guitarras chirriantes, grabado sin escatimar un centavo, apuntando sin tapujos al mercado yanqui, a un sonido enorme, de estadios.

Aparece originalmente en: Sonic Temple (1989)

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viernes, 5 de diciembre de 2025

Dionne Warwick - Anyone Who Had a Heart

Algunas personas pueden llegar a pensar que esto es música, digamos, liviana, pasatista, sin profundidad o el adjetivo o forma de describir que quieras. No es mi caso y no creo que sea el caso de varias de las personas que pueden llegar a leer esta publicación.

Para hablar de Dionne Warwick si o si hay que hablar primero de la dupla compositiva Burt Bacharach / Hal David. Responsables de gran parte de las canciones que grababa. Sí, era un producto, algo que hace que algunos corran espantados. Un producto al que se le ponía muchísima atención, oficio, onda y calidad. Tomemos tres de las canciones

1) "Don't Make Me Over": tiene una forma de ir generando el suspenso que es propia de gente con mucho conocimiento de causa, las cuerdas van generando una tensión que se libera un poco cuando llega el pre-estribillo. Cuando ese estribillo finalmente aparece es un estallido sensorial. Esto da por tierra con eso de "liviano", de inmediato

2) "Oh Lord, What Are You Doing to Me": tema delicadísimo, reposado, tiene la vibra de las canciones brasileñas de principios de los sesenta, hay una influencia palpable. Con una leve diferencia, hay tensión, está ahí, latiendo. Después de la parte instrumental, a cargo de unas cuerdas bien agudas, aparece una especie de coda en donde el tema muestra otra faceta, aumentando el nivel de intensidad y tristeza, justo como para redondear la letra, el sentimiento de incertidumbre.

3) "I Could Make You Mine": otro que se va guardando la intensidad, aunque en este caso en seguida se muestra que la tormenta o el crescendo orquestal va a aparecer. Acá la diva pela unas notas altísimas, inalcanzables, casi al final del disco. Conclusión, no eran fillers, se laburaban las canciones y se armaban los LP con un cuidado y atención al detalle no tan habitual para la época, vale decir que esto coincide con los primeros discos de los Beatles.

Schmaltz, easy-listening, hay varios términos que se usan para clasificar este tipo de música. Más bien para perjudicarla se podría decir, ya que no faltan quienes salen espantados ante la sola mención de esas palabritas. Se pierden de algo muy valioso. Dionne Warwick hizo al menos diez discos muy valiosos junto a la dupla mencionada, tenía muchísimo éxito a nivel mundial y es entendible. Te puede servir para acompañar una cena romántica, una mañana soleada en soledad o servir de música de fondo en un restaurante. O simplemente para disfrutar de sus virtudes musicales, que son varias.





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Chequear también:
Dionne Warwick - Make Way for Dionne Warwick
Dionne Warwick - Here, Where There Is Love
Dionne Warwick - Very Dionne




miércoles, 3 de marzo de 2021

Joe Tex - From the Roots Came the Rapper


Este sí que las peleó a todas. Venía batallando seriamente desde mediados de la década del cincuenta, recién pudo asomar la cabeza -en esta época léase: tener hits- a mediados de los sesenta. Vendría a ser lo que muchos llaman “soul sureño”, una variante más sucia y menos arreglada del R&B. Pero no vamos a detenernos en estilos y etiquetas que no es lo nuestro, vamos. Mucha gente conoce el éxito por el que muchos recuerdan a Joe Tex, que es “I Gotcha”, un funk sudoroso y pegadizo que bien podría haber sido de James Brown (fueron rivales durante años), Curtis Mayfield o cualquiera de los que estaban con aquello del blaxploitation, a principios de la década del setenta.

From the Roots Came the Rapper es el disco de studio número doce de Joe Tex y es justo el que viene antes del mencionado super-hit. ¿A que viene el título? Se podría traducir como “de las raíces vino el rapero”. Simple; fue pionero en eso de los monólogos y no sólo en el escenario, también en estudio. Más tarde lo hicieron todos… Marvin Gaye, Millie Jackson y especialmente Isaac Hayes. Este último es una influencia clave (al parece era mutua) en eso de hablar antes de los temas. Un ejemplo perfecto acá sería la versión de la dupla Bacharach / David, otra coincidencia con Hayes, de “I’ll Never Fall In Love Again”, hay una intro hablada, cuando arranca la canción te lleva de los pelos, directamente. En este caso también hay monólogo en medio del tema, con flautas, cuerdas y todo ese acompañamiento lujoso, tan típico de las producciones de soul y R&B de la época. Son once minutos y fracción en total, con final a puro grito y orquesta, lo tomas o lo dejas, como suele suceder en estos casos.

Lo que sorprende en este disco es lo moderno que suena, cuanto tiene que ver con -por ejemplo- What’s Going On y todo lo que estaban haciendo tipos más jóvenes que Joe Tex, que venía de otra época y, por ende, de otra generación y otra forma de comprender la música. Otra constante en los discos del hombre de Rogers, Texas era la mezcla de temas propios con versiones. En este caso hay covers de Don Covay, Jerry Williams y otro héroe de culto que vale la pena investigar; Eugene McDaniels, quien firma el temazo con que empieza el LP, “Lovin’ Man”. Otro ejemplo, en el lado B, el primer tema es “Oh Me Oh My (I'm a Fool for You Baby)”, también con su introducción hablada, cuando entra la canción propiamente dicha, te mata, te desarma, quedás rendido. Si habrá sido calculado o no este recurso es una buena pregunta para hacerse, pero funciona y muy bien.

Un disco de culto, muy a tono con lo que se hacía en el momento, grabado y producido como los grandes exponentes del género, sin escatimar absolutamente nada. Todavía no ha sido rescatado por los revivalistas de esta era, en que todo lo que tiene más de veinte años es fetiche. Acá va nuestro granito de arena.







NO ESTÁ
para escuchar online ni YouTube ni en Spotify.







Chequear también:

Joe Tex - Spills the Beans
James Brown - Hell
Isaac Hayes - Hot Buttered Soul




miércoles, 22 de agosto de 2018

Aretha Franklin - Young, Gifted and Black


Esta es la gran música norteamericana del siglo veinte. Mientras otra música hecha en el hemisferio norte parece hecha para reclutar gente que quiere inmolarse por el petróleo (el pop manufacturado, el 90% de la música pesada actual, etcétera) existe otro universo en dónde la música está hecha por el placer de hacerla, por la nobleza de este arte milenario, por su eterna capacidad de torcer el destino y salvar vidas, a la pasada.

Podés agarrar cualquiera de los discos que hizo Aretha para el sello Atlantic, los que produjo el gran Jerry Wexler, los comprendidos entre I Never Loved a Man… del ’67 y Hey Now Hey (The Other Side of the Sky) del ’73, y escuchar la música invencible del siglo veinte, la que todavía hoy sigue influyendo a intérpretes, arregladores y compositores. No sólo de soul y R&B, de muchos géneros de música contemporánea. Son casi diez discos clásicos de los cuales hay, por lo menos, cinco indispensables.

Si le pegás una mirada a los créditos de Young Gifted and Black podés ir a parar a mil lugares diferentes. Hay una verdadera galería de invitados de lujo; Donny Hathaway toca teclados en todo el disco, las hermanas Erma y Carolyn Franklin hacen coros, Dr. John toca percusión, Al Jackson Jr. atrás de los parches, Billy Preston al hammond y la lista podría seguir un buen rato. Todos sumando para hacer un LP enorme como es este.
Young Gifted and Black se caracteriza por tener un balance perfecto entre versiones y originales, a diferencia de -por ejemplo- This Girl's in Love with You en donde son casi todos covers, en este caso el asunto está más repartido. Está el himno generacional y combativo de Nina Simone para dar título, en una versión que pone la piel de gallina, el inmortal “I've Been Loving You Too Long” de Otis Redding, en donde Aretha se las arregla para darle una nueva lectura a un tema que ha sido interpretado por medio mundo, el infaltable tema Beatle de la mano de “The Long and Winding Road” (conmovedor también) y hasta “April Fools” de la dupla Bacharach / David.

En sus originales Aretha brilla como nunca, en “All The King's Horses” se luce como cantante de gospel, creciendo de a poco y explotando como sólo ella sabe hacerlo, en “First Snow in Kokomo” entona una de sus grandes baladas lacrimógenas, sin rozar ni de cerca la sensiblería, un pecado habitual en ciertos cantantes. En “Rock Steady” se deshace en un funk sudoroso y grasiento que nada tiene que envidiarle a los grandes del género. Porque ella es uno de esos grandes. Casi está de más decirlo a esta altura.







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Chequear también:

Aretha Franklin - Lady Soul
Aretha Franklin - Spirit in the Dark
Aretha Franklin - Amazing Grace




sábado, 16 de mayo de 2026

5 Canciones 5: versiones de Dylan, pt. III


Outlaw Blues
Thin White Rope

"La mamá de Roky Erickson nos mandó una postal agradeciendo, las de Zimmerman y Osterberg no mandaron nada". Dylan e Iggy Pop vendrían a ser. Un chistecito piola de Guy Kysser (el capanga de Thin White Rope) en el librito del compilado de rarezas Spoor. Ideal para anexo a los cinco discos que grabaron en los noventa, con un sonido muy propio y díficil de clasificar. El rockito rápido y destartalado de la original acá se transforma en una pesadilla pantanosa y sórdida, con un solo de guitarra enfermo, a puro chirrido, desafiante. 


Aparece originalmente en: Spoor (1995)

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Restless Farewell
Joan Baez

El juego, la dinámica de 4/4 en las estrofas con apenas voz y guitarra, alternando con 6/8 (típico de vals) más la entrada del acompañamiento, es interesante. Igual queda casi en segundo plano. El poder hipnótico de Joan Baez y la fuerza sutil del encargado de cerrar The Times They Are A-Changin' podrían haber quedado bien de cualquiera forma. Ella seguro tenía presente el abandono (con algo de manoseo) al que había sido sometida y sin embargo acá tenés... Any Day Now, disco doble de canciones de Dylan, varias todavía inéditas. Hablamos de poner la otra mejilla... 


Aparece originalmente en: Any Day Now (1968)

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Blowing In the Wind
Dionne Warwick

Sexto trabajo de estudio de la super diva Dionne Warwick, en el año anterior a este había sacado dos discos, The Sensitive Sound... y Here I Am, la demanda era grande y la dupla Bacharach / David, responsables de escribir las canciones, trabajaba contra reloj. A lo mejor por eso en la cara B son todos covers. "Blowing In the Wind" es el encargado del cierre y hasta escucharla podés pensar que no hacía falta, que no suma. ¿Qué hacen? Muy simple, la graban como si fuese un estandard de jazz de la década anterior. Los tipos tenían clase. Y mucho olfato.


Aparece originalmente en: Here Where There is Love (1966)

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Maggie's Farm
The Walkabouts

Hacía muy poco que había hecho el corte de manga magistral que fué "My Back Pages". En Bringing It All Back Home redobla la apuesta; se puede ser anti-sistema, no ser complaciente y apelar a la metáfora, a la resignificación... y a las guitarras. El explotador le pregunta al narrador (basicamente un esclavo de estancia) si tuvo un buen día. Eso sí, con una sonrisa. Los Walkabouts lo grabaron y sacaron como single en la época del poderoso Setting the Woods On Fire y le metieron una impronta sucia, garagera, punk rocker, más oscura.  


Aparece originalmente en: Death Valley Days [Lost Songs and Rarities, 1985 to 1995] (1997)

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Absolutely Sweet Marie
Jason and the Scorchers

Uno de los cuatro o cinco temas rápidos de Blonde On Blonde. A Warner Hodges, guitarrista y Dylan-hater, no le dijeron quién era el verdadero autor de este temazo porque si sabía se hubiese negado. ¿Se habrá enojado mucho cuando se enteró? Con su atmósfera jocosa, medio jodona, les calza como anillo al dedo a los de Athens, Georgia. Le ponen un poco de pimienta punkie y le suben la velocidad al encargado de abrir Fervor, un mini-album, a medio camino entre un EP y un larga duración.


Aparece originalmente en: Fervor [mini-album] (1983)

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