5 Canciones 5: Mastodon, Piazzolla, Gregory Isaacs, Joe Jackson y Massacre

All the Heavy Lifting
Mastodon

Una de las grandes bandas en lo que va del milenio. Quizás la última en aparecer con una propuesta nueva y arriesgada. Y pegarla. Por que está lleno de gente haciendo cosas nuevas... pero no se hacen famosos. Ellos sí la pegaron. Después de una seguidilla de cuatro discos de estudio que hoy en día ya se podrían considerar clásicos, salen con The Hunter, el LP que contiene este temazo. Hay cambios de ritmo, atmósfera progresiva, psicodelia, doble bombo, machaque, mucha violencia, melodías... tienen todo lo que tiene que tener una banda actual, dentro de un género que no acepta cambios con facilidad.

Aparece originalmente en: The Hunter (2011)

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La evasión
Astor Piazzolla

La cantidad de cosas que están pasando en este temazo, encargado de cerrar la Suite Troileana... la entrada del bajo, la cadencia que aparece una vez que se introdujo el motivo principal, el freno de la batería para que aparezca el violín solista... si te gusta La Música (con mayúsculas) no podés dejar de apreciar este retazo de genialidad del más porteño de los compositores. Recién a la mitad aparece el bandoneón solista con un solo que es nostalgia, musicalidad, tristeza, dulzura. Astor Piazzolla, para ir cerrando la idea.

Aparece originalmente en: Suite Troileana (1976)

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Look Before You Leap
Gregory Isaacs

Buena cita la que aparece en el "video" de este tema en YouTube; "El reggae no es para escuchar, es para sentir. Quien no lo siente no lo conoce". Cita atribuída a Bob Marley. Y con el reggae pasa eso; o lo sentís o no. ¿Y quién mejor que el cool ruler (tal su apodo) para dar un ejemplo? Aparentemente los dos Best of de Gregory Isaacs (hay un Volume 2 en el '81) no son compilaciones sino discos de estudio hechos y derechos con canciones nuevas. ¿Estrategia de marketing o mareo canábico?

Aparece originalmente en: The Best of Gregory Isaacs (1978)

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Real Man
Joe Jackson

Cuando apareció lo metieron en la bolsa de los angry young man, junto con Elvis Costello, Graham Parker, etc. La verdad es que musicalmente andaba cerca, pero para su tercer disco ya se notaba que sus horizontes no tenían límites. En este mismo disco aparece "Steppin' Out", uno de sus grandes temas pero esta es una balada de piano en donde Joe Jackson sigue con su lengua afilada y sus verdades escupidas a los cuatro vientos. Había más que cuatro o cinco acordes en el tipo que escribió "Is She Really Going Out With Him?" en Look Sharp!, del '78.

Aparece originalmente en: Night and Day (1982)

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Sofía, la super vedette
Massacre

Parte de la segunda oleada de punk argentino, los Massacre también eran (¿eran?) de esas bandas que nunca estuvieron cómodas con las clasificaciones y los guetos. Quinto disco de estudio, Walas queriendo CANTAR con todas las letras, bajo un colchón de sintetizadores, por ahora ni un rastro de guitarras. Por supuesto, van a aparecer... tranquilos. "Hoy por fin entregó su corazón... y sus ojos... y sus piernas... las que todo el mundo sueña". En cuatro minutos hay un buen puñado de ideas bien puestas. En busca de la canción perfecta. Apareció.

Aparece originalmente en: 12 nuevas patologías (2003)

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Disco del Mes: Loleatta Holloway - Cry to Me

Loleatta Holloway
Cry to Me
1975









Aware

Laghonia - Etcétera

Lo primero que se escucha es un tema que podría haber estado en infinidad de discos de principios de los setenta, esos del período de transición entre la psicodelia y el rock progresivo o sinfónico. Una base sólida y bien pegada, un hammond que parece que el que lo toca se quedó pegado a las teclas y voces en armonía a lo largo del tema. El segundo se llama “Mary Anne” y ya tiene mucha más personalidad, es algo más propio, digamos. Empieza hipnótico y somnoliento, con unas voces al estilo Beach Boys que marean y endulzan, de repente corta y a otra cosa, a otra dimensión, despegue interplanetario. Unas congas anuncian el cambio de ritmo y la banda sale con un clima que podría haber estado cómodo en un disco de Santana, para terminar con un riff podrido que parece sacado de la pluma de Tony Iommi, de Black Sabbath, por si recién venís de Saturno.

En general a las bandas que no cantan en su lengua natal las descarto casi de inmediato, y más si son sudamericanas. Hubo gente que se reventó la cabeza contra la pared para hacer una música en su idioma. Soportando morirse de hambre, que se les cagaran de risa y demás penurias. Los Laghonia son de Perú. El disco me llegó hace poco, los dos LP de estudio que hicieron (están hechos a fines de los sesenta, principio de la década siguiente) se reeditaron hace unos cuatro o cinco años y yo ni los había sentido nombrar. Además la tapa de Etcétera, el segundo, es sencillamente espectacular, ineludible. Lo ví y sentí curiosidad en seguida.

¿Y la música? ¿Se banca la historia, el verso extra musical? Sin duda alguna. Hasta tiene su tema polémico, de la mano de “I'm a Niger”, tercer tema, cuya letra dice algo así como “soy un negro, todo el mundo odia mi raza ¿dónde está mi gente? No tengo a nadie”. No creo que sea una banda que le haya dado importancia a la parte de las letras, pero viniendo de una banda de Perú, que cantaba sus temas en inglés, es llamativo, como mínimo. Después está “Everybody On Monday” que bien podría haber entrado en cualquiera de los dos primeros de Badfinger, suenan bastante parecido y por lo visto la banda más trágica de todos los tiempos tenía varios seguidores en la tierra del Machu Picchu. Otro temazo es el primero de la cara B, “Lonely People”, ganchero, con varios cambios y con su parte pesada ad hoc. Claramente los Laghonia eran de esas bandas que ponían énfasis en el trabajo de las voces y a los arreglos, sobre todo en lo que a teclados se refiere. No faltará quien los encuadre dentro de la etiqueta pop barroco, al mejor estilo The Left Banke, aunque sería algo injusto en este caso.

Etcétera, segundo y último LP de Laghonia, no es de esos discos que necesitás sí o sí, es más bien una adición valiosa para los que (vamos a admitirlo) ya no sabemos qué escuchar. Si te gusta la música de este período tan interesante de la historia de la música rock/pop te va a servir. Los temas están muy bien hechos, el sonido y la grabación tienen una calidad sorprendente.  ¡Y hasta podés cancherear contando que eran peruanos!

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Chequear también:
Traffic Sound - Virgin
We All Together - ídem (1er. LP - 1972)
Laghonia - Glue

5 Canciones 5: T.S.O.L., John Mayall, Tyrone Davis, Ike & Tina Turner y Adam Ant

Silent Scream
T.S.O.L.

Junto con los Dead Kennedys fueron uno de los primeros grupos punk de California, al menos de los pocos que llegaron a dejar un registro discográfico, muchos ni llegaban a grabar. Inspirados por el costado gótico de Dave Vanian y los primeros Damned, salen a la pista con esta maravilla de punk-gótico-surfer, y ya que estamos inventamos un género, como para dar alguna pista del sonido de "Silent Scream".

Aparece originalmente en: Dance With Me (1981)

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Marriage Madness
John Mayall

A fines de los sesenta y principios de la década siguiente todo el mundo estaba tácitamente obligado a hacer un disco doble. Y si era con un concepto medio ambicioso por detrás, la cosa tenía otro color. John Mayall no pudo resistir la tentación y, como por su banda ya habían pasado diez mil músicos, su "concepto" se caía de maduro; invitarlos a todos. El libro del LP original es un verdadero álbum de fotos de la aristocracia rockera de aquel entonces. Acá Mick Taylor hace unos solos que cortan el alma, bien bluseros, por supuesto.

Aparece originalmente en: Back to the Roots (1971)

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I Can't Make It Without You
Tyrone Davis

Funk, a bailar se ha dicho, a llenar la pista. Nunca el soul y el R&B fueron tan ricos como en esta época, atiborrada de talentos y tipos que, sin ser tan famosos como las estrellas del género, dejaron unos discos memorables. Tyrone Davis es uno de esos, sin duda. Sus primeros cuatro o cinco discos son una muestra perfecta de esto; grandes trabajos de estudio que no son tan famosos como ciertos clásicos. Y no por falta de méritos. La competencia era muy grande.

Aparece originalmente en: It's All In the Game (1973)

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Desperate But Not Serious
Adam Ant

¡Qué grande Adam Ant! Suelen gastarlo en series y películas por haber sido un one hit wonder. En realidad es bastante más que eso. Se había armado un verso grande el tipo. Tenía los trajes de pirata, la imagen, los videos divertidos (este tema sería un caso, con el ring de boxeo, etc.) y la música, pegadiza al máximo. Esto sólo pudo haber pasado después del "mezclar y dar de nuevo" que significó el punk rock. No faltan los que dicen que lo más valioso del punk fue, precisamernte, lo que vino DESPUÉS. Pero no nos vayamos por las ramas. TEMAZO.

Aparece originalmente en: Friend or Foe (1982)

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Ooh Poo Pah Doo
Ike & Tina Turner

Venían remando desde hacía rato estos dos, mucho antes de las giras con altísimo perfil, la exposición masiva, el reconocimiento de las revistas y los carteles compartidos con los Stones. Este temazo aparece en uno de los tres o cuatro grandes discos que hicieron en el punto cúspide de fama del dúo, que tarde o temprano iba a desintegrarse pero ese es otro asunto. Ike llevaba las riendas y Tina la rompía en escena, con una presencia escénica poderosa,  llena de sangre, sudor y lágrimas.

Aparece originalmente en: Workin' Together (1970)

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Video de la Semana: Throwing Muses - Not Too Soon

Salían por el sello 4AD, es decir que eran compañeros de Cocteau Twins, The The, This Mortal Coil, Pixies, etcétera. Sin embargo no son tan recordados.

Ah, cierto! Son minitas!

De The Real Ramona, del '91.

PJ Harvey - Let England Shake

Tardé un montón en poder sentarme a escuchar Born in the USA de Springsteen. La bandera en la tapa, esa bandera precisamente, la canción que le da título (que ya conocía, como casi todo el mundo) la melodía marcial, la entonación patriotera, los videos jugando al beisbol y así podría seguir un buen rato. Después me enteré que El Jefe en realidad estaba haciendo una crítica pero igual… el estribillo dice “nací en Estados Unidos” y no “está todo podrido” o “era todo mentira”. Para la discusión eterna.

PJ Harvey nunca me dijo demasiado, sus discos clásicos me parece que están bien pero no mucho más, entiendo el chiste aunque no es música que defendería a capa y espada. Pasaron los años y de repente… White Chalk. En el 2007, con más de veinte años de carrera saca un disco de la galera que nadie esperaba. Tampoco es que lo escuchó mucha gente pero todavía está ahí, para quien quiera oir que oiga. Cuatro años después sigue la saga con este disco, Let England Shake y pensé algo del tipo “no, no otra vez”. ¿No podía ser alguna metáfora en vez del nombre de su país en la tapa? Ya peinaba algunas canas y pensé en dejar de lado mis prejuiciosos. Bien que hice. Este es otro disco actual, moderno, relevante, interesante y desafiante.

La temática, en vez de ser una cuestionable declaración de orgullo nacional, es un grito de alarma. Como cualquier persona con dos dedos de frente, Polly Jean observa impávida el viraje mundial hacia una nueva derecha, el avance del fascismo, vamos, digámoslo con todas las letras. Y pinta su aldea, como buen cronista. Empieza con “Let England Shake”, que podría haber sido un tema de acid-folk de la primera mitad del setenta (Fairport Convention, Spirogyra, etcétera) y dice que su país está “aplastado por una muerte silenciosa, me temo que la sangre no va a hervir otra vez, los días de bailar quedaron atrás y me dicen que ganó la indiferencia”. Elocuencia admirable. La música de Let England Shake no podría ser más adecuada, es angustiante, asfixiante, los temas proponen climas de desesperación, de encierro, apelando a recursos innovadores, sin dejar de ser un disco de rock de guitarras. Hay que escuchar como canta en “On Battleship Hill” para ver a alguien creciendo en público con audacia… y gracia.

Hablar de las canciones de manera individual no tiene demasiado sentido, esto funciona como un concepto, una totalidad, casi te obliga a escucharlo entero, una práctica casi olvidada en días de “toco y me voy” livianito. El avance imparable del fascismo más rancio e ignorante es algo que puede vivirse a diario. Algunos optan por cruzarse de brazos e indignarse antes las noticias de la TV. Otros decicen hacer algo al respecto. Música en este caso.







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Marissa Nadler - Songs III: Bird on the Water
PJ Harvey - Stories from City, Stories from the Sea
Sharon Van Etten - Tramp

5 Canciones 5: Marius Müller-Westernhagen, Billy Bragg y Wilco, The New Birth, Marsupilami y Dave Mason

Herr D.
Marius Müller-Westernhagen

¿Punk rock alemán al mejor estilo Die Toten Hosen? Puede ser, pero esto es varios años antes de Campino y compañía. Un verdadero personaje de la música popular alemana, a diferencia de mucho pop y rock hecho en su país, siempre cantó en aleman. Ya llevaba varios discos para la altura de Stinker, que es su sexto LP de estudio. Bien podría haber sido un tema de los Dr. Feelgood más sacados e hiperquinéticos.

Aparece originalmente en: Stinker (1981)

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Hesitating Beauty
Billy Bragg & Wilco

Una de las alianzas más fructíferas de las últimos años, con un propósito claro, bien definido. Wilco y Billy Bragg... un sólo corazón. Acá canta Jeff Tweedy y se nota a la legua, esa onda "recién me despierto y todavía me estoy sacando las lagañas". Les dieron una caja llena de letras de Woody Guthrie a las que había que ponerles música. "Hesitating Beauty" no tiene edad. Podría haber sido grabada ayer o hace sesenta años. Un mérito no menor, digamos.

Aparece originalmente en: Mermaid Avenue (1998)

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Theme from "Buck & the Preacher"
The New Birth

Película de los setenta, mucho bigote, policías y persecuciones en autos irrompibles. Los New Birth son una banda de Detroit de soul y R&B de los que hoy no se acuerda nadie. Y no por falta de calidad musical, vale aclararlo. Esto está a la altura de cualquiera de los grandes temas de Superfly, por citar sólo un ejemplo. La flauta parecía estar de moda en aquellos años en que esta música tuvo su apogeo. Ritmo, groove, onda, funk. Para mover un poco el culo con una música de alto vuelo.

Aparece originalmente en: Birth Day (1972)

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Time Shadows
Marsupilami

Y hablando de flautas... Y no sólo flautas; armónica alla Morricone, órgano hammond, riqueza instrumental, un poco de virtuosismo bien entendido. Como en la mayoría de los grandes temas de prog-rock, necesita más de diez minutos para ir creciendo, desarrollarse y desplegar su alfombra roja de esplendor musical. Aproximadamente a los cinco minutos entra en una sección de jazz que es oir para creer, climática, oscura, moderna... entre Miles Davis y Soft Machine. Tiene todo lo que tiene que tener y puesto en su justo lugar. Segundo y último LP de estudio de los ingleses.

Aparece originalmente en: Arena (1971)

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Look at You Look at Me
Dave Mason

Traffic no podía durar nunca. Demasiados cocineros siempre te arruinan el guiso. Mucho talento, varios compositores... estaban destinados a pelearse en algún momento. Dave Mason no fué tan exitoso como Steve Winwood. aunque estuvo muy cerca. En un momento estaba en la cima, como lo muestra la tapa de su debut como solista. "Look at You..." es uno de los grandes temas del disco. Tiene gancho, un puente hermoso e inesperado, un falsetto canchero y unos arreglos bien pensandos. Extraordinario solo de guitarra, por cierto.

Aparece originalmente en: Alone Together (1970)

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5 Tapas 5: Starry eyes

Con: Big Star, La Renga, David Bowie, Neil Young y The Jesus and Mary Chain

Robert Plant and the Strange Sensation - Mighty ReArranger

Robert Plant. “Percy” para los amigos. Otro que las hizo a todas. La década del setenta que vivió debe haber sido equivalente a cuatro o cinco vidas normales. Sobrevivió relativamente intacto para contarla. El que casi siempre se negó a reunir Led Zeppelin, rechazando una buena tonelada de billetes para seguir con su credibilidad artística inmaculada. Escuchando un disco como Mighty ReArranger surgen algunas teorías con cierto asidero ¿Para qué reunir una banda y tocar temas viejos si lo que está haciendo es continuar con el espíritu? Manteniendo viva la llama. Esto sería la continuación natural de Physical Graffiti para el siglo veintiuno, salvando las distancias lógicas.

Es sabido; envejecer te puede hacer más sabio o más boludo y la de Plant es, sin duda alguna, la primer opción. Deja de lado una buena cantidad de tics vocales que todo el mundo conoce, sigue gritando y es un aullador de primerísimo nivel, pero su voz suena más madura y menos excesiva. Si agarrás cualquiera de las canciones de este disco (o de Dreamland, el excelente antecesor) podés trazar una línea imaginaria, una evolución clara.

El groove, la textura, el clima que se plantea en las canciones, esas son las variables fundamentales. Un buen ejemplo es “Tin Pan Valley”, cuarto tema, la atmósfera siniestra no hace más que presagiar la tormenta que está a la vuelta de la esquina. Cuando el estallido sucede parece como si el tiempo no hubiera pasado para Plant... y/o para Led Zeppelin. Es la relectura perfecta de lo que debería estar haciendo un tipo que dejó un legado inmenso, influenciando a millones, actualizándose para las nuevas generaciones y sonando más renovado que varios que ni habían nacido cuando él ya estaba pegando sus primeros alaridos discográficos. “All the King Horses” es Led Zeppelin III para la generación del nuevo milenio. Acústico, despojado de todo artificio, es el sonido de alguien que vivió, atravesó por todos los altibajos de sus compañeros de generación y decidió volver al juego con la frente bien alta. No faltan quienes dicen que un músico deja de ser relevante cuando deja de prestar atención a lo que sucede a su alrededor. Plant lo confirma. Siempre inquieto y curioso, como si tuviera como mínimo veinte años menos, siguió incorporando influencias y haciéndolas formar parte de su música, de forma natural, fluída. Incluso hay algún flirteo con la música electrónica, cosa que hizo que más de un fan ortodoxo se alejara, corriendo despavorido.

Vale recordar que dos años después de Mighty ReArranger, salió al ruedo con Rising Sand, con Alison Krauss, en otro cambio inesperado y hábil en su carrera. Un disco acústico, con una cantante de bluegrass, que lo llevó a ampliar todavía más su base de fanáticos y cosechar un éxito casi unánime de críticas. Otra historia que nos queda pendiente.







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Chequear también:
Led Zeppelin - Houses of the Holy
Robert Plant - Fate of Nations
Robert Plant and the Sensational Space Shifters - Lullaby and... the Ceaseless Roar

X - Universal Corner

Es el riff de guitarra la clave. Esos cuatro acordes. Más o menos los mismos de siempre. De hecho se puede decir que los tres primeros discos de X están hechos a partir de riffs de guitarra. Por ahí leí que John Doe compuso las canciones que llenan los dos primeros con el bajo (todavía no tocaba la guitarra) y que Billy Zoom tuvo cierta libertad para dar rienda suelta a sus inflencias rockabilly.

Ideal para tocarlo arriba, una de las formas de estudio más efectivas a la hora de aprender música. Cualquiera puede tocarlo, pero hacerlo con cierto feel, onda o como se le quiera llamar no es tan sencillo.

Tiene algunos cambios de acordes además del riff principal, que es el que se repite a lo largo del tema, parece que a los X no les importaba tanto la musicalidad sino más bien llevar los temas a un lugar inédito. Los coros de Exene Cervenka son la marca registrada de la que podría considerarse la primer banda punk de Los Angeles.





Se puede escuchar online acá.

Encontrala originalmente en:
Segundo LP de estudio. Para muchos en los dos primeros de X está todo lo que la banda tenía para decir y tiene cierta lógica. Para mi Under the Big Black Sun es un discazo también, después es otra historia, diferente. Ahora sacaron disco nuevo y están dando que hablar.
Wild Gift (1981)

5 Canciones 5: Quinteto de Hernán Oliva, Wilson Pickett, Stereolab, Japan y Manfred Mann's Earth Band

Salón rosado
Quinteto de Hernán Oliva

Practicante de un estilo de jazz que ya hacía por lo menos veinte años que se consideraba anticuado. Sería algo así como el jazz que suena en la mayoría de las películas de Woody Allen. Con algo de ragtime, ese ritmo bien marcado y definido, el Quinteto de Hernán Oliva -y su violín mágico- podría considerarse pionero en eso de mirar atrás y decirle "no" a la modernidad. La tapa del disco la hizo el gran Hermenegildo Sábat.

Aparece originalmente en: El paso del tigre (1975)

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She Said Yes
Wilson Pickett

Para la altura de Right On, su décimo disco de estudio, ya era un veterano con experiencia y las había hecho a todas. Un verdadero gigante de la música popular del siglo veinte, ya no tenía tanto éxito como en la década anterior pero su integridad artística estaba intacta. Hacía discos redondos (en todo sentido) como Hey Jude, Don't Knock My Love o el excelente Pickett in the Pocket, del '74. Esta música ha sido imitada hasta el hartazgo, nada mejor que ir a las fuentes, a los originales, como decía Lennon; a la cosa real.

Aparece originalmente en: Right On (1970)

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Feel and Triple
Stereolab

Hipnosis auto-inducida. Sería una buena descripción breve de Stereolab, a eso se han dedicado, basicamente, siempre. Pero "Feel and Triple" tiene algo distinto, diferente a lo que uno suele esperar de un tema de ellos, aunque mantiene la impronta, el sello de una banda que ha sabido inventar un sonido y una estética, mezclando de manera hábil las influencias correctas y, hay que decirlo, poco habituales.

Aparece originalmente en: Margerine Eclipse (2004)

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Canton
Japan

Justo el otro día leía una entrevista a David Sylvian en la que minimizaba de manera despiadada, la importancia de la música que hizo con su grupo antes de ser solista, Japan, por supuesto. Debe haber sido una muestra de humildad porque hicieron al menos tres discos indispensables y este es uno de ellos, seguro. Tiene algo de mirada turística si se quiere, de colonialismo cultural, pero lo que intenta transmitir lo logra y es una atmósfera enrarecida, un clima siniestro en medio de unos arreglos de neto corte asiático. Instrumental. Temazo.

Aparece originalmente en: Tin Drum (1981)

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No Guarantee
Manfred Mann's Earth Band

Ponerse a resumir la carrera de esta gente es una tarea tan ardua como inutil. Ahí tenés wikipedia o google para quienes estén interesados. Lo cierto es que hicieron de todo, vienen de la época de los Beatles, eran muy exitosos en los sesenta, cambian de nombre e integrantes, de sonido. Siguen teniendo éxito versionando a Dylan y a Springsteen. Para la época de Chance ya había pasado el punk y las reglas se habían modificado para siempre. Los tipos se adaptan a un nuevo sonido. Y lo hacen bien. ¿Alguien dijo The Wall?

Aparece originalmente en: Chance (1980)

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Video de la Semana: Rory Gallagher - A Million Miles Away

Si Rory Gallagher no hubiese nacido en Irlanda, sería tan conocido como Clapton, Peter Green o cualquiera de los grandes guitarristas de blues-rock.

Esta joya aparece en su quinto LP (cuarto si no contamos Live In Europe) el extraordinario Tattoo, del '73.

Disco del Mes: The Phoenix Foundation - Fandango

The Phoenix Foundation
Fandango
2013









Memphis Industries

Neko Case - Middle Cyclone

A ver si coincidimos; la música que escuchamos entre los quince y los veinticinco años es la que uno recuerda toda la vida. Después tenés dos opciones; seguir incorporando o vivir de recuerdos. Es comprensible, después viene la familia, el trabajo y el tiempo que hace falta para el consumo y digestión desaparece. Cuando te diste cuenta ya está, te quedaste, te olvidaste. Más de una vez tuve la discusión de por qué escucho música que no me corresponde generacionalmente y he tratado de no burlarme. Porque me gusta mucho la música, simple, todavía me conmueve y sacude los cimientos y, con cuarenta recién cumplidos, sé bien que es una forma de mantenerse sano ante un mundo que hace todo lo posible por volvernos locos. A todos, sin excepción.

¿Qué tiene que ver Neko Case en todo esto? Bastante, en realidad. Mi generación, que creció en medio de la aparición y masificación de Internet, se va volcando de manera indefectible a una apatía generalizada tan extraña como llamativa. No falta el que te dice que la música actual "no vale nada" o cosas por el estilo, cuando sabés que el último disco que escucharon es Nevermind de Nirvana, por nombrar uno que sí soportó el despiadado paso del tiempo. No faltan los que califican -por ejemplo- a los Beatles como “música vieja” y después sabés que escuchan Black Sabbath, que aparecieron apenas unos años después que los de Liverpool. La verdadera música, la que va a quedar de acá a cien años (o doscientos o mil, si es que todavía quedan rastros de la humanidad) es la que soporta el tiempo, la que va sobreviviendo al decantamiento. ¿Quién puede decir que Who's Next es música “vieja”? Hay que estar loco. ¿Qué queda para Beethoven o los clásicos? ¿Sería música de la prehistoria o algo así? Vamos viejo…

Vuelta a Neko Case. Ella es un diamante. Y no podemos apelar a aquello de “diamante en bruto” porque está bien pulida esta joya. Las inferiores las hizo en el punk rock. Como tantos otros que están haciendo una música trascendente en el siglo XXI. Se puede escuchar “Never Turn Your Back On Mother Earth”, su oda ecólogica que podría encasillarla en neo-hippie o alguna pavada de esas, pero la música habita en un planeta propio. Esto es novedoso, incluso para los que todavía ponen ese tipo de frenos. Todavía hay gente que pretende originalidad o grandes hallazgos en todo lo que escucha. También puede haber otras virtudes además de esas. Salir del corazón por ejemplo, ser honesta, sincera. Eso lo tiene Neko Case. Escribe sus propias canciones, canta como los dioses y arma unas bandas con músicos buenísimos. Middle Cyclone es su quinto disco de estudio y tiene unas canciones que son oro puro.

Muchos se quejan de que ya no aparecen “bandas grandes”, de que no hay un nuevo Soda Stereo y no, eso ya no va a pasar porque la industria de la música cambió y para siempre. Ningún sello va a pagar una doble página publicitaria en un medio masivo, que sería un buen ejemplo de cosas que hacen falta para hacer que una banda sea “grande”. La pregunta sería ¿la necesitamos a esa nueva banda? Con música como la de Neko Case la respuesta… está soplando en el viento.







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Chequear también:
Neko Case - The Tigers Have Spoken
Joanna Newsom - Have One On Me
Case / Lang / Veirs - ídem [1er. LP - 2013]

5 Canciones 5: Howard Jones, The Four Tops, Peter Murphy, David Bowie y Bliglietto per L'Inferno

Equality
Howard Jones

Uno de los capos y pioneros de lo que se conoce como pop de sintetizadores -o synth-pop- y un temazo de su disco debut. A diferencia de Depeche Mode o Soft Cell, cínicos e influenciados por el descreímiento que trajo el punk, Howard Jones tenía una cosa más humanista en las letras y el concepto general, acá hace referencias a la crisis del apartheid en Sudáfrica. A bailar, pero a conciencia.

Aparece originalmente en: Human's Lib (1984)

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No Sad Songs
The Four Tops

Tuvieron una verdadera seguidilla de éxitos en la década anterior. Pero lejos de quedarse en el molde, se dejaron influenciar por lo que pasaba a mediados de los setenta en la música soul y R&B. Funk. Base firme, con esos bajos que son una muestra de habilidad y buen gusto. Lo mismo que hicieron los Temptations; un lavado de cara a nivel sonoro. Atención al solo de guitarra bien gomoso que aparece pasando los tres minutos.

Aparece originalmente en: Meeting of the Minds (1974)

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Roll Call (Reprise)
Peter Murphy

Otro que supo moverse, avanzar, salir del lugar cómodo. Siempre con criterio y con una coherencia asombrosa. Bauhaus fue una pincelada de genialidad pero... ¿a dónde iban a ir a parar después de Burning from the Inside? Este temazo es de su tercer LP como solista. Cuando pensás que viene el solo de guitarra, el tema va a parar a la dimensión desconocidad. O mejor dicho a un clima de música oriental extraordinario. Siempre dentro del formato canción, pero expandiendo un poco las fronteras. Temazo.

Aparece originalmente en: Deep (1989)

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Cygnet Committee
David Bowie

Primero salió como David Bowie a secas, más tarde se volvió a editar como Space Oddity, por el tema que cualquiera que habita este mundo debería escuchar al menos una vez. Este milagro musical es la oda al viaje interestelar del Mayor Tom. Acá Bowie todavía estaba tanteando el terreno, probando y viendo qué tipo de artista quería mostrar, cómo iba a pararse frente a un público que todavía no tenía. La genialidad ya estaba, como lo demuestra esta balada alucinógena de casi diez minutos de duración.

Aparece originalmente en: David Bowie [mas tarde relanzado como 'Space Oddity'] (1969)

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L'amico suicida
Biglietto per L'Inferno

Es sabido que los italianos tienen (¿o tenían?) una predilección por el rock progresivo / sinfónico. Había bandas buenísimas (PFM, Le Orme, Banco del Mutuo Soccorso, entre otros) y marcianos como Van der Graaf Generator eran muy apreciados en la península. Lo hacen a su manera, por supuesto. Con identidad y -algo fundamental- en su idioma. Esta bestialidad diabólica aparece al final del único disco de Biglietto per L'Inferno. Te lleva a lo profundo del abismo, te transporta de inmediato, con un millón de ideas musicales bien pensadas, a las que no se le notan las costuras. Cosa que a veces pasa en el género.

Aparece originalmente en: Biglietto pel L'Inferno (1974)

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