Atrás Hay Truenos - Bronce

Sintetizadores que van entrando de a poco, colchones y capas de teclado, el sonido crece de a poco, llama la atención la calidad y las decisiones que se han tomado a la hora de grabar, el disco suena, suena fuerte, gordo, compacto. Ritmo de batería irregular, raro, rengo, perdido, Brian Eno, Spacemen 3, el kraut-rock alemán, la voz fantasmagórica… todo eso en apenas unos segundos. Así empieza “Bronce”, el primer tema y el que da título al tercer disco de Atrás Hay Truenos, con un torrente de referencias sonoras y una personalidad que se termina de definir hoy y para siempre.

La banda es de Neuquén, como cualquiera sabe, no es muy frecuente que una banda del Sur de Argentina llegue a oídos masivos, probablemente eso nunca suceda, pero ese es otro tema, los tipos se mudaron a Buenos Aires porque ahí es donde Dios tiene sus oficinas.

Capacidad de abstracción. Las letras de Bronce muestran una banda capaz de hacerlo, de irse, de volar un poco, poesía, cuelgue, más de una vez parece que las palabras obedecen más a una urgencia sonora que a un relato. De cualquier modo, quedan bien, complementan la música de una forma novedosa. ¡Qué disco Bronce! Todo lo que habían prometido con los dos primeros se hace realidad en este tercer larga duración. Si los dos primeros mostraban a una banda de guitarras queriendo ser una especie de Sonic Youth modernos, este marca un nuevo rumbo; acá no es tan fácil detectar las influencias y se puede decir que Atrás Hay Truenos hizo su primer disco grande, su primer clásico. En la época en que ya no hay discos clásicos, pero eso a nosotros no nos importa.

A veces suenan como Las Pelotas, como si la banda del Oeste no hubiese dejado de escuchar música actual hace siglos, “Río Negro”, “Encuentro”, son canciones sin fecha de vencimiento, pertenecen a nuestros tiempos, indudablemente, pero podrían haber sido hechas en la Escocia de fines de los setenta. Esto tiene personalidad, mucho carácter y eso vale su peso en oro.

Cuando una banda logra lo que suena en Bronce es porque los planetas se están alineando, lo que viene de ahora más no puede ser menos que auspicioso. A esperar se ha dicho.







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Crowded House - Farewell to the World

Debe haber pocas personas en el mundo que no conocen temas de Crowded House. Muchos no saben que el tema es de ellos pero ese es otro asunto. Cualquier persona de entre veinticinco a sesenta años ha escuchado, y más de una vez, tres o cuatro temas de ellos. Si encima se tiene en cuenta el hecho de que la banda viene de Melbourne, Australia, el asunto es más sorprendente todavía. Los países del hemisferio norte siempre miraron con cierto desdeño a los oceánicos y recién en los últimos años esto se está revirtiendo.

De vuelta a la banda de los hermanos Finn, vale recordar que ellos ya tocaban en una banda excelente y hoy en día se podría decir “clásica”, nada menos que en Split Enz, banda de rock artista (¿o por qué no “autista”?) que hizo al menos cuatro discos esenciales, siendo True Colours un LP indispensable, el que tiene el primer gran hit de Neil Finn, “I Got You”, de 1980.

Es en Crowded House, cuyos miembros en realidad eran casi todos neozelandeses, cuando Neil Finn ya dominaba magistralmente el oficio de componer canciones. Canciones pop bien entendidas, con herencia beatle pero adecuadas a su momento histórico, sin fecha de vencimiento, con letras inteligentes, con una musicalidad envidiable y una simpleza solo aparente, ya que nunca falta el “chiste musical”, el acorde raro y el arreglo inesperado en los temas de ellos. Farewell to the World es, ni más ni menos, el clásico grandes éxitos en vivo, con alguna que otra sorpresa adjuntada para hacerlo un poco más vendible. Es doble así que no falta nada, están todos los hits (todos, sin excepción), hay alguna que otra rareza, temas olvidados de los discos clásicos y también de los más actuales. Como detalle vale mencionar que está grabado en la Ópera de Sydney, con un público que está claramente del lado de ellos, son uno más, se nota que están disfrutando y la banda también.

Si Crowded House ha formado parte de las listas de ciertas FMs edulcoradas para centros de ski y hoteles chetos no es culpa de ellos. El pop perfecto merece masividad absoluta… a pesar de que nadie sabe cómo se llama el cantante.








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Split Enz - Second Thoughts
Crowded House - Woodface
Neil Finn - Dizzy Heights

Ryan Adams - This House Is Not for Sale

Siempre me pregunté por qué no es más conocido en Argentina. En USA y Europa es exitoso, se cansa de tocar en vivo y vender discos. Aunque quizás hoy en día se le haya pasado su época de oro como compositor de canciones, creo que todavía le quedan abajo del brazo dos o tres discos buenos.

¿Será porque tiene un disco con la bandera yanqui en la tapa? Gold, del 2001, discazo, por cierto. Esas cosas acá importan mucho y, de alguna forma, es entendible. En fin... se puede dejar pasar si la música es buena.

A pesar de que tengo seis o siete discos, siempre me costó encontrar una tema que realmente me vuelva loco de Ryan Adams, hay muchos buenos, siempre es consistente, no arriesga demasiado pero todo le sale más o menos bien. El otro día tuve la suerte de descubrir esta canción, que atesoraré por siempre. ¡Se agredece Mr. Adams!







Se puede ver una versión en vivo acá.

Encontrala originalmente en:
A principios del milenio tenía una especie de diarrea compositiva, cinco discos en menos de tres años, o algo por el estilo. Love Is Hell salió en dos partes, dos EPs a los que se les agregaron bonus tracks. Se puede conseguir también en un CD que trae los dos, la opción más "conveniente", se podría decir.
Love Is Hell, pt. 1 (2003)

5 Canciones 5: versiones de Atahualpa Yupanqui

Indiecito dormido
César Isella

Tiene el dudoso mérito de haber sido quien descubrió a Soledad, abriendo una nueva etapa en la historia de la música folclórica argentina, para bien o para mal. Casualmente con un tema que hablaba de Héctor Chavero (¿se acuerdan de "A Don Ata"?). Isella había estado en Los Fronterizos, fue clave en La Misa Criolla y sabía mucho de procesos de grabación y producción, su disco homenaje del '82 es lo más parecido a algo que se podría llamar Atahualpa Sinfónico.

Aparece originalmente en: Padre Atahualpa (1982)

Se puede descargar este disco entero acá

Piedra y camino
El Chango Nieto

El único disco de esta lista que tiene temas que no son de Yupanqui es este, cuya otra mitad son tangos de Homero Manzi ("El último organito", "Sur", etc.) Salteño de nacimiento y veterinario de profesión, es dueño de una voz única, delicada y fina pero también varonil y agreste. "Piedra y camino" ha sido versionado varias veces y es uno de los temas más famosos de Atahualpa, sin embargo en la voz de El Chango se convierte en otra cosa, merece una escucha atenta.

Aparece originalmente en: Interpreta a Atahualpa Yupanqui y Homero Manzi (1979)

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Camino del indio
Alberto Cortez

Puede ser el disco más atípico y sorprendente de los cinco de esta lista. Otro que podría considerarse como un LP de versiones orquestales de Atahualpa, con arreglos a pura pompa, a cargo de Waldo de los Ríos. "Camino del indio" abre la cara A del LP con unas ideas sinfónicas que lo acercan al spaguetti-western de Ennio Morricone y la música de películas de la década del sesenta. Cortez tenía menos de treinta años cuando grabó estas canciones y aparece en la tapa con una guitarra acústica de doce cuerdas.

Aparece originalmente en: Canta a Atahualpa Yupanqui (1968)

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Chacarera de las piedras
Los Chalchaleros

Amados y odiados casi en partes iguales, representan a cierto sector conservador y un poco rancio del folclore del hemisferio sur. Viendoló de alguna manera, representan la infinidad de contradicciones de un país eternamente dividido en clases. Lo que hacen lo hacen bien y han marcado a fuego un estilo, con innumerable cantidad de imitadores. La famosa "Chacarera de las piedras" suena cien por ciento a Los Chalchaleros.

Aparece originalmente en: Los Chalchaleros interprettan a Atahualpa Yupanqui (1973)

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Zambita de los pobres
Mercedes Sosa

Inimitable La Negra, inmensa, todos los discos que grabó en la década del setenta son indispensables, únicos y aventureros; Cantata sudamericana, el LP homónimo del '76, El grito de la tierra y la lista sigue. En su disco de versiones de Atahualpa, en plena época de desaparición de personas, no esquiva el costado político y zurdo de los temas del maestro. Corajuda.

Aparece originalmente en: Mercedes Sosa interpreta Atahualpa Yupanqui (1977)

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Video de la Semana: The Church - Song In Space

No me canso de ponderar las virtudes de The Church, una banda que está hace mucho, siguen en nivel muy aceptable y han hecho siempre discos de buenos para arriba. Cuando el mundo deje de mirar -y ponderar- siempre lo mismo (Zepp, Dylan, Stones, etc.) vamos a notar que en la bastardeada "era moderna" se han hecho cosas increíbles, a la altura de los grandes clásicos. Esta es de Forget Yourself, del 2004

Disco del Mes: Midway Still - Dial Square

Midway Still
Dial Square
1991










Roughneck Recording Company

Pretenders - ¡Viva el Amor!

Admirable lo de Chrissie Hynde. Está al frente de los Pretenders desde fines de los setenta, atravesó por absolutamente todo; éxito de críticas y ventas, bajón comercial, indiferencia, incluso la muerte por sobredosis de dos de los integrantes originales. Siempre con la frente alta, con unos temas de acero, invencibles al paso del tiempo, se puede decir que si no fuese mujer, los Pretenders serían una banda más valorada. El mundo es injusto, sí señores.

¡Viva el Amor! es el séptimo disco de estudio y es el que viene después de Last of the Independents, el que tenía “I’ll Stand By You”, el tema de Pretenders que todo el mundo conoce, uno de esos hits que se vuelven tan grandes que sus intérpretes terminan renegando de ellos, a pesar del envión económico que significan. 

Tiene cuatro temas que lo inmortalizan y lo diferencian del resto de la discografía, el primero bien distinto a todo es “Dragway 42”, raro, retorcido, el protagonista agoniza por su objeto de deseo que no queda del todo claro de qué se trata, en un tornado de guitarras y cuerdas, ella lleva adelante una melodía original que, hay que decirlo, entona como los dioses. Casi al final aparece “Samurai”, otra balada oscura y lasciva, Miss Hynde nunca tuvo pudor a la hora de mostrar su costado libidinoso y en este tema da rienda suelta a sus bajos instintos, el tema va creciendo de a poco, va mostrando los dientes y termina aferrándose al cuello, o a los pantalones en este caso. El solo de Adam Seymour, el guitarrista de turno, es de película porno, directamente. Sigue una versión de “Rabo de nube”, de Silvio Rodriguez nada menos, cantada en un precario español pero muestra que, a esta altura, no tenían nada que perder y podían hacer lo que querían. El tema del final es el tema del disco, la joya, la guinda de la torta, se llama “Biker” y está dedicada al juguete sexual de turno de Chrissie Hynde, que siempre tuvo una debilidad por los hombres en moto. Otro tema diferente, amenzante y tierno a la vez, una combinación inusual que sólo ella puede sacar adelante, hay guitarras, hay melodía, ideas, arreglos, cuerdas… todo lo que tiene que tener un gran tema de Pretenders.

El resto de las canciones no desentonan para nada, están dentro de lo que se puede esperar en un disco de ellos, con la pequeña salvedad de que las guitarras muerden un poco más que lo habitual, en un intento de acercarse al rock de garage que sonaba por todos lados a fines de la década del noventa, que es cuando apareció ¡Viva el amor! Para el libro gordo de Petete del rock los Pretenders son los dos o tres primeros discos, los que amamos a Chrissie Hynde, sabemos que siempre que entra al estudio a grabar hay que prestar atención. Siempre.







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Pretenders - Learning to Crawl
The Muffs - Blonder and Blonder
Chrissie Hynde - Stockholm

Pastoral - De Michele – Eurasquín

¿Por qué no son más famosos y reconocidos los Pastoral? ¿Por qué no entran en el canon del llamado “rock nacional” como sí están Nebbia, García o  Spinetta? En su momento eran exitosos, fueron uno de los primeros grupos en tocar fuera de Argentina, tienen un tema “emblema” que es “En el hospicio” y calidad tenían de sobra. ¿Será porque la carrera fue relativamente corta? A lo mejor la muerte prematura -en un accidente- de Alejandro De Michele no ayudó y el hecho de que eran una banda de neto corte “progresivo”, en fin… nunca se sabe.

El quinto y anteúltimo disco de Pastoral venía mal barajado de entrada, ya no se aguantaban más, De Michele venía de dos años de ostracismo absoluto y se juntaron a armar los temas en el más recóndito silencio, sin ningún tipo de anuncio. Quizás eran demasiado impecables para el rock and roll, pero era lo que se estilaba en aquel entonces, con Yes, Genesis y Pink Floyd como faro / influencia, en una época donde la información circulaba de otra forma, más lento, había menos acumulación.

De todas maneras, De Michele – Eurasquín es un triunfo. Sus diez temas son de una factura impecable, rebosan ideas y musicalidad a los cuatro vientos y tiene, como todo gran disco, cinco o seis canciones que podrían calificarse de memorables. “Cuando sientas que la farsa normal se te exige como vida, los mecenas de la escena irán siempre a tu alrededor”, cantan de manera angelical en “Mecenas de la farándula” y en “Lucifer asomó” dicen, al final del tema, lo siguiente: “No podré morir después de muerto, como soñé, alucinando alguna palabra yo mejor me voy de aquí”. Hablando claramente de un estado mental incómodo, melancólico, presagiando el fatídico final que estaba a la vuelta de la esquina. Otra influencia palpable es Crosby, Stills & Nash (con o sin Neil Young) como en el ochenta por ciento de la música argentina de primer mitad de los setenta, es muy evidente en “Enredándose en el aire”, tema firmado por Miguel Ángel Eurasquín, bien folkie, con el piano al frente y las armonías vocales de tres partes.

Después de este disco hubo un silencio enigmático, un parate, más tarde un álbum de De Michele con Gustavo Montesano, ex-Crucis, se llamó Merlín y salió en el ’80. Casi en seguida vendría el último de Pastoral, el olvidadísimo Generación, ya con un lavado de cara musical. Otra historia que queda pendiente.







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Steely Dan - Can't Buy a Thrill
Pastoral - Humanos
Invisible - Durazno sangrando

Video de la Semana: The Ghost of a Sabre Tooth Tiger - Moth to a Flame

Sean Lennon la rompe en Midnight Sun, uno de los grandes discos de esta década que se nos está yendo. Con su proyecto The Ghost of a Sabre Tooth Tiger.

Van Morrison - Everyone

¿Qué es Van Morrison? ¿Un marciano? ¿Un duende celta de las praderas? Es un músico de la época en que las estrellas de rock no se humanizaban ridículamente en las redes sociales contando lo que comieron y/o tomaron. De una época en que eran intocables y él más que nadie, con su fama de gruñón infumable.

Todavía no entiendo cómo hay gente que no tiene la menor idea de su existencia, para mí es obvio que cierta música trascendental (Van Morrison en sus grandes momentos, por ejemplo) te mejora la vida, el alma, el espíritu, el cutis, la flora intestinal, etc.

Nunca olvidaré cuando hacía fiestas en mi departamento para introducir personas al maravilloso mundo de Astral Weeks, logré una buena cantidad de "conversos", no los suficientes, lamentablemente. Con mi banda anterior cantábamos una versión muy decente de "Wild Night", lo hice para seguir evangelizando, sin demasiado éxito, hay que reconocerlo.







Wes Anderson la usa muy bien al final de Los Excéntricos Tenembaum, se puede ver acá.

Encontrala originalmente en:
Después de Astral Weeks, que les había gustado a todos los "entendidos", había que hacer un disco que les guste a todos y ese disco fue Moondance, banda sonora de la vida doméstica cotidianda de millones de ex-hippies, que se retiraban a hacer otra historia fuera de las ciudades, un disco que todavía sigue sonando imperecedero, uno de los cinco o seis imprescindibles de Van Morrison.
Moondance (1970)

5 Canciones 5: Melvins, Cocteau Twins, Morgen, Deep Purple y The Jam

It's Shoved
Melvins

Un patrón de batería sencillo abre el tema, a los veinte segundos una línea de bajo que ya te hace prestar atención. Después entra la guitarra de Buzz Osborne con la distorsión podrida y ya te deja enganchado. Cuando entra la voz ya estás para siempre del lado de los Melvins. Uno de los temas más "entradores" de un discazo. Tienen una seguidilla de álbumes indispensables en la década del noventa -Houdini, Lysol, Stoner Witch- y este es uno de esos, Bullhead. Discazo.

Aparece originalmente en: Bullhead (1991)

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Domino
Cocteau Twins

En una de las tantas visitas de los Ramones a Argentina, CJ y Joey fueron a ver a los Cocteau Twins, que coincidían con ellos en Buenos Aires. Nunca los había sentido nombrar hasta entonces, pero todo lo que recomendaban los neoyorquinos era palabra santa para mí en aquel entonces. Me abrieron una puerta sensorial a otro mundo. El mundo de los Cocteau Twins. Dream pop le dicen algunos. Es música de otro planeta, así de simple.

Aparece originalmente en: Treasure (1984)

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Beggin' Your Pardon (Miss Joan)
Morgen

"Quiero tocarte, quiero embrujarte con mis vibraciones, besar tu alma y sentir tu aliento en mí" así empieza este despegue interestelar psicodélico del único disco de Steve Morgen, uno de esos "tapados" que sí valen la pena, un disco muy querido en ciertos círculos de coleccionistas. Es entendible; esto es original, desquiciado, sucio, guitarrero al máximo. Mientras el cantante sigue aullando y jadeando, su guitarra no para de tejer riffs enfermizos ahí atrás, pegando donde más duele.

Aparece originalmente en: Morgen (1969)

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Love Help Me
Deep Purple

¿Deep Purple disfrazados de Beach Boys? Algo de eso hay acá, de hecho empieza con unos efectos de sonido que parecen de una playa. Los coritos del estribillo remiten claramente a los californianos también. Los primeros discos de la llamada MKI son olvidados por muchos, no tienen mucho que ver con el Purple de "Space Truckin'" o "Burn", más bien muestran a una banda probando de todo, buscando dirección. Pero ya se nota que eran buenos, que tocaban bien y Blackmore ya la rompía en las seis cuerdas.

Aparece originalmente en: Shades of Deep Purple (1968)

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Wasteland
The Jam

Con tiernos veinte añitos Paul Weller ya buscaba por afuera del punk, en este temazo del cuarto disco de estudio de The Jam. Cuesta creer que un pibito haya escrito una canción como esta, con ese nivel de observación, ternuna y sí... poesía. "Y cuando el sol brille, si lo hace, iluminando lo que una vez fueron rasgos de belleza, vamos a sonreir pero sólo por segundos, porque ser visto riendo es reconocer la vida, una valiente e inútil muestra de compasión. Y eso está prohibido en este mundo jodido y sin color". ¡Y con flautas!

Aparece originalmente en: Setting Sons (1979)

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5 Tapas 5: Czarface

Talk Talk - Spirit of Eden

Hay una idea romántica y quijotesca detrás de este disco que sorprende y no deja de ser admirable. Los tipos creían que con este disco iban a revolucionar la música popular, que iban a vender millones e iban a cambiar la mentalidad del oyente promedio, siempre orientada a los singles, a los cortes de difusión. Una historia cuenta que uno de los ejecutivos de la compañía discográfica lloró al momento de escuchar el trabajo terminado y no precisamente porque estaba conmovido, sabía que iba a ser imposible vender un disco como este.

Venían de tener un buen puñado de éxitos, pero ya en The Colour of Spring se veía venir que estaban en una búsqueda completamente propia, única e idiosincrática. En las entrevistas Mark Hollis hablada como un maestro zen de la clase trabajadora, elogiaba Sketches of Spain de Miles Davis y soltaba frases como “el silencio me gusta tanto como el sonido”. Tuvieron vía libre a la hora de la grabación, presupuesto, un estudio disponible para probar de todo y se fueron a encerrarse casi un año para grabar este, Spirit of Eden, el cuarto y anteúltimo disco de estudio de Talk Talk.

La canción pop de tres minutos y medio había quedado atrás para siempre, acumulaban texturas, capas de teclados e invitaban amigos que tocaban instrumentos exóticos, los hacían improvisar arriba de las grabaciones, para terminar dejando apenas segundos de lo que habían tocado y grabado. Se puede decir que Spirit of Eden, además de haber sido grabado exhaustivamente, tiene atrás un trabajo de edición enorme. Describir la música siempre es difícil, en este caso es casi imposible, es uno de esos discos que te meten en un universo, te llevan a un planeta árido en el que todo está por descubrirse. No lo vas a escuchar de fondo para entretener a las tías que vienen a tomar el té, pero si lo escuchás con auriculares y en las circunstancias adecuadas te puede llevar lejos, muy lejos.

EMI editó una versión acortada de “I Believe In You” como single, para tratar de vender masivamente este disco, intento que no logró su cometido, claro está. A Mark Hollis y compañía todavía les quedaba el gran The Laughing Stock antes de separarse. La inmortalidad ya estaba asegurada.







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Talk Talk - It's My Life
Mark Hollis - ídem [1er. LP - 1998]
David Sylvian - Secrets of the Beehive

Video de la Semana: Depeche Mode - Suffer Well

Enorme tema -¡ESE estribillo!- y excelente video del que quizás sea el último gran disco de Depeche Mode, Playing the Angel, del 2005. Gran actuación de Dave Gahan y ni hablar de su interpretación / performance como cantante.