miércoles, 16 de mayo de 2018

Roxy Music - Country Life


Pocos tenían la impronta, la musicalidad y el concepto tan bien redondeado como Roxy Music. Siempre fueron y serán la banda de Bryan Ferry. Todos sabemos que en los dos primeros discos de estudio estaba Brian Eno, con el look más marciano de todos los tiempos, pero apenas empezaron las tensiones armó la valija grande. No se lo extraña para nada. Sin desmerecerlo. A pesar de que su aporte en Roxy Music y For Your Pleasure es notorio, cuando se va, salen a la cancha con Stranded, otra maravilla, el que tiene “Street Life” y “A Song for Europe”, hasta Eno mismo admitió sus aciertos elogiandoló en más de una oportunidad. Eso nos deja directo en Country Life, cuarto LP de la banda inglesa, aparecido originalmente en el año '74, con los últimos coletazos del llamado glam-rock, del que supieron ser baluartes y escuderos.

Tiene la gran virtud de que los temas tienen un concepto sonoro que los unifica, todos son reconocibles inmediatamente como pertenecientes a Country Life y, sin embargo, cada uno es diferente al anterior. Son diez temazos, en la época en que los discos tenían diez temas, muy poco -o nada- de relleno, media hora o cuarenta minutos como máximo. En estos surcos te podés encontrar con una joya de rock espacial como “Out of the Blue”, con uno de los solos enormes de Phil Manzanera (si lo escuchás con atención podés sentir el mareo) y al rato con “Prairie Rose”, el encargado del cierre, uno de los temas más elegantes de la pluma de Bryan Ferry, quien comparte créditos con Manzanera por única vez. 
 
Hablando de créditos es imposible pasar por alto la contribución del multi-instrumentista Andy Mackay, que figura en la tapa al mando del oboe y el saxo, pero que metió mano por todos lados, se lo escucha brillar a lo largo y ancho del disco. Siempre será recordado sobre todo por “The Thrill of It All”, que abre juego con potencia, eficacia cancionera y refinamiento, que para este entonces ya era marca registrada de la casa. El otro single era “All I Want Is You” y es otro ejemplo perfecto de Roxy Music en su era dorada. Como en casi cualquier disco de esta gente, no faltan los momentos exploradores e incómodos, esta vez vienen de la mano de “Tryptych” y “Three and Nine”, el segundo tema, ni siquiera acá pueden dejar de lado las atmósferas a Londres decadente, los hallazgos sonoros y la sensación de que nada es del todo serio en el mundo de estos seres.

Los cuatro primeros discos de estudio de Roxy Music deberían estar en cualquier discoteca que se precie de tal. Y ni hablar de Avalon, que visto desde ahora, hoy en día, quizás sea el disco más importante que hicieron, el manifiesto definitivo de Bryan Ferry. Otra historia que queda pendiente para la próxima.








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David Bowie - Aladdin Sane
Bryan Ferry - The Bride Stripped Bare



domingo, 13 de mayo de 2018

Giant Sand - The Desperate Kingdom of Love



De las miles de canciones de Giant Sand o de Howe Gelb solista, eligir justo una versión puede ser un poco extraño.

Por un lado PJ Harvey nunca me interesó demasiado, tengo algunos discos que nunca escuché del todo y no mucho más. Por otra parte cuando este héroe del desierto hace un cover es para agarrarlo y apropiárselo para siempre y es lo que pasa con esta belleza de canción.

Gelb se calza el trajecito de cantante trasnochado de bares y se sienta al piano, a apretar alguna que otra tecla negra, la rompe.





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Como algunos compañeros de generación (pienso ahora en The Church o los Green Pajamas) esta es la gente que está haciendo los grandes discos de rock moderno. Ante una especie de injusto semi-anonimato pero esa es otra discusión. Ya no salen lindos en las fotos y no "venden" pero están ahí. Quien quiera oir que oiga.
*proVISIONS* (2008)





jueves, 10 de mayo de 2018

The Vandals - Look What I Almost Stepped In...


Siempre el otro es el malo, el equivocado, el que no resuelve de manera adecuada y no “la tiene clara”, como sí la tenemos nosotros, que ya pasamos por todo eso, lo vimos en algún lado o nos la contaron. Con eso dejamos de lado la capacidad de sorpresa y, siempre que hay problemas, los seres humanos somos especialistas en delegar, en pasar la pelota y echarle la culpa a otro.

Especialidad del rock and roll desde que existe; protestar contra lo establecido, poniéndose en el papel del bueno de la película, el que no está adentro del sistema, el que lo critica desde sus entrañas mismas para derribarlo. ¿Ridículo? Y… hay formas y formas. Los Vandals lo saben. Siempre lo supieron. Hay que reírse, de todo y todos, nada tiene demasiado sentido y la vida es corta como las canciones que tocan. Hasta le pusieron Hitler Bad, Vandals Good a su obra maestra de punk ganchero, de fines de los noventa, como para redondear la idea.

Siempre se los asoció con grupos de California, como Green Day, Offspring o NOFX, pero los Vandals ya estaban juntos a principios de la década del ochenta, siempre liderados por Joe Escalante, el bajista de la banda, encargado de las letras, postura ideológica, promoción y hasta del sello discográfico en el que editan. Abogado, director de videos, tiene un programa de radio, un tipo inquieto se podría decir.

Con “Behind the Music” empieza Look What I Almost Stepped In... y es exactamente lo que su título indica, una descripción hilarante de la trastienda de un grupo de rock, todo lo que NO tiene que ver con la música, un Spinal Tap moderno de menos de tres minutos de duración. “Porque tenés treinta y cinco años y trabajás en un depósito, porque te gastaste toda la plata de la facultad en cocaína” cantan en “Sorry, Mom and Dad”. En “The New You” se burlan de las personas que de un día para el otro aparecen completamente renovadas, con un lavado de cara medio sospechoso, de esos que ni ellos se terminan de creer. De más está decir que podés ignorar las letras y chistes tontos y dejarte llevar por las guitarras poderosas, la energía incesante, la adrenalina de las voces y los estribillos. Sobre todo los estribillos, con esas melodías que se te adhieren a la memoria hasta el fin de los días.

Look What I Almost Stepped In... no pretende más que hacerte reir un rato y tiene la variedad que necesita un disco de este estilo para sostenerse de principio a fin; rápido, un poco más rápido, rapidísimo y alguna que otra combinación de esas tres premisas. No te va a cambiar la vida. No se puede pedir tanto, no hace falta.








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The Vandals - Peace Thru Vandalism
The Dickies - All This and Puppet Stew
Screeching Weasel - Bark Like a Dog




viernes, 4 de mayo de 2018

5 Canciones 5: Current 93, Mercedes Sosa, Steve Wynn, Pink Floyd y Johnny "Guitar" Watson


Then Kill Cæsar
Current 93

Lo podés encontrar en otro de los grandes discos de la banda liderada por David Tibet. Cristianismo, Aleister Crowley, el precipicio que bordea la locura, la degradación del ser humano... algunos de los temas "livianos" que suelen obsesionarlo. Una guitarra acústica y algún que otro retazo de instrumentos de cuerda le sobran para pintar un paisaje de folk aterrador. Un cuadro de Hieronymus Bosch hecho canción.

Aparece originalmente en: Black Ships Ate the Sky (2006)

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La media luna
Mercedes Sosa

Lo primero que sorprende al escuchar este disco es la calidad de grabación y producción. Orquestaciones y arreglos al nivel de cualquiera de los cuatro primeros discos de Scott Walker (a cargo de Oscar Cardozo Ocampo) o Born to Be With You de Dion, letra mágica de Miguel de Unamuno y la voz de Mercedes Sosa en la estratósfera, llevando la canción a otro nivel, desprendiendosé de cualquier etiqueta o categoría. Admirable.

Aparece originalmente en: Navidad con Mercedes Sosa (1970)


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I Don't Deserve This
Steve Wynn

Se va a pasar toda la vida aclarando que era el tipo que escribía los temas de Dream Syndicate (recientemente reunidos) pero su carrera solista es muchísimo más amplia y abarca un período más largo. Para Crossing Rainbow... se va a Lubliana, capital de Eslovenia, a grabar con el capo de los Walkabouts, Chris Eckman, quien lo termina acercado al sonido elegante y europeo de su banda. Ante último tema, casi al cierre. Un as bajo la manga. Otro, sí.

Aparece originalmente en: Crossing Rainbow Bridge (2008)

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Flaming
Pink Floyd

¿Qué se puede decir del primer larga duración de Pink Floyd? No mucho que no esté repetido hasta el hartazgo. Que sólo por estos temas Syd Barrett merece el bronce eterno puede ser un pequeño aporte. "Astronomy Domine", "Lucifer Sam", "Interstellar Overdrive" y la lista podría seguir un buen rato. "Flaming" no es tan famoso ni tan celebrado pero no por falta de merecimiento. Temazo. Enorme.

Aparece originalmente en: The Piper at the Gates of Dawn (1967)


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Lover Jones
Johnny "Guitar" Watson

Todos escuchamos los temas funk de Zappa -eran amigos y han grabado juntos- y más tarde nos enteramos que él también robaba. De los P-Funk de Clinton sobre todo pero escuchen estas voces... muy sospechoso. Johnny "Guitar" Watson es un héroe de culto hoy en día pero en su momento vendía mucho, tocaba por todos lados y lo invitaban a grabar a lo largo y ancho de California.

Aparece originalmente en: A Real Mother for Ya (1977)

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martes, 1 de mayo de 2018

Video de la Semana: Foals - Mountain at My Gates



De What Went Down, del 2015, el cuarto disco de estudio de Foals.





miércoles, 25 de abril de 2018

Disco del Mes: The Cure - Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me


The Cure
Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me
1987










Fiction Records










viernes, 20 de abril de 2018

The Children - Rebirth


En el librito de la caja Nuggets hay un dato tan cuestionable como sorprendente; aparentemente, en la segunda mitad de la década del sesenta, uno de cada cuatro pibes de colegio secundario tocaba en una banda. Aquella época fue como la fiebre del oro, había mucha plata dando vueltas, era algo nuevo, había que probar suerte sí o sí. La impresionante cantidad de discos parecidos a este es extraordinaria. Bandas que sólo llegaron a sacar un solo LP y un puñado de singles, discos buenos, de calidad, bien pensados y grabados con cierto nivel de decencia. Bandas a las que les resultaba imposible competir, no sólo con los grandes del momento (Beatles, Stones, etcétera) sino también con la banda de la otra manzana, o la de la ciudad vecina. Sin embargo, de alguna manera, aparecía alguien dispuesto a poner plata para que los pibes graben y editen el disco, antes de volver a la vida normal, universitaria, la empresa familiar o el trabajo de nueve a cinco.

Antes se habían llamado The Stoics, después pasaron a ser The Argyles, para apodarse finalmente The Children. Bajo ese nombre hicieron Rebirth, el único LP de estos texanos psicodélicos, aparecido en 1968 por un sello muy chico (Cinema) antes de ser relanzado por ABCO, casi en seguida. Rebirth, a diferencia de algunos trabajos similares que no tienen mucho más mérito que una tapa llamativa, rebosa calidad y musicalidad. La coda de piano de “Sitting On a Flower” demuestra que los tipos tenían muy claro hacia dónde ir, eran buenos intérpretes y se tomaban el trabajo de escribir arreglos, el título de la canción y la letra también deja claro que tampoco escapaban de ciertos lugares comunes.  Inmediatamente después de esa coda viene “I’ll Be Your Sunshine”, que es pop de cámara de impecable factura, al nivel de cualquier disco de los Pretty Things, Donovan o los paisanos de Jeffereson Airplane. Muchos de estos grupos eran anglófilos perdidos y eso se puede escuchar en los coqueteos con el music hall, en “Military School” y “I Got Involved”, dos temas anti-Vietnam medio en joda que sirven de aperitivo para el verdadero plato fuerte de Rebirth… “Pictorial”, una bestia de casi diez minutos de duración que hace que el disco vaya a parar a otra dimensión, a otro nivel. Distorsión podrida, riff amenazante, acá Mefisto mete su cola para beneplácito de quienes amamos la música malvada y retorcida. Intentar describir este temazo no tiene demasiado sentido. Auriculares, mucho volumen y a ajustarse los cinturones.

Como pasó en la fiebre del oro, fueron muy pocos los que tuvieron la suerte de volverse ricos de la noche a la mañana, pero el viaje seguramente valió la pena. Como prueba quedan discos como Rebirth, de The Children, entre otros tantos.







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Chequear también:

The Moving Sidewalks - Flash
C. A. Quintet - Trip Though Hell
The 13th Floor Elevators - Bull of the Woods



miércoles, 18 de abril de 2018

Video de la Semana: Cowboy Junkies - 'Cause Cheap Is How I Feel



Tercer disco de estudio de los canadienses, The Caution Horses, del '90, este viene inmediatamente después del disco con el que se los va a comparar siempre; The Trinity Sessions.





lunes, 16 de abril de 2018

Cowboy Junkies - The Wilderness: The Nomad Series, Vol. 4


Los Cowboy Junkies son una anomalía, en más de un sentido. El corazón de la banda lo forman tres hermanos, Margo, Michael y Peter Timmins. Empezaron a mediados de los ochenta, a contramano de prácticamente todo, hace más de treinta años que vienen haciendo música juntos sin haber sacado un disco malo y con la frente bien en alto. La música de los Cowboy Junkies siempre fue letárgica, nunca dio satisfacción inmediata, requiere de atención, de complicidad por parte del oyente y cierto nivel de inmersión, para que la magia empiece a aparecer. De manera que hoy, en tiempos de “quiero todo ahora y que sea ya mismo”, siguen estando en la vereda de enfrente.

La tetralogía The Nomad Series es un proyecto ambicioso, perteneciente a otra época; se propusieron componer, grabar y sacar cuatro discos, sin aparente relación, en un período de dieciocho meses. Según ellos, en un período relativamente corto para los tiempos modernos, no hay manera de que las canciones -con sus temáticas- no estén relacionadas. Todo empezó con un viaje a China de Michael Timmins y su mujer, que tienen dos hijas adoptivas nacidas en el gigante asiático. Por lo visto la experiencia fue liberadora e inspiradora al mismo tiempo y las canciones empezaron a brotar, como suele suceder. Según Timmins, la idea rectora de aquel primer volumen, fue imaginar qué había pasado con los personajes que aparecían en las canciones de sus primeros discos veinte años después, dónde habían ido a parar, cómo los había tratado la vida. El segundo disco era de versiones del malogrado cantautor Vic Chesnutt, el tercero era un disco nervioso y guitarrero grabado prácticamente en vivo y el cuarto, el encargado del cierre, es este, llamado The Wilderness.

De los cuatro discos es el que más se parece a la obra anterior de los Cowboy Junkies, a discos como Blackeyed Man o Open. Calmo, tranquilo, de ojos a medio cerrar, ideal para esas horas en que lo que hace falta es parar un poco. Lo que algunos llaman country alternativo, alt-country o incluso americana es la etiqueta habitual que les suelen endilgar, pero la cosa va más allá de eso, ellos son un género en sí mismos. Si se acuerdan de la inolvidable escena de Juliette Lewis bailando insinuante en Asesinos por naturaleza y habían prestado atención a la versión de “Sweet Jane”, con la inigualable voz de Margo Timmins, una de las grandes cantantes de los últimos años, ahí tienen una perfecta introducción al universo de los Cowboy Junkies.

Estos cuatro discos son una zambullida completa, una inmersión total, perfecta para conversos. Sean bienvenidos.








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Chequear también:

Cowboy Junkies - Sing in My Meadow: The Nomad Series, Vol. 3
Vic Chesnutt - Is the Actor Happy?
Blue Rodeo - Greatest Hits, Vol. 1



miércoles, 11 de abril de 2018

5 Canciones 5: Inti-Illimani, Billy Bragg, Sharon Van Etten, Peter Hammill y Shuggie Otis


Tatati
Inti-Illimani

Se pueden relacionar con sus compatriotas Los Jaivas, aunque son menos cósmicos y más politicos, más radicales. Uno de los pocos temas instrumentales del noveno disco de los chilenos, es una delicia, música andina de la que no abunda, bien entendida e interpretada con buen gusto y conocimiento de causa. Son pocos instrumentos pero te llevan inmediatamente a las montañas, a una época de idealismo y convicción ideológica.

Aparece originalmente en: Viva Chile! (1973)

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Waiting for the Great Leap Forward
Billy Bragg

Con este temazo cierra el cuarto disco de estudio de Billy Bragg, una reflexión amarga después del resultado de las elecciones del '87 en Inglaterra. Según el propio Bragg, tiene que ver con la contradicción de ser un cantante pop relativamente popular y creer que el mundo puede ser un lugar más justo. El tema está arreglado magistralmente, empieza como una balada dylanesca para terminar a toda orquesta. "La revolución está a una remera de distancia" grita en el punto más alto de la canción.

Aparece originalmente en: Workers Playtime (1988)


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Your Love Is Killing Me
Sharon Van Etten

De la segunda obra maestra que ha hecho hasta el día de hoy la cantautora de Nueva Jersey, la anterior era Tramp, del 2012. Y lo mejor es que seguro habrá más. En esta tercer canción del álbum se queja y se retuerce de dolor y exorciza sus demonios para quien quiera oirla, arropada por una tormenta de guitarras y redobles de batería. Épico podría ser un buen adjetivo para describir este lamento hecho canción.

Aparece originalmente en: Are We There (2014)

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Central Hotel
Peter Hammill

Uno de los pocos héroes de la era dorada del rock progresivo / sinfónico que no fue decapitado salvajemente por la siguiente generación. Quizás porque como solista y con Van der Graaf Generator era lo suficientemente chiflado, diabólico y retorcido. Lo cierto es que Hammill tampoco le dió la espalda al punk rock, hasta lo anticipó con obras como Nadir's Big Chance. Este temazo cierra uno de los cinco o seis discos indispensables de su extenso catálogo.

Aparece originalmente en: Sitting Targets (1981)


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Sparkle City
Shuggie Otis

Un caso de niño prodigio sobreestimulado que termina un poco presionado y a la sombra de su padre, Johnny Otis. "Sparkle City" suena como un Sly Stone menos intoxicado, no tan nervioso. El ritmo es un funk lento, sugerente y medio haragán pero contagioso a más no poder. Tardó cuatro años en grabar este disco, su obra definitiva. Vale mencionar que para ese entonces estaba apenas saliendo de la adolescencia, con unos veinte años.

Aparece originalmente en: Inspiration Information (1974)

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jueves, 5 de abril de 2018

Hawkwind - Down Through the Night



¿Se puede hablar de "canciones" con Hawkwind? Yo diría que no. Acá la cosa se trata más bien de generar un clima, de recrear la idea de viaje intergaláctico sin abandonar tu sofá favorito... ¡Qué buena banda para escuchar en algún estado alterado! En sobriedad no es lo mismo, de hecho me ha pasado de prestar los discos a viejos militantes del caretismo más férreo y que me los devuelvan con un "mmm psé, ta' bueno".

En "Down..." sí que hay algo relativamente parecido a un tema, más que nada por la duración (tres minutos y fracción). Les alcanza y sobra para hacerte levitar a metros del suelo, leve y gradualmente.

Alguna vez escuché -o se me ocurrió a mí y no me acuerdo- que eran el equivalente inglés a los Grateful Dead y me parece que la afirmación tiene mucho sentido, más allá de la propuesta diferente.





Escuchar en YouTube.





Encontrala originalmente en:
Tenés mil maneras de ingresar a la despampanante discografía de Hawkwind. La mayoría se inclina por la considerada "etapa clásica", acá se incluye este disco. También podés probar con la etapa punk / new wave, se adaptan muy bien a la época, la infinidad de piratas en vivo o la muy decente "era moderna", en donde sólo queda Dave Brock de la formación original, dando batalla.
Do Re Mi Fa Sol Latido (1972)





martes, 3 de abril de 2018

The Cure - Seventeen Seconds


Qué bueno es escuchar cuando hay alguien que tiene bien en claro lo que quiere. Acá hay una idea transparente, una visión, un sonido, todo apunta a un mismo norte. Aparentemente Robert Smith se peleaba con el resto de los músicos que querían “ir para un lado más estilo XTC”, tocar acordes en el teclado (él quería notas de un solo dedo) o líneas de bajo más complejas.

Nada de eso.

Simpleza absoluta, a trabajar en pos del concepto del disco, las canciones tienen que ser todas más o menos iguales, sonar parecido, muy poca dinámica, climas opresivos, densos, casi siniestros por momentos, como el arreglo al final de las estrofas de “In Your House”, que está ahí, al acecho, esperando para atacar.

Los discos que escuchaba Robert Smith al momento de la grabación de Seventeen Seconds, el segundo LP de estudio de su propio Frankenstein, eran Low de Bowie, Five Leaves Left de Nick Drake, Astral Weeks de Van Morrison y un álbum vivo de la última etapa de Hendrix. ¿Qué tienen en común? A simple vista nada pero todos tienen grandes conceptos unificadores, grandes ideas rectoras de lo que puede pasar y lo que no adentro de los surcos.

El final de “The Final Sound” (valga la redundancia)… ¿está planeado? Se puede arriesgar que está pensado en cada una de sus pequeñas / grandes decisiones, pero siempre está la duda y ese es el gran hallazgo, de Seventeen Seconds en particular y toda gran obra en general; te trae interrogantes, te hace pensar, te lleva a lugares inhóspitos y una vez que estuviste ahí nada vuelve a ser lo mismo. “Llegar sin haber viajado”, cantaba un Harrison iluminado químicamente. Ese final lleva directamente a “The Forest” y ahí es donde cierra todo, sin necesidad de explicación alguna. Es escucharlo y entender a The Cure, el verdadero e inolvidable The Cure, mucho antes del personaje fagocitando vorazmente a la persona.

Vale recordar que Seventeen Seconds es el puntapié inicial de una trilogía indispensable, conformada por Faith, su seguidor inmediato y el aterrador Pornography, del ’82. No escuchen a los tres, uno atrás del otro, en casa. Puede tener consecuencias trágicas.







Escuchar entero -COMO DEBE SER- en YouTube o en Spotify.







Chequear también:

Joy Division - Closer
The Cure - Disintegration
Siouxsie & the Banshees - Juju



domingo, 1 de abril de 2018

Video de la Semana: Guided by Voices - Teenage FBI



Primer tema del disco del '99 de la banda de Robert Pollard y cia, Do the Collapse. A muchos de los fans acérrimos de GbV (una verdadera secta) no les gusta la producción del ex-The Cars, Ric Ocasek.