Disco del Mes: Milton Nascimento - Clube da esquina 2

Milton Nascimento
Clube da esquina 2
1978










EMI

5 Canciones 5: Jorge Ben, Danzig, Dwight Twilley Band, Superchunk y Cheap Trick

Descobri que eu sou um anjo
Jorge Ben

Hay un héroe anónimo en el movimiento conocido como Tropicalia y es el señor Rogério Duprat. Escribió arreglos de orquesta para todos los gigantes; Caetano, Tom Zé y Os Mutantes, por nombrar sólo a algunos. En el disco homónimo de Jorge Ben del '69, hace su magia en dos de las canciones, "Barbarella" y esta belleza cósmica. "No, conmigo nunca más, las cosas van a cambiar a partir de ahora" canta en lo que podría traducirse como "hoy descubrí que soy un ángel".

Aparece originalmente en: Jorge Ben [Criola] (1969)

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Left Hand Black
Danzig

Te lo podés imaginar en el gimnasio, con cara de malo, gritando frente a un espejo sus letras de perversiones de adolescente trastornado y reírte un poco. Qué lástima que sabemos quién y cómo es porque para escucharlo hay que olvidarse de su costado risible. El Elvis Gótico tiene muchos temazos y este es uno de esos. A mitad de su tercer LP,  después de desarmar Samhain. Suena pesado y podrido, como sonaría L.A. Woman si hubiese sido grabado veinte años después. Dato curioso; la tapa del disco la hizo H.R. Giger.

Aparece originalmente en: Danzig III: How the Gods Kill (1992)

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Sleeping
Dwight Twilley Band

Es notable la cantidad de propuestas distintas que terminan entrando dentro de la categoría power pop. ¿Qué tiene que ver esto con The Records o los Plimsouls? Sí, son canciones brillantes, con coros y guitarras al frente. Lo del Dwight Twilley es pop sin vergüenza, con la frente bien alta pero tiene unas ideas que no a muchos se les ocurren, "Sleeping", del segundo LP de estudio -y último con el amigo Phil Seymour- es una clara muestra.

Aparece originalmente en: Twilley Don't Mind (1977)

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Detroit Has a Skyline
Superchunk

Suenan como un millón de bandas de la misma época, Dinosaur Jr., Volcano Suns, Cracker... ¡esto aúlla años noventa! Pero a la vez tienen algo personal, propio. Le prestan mucha atención a las canciones, a los arreglos. La voz melancólica y chillona de MacCaughan tiene lo que hay que tener para sacar adelante este tipo de banda y canciones. Una para volver a agarrar el skate y robar en el quiosco.

Aparece originalmente en: Here's Where the Strings Come In (1994)

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The Flame
Cheap Trick

Festejando sus tres mil años de carrera en su ciudad natal, Rockford, Illinois retomando el tema más exitoso y polémico que tuvieron. No está escrito por ellos, no lo querían grabar en un principio pero es el tema por el que mucha gente, que no conoce ningún otro tema de Cheap Trick, los puede ubicar. En la versión en vivo de Silver no hay tanto maquillaje como en la original, de Lap of Luxury. Acá se puede apreciar claramente que es un tema enorme.

Aparece originalmente en: Silver (2001)

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The Damned - Under the Floor Again

Los Damned están desde siempre, desde que uno iba a las disquerías maltratadoras de Belgrano, cerca de Cabildo y Juramento, a buscar esos discos que no habías visto en ningún otro lado, ni en el Parque Rivadavia. Digerir el primer disco me llevó unos cuantos años pero Machine Gun Etiquette (el tercero) me volvió loco en seguida. Para el resto ya tenía la guardia baja.

"Under the Floor Again" es Vanian demostrando que había aprendido a cantar, que podía pasearse cómodo adentro de una canción, bajar el volumen y pelar matices, siempre dentro de su particular estilo. Cuatro o cinco ideas musicales cosidas y empaquetadas, no se le ven las costuras. Como decían los XTC; THIS IS POP!. Pop perfecto, bien entendido.





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Sufrían mucho por que el público que tenían no estaba para nada interesado en la apertura musical -y mental- que estaban experimentando. Para esta época tenían un alto perfil por el éxito como solista de Captain Sensible y se podían dar el lujo de meter más instrumentos, grabar con más tiempo y experimentar en el estudio. Éste es un disco irrepetible, único.
Strawberries (1982)

Field Music - Open Here

El tema que da título aparece más o menos a la mitad, es un colchón de cuerdas medio nervioso, hace pensar en los XTC de Skylarking y English Settlement, folk pastoral para esos pocos días en que sale el sol en Inglaterra. Hay cambios que sorprenden y cuando llega al estribillo dice que “todos esos que son alguien caen muertos por vos, quieren un pedazo tuyo”.

Open Here es el séptimo LP de estudio de Field Music, la banda de los hermanos David y Peter Brewes, formada a mediados de la década anterior. Ya con los primeros discos habían generado no pocos comentarios elogiosos de los medios especializados del mundo, a diferencia del noventa por ciento de los que aparecen en las secciones estilo “la banda que más promete”, estos supieron mantenerse y crecer.

¿Por dónde viene la mano musicalmente hablando? En algún lugar entre medio del rock artista de Bowie, Roxy Music y el Genesis de The Lamb Lies Down On Broadway, el rock progresivo de principios de los setenta (el original, digamos) y los experimentos de Kraftwerk y Neu! Pero ¡ojo! estos son nombres que vienen a la mente a la hora de tratar de darle un anclaje, con algo que resulte conocido porque Field Music, por empezar, sólo podría haberse dado hoy, en plena era moderna. Acá no hay un solo rastro de retro mania de ningún tipo. De hecho la parte conceptual del disco hace mucho hincapié en el la salida de Gran Bretaña de la comunidad europea, el tan mentado Brexit y el viraje general del mundo hacia la derecha más rancia, conservadora e ignorante. Y Field Music en general y Open Here en particular es cualquier cosa menos esos últimos adjetivos.

Sí es ambicioso, elaborado, delicado, íntimo y requiere de cierto nivel de atención para revelar su encanto, un poco a contramano de la música que quieren imponernos las manos negras que gobiernan el mundo. “Si esta cárcel sigue, así todo preso es político” cantaban los Redondos en Un baion para el ojo idiota. Los Field Music, sin duda, forman parte de la resistencia.







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Del último gran disco de Virus, Superficies de placer, el Avalon argentino.

5 Tapas 5: Guitarras al viento

Con: Slade, Be-Bop Deluxe, Freddie King, Baden Powell, The Lurkers

João Gilberto - Amoroso

El lado A empieza con “’S Wonderful” de los hermanos George e Ira Gershwin, cantado en inglés, seguido inmediatamente por una versión del clásico “Estate” de Martino y Brighetti, en italiano y, al final del primer lado, una versión de casi diez minutos de “Bésame mucho”, cantado en español. ¿Uno de los compositores más grandes de la música popular brasilera está tratando de decir algo entre líneas? ¿Lá música verdadera no necesita de idiomas, puede prescindir de su significado estricto? Nunca lo sabremos, el prócer bahiense nunca fue hombre apegado a las palabras, mucho menos a las explicaciones. Para agregarle condimento al cóctel cosmopolita, Amoroso está grabado en Nueva York con arreglos de orquesta de Claus Ogerman, el mismo que colaboró en los dos discos de Sinatra y Jobim, fundamentales para hacer de la bossa nova una música de popularidad y renombre mundial.

A fines de la década del cincuenta ya era relativamente famoso y había sentado las bases de la música de su país, redefiniendo una tradición, con Vinícius de Moraes, Dorival Caymmi y el ya mencionado Jobim, una generación anterior a los tropicalistas (Caetano, Gal Costa, etcétera) quienes más tarde fusionarían absolutamente todo. Las grabaciones de João Gilberto de “Chega de saudade”, “Samba de uma nota só” o “Desafinado” definen un género, de apariencia simple pero de una complejidad armónica sorprendente. Famoso por sus eternos desplantes, malhumor constante y la infinidad de conciertos interrumpidos cuando cree que la audiencia no está prestando la atención necesaria o escucha ruidos que le molestan, de la manera que prefiere hablar o se expresarse, es a través de su música.

Amoroso aparece a mediados de los setenta, con su autor completamente consagrado a nivel mundial y no difiere mucho del considerado “sonido clásico” que lo hizo famoso, con la salvedad de la orquesta de Ogerman, que suma y mucho. Los arreglos son delícadisimos, están puestos donde tienen que estar y nunca se interponen entre la voz, casi siempre un susurro, de João Gilberto. En el lado B son todas versiones de Jobim, empezando por una interpretación preciosa del super clásico “Ola de Mar”, más conocido como “Wave”, por la versión con Sinatra. Más universal imposible.







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Loquillo y los Trogloditas - Morir en primavera

Lo querés o lo detestás, así de simple. Lo que no te va a pasar es que te deje indiferente. Es de esos tipos con mucha personalidad, como Calamaro, Dylan o Johnny Thunders, que hacen de su vida su obra y viceversa. Auto-referenciales a más no poder, repletos de tics -se podría decir vicios a esta altura- vocales que hacen que los conversos se rían cómplices y los que están en la vereda de enfrente salgan corriendo o revoleen el disco por la ventana. Siempre lo supo e hizo de eso un escudo, en la contratapa de Morir en primavera, quinto disco de estudio de Loquillo y los Trogloditas, decía “a nuestros enemigos porque ellos nos dan la fuerza para seguir adelante”. Dicen que si no tenés enemigos es porque no estás haciendo nada…

Los tipos forman parte de lo que se conoce como “La Movida Madrileña”, un puñado de bandas aparecidas coincidiendo con la caída del régimen asesino de Franco en España, escena que surge después de años de opresión, pacatería y acartonamiento típico de los gobiernos de derecha. Al parecer, aquellos años de principios de los ochenta en la península ibérica, fueron de un nivel de reviente considerable, que se cobró no pocas víctimas, como siempre sucede, vamos tío.

Para la altura de Morir en primavera la banda se caía a pedazos, Sabino Mendez, quien escribió la mayor parte de los temas de los Trogloditas, pronto iba a pegar el portazo y el éxito se les estaba subiendo a la cabeza a todos, Loquillo incluído, por supuesto. A pesar de eso, si tenés que escuchar un solo disco de los Trogloditas, no harías mal en elegir este. Acá aparece el himno generacional por excelencia, uno de esos que si no lo tocaban en vivo los mataban, “El rompeolas” con su “no hables del futuro es una ilusión, cuando el rock and roll conquistó mi corazón” para corear en estadios, éste también tiene la versión de Georges Brassens de “La mala reputación”, una locomotora a punto de descarrilar, al mejor estilo Johnny Cash y, como si fuera poco, “Todo el mundo ama a Isabel”, otro de esos clásicos inoxidables. También hay algún que otro relleno, pero en Morir en primavera estos temas tienen un nivel de decencia que sorprende, gratamente. Hay dos versiones de “Besos robados”, una al final, pero la que quedó en la memoria de muchos es la más rockera, a la mitad del disco y la primera en el lado B del LP original.

Loquillo separaría a los Trogloditas después de unos años, para seguir haciendo -musicalmente- más o menos lo mismo, con buen nivel, con discos como Balmoral o La nave de los locos. Actualmente sigue dando pelea con envidiable altura. Más de un metro noventa de rock and roll y personalidad arrolladora.








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Disco del Mes: Catherine Wheel - Ferment

Catherine Wheel
Ferment
1992










Fontana

5 Canciones 5: Pink Floyd, Screaming Trees, The Rubs, Elis Regina y Peter Tosh

A Saucerful of Secrets
Pink Floyd

El tema, o la composición en este caso, que da título al disco favorito -supuestamente- de Nick Mason. Segundo LP de estudio de Pink Floyd, último con Syd Barrett en la formación, quien ya estaba al borde de desdibujarse por completo. Acá todos metían mano, mucho antes de la dictadura de Waters y es el Floyd verdaderamente interestelar, el que setea los controles para el corazón del sol. Son cuatro partes sin letra (aunque sí hay voces). Cuidado si lo escuchás bajo ciertas sustancias; puede que no haya regreso.

Aparece originalmente en: A Saucerful of Secrets (1968)

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Winter Song
Screaming Trees

Había muchas bandas en la famosa "movida de Seattle", no tantas eran valiosas y casi ninguna sabía aflojar los decibeles y hacer una canción como "Winter Song", uno de los grandes temas olvidados del sexto disco de estudio de la banda de Mark Lanegan y los hermanos Conner. "Tratá de esperar a que el cielo se caiga", canta Lanegan con su voz cocida a fuego lento, justo cuando las guitarras están a punto de explotar.

Aparece originalmente en: Sweet Oblivion (1995)

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Why Did Your Love Run Out?
The Rubs

Esta bomba de dos minutos y fracción del flamante disco de The Rubs suena como The Who al principio, cuando eran una banda de pop perfecto. Mugre, velocidad, desparpajo, sonido crudo, sucio y desprolijo, canciones que van directo al mentón, sin vueltas ni pretensiones. El resto del disco mantiene el nivel, como si todo lo que vino después de Rubber Soul nunca hubiese pasado.

Aparece originalmente en: Impossible Dream (2017)

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Cabaré
Elis Regina

Tiene seis discos homónimos que hacen que su discografía sea un quebradero de cabeza. Este es su onceavo LP de estudio -conocido también como Oriente- y es el que tiene este tango de vanguardia de João Bosco y Aldir Blanc. Es Piazzolla bien entendido, manducado y digerido por y para Elis Regina, que en la década del setenta no tiene un sólo paso en falso, todo lo que hizo vale la pena.

Aparece originalmente en: Elis [Oriente] (1973)

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Till Your Well Runs Dry
Peter Tosh

¿Qué habrá pensado Robert Nesta Marley cuando escuchó el disco debut de su ex-compañero durante años? Lo que sí sabemos es que sin Peter Tosh, los Wailers perdieron una pieza clave. Esta joya imborrable aparece casi al final y es todo lo que tiene que tener un gran tema de reggae. Cierto aire gospel, cambios inesperados y ese hermoso solo de guitarra... parece los que hacía Mick Taylor, cuando los Stones hacían grandes baladas.

Aparece originalmente en: Legalize It (1976)

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Leonard Cohen - The Future

¿Quién es en realidad? Cantor, pirata, viajero incansable, poeta, escritor, arreglador, seductor mujeriego, bromista incansable, orador… es todo eso y, a la vez, ninguna de esas cosas. Es uno de los tipos que ha sabido venderse a lo largo de su carrera, a la manera de Dylan, se ha inventado una mitología alrededor de su persona, haciendo que su vida o mejor dicho; lo que muestra de su vida, forme parte de su obra. Su primer disco salió cuando ya era grande, a fines de los sesenta, cuando si pasabas los treinta eras un vejestorio e igual le gustó a todos, otra de las características inexplicables de Leonard Cohen. Le gusta a los seudo-intelectuales de solapa (que en realidad saben que siempre fue bien visto ser fan de Cohen) a los tipos del cine, a las chicas que no tienen mucha idea de nada e incluso era muy apreciado por las primera bandas góticas… ¿alguien se acuerda de The Sisters of Mercy?

Uno de sus rasgos notables es que ha sabido como nadie hacer que sus limitaciones sean virtudes, rock and roll en otras palabras, es uno de los cantantes más limitados -desde el punto de vista técnico- que existen y sin embargo ha hecho que su voz sea un instrumento único e inigualable. Expresivo como pocos, incluso en sus tres últimos discos, cuando su voz era apenas un hilito a punto de cortarse, la cosa funcionaba, la seguía usando a su favor, de manera muy hábil, hay que decirlo. Esto se debe, en gran parte, a que Leonard Cohen es un gran escritor de canciones, dejando de lado las letras, a nadie le hace falta recordar ese apartado, sabe dónde poner un gancho, dónde dejar que los instrumentos subrayen, dónde hacer que los coros sean más efectivos y cómo enunciar en pos de la expresividad. Un verdadero arsenal de pequeños trucos que hacen que, a la hora de hacer canciones, sea uno de los referentes.

A diferencia de muchos de sus congéneres, ha sabido envejecer con gracia, probablemente porque la suya nunca fue una música apuntada a la juventud, no tiene que ver con bailar ni andar en auto y demás preocupaciones púberes. A partir del disco anterior a éste, I’m Your Man, experimentó una especie de resurrección en más de un sentido, más enfocado y agudo que nunca, adaptándose a su época -satirizándola- con maestría. Es cuando aprende a reírse de todo y todos, pero más que nada de sí mismo. Otro aspecto poco mencionado en Leonard Cohen, cuya música suele ser sombría y lúgubre, es su demoledor sentido del humor, está en sus canciones, de manera muy sutil a veces y otras no tanto pero está, si no tenés ganas de traducir podés comprobarlo en cualquiera de sus entrevistas.

¿Qué podemos decir de The Future que no se haya dicho hasta ahora? No mucho, a lo mejor se puede agregar que si no lo escuchaste todavía, siempre estás a tiempo, nunca es tarde. Y sino preguntale a Leonard Cohen, que nunca tuvo apuros de ningún tipo.







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Que genialidad son -eran- los videos de Ween, este no es la excepción, uno de los grandes temas, al mejor estilo Al Green, de Chocolate and Cheese, del '94.

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The Clientele - Music for the Age of Miracles

¿Qué tenés que ser para ser relevante en estos días? Por empezar valiente, temerario, hasta inocente. El hecho de molestarse por grabar canciones propias, nuevas, en plena era de imbecilidad generalizada, ya es meritorio. Si encima de eso lo que hacés es valioso, sincero, honesto, sonás bien, tus canciones dicen algo y no sos un imitador de los que tanto abundan, estamos hablando de algo trascendente. Lo que hace The Clientele, en Music for the Age of Miracles, el octavo disco de estudio de los ingleses.

El tema que da título está a lo último, toda una declaración de principios, los tipos quieren que escuchemos el LP completo, acordes no convencionales en un tema que parece salido de Odyssey and Oracle de los Zombies, pop onírico, narcótico, dulce sin ser empalagoso, también suena a los Moody Blues de la primera época, los de A Question of Balance o On the Threshold of a Dream, incluso la forma de grabar las voces tiene un parecido. “Ultimamente he estado viviendo como si estuviera muy lejos, como si fuera otra persona, en algún otro lugar, en la danza de nuestros días” canta Alasdair MacLean, el compositor y voz líder, envuelto en un colchón de cuerdas que va creciendo de a poco. El disco empieza con “The Neighbor”, no por nada pusieron esa canción en primer lugar, aclarando de movida las intenciones musicales de The Clientele, música de cámara, arreglada, bien compuesta y pensada, que no deja de ser apta para todo público, en realidad para los que zafamos de la idiotización masiva que propone la modernidad. A pesar del título engañoso, ésta no es música que quiere ser moderna, sí es música que quiere ser inmortal, quedar ahí para siempre. Lo que pasa cuando termina el segundo estribillo, esos arreglos de oro, captan la atención inmediatamente e incitan a una segunda escucha, algo que no se escucha con tanta frecuencia hoy en día, la famosa “invitación a volver”.

Music for the Age of Miracles siempre está en un nivel de intensidad parecido, en una suerte de almohada de pop suave levemente psicodélico y, gracias a eso, transcurre con gracia, “Everything You See Tonight Is Different from Itself”, otro de los grandes temas, tiene de todo adentro de sus seis minutos y pico de duración, sin cambiar el tempo en ningún momento, con decisiones interesantes y arreglos inesperados.

A pesar de que, para una inmensa mayoría, van a pasar desapercibidos, The Clientele ya es una banda que tiene fans y graban para el prestigioso sello Merge. Todo queda entre nosotros, los que todavía no damos el brazo a torcer.






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