Disco del Mes: Jorge Ben - Força Bruta

Jorge Ben
Força Bruta
1970









Phillips Records

Oingo Boingo - Dead Man's Party

Una vez me contaron una anécdota curiosa; era una de esas fiestas que vemos en película, que se hacen en casas en Los Angeles, Danny Elfman, quien había estado postrado por tener polio cuando era chico, estaba presente pero no hablaba con nadie, no se relacionaba para nada. En lugar de eso el tipo estaba pintando una puerta. Hasta ahí todo bien pero aparentemente lo que estaban haciendo en la puerta era una verdadera obra de arte, un dibujo rarísimo, surrealista. Era apenas un adolescente. Es raro pero hace unos cuatro o cinco años, cuando cualquier porquería hecha en la década del ochenta era revalorizada, cuando de repente escuchar Duran Duran era cool (esos discos se guardaron bajo llave durante años) nadie volvió a mencionar a Oingo Boingo cuando era el momento ideal para el revival.

No es tan extraño en realidad, la banda de Danny Elfman, incluso en este disco, quizás el más accesible de todos los que hicieron, siempre fue demasiado retorcida e idiosincrática para que la pasen en la mayoría de las radios. Dead Man’s Party es el quinto LP de estudio, aparecido en el ’85 y tiene dos o tres temas que podrían considerarse hits y sonar en cualquier fiesta temática. Acá aparece el ultra pop (con su ineludible pátina de oscuridad) “Stay”, con tiempo firme pero no tan rápido como en el resto de los temas, su ganchos irresistibles y esos bronces tan de la época. Después terminó apareciendo en la película de culto Donnie Darko, una de esas que tienen una banda sonora mejor que el guíon… y todo el resto del film. “Dead Man’s Party”, el que dá título, era otro de esos temas clave, con esa mezcla de nervio a lo Talking Heads y funk blanco anfetamínico. Tenía un video de animación cuadro a cuadro buenísimo que anticipaba en diez años -por lo menos- a Tim Burton. También el encargado de cerrar el álbum, “Weird Science”, que bien podría formar parte de Let’s Dance de Bowie, fue el tema de una serie que también tomó su nombre de este funk medio freak de Elfman y cia.

Puede que Dead Man’s Party no sea el disco definitivo de Oingo Boingo pero sin dudas ayudó a hacer del tipo una especie de mega-estrella del cine y la música de TV de Estados Unidos, se llenó de oro con la música de los Simpsons y su nombre figura en los créditos de super éxitos como Batman, Dick Tracy, Hombres de Negro y hasta Spider-Man. El tipo la tenía (y la tiene) bastante clara.







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Danny Elfman and the Mystic Knights of the Oingo - Forbidden Zone [banda sonora original]

5 Canciones 5: Joe Gibbs, Macca, Gábor Szabó, Heartless Bastards y Lisa Germano

Peeping Tom
Joe Gibbs & the Professionals

En el período que comprende la última década de los sesenta hasta principios de los ochenta se hizo música en cantidades industriales en Jamaica. Hasta cuesta creer el nivel de calidad alcanzado en relación a las condiciones en que se hacían los discos. Al parecer Joe Gibbs, otro de los grandes productores de la isla, se llevó el crédito por estos cuatro primeros volúmenes de dub, pero los músicos eran los miembros de Soul Syndicate y de We the People. Un dato al pedo para el olvido.

Aparece originalmente en: African Dub Chapter Two (1977)

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Spin It On
Wings

¿Dónde estaba Macca a fines de los setenta en medio del estallido del punk, la new wave y el guillotinamiento masivo de "dinosaurios"? Medio perdido al parecer, como la mayoría de sus compañeros de generación, Back to the Egg es un disco que no sabe muy bien a qué apuntar pero, como cualquiera de Paul McCartney, por más malo que sea, tiene al menos tres o cuatro temazos. Acá rockea con un desenfreno envidiable, totalmente al día con sus tiempos.

Aparece originalmente en: Back to the Egg (1979)

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Some Velvet Morning
Gábor Szabó

El guitarrista húngaro fué uno de los primeros en ponerse al día con respecto a lo que pasaba al otro lado de la ex "Cortina de Hierro", fusionando jazz, pop y música gitana. En Bacchanal, de fines de los sesenta, mezcla a Donovan (gran versión de "Three King Fishers" de Mellow Yellow) con temas propios y Bacharach / David (el inmortal "The Look of Love"). Por supuesto que íbamos a elegir su versión del más grande, del maestro, el magnánimo Barton Lee Hazlewood.

Aparece originalmente en: Bacchanal (1968)

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The Arrow Killed the Beast
Heartless Bastards

Oriundos de Hartford, Cincinnati, los Heartless Bastards tienen cinco discos de estudio al día de la fecha. Podríamos haber elegido cualquiera de las canciones de Arrow, el cuarto LP, excelente por donde se lo mire -y oiga, sobre todo-. En esta joya aflojan la velocidad, se ponen sórdidos, densos y le guiñan un ojo a Ennio Morricone. La cantante podría ser una de las grandes divas de soul de los setenta, sin problemas.

Aparece originalmente en: Arrow (2012)

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Everyone's Victim
Lisa Germano

Lisa Germano toca diez mil instrumentos, ha participado en sesiones con Iggy, Bowie, U2, Simple Minds. (y la lista podría seguir un largo rato) y compone sus propias canciones. Canciones con una identidad fuertísima, con muchísima onda y unas letras que te dejan con la boca abierta. Este es sin dudas uno de los grandes temas de Happiness, su segundo álbum de estudio.

Aparece originalmente en: Happiness (1993)

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The Everly Brothers - The Collector

Otra de esas bandas que todo el mundo conoce, que están en esos compilados truchos de estación de servicio. "Bye Bye Love", "Claudette", "All I Have to Do Is Dream"... son canciones que suenan todavía por ahí en alguna que otra radio de las que NO son una mierda.

Tardé muchísimo en enterarme que eran mucho más que eso, que los hits, que la cosa estaba en los discos de estudio, repletos de canciones que jamás sonarían en ningún lado que no sea en tu casa, por elección propia, como esta verdadera joya oscura y amenazante.

Los Everly te pegan cuando querés aprender a cantar armonías, te das cuenta lo difícil que es hacerlo bien y que ellos son los verdaderos maestros y que de acá descienden muchas cosas de mayor fama y reconocimiento.







Video promocional del tema en YouTube.

Encontrala originalmente en:
El disco inglés de los Everly Brothers tiene "Pretty Flamingo" e incluso "Fifi the Flea" que también hacían los Hollies -otra banda heredera- en esta época. De una década en que se la pasaron haciendo obras maestras... para nadie, lamentablemente.
Two Yanks In England (1966)

Video de la Semana: Heartless Bastards - Only for You

Del cuarto LP de estudio, Arrow, del 2012.

Nick Cave & the Bad Seeds - Abattoir Blues / The Lyre of Orpheus

Nick Cave es un tipo polémico, alguien que divide aguas, tiene fanáticos incondicionales y detractores imposibles de convencer. Como todo gran artista, lo peor que le podría pasar es generar indiferencia y eso, queridos amigos, con Nick Cave, jamás va a pasar. Siempre intenta ponerse a prueba a sí mismo, trata de no repetirse sin abandonar su esencia y es muy crítico de su propia obra. Es muy productivo, incluso en sus etapas más tóxicas se las ingenió para hacer discos como Tender Prey o Murder Ballads. Te puede gustar o no pero en su extensa carrera nunca hizo un disco malo (Nocturama no es tan malo como dicen) y lo que le pasa hoy en día, en su madurez, es infrecuente. La mayoría de los grandes autores y sobre todo los compositores de canciones -que es en lo que Cave se convirtió con los años- tienen una especie de pico creativo de cuatro o cinco años y después se mantienen regurgitando lo que les salió más o menos bien o lo que a los críticos les gustó. No es su caso. Tiene una banda que le salva las papas cuando las canciones desnudas probablemente no dirían demasiado y él se apoya mucho en los magníficos Bad Seeds, una banda de acompañamiento que es más que eso, es una entidad en sí misma. Casi todos los miembros tienen carreras paralelas y varios son compositores por derecho propio.

¿De dónde sale Abattoir Blues / The Lyre of Orpheus? De un concepto fuerte, como la inmensa mayoría de los grandes discos. Del para nada despreciable bagaje literario que tiene Nick Cave, en donde la mitología griega convive sin problemas con la narrativa gótica de William Faulkner y el reviente de Borroughs. El disco es doble, cuando salió el argumento de venta era que Abattoir Blues era el disco fuerte, poderoso, podrido, lleno de coros, en donde tiraba toda la carne al asador y The Lyre of Orpheus era más reposado, blusero y baladístico. No es tan así la cosa, hay un poco de todo en los dos y es notable la unidad conceptual que hay entre ellos, con un nivel compositivo altísimo, en donde casi no hay pasos en falso, algo infrecuente en discos dobles. Algunos fanáticos pusieron el grito en el cielo cuando vieron a su héroe con conejitos de dibujos animados en el video de “Breathless”, pero quienes no esperamos más que grandes canciones aplaudimos la variedad estilística inédita del disco.

Con Abattoir Blues / The Lyre of Orpheus se cansó de recibir elogios, premios a disco del año y de llenar conciertos a lo largo y ancho del planeta, sin por eso convertirse en un artista masivo, algo que jamás sucederá por obvias razones. Pocas veces los laureles fueron tan merecidos.







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Grinderman - Grinderman 2

5 Tapas 5: Tapados psicodélicos (pt. 2)

Con: Ghede Chokra's, Room, Gomorrha, Cruciférius! y Red Noise

Manfred Mann - Mighty Garvey!

Apenas empieza “Happy Families” te das cuenta de que esta ya no es la banda de los primeros éxitos, de cuando competían con los Beatles y los Hollies en aquella primer oleada de pop inocente pre-drogas psicodélicas, pre-cambio de modo de pensar del mundo, se podría decir. Manfred Mann (el integrante que le da nombre a la banda) le da con todo al piano, se nota que es un músico de primer nivel y que la banda está a la altura, a pesar de que para esta etapa ya no estaba el carismático Paul Jones. Mighty Garvey! Es el segundo disco después del cambio de integrantes y orientación ideológica, entra Mike d’Abo como cantante, que también era compositor y atrás queda el pop preciosista de los primeros discos, dejando lugar a una mezcla con cierto tufillo pretencioso e intelectual, como todo lo que vino después de Revolver y Pet Sounds. Pero los Manfred Mann no dejan que las pretensiones sobrepasen el disfrute del oyente, podés no tener la menor idea del concepto y las letras y pasarla bárbaro.

En los primeros discos tenían la particularidad de meter los singles -más "convencionales" si se quiere- e intercalarlos con aventuras jazzísticas, cosas de blues y R&B, que demostraban que la banda era buena, que los tipos tocaban, a partir de As Is, el LP anterior, esa división se volvió un poco más difusa, para bien y para mal, de acuerdo al gusto de quien lo escuche. Por ejemplo en Mighty Garvey! viene uno de los temas más famosos de ellos, la exitosa versión de “The Mighty Quinn (Quinn the Eskimo)”, una de las primeras grandes canciones originarias de lo que más tarde se conocería como las Basement Tapes de Dylan y The Band, y después, ahí nomás te asestan con un excelente cover del inmenso “Big Betty” de Leadbelly (nótese el leve cambio en el título), sucio, rápido y amenzanate. En “Cubist Town” le hacen honor al nombre y se ponen arty, en el buen sentido de la palabra, hacen gala de un pop sofisticado y levemente psicodélico… les sale y muy bien. “Ha! Ha! Said the Clown” la hacen también los Yardbirds en el discutido Little Games, son prácticamente iguales pero esta salió un año antes, por lo menos.

Este disco no pudo alcanzar las ventas de los anteriores, era demasiado sofisticado para el público que compraba los discos de Manfred Mann y sin Paul Jones ya no era lo mismo. Después siguieron con Manfred Mann’s Earth Band y se hartaron de vender discos, con una dirección más hardrockera. Otra historia de esas que quedan pendientes.







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Manfred Mann - Mann Made
Paul Jones - Crucifix In a Horseshoe
Manfred Mann's Earth Band - Solar Fire

Video de la Semana: Lætitia Sadier - Release from the Centre of Your Heart

Del tercer LP como solista de la ex-Stereolab, Something Shines, del 2014.

5 Canciones 5: The Coral

Run Run

Es claro que usan los singles (un formato en inminente extinción) para darle rienda suelta a la faceta rara y experimental. Los discos son muy coherentes y algo como esto no tendría nada que ver. Serían una suerte de The Shadows bajo la influencia del LSD, o unos buenos porritos. Música para películas de detectives o de misterio, a los dos minutos corta y vuelve a arrancar en un solo medio podrido y desprolijo. Hermoso.

Aparece originalmente en: Cara B de Pass It On [single en CD] (2002)

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Ghostriders In the Sky

Johnny Cash, Peggy Lee, Marty Robbins y hasta REO Speedwagon y Def Leppard han hecho versiones de este clásico. A los Coral les queda como anillo al dedo. Grabada en la época de uno de los discos más nobles que han hecho, Roots & Echoes, del 2007. A pesar de que la versión es más bien respetuosa, la hacen con amor y conocimiento de causa. Y James Skelly la canta como los dioses, hay que decirlo.

Aparece originalmente en: Cara B de Who's Gonna Find Me [single de 7''] (2007)

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The Case of Arthur Tannen

De la época de The Invisible Invasion, el tercer LP de estudio, no tiene mucho parentezco con la cara A del simple en que aparece. En la versión del single en CD, que tenía cuatro temas, hay tres "tapados" que tienen que ver entre sí. Acá demuestran el amor por las películas de terror y las novelas de Arthur Conan Doyle y Agatha Christie. Hay riffs en acordes menores que suben y bajan, "oscuridad-liviana" (típico de The Coral) y varios detalles de producción para escuchar con auriculares.

Aparece originalmente en: Cara B de Something Inside of Me [single de 7''] (2006)

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Walking In the Winter

Se vé que a Butterfly House, uno de los discos más injustamente infravalorados de esta década, le tenían una fé ciega. Hicieron una versión completamente acústica y despojada de casi todas sus canciones. Acá florece el costado tierno de la banda, con esas canciones que parecen arroparnos y ofrecernos consuelo ante las desavenencias de la vida misma. Si gana o pierde con respecto a la original queda a gusto del oyente. Pero cambia, bastante.

Aparece originalmente en: Butterfly House Acoustic (2010)

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Sorrow of the Song

En Nightfreak and the Sons of Becker se dieron el gusto de obedecer a los caprichos musicales que tenían y que apenas se asomaban en los discos que habían sacado hasta el momento. Un mini LP de nueve canciones que muestra influencias de Captain Beefheart, los grupos desconocidos de los sesenta y el post-punk de Wire y Gang of Four. Hoy en día es muy difícil de conseguir -y eso que salió hace unos diez años- pero buscarlo realmente vale la pena.

Aparece originalmente en: Nightfreak and the Sons of Becker [mini-LP] (2004)

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Disco del Mes: Suede - Dog Man Star

Suede
Dog Man Star
1994









Nude Records

Ras Michael & the Sons of Negu - Love Thy Neighbour

Escuchar los primeros segundos de Love Thy Neighbour es encontrar algo completamente distinto, especial. Ni siquiera tiene mucho que ver con el resto de los discos de los jamaiquinos Ras Michael & the Sons of Negus. Rastafari o Kibir Am Lak son discos de reggae de raíces, más tradicionales si se quiere, pero este está en otra dimensión.

Aparentemente estaban presenciando una sesión de Marley y los Wailers en el año ’78 cuando el capo Lee “Scratch” Perry les ofreció producirlos y no dudaron un segundo. El resultado fue esta obra maestra, con todos y cada uno de los famosos trucos habituales de Perry en su legendario estudio Black Ark. Sonidos extraños que aparecen y desaparecen en la mezcla, envolvente e hipnótico, con percusiones poco habituales, unos bajos gravísimos y reverberaciones aplicadas a casi todos los instrumentos. Recuerda un poco a Heart of the Congos, el disco definitivo de The Congos, también obra del gran genio de las consolas, el George Martin caribeño.

Lo que hace que Love Thy Neighbour sea tan diferente es el empleo de varios de los recursos del género conocido como Nyahbhingi, oriundo de África. Esto es algo milenario, casi shamánico se podría decir. Este estilo, mezclado con el abanico sonoro típico del dub, da como resultado esta alianza irrepetible. Algunas de las canciones suenan a góspel etíope, si es que se puede describir de alguna manera, incluso un par de temas tienen una fuerte impronta de la música religiosa de Estados Unidos, como “Don’t Sell Daddy No Whiskey”, el puntapié inicial del disco o el conmovedor “Hear River Jordan”. Vale recordar que Ras Michael era un rastafari ortodoxo como pocos, incluso en la tapa de Tribute to the Emperor aparece Haile Selassie con los colores de la bandera de Etiopía, la famosa tierra prometida de los rastas. Por suerte es un disco que se puede escuchar sin verse en presencia de un pastor evangelista fanático y puede disfrutarse desde el mero punto de vista musical.

Es un poco extraño notar que ni los discos que lo preceden ni los que vienen después tienen mucho que ver con Love Thy Neighbour y eso puede atribuirse quizás al genio de Lee “Scratch” Perry, que imprime su sello con mucha fuerza en este trabajo. Música para entrar en trance, definitivamente.







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¿Se acuerdan de Blur? ¡Qué temazo! ¡Qué concepto! ¡Qué video! ¡Qué canción!.

Nara Leão - Dez anos depois

Aquellos que escucharon el doble Dez anos depois de Nara Leão lo consideran una verdadero obra maestra de la música de Brasil. Los que no lo conocen pueden preguntarse si merece ese pedestal. Apareció silenciosamente en el ’71, no tiene temas originales y fue grabado en dos sesiones diferentes en Río de Janeiro y París. Mirando la lista de temas parece una especie de compilado, el primer disco es totalmente acústico y el segundo tiene algo de acompañamiento.

La selección de canciones es impecable, arrancando con “Insensatez” del maestro Jobim, esa voz con el infalible efecto de doblado y la guitarra… es todo lo que esta música necesita. Si lo escuchaba Nick Drake se hacía fanático al instante. Leão no pasa del susurro en ninguna de las canciones, pero se nota que el dominio que tiene de su voz es absoluto, no busca lucirse, trabaja en función de los temas y suena muy espontánea. Belleza pura, sin adulterar. Pero lo que verdaderamente convierte a Dez anos depois en un clásico instantáneo es la alianza entre interpretación, producción y selección de material. Según cuentan, todos los históricos de la música brasilera se juntaban en el departamento de Copacabana de sus padres y tuvo la oportunidad de codearse con gigantes y escuchar directamente de las fuentes. No falta “Garota de Ipanema” y su fantástica version del super clásico “Samba de una nota só” (tema difícil de cantar si los hay) pero también algunas perlitas no tan conocidas como “Vou por aí”, de Baden Powell.

Nunca fue considerado un clásico más alla de ciertos círculos verdaderamente interesados en todo este asunto, probablemente por tratarse de una mujer, en un género que viene de un país muy machista. Por otro lado, en su momento apareció por el sello Polydor, sin demasiada pompa, no se le dio la publicidad adecuada y se editaron relativamente pocos ejemplares. Hoy en día es muy difícil de conseguir en el formato LP original y se puede ver a precios delirantes en Internet. Pero es de esos discos que te esperan con los brazos abiertos, como dice en el infaltable “Chega de saudade”.







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