Margie Joseph - Phase II

Todos necesitamos etiquetas. No entremos en ese terreno, resbaladizo como poco. Así que sí, este es un disco de soul / R&B. Se puede meter ahí adentro, va a estar medio incómodo pero sí, metele nomás.

Son unos diez años más o menos en que todo lo que lleva el logo de Stax/Volt, es garantía de calidad. ¿Qué pasaba ahí? ¿Tendrían un filtro o estándar de calidad muy alto?

El debut -...Makes a New Impression- ya era especial, notable y Phase II, el siguiente LP de estudio de Margie Joseph, es impresionante. Vale resaltar el hecho de que salen los dos en el '71, sugiriendo una ética de trabajo diferente o que hubo personas que apostaron fuerte por un artista. Apenas pasadas las primeras dos canciones es claro que esto no va a ser música para dejar de fondo, no va a andar para el barcito cool en el barrio de moda. No señor, demasiada intensidad. 

Phase II es un breakup record, uno más de los tantos, sí, concepto que en aquellos años era relativamente nuevo, Blue, Blood On the Tracks y la lista podría extenderse un buen rato. Mientras el de Joni Mitchell va por el costado de la reflexión y el de Dylan resignación mezclada con bronca, acá podría decirse que la desesperación es la vía de escape. El tono de las canciones, las orquestaciones, las melodías extremas con notas inalcanzables y las letras refuerzan la idea. Por favor volvé, arreglemos las cosas, esto duele mucho y no aguanto más. 

"My World Is Empty Without You" lleva la rúbrica Holland-Dozier-Holland, dato no menor para cualquiera que haya asomado su hocico por estos pagos. Lo que se escucha acá bien se podría describir como un torbellino, un tornado de emociones, muy bien subrayado por la orquesta, que se encarga en más de un sentido, de setear el tono, el nivel de intensidad. Acá no hay introspección, hay una heridad abierta y una necesidad urgente. "Strung Out" cierra el lado A. En la jerga drogona es lo que se usa para referirse a la abstinencia, a la falta de la sustancia, la locura y angustia que viene de la mano de la ausencia repentina. En este caso de la persona, del ser amado. 

De modo que si estás en una situación similar y vas a recurrir a la música para que te sirva de muleta espiritual, no es aconsejable que recurras a Phase II, te va a llevar al borde del abismo. Pero si querés ver hasta qué extremo puede llegar la locura del amor o mejor dicho, la falta de, esto es perfecto. Y no son muchas las veces que se le puso música al dolor. Mucho menos de este modo, como sí lo hizo Margie Joseph.





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5 Canciones 5: The Ritchie Family, Alessi, Squeeze, Margie Joseph y Ashford & Simpson

Where Are the Men
The Ritchie Family

La tapa no podría ser más gay. La foto es casi un lugar común. El contenido es música disco de altísima factura. Como esto estaba de moda, como suele suceder, había mucha plata puesta en estas grabaciones. El sonido es impresionante. El lado B tiene un medley de tres temas que son un ejemplo claro de que no toda esta música era descartable. Una línea de bajo demoledora, fuerte, presente, irresistible. Qué bueno poner cuatro adjetivos uno atrás del otro y que nadie te rompa las pelotas.

Aparece originalmente en: Bad Reputation (1979)

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Gimme Some Lovin'
Alessi

Hace poco ví un video en YouTube en donde alguien se tomaba la molestia de diseccionar este disco. Yo lo tenía hace rato y nunca le había dado mucha pelota. Lo volví a escuchar. Está bien, no es para alquilar balcones, pero tiene lo suyo. Cover de The Spencer Davis Group, la banda en la que Steve Winwood hizo sus primeros pasos, tema omnipresente en cualquier compilado de música de los sesenta. Buena versión, llevada al palo de esta gente, algo que podría definirse como rock blando de la segunda mitad de los setenta. Ahora le dicen yacht rock, o algo así.

Aparece originalmente en: Words and Music (1979)

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In Quintessence
Squeeze

Banda difícil de encasillar, eran una especie de Beatles de la new wave, tenían mucho talento. De acá salieron Glenn Tilbrook, Paul Carrack, Chris Difford y Jools Holland. Este último famoso por su programa musical, para la época de East Side Story ya no estaba en Squeeze. Pop perfecto sería, unos XTC con menos pretensiones. El solo de guitarra está buenísimo, corto, conciso, como debe ser.

Aparece originalmente en: East Side Story (1981)

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Takin' All the Love I Can
Margie Joseph

La etiqueta con el logo del rayito (Volt) no miente. Subsidiaria del mítico Stax, tuvieron cinco o seis años en que todo lo que sacaban era de bueno para arriba. Y este discazo no es la excepción, continuación natural de un debut impecable como fué Margie Joseph Makes a New Impression... del mismo año!!! Esta gente no perdía el tiempo cuando veían que había talento. Arreglos de cuerda, producción sin escatimar nada y una cantante a la altura de Aretha, Etta James, quien se te ocurra.

Aparece originalmente en: Phase II (1971)

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Don't Cost You Nothing
Ashford & Simpson

¡Uf! Esos graves te pegan en las tripas. Qué impresionante instrumento. Cuando está bien tocado es una cosa de locos. Acá arranca el bajo solo así que te captura de entrada. A esto se le puede llamar groove, se ha imitado hasta el hartazgo y todavía hoy se sigue haciendo. A me por lo menos me pasa que, cuando escucho algo actual que viene por este lado, lo único que me provoca es ganas de ir a buscar estos discos, Curtis Mayfield, Marvin Gaye... the real thing, digamos.

Aparece originalmente en: Send It (1977)

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5 Canciones 5: Swing '39, Father John Misty, MGMT, Son Volt y Chicago

Limehouse Blues
Swing '39

Jazz gitano. Django Reinhardt. Por acá viene la mano con este LP debut, hecho en Argentina. Liderados por el gran Walter Malosetti y evocando los años de gloria del Cotton Club parisino. De este tema hay muchas versiones, sería perfecto ejemplo de lo que suele ser un estándar de jazz. Sugerente, evocativo, es esa música que te lleva a un tiempo y un lugar, tocada con mucho conocimiento de causa y oficio.

Aparece originalmente en: Swing '39 (1973)

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Q4
Father John Misty

Un discazo. Hubo gente a la que no le gustó. A mí me pareció sensacional, entró a la primer oída. Me hace acordar a discos como Love and Theft de Dylan, en donde la forma de "ser moderno" es, precisamente, hacer todo lo contrario. Acá hay poesía, muchísima personalidad, una canción medio beatle. Tanto desde la composición como por la forma en que está cantado. El puente es increíble. Trascendental.

Aparece originalmente en: Chloë and the Next 20th Century (2022)

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Flash Delirium
MGMT

Impresionante el video promocional que hicieron para este temazo del segundo LP de estudio. Niños bien, mimados, todo lo que quieras. Pero con talento, o con los recursos para pagar el talento. Como quieras. Temazo. Después de ver el video (obviamente elegí la versión censurada) no lo voy a poder escuchar nunca más sin acordarme. Acá produce el ex-Spacemen 3 (y Spectrum, claro) Sonic Boom, que en realidad no debe haber hecho otra cosa que llevar ciertas drogas y apretar REC.

Aparece originalmente en: Congratulations (2010)

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Last Minute Shakedown
Son Volt

Guitarras acústicas rascadas, medio tiempo, en mi caso ya compro desde los primeros tres o cuatro segundos. Cuando empieza a sonar la voz de recién despertado de Jay Farrar ya estoy convencido cien por ciento. Lo que puede llegar a pasar con la canción es secundario, no necesitas sorpresas, ni acordes raros. Es la atmósfera, el olor a pasto y a aire libre, a horizontes que se pierden. Te tiene que gustar el género, como suele suceder.

Aparece originalmente en: Straightaways (1997)

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State of the Union
Chicago

Son los primeros cinco o seis discos con Chicago, después... a la hoguera. Mejor dicho, se entiende a quienes los critican, desprecian u odian. Eran tipos con pretensiones, tienen un montón de discos dobles (no es el caso de este) y no le hacían asco a nada. Probaban todo. Esto sería un tema medio funk mezclado con soft-rock californiano al mejor estilo Fleetwood Mac de la etapa de mega-estrellato. Muchos arreglos de bronces, cosa que suele espantar a más de uno, nunca entendí bien porqué.

Aparece originalmente en: Chicago V (1972)

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Eddie Floyd - You've Got to Have Eddie

Nunca faltará el que te diga que si ves que tiene el sello de Stax (o Volt) y el precio es razonable, lo lleves tranquilo. Hay mucho de cierto en esa afirmación. Desde el ascenso a mediados de los sesenta, la ruptura con Atlantic, hasta el final como compañía independiente y cierre por quiebra, a mediados de los setenta, casi todo lo que sacaban a la calle era de muy bueno para arriba. La cantidad de discos imprescindibles que han apadrinado es sorprendente, admirable, con un perfil a nivel sonido, producción, composición y grabación.

Eddie Floyd ya no eran tan exitoso cuando sacó You’ve Got to Have Eddie, estaba lejos de aquel hit que fue “Knock On Wood” dos años antes, a pesar de eso seguía vendiendo regularmente, la gente seguía yendo a sus conciertos y grababa con frecuencia. De todas maneras, este disco pasó desapercibido. Injusticia.

Agarrá cualquiera de los grandes discos de Al Green para Hi Records, de los Temptations de la era Norman Whitfield o la época mágica de Curtis Mayfield y compará con esto. No tiene nada que envidiarle. “Don't Tell Your Mama (Where You've Been)”, uno de los pocos de su autoría, fue el corte de difusión, el tema vendedor del LP y es escucharlo para entender por qué; es un temazo, una bomba de soul y R&B, grasoso, sureño hasta la médula. “Proud Mary” de Fogerty y el tema que cantaba Tom Jones (“It’s Not Unusual”) son los que se reconocen inmediatamente, en ambos casos Eddie Floyd deja todo en la cancha para sacarlos adelante, se los calza como un traje hecho a medida. 
Esta era una época de cambios bruscos, tipos como Bobby Darin o Del Shannon eran hippies de un día para el otro, entendían que el cambio estaba por venir y no faltaba el que se subía al tren del éxito para vender algún que otro disquito. “Long Line Rider” de Darin es uno de los grandes temas del disco. ¿Elegiría él los temas que iba a grabar o dejaba todo en manos del productor o manager? No importa; acá está la música que no ha perdido una pizca de vigencia. Impresionante “Satisfy My Hunger”, otra bomba de funk-gospel de la pluma de nuestro héroe del día… ¡y cómo lo canta!

Un disco relativamente olvidado, indispensable dentro del subgénero que algunos llaman “soul sureño”, también puede ser un ejemplo perfecto de punta del iceberg, como para ponerse a investigar algo que no tiene fin. Y muy pocos pasos en falso.







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5 Canciones 5: Velvet Opera, The Groundhogs, OMD, Screaming Trees y Son Volt

Standing On the Edge
Screaming Trees

Los Screaming Trees mostrando sus influencias más retorcidas y drogonas, la música californiana tóxica de fines de los sesenta, como unos Seeds o The Chocolate Watchband menos amigables, más malvados. Mark Lanegan era un pibito acá pero ya tenía la voz y la personalidad muy bien perfilados. En ningún momento suena a pastiche, esto es apropiación cien por ciento. Está en Clairvoyance, el primer LP de la banda, cuando estaban en el sello SST y es bastante difícil de conseguir. Pero vale la pena, realmente. 

Aparece originalmente en: Clairvoyance (1986)

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Raise the Light
Velvet Opera

Una voz líder de esas que conmueven, un poco al estilo Steve Marriott, con un teclado hammond, son los encargados de introducir esta joya del segundo de Velvet Opera, a la altura de cualquier tema de los Small Faces o de Traffic. Tiene un interludio con un solo de guitarra española bien cortito que es una delicia. El cantante es un verdadero soldado del under británico, Paul Brett, que en breve formaría una de las grandes bandas de culto de aquellos años iniciáticos; Paul Brett's Sage. También en este disco hay una excelente versión de "Eleanor Rigby".

Aparece originalmente en: Ride a Hustler's Dream (1969)

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Joan of Arc
Orchestral Manoeuvres In the Dark

Si tenés que mostrarle a un amigo de qué va OMD, con este tema tenés una buena manera de aproximarte. Por lo menos a la faceta "escritores de hits" del dúo inglés. La voz apasionada de Andy McCluskey y los infinitos colchones de sintetizadores de Paul Humphreys te hacen pedir por favor que llegue ese estribillo, que sabés que va a ser mortal. En el mismo disco, inmediatamente después aparece el mismo tema, con el título algo cambiado, que te sirve para demostrar la otra cara de la banda; más experimental, volada y kraut-rockera.

Aparece originalmente en: Architecture & Morality (1981)

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Cherry Red
The Groundhogs

A medio camino entre los Who más pesados, la tonelada de riffs del Led Zeppelin de la era de oro y anticipando en casi veinte años al ataque sónico-guitarrero de Sonic Youth, "Cherry Red" es la bomba con que empezaba el lado "B" de Split, uno de los discos clásicos de esta institución liderada por el incansable Tony McPhee. Estribillo cantado en falsetto, en medio de una tormenta de redobles y power chords, cuesta creer que todo este ruido venga de apenas tres instrumentos. Una obra maestra adentro de un disco que merece una segunda chance.

Aparece originalmente en: Split (1971)

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Angel of the Blues
Son Volt

El amigo Jay Farrar sigue porfiando, después de más de veinte años y se sigue calzando un trajecito que no por pesado deja de quedarle cómodo; el de Gram Parsons. En Honky Tonk se lo escucha más apegado al country-rock que nunca y en "Angel of the Blues", particularmente, escribe una de esas baladas para llorar a moco tendido, en el bar, acodado a la barra, cuando están por cerrar y la melancolía se vuelve casi insoportable. Gran tema, en serio.

Aparece originalmente en: Honky Tonk (2013)

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The Jayhawks - Tomorrow the Green Grass

Los Jayhawks tienen varias virtudes. A saber: son melancólicos sin ser sensibleros, son muy melodiosos pero jamás empalagan y son inteligentes sin pasarse de listos. Algún avispado puede llegar a decir que esto ha sido hecho anteriormente y puede que así sea, pero no es tan simple el asunto. Por empezar hay que recordar qué era lo que abundaba en aquel entonces, a mediados de los noventa. O mejor no, mejor no recordar. La sutileza y el amor por la melodía eran cosa del pasado, pero todo eso a los Jayhawks pareció no importarles en lo más mínimo.

Abanderados de lo que se llamó Nuevo Rock Americano (o también country alternativo) los Jayhawks se formaron en Minneapolis, una ciudad con una tradición musical extensa, desde Bob Dylan a los Replacements. Con el oficio como capa y las canciones brillantes como espada, supieron abrirse paso en una escena llena de bandas interesantes. Para el momento de Tomorrow the Green Grass ya tenían más de diez años de carrera a cuestas y tres discos de estudio muy buenos. Tomorrow… es el que le sigue al celebrado Hollywood Town Hall del '92, exactamente tres años después. Y si Hollywood... era guitarrero y aguerrido en este disco lo primero que llama la atención son las hermosas armonías vocales que construyen los dos líderes y principales compositores: Gary Louris y Mark Olson. Tampoco se puede dejar de mencionar a Karen Grotberg, la tecladista, que aporta una tercera voz que suma color y redondea el conjunto.

A los escépticos se les puede dar dos o tres canciones de Tomorrow the Green Grass para que caigan rendidos ante la evidencia. ¿"Red Light"? Podría ser una, claro que sí. Empieza con unos acordes de guitarra bien marcados y ahí nomás aparecen esas voces entre angelicales y malvadas, trenzándose, elevándose. O si no está "I'd Run Away" en donde la producción de George Drakoulias es un verdadero banquete de humildad sonora. También hay baladas y medios tiempos. Para eso qué mejor que "Pray for Me": guitarra de doce cuerdas, arpegios hipnóticos que suben y bajan, buen gusto dosificado, sin pirotecnia. ¿El gesto? La versión de "Bad Time" de All the Girls in the World Beware!! de Grand Funk Railroad. Demostrando que las credenciales eran un tema menor en los Jayhawks y que una canción buena puede aparecer en donde los snobs de siempre saldrían corriendo.

Después de Tomorrow… Mark Olson se alejaría de la banda para dedicarse a su carrera solista pero los Jayhawks todavía tendrían cuerda para rato. En realidad tres grandes discos de estudio; The Sound of Lies, Smile y Rainy Day Music. Unos cuantos imprescindibles y una huella imborrable. No está nada mal.








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