Al Green - I'm Still in Love with You

¿Cuántos niños que hoy son adultos habrán sido concebidos al compás de la música de Al Green? Seguramente miles. Es que el soul sugerente y arropador de El Reverendo era muy popular en la primera mitad de la década del 70.

Nacido en el seno de una familia humilde y muy religiosa, tuvo que dejar su hogar cuando todavía era un niño, cuando su padre lo encontró escuchando música “pagana”, non-sancta. Se las arregló como pudo, lidiando con mujeres de vida licenciosa y llegando incluso a ser una especie de cafishio. Después de varios intentos infructuosos en la música, su suerte cambiaría al conocer a Willie Mitchell, dueño, productor, arreglador y compositor de Hi Records. Ahí fue cuando los éxitos empezaron a aparecer.

I'm Still in Love with You forma parte de una sucesión de discos envidiable, hay quienes lo señalan como su pico creativo, otros se quedan con Call Me, el disco siguiente y están los que optan por Let's Stay Together, pero nadie en su sano juicio discutiría que este es un trabajo definitivo. La clave está en la síntesis hallada por Green y Mitchell; al encanto sureño del sello Stax se le suma la fuerza y la energía de Motown y si a eso le agregamos la pizca de agresividad de la música urbana de aquel entonces… bueno, el cóctel es irresistible. Por eso el tema que da título a la placa fue un super-hit a nivel ventas, la sección rítmica trabaja con precisión y buen gusto, con dos baterías sincopadas y por encima de todo, la voz de Green susurrando, gimiendo y pasando del falsetto al barítono sin el menor esfuerzo.

Más adelante aparece "Love and Happiness", una de las canciones más memorables de todas las que compuso, en este caso de la mano de Mabon “Teenie” Hodges, el guitarrista de su banda de acompañamiento. Extrañamente no fue un disco simple hasta pasados unos cuantos años de la aparición de I'm Still in Love with You. Al parecer la compañía disquera no quería desviar la atención del primer simple extraído del álbum (el tema que da título al LP) y así fue como una de sus más reconocidas composiciones quedo opacada en su momento. "Simply Beautiful", lentísimo y aletargado, con unos arreglos al borde de lo imperceptible, pero en donde Green puede permitirse el lujo de lucirse con su sutileza a la hora de sugerir en vez de mostrar, uno de los golazos acá. La calidad de intérprete queda con la relectura que hace de "Oh, Pretty Woman" del gran Roy Orbison, casi irreconocible, pero también es una muestra de que las canciones gigantes son elásticas, flexibles y permiten acercamientos diferentes, conservando intacta su eficacia. También están presentes las versiones de temas country que no pueden faltar en los discos clásicos de Al Green, en este caso el tema es "For the Good Times" de Kris Kristofferson. Recibe un tratamiento similar al de "I'm So Lonesome I Could Cry" de Hank Williams y "Funny How Time Slips Away" de Willie Nelson de Call Me. Lo de siempre; si algo sale bien, sigamos haciéndolo.

Inmediatamente después de la aparición en el mercado de I'm Still in Love with You (dos años despúes para ser precisos) sucedió el episodio que hizo que Al Green abrazara la religión, se comprara una iglesia y se dedique a los sermones dominicales. De todas maneras su carrera estaba lejos de terminar, algunos coqueteos con el góspel -logicamente- volvería a la música “profana”, se harían muchas versiones de sus temas más famosos y se canonizaría su imagen para siempre. Merecidamente, claro está.








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Video de la Semana: Cosmic Rough Riders - Revolution (In the Summertime?)

Desde Escocia y en plena gira por Estados Unidos, graban este video de su canción/manifiesto. Enjoy the Melodic Sunshine estaba lleno de viñetas optimistas y pequeños himnos en clave existencial. Obtuvieron un reconocimiento considerable a principios de la década anterior.

5 Canciones 5: Waterboys, 20/20, Aquelarre, Elvis Brothers, Flaming Lips

How Long Will I Love You?
The Waterboys

Alejándose de la megalomanía del período de This Is the Sea, más cerca de la cultura celta y el rock de raíces. Mike Scott y compañía aprendieron que la sutileza puede ser una aliada. Los instrumentos son muchos pero todos contribuyen a crear un clima, nostálgico, muy sentido.

Aparece originalmente en: Room to Roam (1990)

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Alien
20/20

Pop perfecto y cierto aire disco en esta joya de una de las bandas insignia del power-pop de fines de la década del 70 / principios de la década siguiente. Imposible no sentirse atraído por los coros y las líneas de bajo, precisas y casi bailables. Aparece en Look Out!, el infravalorado segundo LP de estudio de 20/20.

Aparece originalmente en: Look Out! (1982)

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Silencio marginal
Aquelarre

"Si las luces se cruzan al azar, es mentira el silencio marginal, de tu seguridad, el miedo de una noche, que la naturaleza tiene en vos" decía el segundo tema del tercer disco de Aquelarre. Pintando con una poesía hermética el convusionado momento socio-político de aquellos años. La música es todo lo contrario; mostrando la destreza acústica de un grupo que no conocía límites en cuanto a ejecución y originalidad compositiva.


Aparece originalmente en: Brumas (1973)

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It's So Hard
The Elvis Brothers

En esta canción se acercan más a Buddy Holly que a Mr. Elvis Aaron pero en el resto del disco los "falsos hermanos" (a la manera de los Ramones, portaban el mismo apellido) se pasean por varios estilos. Siempre fieles a la idea de diversión, de fiesta. Una banda que merece más reconocimiento del que tiene.

Aparece originalmente en: Movin' Up (1983)

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Mountain Side
The Flaming Lips

Una obra maestra dentro de un disco del que algún día se escribirán páginas enteras. Las lecciones de Jesus and Mary Chain con la distorsión guitarrera más sucia, más la batería en el estilo de Bonham y un cantante alla Neil Young / Jon Anderson. Son una muestra de cómo exceder las influencias, cómo apoderarse de un legado y ser completamente originales sin perder fuerza.

Aparece originalmente en: In a Priest Driven Ambulance (1990)

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The Cramps - Psychedelic Jungle

Todo lo que rodea a los Cramps está teñido de cierto halo de misterio, muchas veces alimentado por los mismos integrantes de la banda. Según esta mitología, Lux Interior, cantante y líder y Poison Ivy, guitarrista cavernícola de atrapante presencia escénica, se conocieron en un viaje a dedo. No hubo interés mutuo hasta que supieron que ambos estaban envueltos en cursos de ocultismo en San Francisco. Este tipo de detalles pintorescos juegan un poco en contra de lo que The Cramps verdaderamente es; una gran banda de rock en todo sentido. Supieron crear un estilo, tomando elementos del pasado, licuándolos y apropiándose de ellos con pasión, inteligencia y dedicación.

Alguien que en los momentos formativos de la banda andaba cerca en lo que a intenciones se refiere y que les dio un empujón cuando más lo necesitaban fue Alex Chilton. El ex Box Tops y Big Star, niño prodigio, guitarrista y gran compositor, estaba haciendo todo lo posible por destruir su imagen pública con presentaciones en vivo caóticas y discos de estudio difíciles, poniendo a prueba la paciencia de su público y del ambiente musical en general. Cuando vio a los Cramps en vivo no lo dudó; fue amor a primera vista.

Más allá de la fuerte impronta visual de las actuaciones en directo, Chilton quedó atrapado por el acercamiento primal y salvaje al rockabilly más ignoto, la original relectura del rock de los 50's y las perlas extraídas del arcón de los recuerdos. Vale decir que a fines de los 70's, la arqueología rockera no era lo mismo que hoy; era más difícil surfear el pasado y ni siquiera era algo que las bandas acostumbraban a hacer con la frecuencia de nuestros días. Chilton se ofreció para producir los dos primeros trabajos de estudio, Gravest Hits, el primer EP, una galería de rockabilly sucio a diferentes velocidades, y Songs the Lord Taught Us, el primer larga duración y piedra Rosetta de lo que se llamó psychobilly; los tres acordes del rock más básico, pero bañados en capas de guitarras distorsionadas y pudrición de todo tipo.

Psychedelic Jungle es eso y un poco más. No hace falta arreglar algo que no está roto, entonces los Cramps graban la continuación natural de aquel brillante primer disco. Producido esta vez por ellos mismos. "Green Fuzz", proveniente de la afamada compilación Pebbles, es el encargado de abrir el fuego, ahí está la voz de Elvis de ultratumba de Lux Interior, la guitarra de Poison Ivy que se parece más al zumbido de un moscardón que una seis cuerdas habitual y los ritmos monótonos, lentos, pegajosos. Para el rescate emotivo están "Goo Goo Muck", "Rockin' Bones", "The Crusher" y "Jungle Hop", provenientes de vaya-uno-a-saber que recóndita tienda de usados, esos discos de 45rpm que nadie quiere pero que, con el paso de los años, se vuelven incunables para los que saber afinar el oído. Uno de los originales que destaca es "The Natives Are Restless", que podría traducirse como “Los nativos están incansables”, con ese ritmo insistente, las guitarras con slide, y la letra tan típica del estilo de los Cramps, con mucho sentido del humor pero guiñando un ojo a la cultura chatarra yanqui, las películas de zombis de cuarta categoría, los coches modificados y los afiches psicodélicos y estrambóticos.

Y es ese un buen resumen del gran hallazgo -y mayor acierto- de los Cramps, ese revolver en la pestilencia para poder hallar la aguja en el pajar, es la aceptación de vivir en una cultura enferma pero sabiendo que incluso en sus regurgitaciones se pueden encontrar cosas valiosas. Fueron muchos los que entendieron el mensaje.








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Video de la Semana: The Long Ryders - Gunsligner Man

La banda de Syd Griffin dijo adiós a lo grande; Two Fisted Tales, del año 1987 empezaba con esta pequeña maravilla de tres minutos en donde confluyen la mayoría de las influencias principales de los Long Ryders.

Slade - Slade Alive!

No se puede tomar demasiado en serio a Slade. Algo que en cualquier otro grupo podría ser un defecto, en Slade se convierte en virtud de manera automática. Claro, es rock 'n' roll sin compromisos pero con diversión, con fiesta. Slade representa la idea de rock entendido como motivo de reunión, de festejo, de baile… y a otra cosa. Mañana, al otro día, de vuelta al trabajo y a esperar otra vez el fin de semana.

Ellos sabían lo que sus fans querían y no se hacían rogar ni un segundo.

Formados en la segunda mitad de los 60's, tardaron en encontrar el rumbo, la personalidad. Primero se llamaron Ambrose Slade, pero el nombre fue acortado por sugerencia de Chas Chandler, ex-Animals y más conocido como manager y “descubridor” de Jimi Hendrix. Él fue quien los aconsejó para seguir el camino del movimiento que se estaba gestando a principios de la década siguiente; el glam rock. A pesar de que Slade tenía poco que ver con T. Rex, Bowie y demás patriarcas del género, fue dentro de esa etiqueta cuando los hits empezaron a aparecer. Y fueron varios. Antes de la andanada de éxitos mal escritos (uno de los chistes característicos del primer período) como "Gudbuy t'Jane" o "Mama Weer All Crazee Now" salió Slade Alive!, este ladrillo de brutalidad sonora, una descarga de altísimo voltaje eléctrico en donde los enormes pulmones de Noddy Holder están más inflados que nunca. Al borde del descarrilamiento pero siempre al servicio de otra noche de fiesta. Según comentarios “extra-oficiales” Slade Alive! recibió no pocas ayudas en el momento de la posproducción, aumentando y sincronizando el volumen del público y corrigiendo algún que otro defectillo en las interpretaciones de los músicos. Lo cierto es que Slade Alive! da en el blanco y con mucha fuerza. El pre-punk rock / proto-metal y el ruido blanco que por momentos logran no se habían escuchado antes, y, la verdad, pocas veces se ha vuelto a oír. El repertorio elegido se apoya mucho en las versiones, así es como el puntapié inicial está dado por "Hear Me Calling" de la pluma de Alvin Lee, de Ten Years After. Irreconocible es "Darling Be Home Soon" de John Sebastian, líder de los inolvidables Lovin' Spoonful, en donde Holder se da el gusto de despacharse con un sonoro eructo que es celebrado sin disimulo por la audiencia. Mención aparte para la versión que cierra la placa; "Born to Be Wild" de Steppenwolf, extendida a casi diez minutos y donde Slade demuestra que, para el ataque sónico brutal y ensordecedor, son mandados a hacer.

Después vendría Slayed?, disco emblema de la banda inglesa, el típico ascenso y caída, la remontada vertiginosa de la mano de las versiones de Quiet Riot (muy exitosas al otro lado del Atlántico) y los vaivenes típicos de cualquier banda histórica. Slade Alive! es el testimonio clave de cuando empezaban a torcer su propia historia, a encontrar el rumbo que los haría inolvidables.








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The Dictators - Bloodbrothers

5 Canciones 5: Rose Tattoo, The Coral, Hoodoo Gurus, Beasts of Bourbon, 999

Nice Boys
Rose Tattoo

Evitando cualquier tipo de sutileza y a velocidades vedadas por la ley, la sentencia es clara y contundente; "los muchachos buenos... no tocan rock and roll". Un disco debut para agitar puños en alto.

Aparece originalmente en: Rose Tattoo (1978)

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Jacqueline
The Coral

Los muchachitos de Liverpool finalmente crecieron y abrazaron con ganas los preceptos de "La Canción Perfecta". Arreglos sutiles, varias guitarras y la voz de James Skelly alcanzando un grado de madurez que no tenía anteriormente.

Aparece originalmente en: Roots & Echoes (2007)

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What's My Scene
Hoodoo Gurus

Desde Australia con amor, aunque a esta altura apuntando al resto del mundo, con una producción más pulida pero el talento para el gancho pop completamente intacto.


Aparece originalmente en: Blow Your Cool! (1987)

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Ride On
Beasts of Bourbon

Siempre fue uno de esos temas distintos de AC/DC, jamás lo tocaron en vivo. Sin duda alguna merecía una versión (no es la única) y el tratamiento al que la someten los Beasts of Bourbon merece un momento de atención.

Aparece originalmente en: The Low Road (1991)

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High Energy Plan
999

Como el título bien lo indica, esta perlita de los punks ingleses es un subidón repentino de adrenalina difícil de comparar. En Estados Unidos, Separates se llamó como esta joyita, demostrando que tenía su valor ya en aquel entonces.

Aparece originalmente en: Separates (1978)

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Morrissey - Your Arsenal

Los Smiths habían sido la banda de guitarras más importante de la Inglaterra de los 80's, justo en una época que no se caracterizó por llevar las guitarras como estandarte. Su carrera solista había empezado bien; Viva Hate, los singles de la época pero de pronto… mucho, demasiado tiempo para darle una secuela adecuada. Incluso apareció una compilación de esas que tienen gusto a “bueno, a ver qué hago para ganar tiempo” y después… Kill Uncle que, sin ser un mal disco, no fue el que muchos esperaban.

Morrissey siempre fue un fan -y un propagador- del glam rock de principios de la década del 70. Es la música que lo hizo ser quien es, los New York Dolls, Bowie, T. Rex, the Sweet, etcétera. La elección de Mick Ronson como productor era lógica. El guitarrista más icónico de todos los que tuvo Bowie, el de los Spiders from Mars, de la época más querida y recordada de El Duque Blanco. Había también nuevos colaboradores, Morrissey siempre fue astuto a la hora de elegir laderos, no hace falta elogiar a Johnny Marr, todos sabemos lo que significa, pero esta vez el tándem guitarrero de Alan White (que aquí comparte los créditos de la mayoría de las canciones) y Boz Boorer no deja títere con cabeza.

Empezando con el arrollador "You're Gonna Need Someone On Your Side" con su introducción a medio camino entre el rockabilly y el spaguetti western modelo Morricone, Your Arsenal cubría las expectativas de todos. El rock de guitarras estaba de vuelta para quedarse y por supuesto que no faltaban los latigazos de la filosa lengua de Morrissey, un maestro en el manejo de la ironía. Los hits estaban por todos partes; "The National Front Disco" un verdadero himno, como solían ser "Panic", "There's a Light That Never Goes Out" o "Paint a Vulgar Picture", esas canciones gigantes de los Smiths, para corear en estadios, sin la chabacanería habitual en que suelen caer los temas para estadios. En "We Hate it when Our Friends Become Succesful" se burla con mucha altura de esa gente que se pudre de envidia cuando a un conocido empieza a irle bien, el estribillo es un “ha ha ha”, una risa de costado, sarcástica, envuelta en una progresión de acordes de esas que atrapan en la primer escucha. Después están esos mid-tempo irresistibles como "Certain People I Know" o "You're the One for Me, Fatty" (el que fuera el mayor hit de Your Arsenal) que tan bien le sientan a la voz de barítono de nuestro protagonista. El disco también acierta en esos temas largos, lentos y climáticos como "Glamorous Glue", "We'll Let You Know" y, sobre todo "Seasick, Yet Still Docked" que podría traducirse como “enfermo por el mar, y aun así, encallado”.

El disco acrecentó la estatura de Morrissey, sobre todo en Estados Unidos, en donde a los Smiths el éxito les había sido esquivo, e hizo que volviera a aparecer con frecuencia en los tabloides británicos, tan adeptos a las siempre polémicas declaraciones del cantante. A esta altura Morrissey ya era un clásico consagrado.






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Video de la Semana: Died Pretty - True Fools Fall

Desde Every Brilliant Eye y esta vez con una producción un poco más cuidada. Por suerte esto no fue en detrimento de las canciones. Ron S. Peno canta con melancolía y cierto "desgano elegante". Atención con el solo de guitarra de Brett Myers.

Ramases - Space Hymns

Como puntos de referencia se pueden nombrar a Dr. Strangely Strange, algún que otro eco de Tír na nÓg o Comus y su aterrador primer trabajo First Utterance. En realidad Ramases no se parece a nada, a pesar de que no se trata de música completamente innovadora, lo que oímos es original, único.

La leyenda relata que Martin Raphael, también conocido como Barrington Frost, llevaba una vida apacible, con un trabajo estable, hasta el día en que se encontró con el espíritu del faraón egipcio Ramses, que le explicó el significado de la vida, junto con otras preguntas trascendentales. ¿Qué mejor modo de predicar el nuevo credo que formar una banda de rock y contar sus verdades al mundo?

De la mano de su esposa, se aseguró un contrato discográfico nada menos que con Vertigo y junto a los músicos de 10cc registró Space Hymns a principios de la década del setenta. ¿La música? Trasciende la leyenda. Se trata de mantras psicodélicos repetitivos, arreglos de percusión raros, voces fantasmagóricas y letras de contenido espiritual, de ver la luz y desperdigar la palabra. A pesar de que todo esto suena a cháchara de hippie alucinado, Space Hymns funciona, y en serio.

"Life Child" empieza con una base constante de guitarras acústicas a las que se van sumando el resto de los instrumentos tradicionales. Ahí está la voz de Ramases (que a esta altura había adoptado el seudónimo) casi al fondo en la mezcla, tenemos un solo de guitarra desquiciado, después aparecen los sintetizadores muy a tono con la época y vamos a parar a una improvisación instrumental antes de terminar aterrizando suavemente. Hay para todos los gustos; space-rock, kraut-rock, rock progresivo-sinfónico, sin definirse por ninguno de los géneros y esa es la clave en Space Hymns, nunca se termina de entender qué es en realidad, pero como todo el conjunto está tan bien armado, cierra por todos lados. "You're the Only One Joe" es otro ejemplo de la extraña fascinación que provoca Ramases en sus mejores momentos. Lo único que dice la letra a lo largo de la duración completa de la canción es el título. Pero esta dicho de tal manera que no deja de ser inquietante, molesto, macabro. Por supuesto; la música refuerza el conjunto.

El disco termina con una de esas típicas conversaciones de estudio de grabación, sólo que en vez de discutir si la toma salió bien o algo de ese estilo, se escucha la voz del líder discutiendo las posibilidades del espacio exterior, qué pasaría si nos achicáramos hasta desaparecer y demás delirios astronómicos. Al cabo de unos años Ramases grabó otro trabajo de estudio, pero el efecto esta vez era algo menor, aunque para nada desdeñable. Nunca más se supo nada de él hasta mediados de los 90's cuando se suicidó en su casa, en Londres.

Como curiosidad, para quienes estén dispuestos a desembolsar una pequeña fortuna (y tengan tiempo y paciencia en la búsqueda) por un ejemplar en formato LP, la tapa es de Roger Dean, y al desplegarlo se ve que el -hasta entonces- cohete espacial de la tapa es en realidad una de las torres de una iglesia que empieza a levantar vuelo. Otro pista para resolver el acertijo de Ramases.







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Dr. Strangely Strange - Heavy Petting
Steeleye Span - Please to See the King

5 Canciones 5: Nick Lowe, The Who, Mark Knopfler, Lollipop Shoppe, The Mission UK

You Must Be a Witch
The Lollipop Shoppe

Fred Cole canta esta perlita nugget con un cóctel de sentimientos a la orden del día; odio, miedo y paranoia. Y confianza. Mucha. En los papeles son cosas que no se mezclan y eso es lo que tiene el garage rock; suele ofrecer más de lo que promete. Este es uno de esos casos.

Aparece originalmente en: Just Colour (1968)

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We Won't Get Fooled Again
The Who

Pete Townshend exorcizando demonios y apoyándose en las bestias que tenía como compañeros de banda. Es un saludo agridulce a la época de idealismo algo inocente de la década que se iba. El grito de Daltrey después del falso final es uno de los puntos altos de Who's Next. Y de la historia de la música grabada.

Aparece originalmente en: Who's Next (1970)

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Cruel to Be Kind
Nick Lowe

El mayor éxito como solista de su carrera también es una de sus canciones más accesibles. Apelando abiertamente al power-pop tan en boga por aquel entonces. Atención con el video en donde aparece su compañero de andanzas en Rockpile, Dave Edmunds.

Aparece originalmente en: Labour of Lust (1979)

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Like a Child Again
The Mission [UK]

No es uno de esos temas típicos del repertorio de The Mission, ingleses, sombríos, pioneros del dark, del rock gótico. Es que la banda de Wayne Hussey suele tener ases bajo la manga. Es amor incondicional, es volver a la infancia. A esos extremos se puede llegar.

Aparece originalmente en: Masque (1991)

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The Car Was the One
Mark Knopfler

Discutible, pero lo más interesante de Mark Knopfler es lo que ha hecho ultimamente, como solista. Con un nivel de confianza y una riqueza musical que parece haber surgido de la nada. Con varias de las características que lo hicieron famoso, su forma de cantar “hablando” y su guitarra deliciosa. Un temazo adentro de un disco muy bueno.

Aparece originalmente en: Get Lucky (2009)

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Siouxsie and the Banshees - Hyæna

Hyæna de Siouxsie and the Banshees no es un disco “normal”. Ellos estarían contentos con la definición porque siempre apuntaron a dar un poco más, a tratar de ir más lejos. Aprovechar la fuerza y los nuevos bríos del punk rock sí, pero de ningún modo dormir en los laureles. Dueños de un espíritu aventurero, los Siouxsie tenían las agallas -y los recursos- para hacerse cargo de sus pretensiones.

Hyæna propone un universo particular, un estado de la mente, un micro-cosmos árido y hostil al que, una vez que se consigue ingresar, dan ganas de volver. Tampoco es que estamos ante un disco de Stockhausen, hay que decirlo, como atadura a las convenciones se puede decir que el trabajo está estructurado en canciones. Son esas canciones, sus arreglos y estructuras las que rompen con las convenciones.

Esta vez se trata de generar climas, texturas, transmitir sensaciones. Para lograrlo hacen uso de un arsenal de medios. Están los arreglos de orquesta de "Dazzle", frenéticos y elegantes, los teclados que reconocen una escucha atenta al trabajo de Ray Manzarek en los Doors en "Swimming Horses" o los colchones de teclados de "Belladonna" con sus sinuosas líneas de bajo, muy cuidadas. Justo cuando uno puede llegar a necesitar una canción propiamente dicha, una especie de “bajada a tierra” aparece "Dear Prudence" de Lennon, en una excelente versión. Adaptada perfectamente al sonido de la época. Y sí… fue un éxito como single, como todo lo que está tocado por los Reyes de Midas del siglo XX. También están los arabescos de "Bring Me the Head of the Preacher Man", con esa cosa fría, tocándose en algún punto con lo más críptico de Echo & the Bunnymen, o el lamento de sirena de "Pointing Bone", casi sobre el final.

En las canciones hay un elemento que unifica y es la voz de Siouxsie Sioux, llena de matices y un claro ejemplo de las posibilidades, de lo que se puede lograr sin un dominio completo de la técnica. Más bien aprovechando las inagotables fuentes de la imaginación y la creatividad.







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Siouxsie and the Banshees - A Kiss in the Dreamhouse
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Thin Lizzy - Black Rose: A Rock Legend

Sí, es cierto, Thin Lizzy ya ha sido reivindicado varias veces. Pero por alguna razón, son pocas las veces en que se los nombra en lo alto del podio del rock duro. Inmerecidamente.

Padres orgullosos de una seguidilla de discos digna de envidia, algunos desparejos (¡doce en poco más de diez años!) pero todos tienen al menos tres o cuatro perlas inolvidables. Después de una trilogía inicial en la que se los veía intentando definir su sonido, en Fighting, cuarto trabajo de estudio, ya tenían el menú listo para la degustación. Después del exitoso Live and Dangerous, uno de los grandes conciertos grabados de todos los tiempos, apareció Black Rose: A Rock Legend, otro discazo.

Black Rose... tenía de todo, grandes canciones, una portada enigmática, el impresionante carisma de su líder, compositor, bajista y cantante Phil Lynott y, como si fuera poco, acá contaban con Gary Moore. Los dejaría en poco tiempo, para dedicarse a su carrera solista pero aportó a la causa, sumó. Para los amantes del rock fuerte y pegadizo a la manera de "The Boys Are Back In Town", están "Do Anything You Want To", "Waiting for an Alibi" o incluso "Get Out of Here". Son esas canciones con pasaporte hacia la inmortalidad, con acordes entrecortados y esos solos con guitarras a dos voces (en armonía) patentados por Thin Lizzy. Está "Got to Give It Up" con un Lynott sacando pecho, en una evidente letra autobiográfica, semi-disfrazada en la segunda persona del singular, acompañado por toda la energía de sus compañeros habituales, Scott Gorham en la guitarra y Brian Downey castigando los parches con seguridad y aplomo. Incluso hay un momento de melancolía y reflexión en "Sarah", dedicado a la hija recién nacida de Lynott y un poco de funk bien 70's en "S&M".

Como guinda de la torta, al final del disco aparece "Roisin Dubh (Black Rose) A Rock Legend", el tema épico-tradicional que dá título a la placa. Atravesando una gama de climas y momentos musicales, con aires celtas, es un cierre apropiado -y arriesgado- para una obra sin fisuras. Quienes escuchen Black Rose... por primera vez se preguntarán si le hacen un pequeño lugar en el “podio” antes mencionado. Es muy probable.







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Thin Lizzy - Bad Reputation
Grand Funk Railroad - On Time
Blue Öyster Cult - Tyranny and Mutation

Video de la Semana: The Divine Comedy - Everybody Knows (Except You)

Neil Hannon en pleno arrebato romántico, sin dejar de lado su costado irónico. Todos saben que la ama, menos ella. Desde A Short Album About Love, del '97, otra (re)visita a la casa del mejor Scott Walker.

Nick Drake - Five Leaves Left

Un caso de unidad entre vida y obra, la música de Nick Drake es el resultado de varias circunstancias y detalles biográficos imposibles de dejar de lado si se quiere comprenderlo y apreciarlo en su justa medida.

Nacido en una familia aristocrática, demostró a muy temprana edad interés por los instrumentos y la poesía. Pero afecciones de todo tipo impidieron el desarrollo de una carrera que desde el principio prometía.
Es conocida su reticencia a las presentaciones en vivo, los pocos que fueron testigos aseguran haber visto a un hombre aquejado por varios fantasmas, tímido en exceso, parco y con poca facilidad de palabras. Por suerte los miembros de Fairport Convention fueron unos de esos pocos privilegiados y tuvieron el buen tino de recomendarlo al gran productor Joe Boyd, pilar en el desarrollo del folk inglés de fines de los sesenta y principios de los setenta.

Fue con Boyd a cargo de la producción que el milagro de Five Leaves Left aterrizó en el mundo, un trabajo exento de huellas de tiempo y lugar, único e irrepetible.

En "Time Has Told Me" empieza el festín sensorial de Five Leaves Left, con su atmósfera reposada y la característica voz de Drake en primer plano; casi al borde del susurro, expresiva pero sutil. Sus habilidades como intérprete y poeta no eran pocas, porque en "River Man" esos elementos aparecen evidenciados, usa acordes y figuras poco frecuentes en el género, lo que habla de un músico con una formación académica -como mínimo- respetable. La catarata de imágenes poéticas es digna de destacarse también, reflexionando sobre lo inevitable de la muerte con metáforas delicadas y simples a la vez. Lo mismo con "Three Hours", en donde la mano de Boyd se deja ver claramente, con un perfecto acompañamiento de cuerdas tejiendo un soporte para los complicados arpegios de guitarra y la riqueza tímbrica y armónica del bajo del histórico Danny Thompson. Sobre el final aparecen unos arreglos de percusión que ayudan a reforzar la atmósfera enrarecida. "Way to Blue" tiene un único acompañamiento de cuarteto de cuerdas, añadiendo dramatismo sin dejar de lado la luz al final del túnel que casi siempre puede detectarse, al menos en los primeros trabajos de Drake. “Mira a través del tiempo para encontrar tu rima y dinos que es lo que encuentras. Esperaremos a tus puertas, esperando como los ciegos” dice la letra.

"Day Is Done" es otra reflexión sobre lo inevitable, utilizando la metáfora de los días que van y vienen. Los arreglos de cello y violines que responden juguetones a las estrofas de la voz son una verdadera delicia. Otra vez Joe Boyd haciendo de las suyas. Según la leyenda, Nick Drake grababa las intrincadas líneas de guitarra al mismo tiempo que cantaba y… ¡en una sola toma! Más allá de la veracidad de esto, es interesante imaginarlo en el estudio, sentado en el banquito que aparece en la tapa de Bryter Layter (el disco siguiente) grabando esta belleza que es "Cello Song" con un arreglo delicadísimo. También la percusión juega un papel importante en este caso, subrayando y jugando con los instrumentos de cuerda. "The Thoughts of Mary Jane" aporta como novedad sonora el uso de la flauta dulce, antes y después de cada estrofa y en "Man In a Shed" vuelven los arreglos complejos de guitarra con un acompañamiento jazzy del bajo que es pura delicadeza. La reflexión amarga sobre la fama de "Fruit Tree" es uno de los temas clave de la corta carrera de Drake, el evidente desprecio por las luces del estrellato preanuncia el triste destino que le esperaba a la vuelta de la esquina. Para decir “buenas noches” nada mejor que "Saturday Sun", una balada al piano trasnochada y esperanzadora, con unas notas de xilófono que aportan originalidad y buen gusto.

Five Leaves Left, a pesar de que fue editado por el sello Island de Chris Blackwell, pasó prácticamente desapercibido, en gran parte por la reticencia de Drake para promocionarlo con conciertos. Su muerte prematura elevó a Nick Drake a la no siempre deseable categoría de héroe de culto y ha sido elogiado por músicos y melómanos de varias generaciones. Prueba de ello es la incontable cantidad de reediciones que sus tres LPs de estudio han recibido y la gran cantidad de compilaciones aparecidas a lo largo de los años.

Es que la música de Nick Drake resiste el paso del tiempo, lo trasciende ampliamente y cada día suena mejor.






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